Continuamos con el balance del año 2011 –o sea, el balonce—, después del post en el que se os pedía que escogieseis la mejor película, en esta ocasión para que elijáis al director que creéis que mejor labor ha hecho en una película estrenada en nuestro país a lo largo del año. Tras consultaros en la sección de “Respuestas”, he elaborado una lista de diez directores, todos ellos con cinco o más votos cada uno. Se han suscitado varios nombres más, pero nos limitamos a diez para esta lista, eso sí, con la opción de que escribáis uno nuevo en la casilla última. La lista es prácticamente la misma que la de mejores películas, a pesar de que el recuento se ha hecho desde cero.

Por detrás de los mencionados, con menos votos, han quedado Clint Eastwood, JJ Abrams, Brad Bird, Joel Coen & Ethan Coen y Olivier Assayas. A partir de ahí, con solo una mención cada uno, se han sugerido los nombres de Takashi Miike, Raúl Ruiz, Woody Allen, David Yates, Aki Kaurismaki, Gore Verbinski, Rupert Wyatt, J. C. Chandor, John Madden y Zack Snyder. En la casilla de “Otro” podéis escribir el nombre de cualquiera de estos o uno que no haya aparecido mencionado aquí y que creáis que se nos está olvidando. Una vez finalice el recuento, os comunicaremos cuál ha sido el resultado.

A continuación está el formulario con las opciones para que votéis. Recordad que no entran los directores de las películas que se van a estrenar pasado el 31 de diciembre, como ‘La invención de Hugo’, de Martin Scorsese:

PD: Próximamente, la votación al mejor actor de 2011.

Es un actor antidocumental, incluso cuando saluda nos deslizamos en la ficción, por no decir en la ciencia-ficción. Su realismo es el mismo que el de los sueños.” François Truffaut acerca de Jean-Pierre Léaud

El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria ha dedicado un homenaje al mítico actor Jean-Pierre Léaud.

Alter-ego y actor fetiche de François Truffaut, Léaud ha participado en varias cintas del autor. Comenzó en el papel de Antoine Doinel en ‘Los 400 golpes’ (1959), en la que no era más que un niño; y siguió con este personaje hasta ‘El amor en fuga’ (1978), pasando por ‘Antoine y Colette’ (1962), episodio de la película colectiva ‘El amor a los veinte años’ (1962), ‘Besos robados’ (1968) y ‘Domicilio conyugal’ (1970). Otros films de Truffaut en los que interpretó otros personajes fueron ‘Las dos inglesas y el amor’ (1971) y ‘La noche americana’ (1973).

Se le reconoce como uno de los rostros de la Nouvelle Vague. Además de para Truffaut, Léaud trabajó para otros directores, como Jean-Luc Godard, Jean Cocteau, Jean Eustache, Olivier Assayas, Agnès Varda, Dominique Cabrera, Philippe Garrel, Tsai Ming-Liang, Luc Moullet, Pier Paolo Pasolini o Jerzy Skolimowski.

Protagonizó la magnífica ‘Contraté a un asesino a sueldo’, del director finlandés Aki Kaurismäki, para el que también interpretó ‘La vida de bohemia’ (1992) y para el que ha rodado ‘Le Havre’ (2011), que se estrenará en Finlandia en septiembre de este año y que espero que llegue a continuación a nuestro país.

El homenaje iba acompañado de un ciclo retrospectiva. El actor, que estuvo presente en el festival, concedió varias entrevistas a medios españoles, en las que desveló, entre otras cosas, que dentro de unos meses trabajará a las órdenes de un director español del que lo único que quiso adelantar es que es «de mucho talento».

Léaud inauguró el festival el día 1 de abril, junto a Willem Dafoe, quien aprovechó que presentaba uno de sus últimos trabajos, ‘A Woman’, dirigido por su esposa Giada Colagrande.

Jean-Pierre Léaud en ‘Domicilio conyugal’ (François Truffaut, 1970).”

Palmarés

El jurado oficial, compuesto por Jerzy Skolimowsky, Vicente Molina Foix, Pascal Vimenet y Arsinée Khanjian, ha entregado los siguientes galardones:

El principal premio, denominado Lady Harimaguada de Oro, ha ido a parar a ‘Jean Gentil’, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (República Dominicana, México, Alemania, 2010). La Lady Harimaguada de Plata ha recaído en ‘Nannerl, la hermana de Mozart’, de René Féret (Francia, 2010) , película que también se ha llevado dos premios ex aequo a la Mejor Actriz, para Marie Féret y Lise Féret. El Mejor Actor ha sido Pedro Casablanc por su interpretación en ‘El mundo que fue y el que es’, de Pablo Llorca (España, 2011).

El premio especial del Jurado se lo ha ganado ‘Jiabiangou’ /‘The Ditch’, de Wang Bing (Hong Kong / Francia / Bélgica, 2010), que también ha obtenido el premio del Público y el Premio Signis. El jurado José Rivero al Mejor Nuevo Director, integrado por Sonia Herman Dolz, Francisco Javier de Lucas y Sophie Mirouze, ha otorgado el premio a Olivier Masset-Depasse por su película ‘Illégal’ (Bélgica / Luxemburgo / Francia, 2010).

El resto de los premios se puede consultar aquí | página oficial del Festival de cine de Las Palmas.

‘Draquila. L’Italia che trema’ es un documental dirigido y protagonizado por Sabina Guzzanti, cuyo título se forma con el nombre de Drácula y con el topónimo L’Aquila, que designa el lugar donde, en abril del año pasado, se produjo un terremoto que acabó con la vida de 300 personas. El subtítulo, que fue elegido por votación entre quienes entraron a su página en Facebook —y que no sé si se habrá buscado como homenaje al mítico film neorrealista de Luchino Visconti, ‘La terra trema’—, se traduce por «la Italia que tiembla».

La cinta quiere demostrar que Silvio Berlusconi está sacando tajada de la construcción de viviendas para miles de víctimas del corrimiento de tierras. El tratamiento de los evacuados en los días posteriores al desastre también es analizado por Guzzanti: «Los habitantes de L`Aquila tuvieron que vivir durante seis meses en una carpa porque el gobierno quería mostrar “el milagro” de las casas», expresa la directora, quien, a su vez, interpreta de forma cómica al primer ministro italiano, como se puede observar en la fotografía superior.

La cineasta opina que «para Berlusconi era un día de mierda, como tantos otros: la magistratura le pisaba los talones, en los sondeos estaba en caída libre. Pero a las 03:32 del 6 de abril, un terremoto devasta una ciudad. Para Il Cavaliere, es como si Dios le hubiera tendido de nuevo la mano». Estas son las palabras que acompañan al tráiler, que se puede ver a continuación:

El ministro de Cultura Sandro Bondi, creyendo que puede hablar en boca de todos los ciudadanos de Italia, comunicó el sábado en una declaración que no va a asistir al festival porque la película ‘Draquila, l`Italia che trema’, es «propaganda que ofende la verdad y a todo el pueblo italiano». Y eso que el film sólo que será exhibido fuera de concurso. Encuentro esta actitud del gobierno italiano no sólo poco democrática, sino casi infantil.

Por otra parte, estas cosas al final acaban dando una mayor publicidad a lo que se quiere ocultar, como ya declaró Flavia Perina, integrante de la comisión cultural parlamentaria. El cineasta Daniele Luchetti añadió: «No sé qué decir de un ministro que tiene vergüenza de una artista libre. Un país libre debe mostrar este tipo de espectáculo. Hay que sentirse orgulloso de llevar al extranjero una prueba de libertad».

La actriz y directora Sabina Guzzanti tuvo que dejar la RAI en 2003 para luchar por su libertad de expresión cuando clausuraron su programa ‘RaiOt’, que es un juego de palabras entre el nombre de la televisión estatal italiana y la palabra inglesa «riot» («disturbio»). En 2005 rodó el documental ‘Viva Zapatero!’, que tenía la intención de destacar la escasa libertad de expresión que se tiene en Italia y que supuso un gran éxito de público. Con el mismo mensaje rodó ‘Las razones de la langosta’ (Le ragioni dell’aragosta) en 2007.

Como nota aparte, me parece que también merece mención el hecho de que en la edición española del periódico El País, la noticia sea difícil de encontrar y brevísima, mientras que la edición uruguaya le dedica un extenso espacio. La asociación reciente entre Prisa y Tele5 ha provocado que esta publicación, que por su naturaleza debería ser crítica con el gobierno de Berlusconi, presente ahora una tolerancia mucho mayor hacia el primer ministro italiano.

‘Route Irish’, de Ken Loach, inclusión sorpresa en el Festival de Cannes

Tenemos, además, otra noticia sobre el festival de Cannes, que está, igualmente, vinculada con la política: la sección oficial le hizo un hueco a la nueva película del director inglés Ken Loach, ‘Route Irish’. Al parecer, Loach recibió la invitación oficial para competir en Cannes, pero rechazó la oferta. Después, cambió de opinión, organizó una proyección para Thierry Fremaux y los organizadores del festival y logró una plaza en el concurso. Suena un poco a enchufe o, como mínimo, a trato preferencial, pero parece que es una práctica normal a la que Fremaux explicó que ya se habían acogido ‘Carlos’, de Olivier Assayas, y ‘Tree of life’, de Terrence Malick.

‘Route Irish’ es un drama ambientado en la guerra de Irak escrito por Paul Laverty (en la fotografía, junto al director), colaborador habitual de Loach. El título hace alusión a la ruta que tomaron las tropas estadounidenses que tuvieron que pasar por Irlanda para llegar a Irak. En 2002 y 2003 se formó un movimiento antibelicista que se asentó en el aeropuerto de Shannon en contra de la invasión de Irak. El documental muestra cómo los esfuerzos del movimiento sirvieron para romper la máscara de neutralidad con la que vivía Irlanda. La acción, que se desarrolla en Liverpool e Irak, nos habla de dos soldados enamorados de una misma mujer que viajan a Irak como asesores militares privados. Uno de ellos está interpretado por Mark Womack.

Vía | Página oficial de ‘Draquila. L’Italia que trema y The Guardian.

¿Cómo analizar un largometraje de una sencillez abrumadora, pero cuyas cargas de profundidad son de tal calado que ofrecen una radiografía del estado anímico de un país, de un continente casi, sin el menor divismo ni deseo de epatar al espectador? La nueva realización del francés Olivier Assayas (París, 1955), uno de los directores esenciales del cine francés de ahora mismo, ofrece el que quizás es el más perspicaz y demoledor análisis de la herrumbre moral europea, de su sombrío futuro y su cobarde presente, disfrazado de tragedia familiar en la más noble estirpe de Chéjov.

Dice el cineasta: “Mi relación con la escritura en las películas es más bien literaria que escénica. Y desde esta perspectiva no tengo problemas con ser literario. Admiro mucho a Chéjov. Estoy tentado a decir: como todo el mundo. Cuando estábamos rodando, a veces les decía de broma a los actores que nuestra película era el eco distante de El jardín de los cerezos...”. Y así es, realmente. Su película es una elegía al tiempo perdido, inspirado por el espíritu más proustiano, un poema al paso del tiempo, tramática, pero sobre todo formalmente. Viéndola uno es consciente de que somos prisioneros del tiempo.

Pero hay mucho más detrás de las imágenes, los diálogos, las secuencias y los personajes de ‘Las horas del verano’, uno de los filmes europeos más importantes estrenados en varios años. Pues su relato es la crónica de un país, Francia, que se hunde moralmente, y de un continente, Europa, que ha perdido sus señas de identidad y se adentra, titubeante, en el nuevo siglo sin la coherencia y la energía que ha desaprovechado durante el siglo XX. Su pasado, su herencia, sus valores, han desaparecido, y ahora les toca a los jóvenes recoger este funesto presente y contruir un futuro lleno de vida. Nada menos que esto se haya agazapado, sutil, pero contundente, bajo esta historia de tres hermanos que han de administrar la herencia de una madre mucho más visionaria y consciente de su tiempo que ellos.

¿Y cómo se acerca Assayas a ésta historia? Durante más de dos décadas este hombre de cine obsesionado con las relaciones familiares, con el tiempo, con la unidad del espacio y con una visión a la vez solemne a la vez prosaica del destino, ha intentado contar sus historias, que son la historia velada de Europa (como hace Tavernier, como hacía Kieslowski) de la forma más austera e inmediata imaginable. Con esta nueva película consigue la que quizás es su obra cumbre, la que resume todas sus obsesiones y reúne todas sus constantes, la que es más suya, más libre, de todas ellas.

Assayas, que se encarga en solitario de las labores de escritura del guión y de la elaboración de la puesta en escena, da una lección de cine sin apenas proponérselo. A estas alturas su dominio del uso de la cámara y de la dirección de actores es tal, que roza el exhibicionismo expresivo. Pocas veces en el cine europeo reciente hemos asistido a tal despliegue del conocimiento del resorte secreto que activa el ritmo interno de los rostros de los intérpretes, así como la relación de estos con la planificación. Porque la secuencia respira de un modo que no parece ficción representada, sino una verdad inmutable que se hace realidad ante nuestros ojos. ¿Cómo expresar sino la magistral secuencia inicial, que dura más de cuarto de hora, y que planta la semilla del futuro cisma, gélido y trepanador, entre los tres hijos en el cumpleaños de la madre anciana? ¿O la desgarradora secuencia de la decisión de vender la casa, la cual no es sino un personaje más, que concluye con ese plano insuperable del hijo ensimismado sentado en su cama?

El derroche de elegancia de ‘Las horas del verano’ acapara todos los detalles de la película, transformando cada momento, cada plano, en un goce para los sentidos, aunque sólo sea el largo momento del repaso a los objetos de arte de la casa. Sorprende además que resulte una película tan dinámica siendo una narración plagada de diálogos, con los personajes hablando sin parar, soltando lo que piensan, lo que sienten. Esta película tan francesa, tan orgullosa de ser europea, es una lección de cine, y una puerta abierta a la cinematografía futura de este continente hastiado y enfermo de arrogancia, incapaz de reinventarse pero buscando desesperado la forma de hacerlo.

Assayas filma como si respirara, y esto se extiende a sus intérpretes, pues todos, sin excepción (no sólo Juliette Binoche, sino Charles Berling, Jérémie Renier, Edith Socob...) no interpretan sino que viven la película, con una verdad y una presencia abrumadoras. Cree el director firmemente en su visión de un mundo que se acaba y otro nuevo que comienza, en una luz primordial que abraza los ecos del pasado pero que también alumbra los caminos del futuro, y en un presente en el que todavía puede quedarnos la dignidad.

Construida en torno a grandes secuencias-bloque, descaradamente teatrales en apariencia pero intensamente dinámicas, cinéticas, cinematográficas, con una historia apasionadamente literaria pero brutalmente audiovisual, ‘Las horas del verano’ es una imagen que mezcla el ayer y el mañana como un todo irreconciliable…

Si hace unos días pudimos ver a Asia Argento en unos clips de “Go Go Tales”, el nuevo film de Abel Ferrara, ahora en Comme au Cinema también se encuentra disponible el trailer y dos clips de Boarding gate, más una entrevista a la actriz, en francés, pero que resulta bastante entendible por su acento, y contiene imágenes del film (en inglés) muy interesantes.

Boarding gate, de Olivier Assayas, también formó parte de Cannes 2007, fuera de competición, y aunque aparte de la presencia de Asia no tuvo gran repercusión, seguro que muchos lo recordaréis por su impactante póster.

La película, que muestra un complicado y violento triángulo amoroso, se estrena en Francia el próximo 22 de agosto. Aquí seguramente nos tocará esperar mucho más, como siempre.

Ver trailer y vídeos de “Boarding gate”

Assayas es ya un habitual de Cannes, que había participado anteriormente en competición con Les Destinées Sentimentales (2000), Demonlover (2002) y Clean (2004). Ahora regresa con un thriller filmado en inglés sobre una joven italiana establecida en Londres, que escapa a Hong Kong para huir de dos turbulentas relaciones con un magnate de las finanzas, y con un asesino a sueldo que planea matar al primero.

El reparto lo completan Michael Madsen y Carl Loong Ng, y aunque no se puede decir que la película haya sido acogida con gran entusiasmo, seguro que el póster protagonizado por Asia Argento que encontraréis a continuación, será suficiente motivo para que muchos y muchas estén deseando verla.