La semana pasada recuperé la sección de las encuestas de cine con el tema de los títulos de las películas. Aquí os dejo los resultados, las opciones más votadas:

• ‘Jungla de cristal’ es el mejor título español de una película extranjera. El 22% de los lectores optaron por nuestra curiosa “traducción” de ‘Die Hard’, un título complicado de adaptar al español. Un 19% le gusta más ‘La guerra de las galaxias’ (‘Star Wars’) y un 11% prefiere ‘El crepúsculo de los dioses’ (‘Sunset Boulevard’). A mí uno que siempre me ha gustado es ‘Centauros del desierto’ (el original es ‘The Searchers’) pero quizá es porque siempre he conocido la película por ese título, si se tratara de un estreno actual igual no me hacía tanta gracia.

• ‘¡Olvídate de mí!’ es el peor título español para un film extranjero. Aquí ha habido casi un empate, tanto la “traducción” de ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ como la de ‘Ice Princess’ (‘Soñando, soñando… triunfé patinando’) han sido elegidas por el 22% de los lectores, solo 9 votos han inclinado la balanza a favor de la primera. En tercer lugar ha quedado ‘La salchicha peleona’, que es como conocemos aquí a ‘Beverly Hills Ninja’. Personalmente, me llamó mucho la atención descubrir que ‘Black Ghost’ y ‘Satán, mon amour’ eran los títulos españoles de ‘Heart Condition’ y ‘The Mephisto Waltz’, respectivamente, dos genialidades de nuestros queridísimos distribuidores.

• El 52% de los lectores opinan que se deberían traducir literalmente los títulos, sin inventar o modificar nada, siempre que sea posible. El 37% votó por dejar los títulos originales, y traducir solo los que fuesen complicados de pronunciar. Solo un 3% mantiene que se hace un buen trabajo con los títulos en España. Para reflexionar.

• ‘Blade Runner’ es el mejor título del cine. Esta categoría ha sido, como era de esperar, la más reñida, y la ganadora apenas se ha llevado un 15% de los votos. La película de Ridley Scott supera en solo un 1% a ‘Apocalypse Now’ y en un 2% a ‘Before The Devil Knows You´re Dead’ (‘Antes que el diablo sepa que has muerto’). Curiosamente, los más votados no tienen traducciones españolas (la de Coppola se la conocía como ‘Apocalipsis Now’ pero afortunadamente se quedó el título original). Recuerdo que no se tenían en cuenta los títulos de las películas que se limitaban a repetir el del libro o la serie que adaptaban a la gran pantalla.

Y eso es todo, ¿qué os parece? ¿Algún escándalo? ¿Todo dentro de lo razonable? En la siguiente encuesta, dentro de una semana, nos centraremos en la comedia, como han pedido muchos lectores.

Asumámoslo de una vez, y a lo mejor así lo superamos antes y pasamos a cosas más constructivas: el cine es un verdadero coñazo, y perdón por la expresión. En un grandísimo porcentaje los directores y los guionistas han convertido un proyecto de arte supremo en una artesanía más o menos disfrutable, y muchas veces trivial. Presentación, nudo y desenlace. Tres actos. Climax. Zonas explicativas. Dibujo más o menos comprensible de personajes, motivaciones, objetivos, conductas. Plano y contraplano. Plano general y cámara en mano. Lugares comunes. Tedio. En el mejor de los casos, si el director es un tipo con las ideas claras y algo de inventiva, ese tedio puede pasar por una película quizá emocionante, quizá ingeniosa, quizá con algún elemento destacable en lo escenográfico. Pero, básicamente, y esto lo digo con convicción, mal que me pese, nos estamos dedicando a contarnos el cuento de la vieja una y otra vez. Ya he visto esa película. Una docena de veces. Y me aburre.

Con este panorama, una película, o mejor dicho, una joya deslumbrante como ‘Olvídate de mí’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, Michel Gondry, 2004) es algo así como una lavativa en condiciones, una bomba estética, un regalo incomensurable, una bofetada en el mohoso rostro del clasicismo, de lo aceptado como correcto narrativamente. Gondry los tiene cuadrados, ni más ni menos. Qué genio y qué bastardo con magia. Un verdadero mago, cuyo logro en esta película creo que no empezará a ser considerado en su totalidad hasta dentro de algunos años, cuando los cinéfilos y los críticos vuelvan a verla y se den cuenta, verdaderamente, de lo que significó y lo que alcanzó este título. Aún con sus imperfecciones (no existe una gran obra libre de ellas, creo), ‘Eternal Sunshine’ es la más lúcida y despiadada radiografía de las relaciones de pareja que sospecho se haya hecho jamás.

A grandes rasgos, la grandeza de esta obra maestra se sostiene en tres pilares indestructibles. A saber:

1. Una puesta en escena increíblemente enérgica, libre y valiente, que hace pedazos la dramaturgia ortodoxa para alcanzar el rango de vanguardia narrativa.

2. Un guión asombroso, pensado hasta en el más mínimo detalle, con el que no hay que dar nada por sentado y que margina hasta el ostracismo cualquier idea preestablecida sobre construcción dramática.

3. Unos actores superdotados y en estado de gracia, que hacen volar cada secuencia. No solamente los grandísimos Kate Winslet y Jim Carrey, que son el corazón de la historia, también Kirsten Dunst, Elijah Wood, Mark Ruffalo, Tom Wilkinson...

Michel Gondry (Versalles, 1963) se entrega con algo de impostura a una cierta retórica visual que no siempre funciona como él desearía. Pero estos juegos, en lugar de estorbar o deteriorar el tejido vivo de lo que estos artistas son capaces de lograr, funcionan al margen, como un aliciente más, o más bien otro nivel, de los muchos que jalonan este complejo e intrincado relato. Posiblemente nunca vuelva a conseguir algo de este calibre, y da la impresión de que se encontraba tan pletórico de ideas que podía haber filmado dos películas en una. Y dentro de ‘Eternal Sunshine’ residen unas cuantas películas, sin duda. Una (varias) melancólica(s) historia(s) de (des)amor, una indagación acerca de los crueles mecanismos de la memoria, y una lúcida reflexión sobre géneros tales como la sci-fi, el melodrama o el realismo mágico, formas narrativas deconstruidas por esta maravilla de película, repleta de gamberrismo y sentido del humor.

Olvidar nos hace libres

Yo creo que el cine es, en su forma más auténtica, la representación de un recuerdo. O de un sueño, que es un recuerdo interiorizado hasta profundidades insondables. Los recuerdos deberían ser la materia primordial de las películas, y desde luego lo son de ‘Eternal Sunshine’, cuya trama gira alrededor del hecho de que estamos hechos de recuerdos, somos prisioneros de los recuerdos, queramos o no. Nietzsche escribió: “benditos sean los olvidadizos, pues superan incluso sus propiois errores’. Pero Alexander Pope escribió: “Feliz es el destino de las vírgenes vestales, pues olvidan al mundo y el mundo las olvida a ellas, brillo eterno de la mente inmaculada, cada oración aceptada y cada deseo renunciado”. Nunca, nadie, imaginó una experiencia audiovisual tan certera acerca de cómo queremos retener unos recuerdos que nos hacen pedazos, y la forma en que esos recuerdos nos condicionan en decisiones futuras.

La historia de amor entre los inadaptados sociales, y ciertamente mezquinos, Joel Barish y Clementine Kruczynski, es una mera excusa narrativa para bucear sin oxígeno en las turbias aguas del transcurrir del tiempo, del egoísmo y la inseguridad humanas, de la soledad, y de la risa y la diversión como única válvula de escape a una cotidianidad irrespirable. Cotidianidad rota por el encontronazo entre dos seres opuestos que dará lugar a una nueva, e irrespirable, cotidianidad, en la que ambos se sentirán atrapados y perdidos. Charlie Kaufman, autor del guión, parece conocer todas las trampas, todos los resortes, de las relaciones de pareja, porque aquí damos un buen repaso a la realidad de enfrentarse cada día con alguien a quien amas y odias al mismo tiempo, a quien deseas y a quien rechazas.

Pero no solamente eso. Gondry se pone a la altura del guión de Kaufman, cuya historia él mismo coescribió, y lleva a cabo un ejercicio de estilo extremo, radical, que sin embargo está muy alejado del gusto por lo retorcido, que tan a menudo tiene lugar con relatos acerca del subconsciente o la mente, y no estoy pensando ahora en ningún Nolan en particular. Pero a Gondry (y a Kaufman) les interesa menos el estudio de la mente y mucho más el del corazón humano, como mapa para orientarse en este laberinto lleno de trampas. Gondry, listo como un zorro, se basa a su vez en cuatro herramientas para contar esta historia:

1. El sonido y la música empleados para dar sentido interno a una historia no lineal y apenas narrativa, con lo que se gana en abstracción y en absurdo.

2. El guión como excusa para emplear el montaje de forma altamente imaginativa, superponiendo espacios y planos, proponiendo un collage sensorial en la más fiel acepción del término “surrealismo”.

3. La fotografía (responsabilidad de Ellen Kuras) capaz de dotar a cada espacio de una entidad emocional propia.

4. Un uso de la cámara absolutamente magistral, con la que Gondry expresa cada gesto, cada detalle, como si fuese un testigo y no un mero prestidigitador.

Así, Gondry esculpe más que construye, con la impagable ayuda de Carrey y Winslet, un itinerario a ninguna parte de un par de almas errabundas, que no saben amar ni perdonar, pero que sí saben que no quieren perder al otro en ese viaje, en el cual las pistas serán sutiles pero contundentes, como el color del pelo de Clementine, o el orden interno de los sucesos. Sucesos que son captados con su cámara como si se trataran de documentos acerca de la vida entre dos personas, más que de cine prefabricado, del que tantas veces ha tratado ese tema. Los encuadres de Gondry son excepcionales porque con ellos accedemos a una verdad profunda (¿la hay de alguna otra clase?) y al espejo interior de nuestros propios fantasmas.

Conclusión y escena favorita

Obra mayor del cine americano de la pasada década, sin lugar a dudas. Filmada con coraje e imaginación desbordantes, arrasada de verdad y de emoción. Mi escena favorita es aquella en la que ambos ex-amantes escuchan la cinta de uno de los dos. Extraordinaria parábola de los rencores y los odios que unen más que el cariño o la comprensión. La cinta sigue y sigue, como pensamientos que flotan y que se sienten como cuchillos, y ambos personajes salen de la habitación (de su reclusión) y se aceptan tal como son. Quimera que en el cine queda como un momento sublime.

En Blogdecine:

• ‘¡Olvídate de mí!’, embriagador y amargo amor (por Juan Luis Caviaro)

Mira, todo se está derrumbando. ¡Te estoy borrando y soy feliz!

(Joel)

Por esta costumbre tan nuestra de cambiar los títulos, e inventarnos otros que a veces no tienen nada que ver con el original, se da la peculiar circunstancia de que llega a resultar molesto hablar a otras personas sobre algunas películas que le encantan a uno, siendo preferible no hacerlo, o simular por un rato que se tiene mala memoria, y referirse a ellas por otros elementos característicos (nunca la traducción española). El segundo largometraje del francés Michel Gondry tiene un título maravilloso, pero en lugar de llamarlo ‘La eterna luz de la mente impoluta’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, extraído de un poema de Alexander Pope) aquí lo conocemos por ‘¡Olvídate de mí!’, pues se pensó que así se atraería a más público, vendiéndolo como una comedia romántica en la que Jim Carrey y Kate Winslet (entre otros) se enamoran y nos hacen reír.

Bueno, más o menos. De hecho, el aspecto que me parece mejor retratado en el film no es nada divertido, al revés, es de lo más triste; me refiero a cómo está plasmado el lado amargo del amor. Cuando estaba preparando mi lista particular de las diez mejores películas de la década, a finales del año pasado, tenía muy claro que debía incluir ‘Olvídate de mí’, porque cuando la volví a ver, me volvió a emocionar, seguía tan fresca, auténtica, lúcida e imaginativa como cuando la experimenté por primera vez, si no más. Empiezan los títulos de créditos, al ritmo de la versión de Beck del tema ‘Everybody´s Got to Learn Sometime’, y no puedo evitarlo, se me pone la piel de gallina y me rindo por completo a Gondry, Carrey y Charlie Kaufman, autor de uno de los guiones más brillantes de la historia del cine.

Almas encontradas

Podría morir ahora mismo, Clem. Estoy… feliz. Nunca me he sentido así antes. Estoy exactamente donde quiero estar.

(Joel)

Uno de los grandes aciertos del film es no empezar por el principio de la historia (aunque eso no lo sabemos aún). Vemos a Joel (Jim Carrey) despertándose con dolor de cabeza, como con resaca. Se viste y sale, descubriendo que su coche tiene un importante golpe en la parte delantera. Llega a la estación de tren y, sin saber por qué, cambia de andén y entrando por los pelos en uno de los vagones (fantástica escena, Carrey tiene que hacer verdaderos esfuerzos para atravesar la puerta). Luego le vemos en la playa, mirando por la ventana de una casa abandonada, haciendo dibujos en la arena y mirando el océano, tiritando y maldiciendo su gran fortuna al visitar Montauk (Nueva York) en invierno. Con pocos trazos, el comportamiento errático, su aspecto desaliñado y esas gruñonas reflexiones en off (”San Valentín es un día festivo inventado por las compañías de tarjetas de felicitación para que la gente se sienta como la mierda“), ya conocemos a Joel, ya parece nuestro amigo (o nuestro reflejo).

Es el momento de que entre en escena la otra protagonista, Clementine (Kate Winslet). Se ven por primera vez (o eso cree Joel) en la orilla, luego en un restaurante, donde Clementine ya saluda a Joel (éste se hace el despistado y se lamenta por enamorarse de la primera mujer que le dedica un poco de atención), y de nuevo en la estación, mientras esperan el tren de vuelta. Ella está decidida a hacerse notar, pero él se resiste a responder; hasta que ya sentados dentro de un vagón prácticamente vacío no hay escapatoria y empiezan a hablar. Se inicia así una maravillosa conversación entre ambos (con diálogos tan incómodos y naturales que parecen improvisados en la misma escena), en la que se van deslizando más guiños que sólo comprenderá el espectador más adelante (que Joel no conozca la canción ‘Oh my darling Clementine’), como el detalle de las páginas arrancadas del cuaderno, que los dos se hayan encontrado en el mismo lugar o que ella esté segura de haberle visto antes, en la librería donde trabaja.

De la misma manera que entendimos a Joel en poco tiempo, captamos enseguida cómo es Clem. No se calla, dice lo que piensa, y es impulsiva, se fía de sus tripas. Sentía curiosidad por ese tipo de aire amargado, y no dudó en acercarse a él. Ambos tienen personalidades muy diferentes, lo que al principio provoca algún malentendido (sí tienen en común que son muy susceptibles, fruto de fuertes desengaños sentimentales, algo que no se explica pero se capta), que se evapora porque se caen bien, se atraen. Superan las dudas y Clem invita a Joel a su casa. Pasan un rato juntos, él se marcha a casa y la llama en cuanto atraviesa la puerta. En unos minutos ya son las dos personas más alegres del planeta. Quedan a la noche siguiente y la pasan viendo las estrellas (otra escena deliciosa, con la constelación inventada). Al amanecer, Joel se queda embobado mirando cómo duerme Clem; finalmente la despierta, pero ella le dice que se va a vivir con él. Un instante después aparece Patrick (Elijah Wood) y el relato da un sorprendente giro.

Las cenizas de la pasión

Clementine: “Y en tu pequeño cerebro, estás intentando averiguarlo: ¿habrá follado con alguien esta noche?”

Joel: “No, Clem. Asumo que has follado con alguien esta noche. ¿No es así como consigues caer bien a la gente?”

Transcurridos unos dieciocho minutos, empiezan a pasar los títulos de crédito, mientras vemos a Joel llorando, desconsolado, conduciendo a través de una noche lluviosa. Da la sensación de que se ha dado un salto adelante en la narración, a un momento en el que todo ha acabado entre Clem y él, y esto es así, pero en realidad el salto es al pasado, como comprenderemos más adelante. Joel llega a casa, se toma unas pastillas y cae dormido. Es entonces cuando conocemos a Patrick y Stan (Mark Ruffalo), cargando con un extraño equipo electrónico entran en el apartamento de Joel, como si fuera algo acordado. Éste parece despierto, tumbado en su cama, pero ya ha empezado a soñar, a recordar, a distorsionar la realidad y confundirla. A través de su mente retrocedemos aún más en la historia, y presenciamos una escena en la que Clementine besa a otro chico justo delante de Joel, a quien trata como si jamás lo hubiera conocido.

Así es como llegamos a la escena en la que todas las incógnitas anteriores empiezan a resolverse. Joel habla sobre lo ocurrido con su hermana y su cuñado (David Cross, el impagable Tobias de ‘Arrested Development’) y descubre que Clem le ha borrado de su vida. Literalmente. Lacuna Inc. es una compañía que ofrece a sus clientes la fantástica posibilidad de suprimir los recuerdos que desee, para superar traumas y poder seguir viviendo como si nada triste les hubiese sucedido. Herido, desesperado, Joel acude a Lacuna y decide hacer lo mismo, iniciando un intenso y doloroso viaje en el que, para eliminar a Clem de su cabeza, debe antes revivir todo lo que compartió con ella. De esta forma asistimos a un resumen de la aventura de estos dos personajes (imposible no sentirla propia), cómo se conocieron (la primera vez), cómo se enamoraron, cómo vivieron juntos momentos mágicos, cómo fueron felices… y cómo empezó a torcerse su relación, a cansarse el uno del otro, hasta llegar a un punto en el que les resultaba insoportable la compañía del otro.

Don Fabrizio Salina, el protagonista de ‘El gatopardo’, definió el amor de una manera seca y contundente: “Fuego y llamas un año, cenizas durante treinta”. En ‘Olvídate de mí’ también tiene cabida esta visión amarga que expone el personaje al que dio vida Burt Lancaster en 1963 (y a la que me refería en el segundo párrafo de este texto). Más tarde o más temprano, de una forma más o menos pronunciada, una vez que empiezan a desvanecerse las embriagadoras esencias del enamoramiento, es (o parece) inevitable que empiecen a surgir en la pareja, por mucho que se amen, pequeñas fisuras, que con el paso del tiempo tienden peligrosamente a agrandarse, con el riesgo de provocar una distancia insuperable, que puede conducir fácilmente al desprecio y el odio. Lo avisa Clem al poco de conocer al enamoradizo Joel: “Llegará un momento en el que encontrarás cosas que no te gusten de mí, y me aburrirás y me sentiré atrapada“. Así sucede. En un primer momento esa mujer es absolutamente perfecta para Joel; pero pasa el tiempo y algunas de sus particularidades comienzan a irritarle, volviéndose borde y malhumorado, cínico, llegando a provocar una situación insostenible.

Una conexión mágica

¿Somos como esas parejas que ves en los restaurantes? ¿Somos los muertos que cenan?

(Joel)

La idea que da la película, o al menos la que he encontrado (quizá porque la comparto), es que esta fractura que surge en la relación se debe a que inevitablemente cada parte se vuelca en la otra, alterándola, por lo que uno acaba viendo en la otra persona sus propios defectos, inseguridades y errores; con el paso del tiempo se acaba la ilusión y el engaño, el modo en el que somos y el que amamos se termina relevando ante nuestros ojos, y eso puede resultar (en muchos casos) difícil de aceptar. Dicho esto, no puede concluirse que el guión apueste por la imposibilidad de mantener vivo el amor. Difícil, pero no imposible. Mientras que otras parejas de la película se rompen (por construirse sobre mentiras), la conexión única y verdadera que se establece entre Joel y Clem es tan poderosa que resiste incluso el borrado de memoria; están destinados a encontrarse siempre, pase lo que pase. Es una idea romántica y fantástica que así plasmado, no resulta increíble. También puede entenderse esto como una especie de triste bucle eterno, uno se merece al otro y eso sólo conduce al sufrimiento (o sea, a repetir el proceso); hay margen para los dos puntos de vista.

A hacer creíble lo increíble contribuye, cómo no, unos actores muy implicados, muy metidos en la ficción, ofreciendo la mejor versión de sí mismos (inmensos Carrey y Winslet). Gondry también está especialmente inspirado (es su mejor película hasta la fecha) con el libreto de Kaufman, ganador de un Oscar y escrito a partir de una idea del director y su amigo Pierre Bismut. El relato permite a Gondry dar rienda suelta a su imaginación y su poderío visual, al tener que lidiar con las numerosas escenas soñadas, recordadas y alteradas por Joel, a lo largo de esa implacable limpieza cerebral. Escenas resueltas con gran ingenio, en las que sólo se recurre a los arreglos informáticos cuando es necesario (la caída del coche en esa calle sin fin o la destrucción de la casa), resolviéndose muchas de ellas con una hábil puesta en escena, junto a arreglos fotográficos y artesanales. Todo funciona con fortuna en esta bellísima, sincera y melancólica historia de amor.

Clementine: “Se acabó, Joel. Todo desaparecerá muy pronto”.

Joel: “Lo sé”

Clementine: “¿Qué hacemos?”

Joel: “Disfrutarlo”.

Veinticinco películas que saben a gloria, y que vuelvo a ver siempre que puedo, las que puedo. Entre ellas muchas norteamericanas, pero también europeas, aunque es cierto que el nivel en nuestro continente ha bajado sensiblemente, mientras que al otro lado del charcho ha subido. Así son las cosas. Entre las elegidas, como se verá, hay muy pocas ganadoras del premio cinematográfico menos prestigioso del mundo, el Oscar, entre otras cosas porque el prestigio lo dan los títulos elegidos (no al revés), y muchas veces no hay por donde cogerlos. La gran mayoría, o todo, de la lista es cine de autor, que es el único que soportará el paso del tiempo, o así lo creo yo. Echadles un vistazo, no os cortéis:

‘There Will Be Blood’

Paul Thomas Anderson es uno de los cuatro o cinco directores norteamericanos más importantes de la actualidad. Con esta obra maestra irrepetible, su quinta película, homenajea en cierta forma a Malick, ayudándose además de su habitual diseñador de producción, Jack Fisk. Una recreación de época primorosa, situada en los albores de la fiebre del petróleo, con el mejor actor vivo, el incomparable Daniel Day-Lewis, que da vida a un trasunto del Diablo inolvidable, abyecto y conmocionador. Sublime.

‘El nuevo mundo’

De uno a otro importantísimo director norteamericano, al que actualmente estoy dedicando un extenso especial. En su cuarto largometraje Malick regresa a los territorios por los que sólo él transita en el cine de hoy día, en el que narra el eterno desencuentro del hombre consigo mismo y con la naturaleza. Lirismo estremecedor en una mirada limpia de todo divismo y capaz de mostrar lo inenarrable: al hombre rozando el paraíso y perdiéndolo por su propia incapacidad y su miserable condición

‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’

El francés Michel Gondry, de mano de uno de los más ingeniosos y sorprendentes guiones de los últimos años, obra del ubicuo Charlie Kauffman, firma una maravilla inolvidable de la que, por motivos obvios, y al igual que en el caso de la de Anderson, me niego a poner su título español, porque ofende la vista. Impecables Carrey y Winslet para un relato que a nadie puede dejar indiferente, que conmueve y divierte a un tiempo, que es vanguardista y clásico a la vez. Una joya imperecedera.

‘Brokeback Mountain’

Ya sabíamos todos, bastante antes de esta película, que Ang Lee era uno de los mejores directores en activo, y de los pocos que merecen el calificativo de director a secas. Pero con esta película alcanzó una cumbre muy difícil de repetir. Asombrosos Ledger y Gyllenhaal para una compleja y difícil historia de amor que es también un fresco histórico fascinante. Obra de arte que gana con cada visionado y que da fe de hasta dónde puede llegar el cine.

‘Million Dollar Baby’

El gran Eastwood hace lo que parecía imposible: superar su magistral y terrible ‘Mystic River’ con un drama aparentemente muy sencillo, pero que esconde bajo su serena piel una convulsa representación del drama de vivir, de amar, y de morir. La más lúcida reflexión de su director, en la que es también una de sus mejores interpretaciones, y eso es decir mucho tratándose de un actor superdotado como él. Actualmente, mi compañero Alberto le está dedicando un repaso a toda su carrera, y espero con ganas que llegue el momento de hablar de esta película.

‘El pianista’

Que regrese el mejor Polanski, después de tantos años por debajo de su inmenso talento, siempre es una gran noticia para el cine. Esta vez, lo hace con una historia que espero contar más de sesenta años, y es que a veces la vida es extraña, y lees la biografía de un pianista célebre, y puedes acercarte al horror de tu pasado. Muy superior a ‘La lista de Schindler’ y de similar devastación emocional a la de ‘Shoah’. Imprescindible.

Mi Crítica de ‘El pianista’

‘Héroe’

Muchos se quedaron de piedra cuando descubrieron que la promesa de Yimou de hacer su propio Wuxia (guerreros históricos voladores…no, ‘Matrix’ no inventó nada) se hacía realidad con esta bellísima historia de tres guerreros que juraron matar a un rey, y el misterioso hombre que les derrotó y contó cómo llevó a cabo la hazaña. Un poema visual en toda la grandeza de la expresión, y un canto a la paz y a la fraternidad. Una maravilla.

‘Bailar en la oscuridad’

Muchos, cuando Von Trier se alzó con la Palma de Oro (el premio cinematográfico más codiciado que existe) y su actriz principal el galardón por su trabajo en el Festival de Cannes, por esta perturbadora película, no sabían a qué atenerse con un musical tan atípico. Pero es, sencillamente, una declaración de amor por el musical americano de parte de Von Trier, a la vez que un melodrama de estilo muy complejo y enigmático. Muchos ni siquiera la han visto cuando ven ‘Anticristo’ y ponen a parir a este gran artista. Obra maestra incontestable.

‘21 gramos’

Tras la grandísima, y sobresaliente, sorpresa con la que nos sacudió en plena cara Iñárritu, titulada ‘Amores perros’, este cineasta mexicano advirtió que no se trataba de un azar que su primera película fuera tan notable y erigió una obra maestra cuyo alcance todavía no se puede calcular. Guillermo Arriaga se da de la mano con Faulkner, y junto a Iñárritu elaboran un puzzle emocional devastador, descarnado, inolvidable, con un Sean Penn sensacional, un Benicio del Toro formidable y una Naomi Watts…sin palabras.

‘Paranoid Park’

Gus Van Sant es un cineasta extraño. Dotado de un impresionante talento para contarnos las miserias de los jóvenes estadounidenses (especialmente los marginales), durante los años noventa anduvo perdido en historias que no acababan de cuajar. Sin embargo, llega la primera década del siglo XXI y se revela como el gran director que es, uno de los más importantes de su país. Esta es, sin duda, su más bella, hipnótica e inclasificable película.

Mi crítica de ‘Paranoid Park’

‘Kill Bill, vol.2’

Tal vez esta sea la cumbre de la obra tarantiniana, de momento. El bueno de Quentin quería superar ‘Pulp Fiction’, o al menos su impacto generacional, y lo logró con esta intensa, sorprendente, libérrima historia, que homenajea el cine oriental en su variante de cine negro y de cine de artes marciales, así como al cine de Leone. La venganza de la Novia será de todo menos previsible, y un generoso y placentero relato filmado con maestría y mucha, mucha sangre.

‘Inland Empire’

A David Lynch todo le da igual. Le da igual la comercialidad, le da igual la narrativa y le da igual lo que piensen de él. Dejando todo esto claro, queda una cosa más por decir: Lynch es un artista insobornable, y su última película, con la que muchos se quedaron mudos o no supieron qué decir, es muchísimo más sencilla de lo que su apariencia laberíntica y absurda aparenta. Obsesiones de Lynch a cargo de una actriz metida en líos. Cine que no es cine, sino vídeo, pero cine puro por la personalidad visual salvaje y trasgresora de un visionario que siempre será él mismo.

‘4 meses, 3 semanas y 2 días’

El infierno urbano no es ninguna broma, y aunque muchos cineastas se empeñen en falsearlo, trivializarlo o idealizarlo, hay otros, pocos, que con un coraje ilimitado se atreven a mostrarlo tal cual, sin componendas, y al espectador que no le guste, que siga con los hermanos Scott. Obra maestra total y absoluta, escalofriante, bestial, humana.

‘El libro negro’

Que Verhoeven es un gran director, algunos todavía lo dudan, pero lo demostró con creces regresando a su país, Holanda, y realizando esta obra de aventuras magistral, con un guión impecable y trabajadísimo, un reparto perfecto y muchísima emoción, muchísima violencia, mucho sexo y romanticismo. Da gusto ver a Verhoeven haciendo lo mejor que sabe hacer, echar un vistazo a la historia de su país. Impecable.

‘La joven del agua’

El propio Shyamalan define esta película como “la experiencia estética más importante de mi vida”. Una vez más, se trata de un título con el que muchos no saben cómo reaccionar, en lugar de rendirse a la belleza y la chocante coherencia de sus imágenes. En realidad, como todo el cine de este realizador, es una historia que quiere provocar la esperanza en el corazón del espectador. ¿Existe reto mayor para un artista?

Mí crítica de ‘La joven del agua’

‘Avatar’

A muchos no les sorprenderá que incluya esta emocionante película entre las 25. A otros, simplemente les escandalizará. La película que ha convertido en experta sobre la escritura de guiones a media humanidad, es una solemne y brutal crítica a nuestra raza, además de una descripción elegíaca de la conexión de los seres vivos con la naturaleza. Grandiosa batalla final que deja en bragas a la gran mayoría del cine de acción actual. Una joya.

Mi crítica de ‘Avatar’

‘I’m not There’

Puede que nunca se estrene en los cines españoles, por razones indescifrables para mí (y las de la distribuidora también lo son), pero lo cierto es que esta hermosa película es una de las más importantes de cine norteamericano en muchos años. Todd Haynes nos habla de Bob Dylan, claro, y a través del rostro de seis actores distintos, pero también nos habla de música, de arte, de una época en la que todo era posible, y en la que una mítica tierra llamada América podía albergar dignidad. Casi nada.

Mi crítica de ‘I’m Not There’

‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’

Aniquiladas las raíces del western, aún puede regresarse a él con lirismo y sensibilidad, no exentas de malicia y violencia salvaje. El juego de espejos que propone esta formidable película se encuentra entre lo más extraño, pero también lo más primordial del género. Andrew Dominik, en su segunda película, nos deja pasmados con su dominio del tiempo narrativo, con su mirada ingenua y desarmante, y con su tenebrismo inquietante. Sensancional Pitt, un actor que ha terminado de controlar la máscara de su rostro para hacer de ella lo que le place. Inclasificable e imprescindible.

Mi crítica de ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’

‘El viaje de Chihiro’

Si ‘La princesa Mononoke’ es la más violenta y desesperanzada, esta es la más espiritual pero también la más inquietante película de Miyazaki. Dijeron que era su versión de ‘Alicia en el país de las maravillas’, lo que no es si no un reduccionismo recalcitrante de una historia mucho más rica, menos simbólica y más metafórica que aquella. La niña Chihiro se verá inmiscuida en un mundo al que no pertenece, con reglas propias que deberá ir aprendiendo si quiere sobrevivir y, sobre todo, si quiere regresar. Un mundo al que la palabra fascinante se le queda pequeño. Rebosante imaginación del maestro, sublime animación. Para qué seguir diciendo nada.

‘Wall-E’

La aportación de Pixar al cine en general, y a la animación en particular, durante esta década, ha sido capital. Y aunque ninguna de sus películas es perfecta, pues acaban sucumbiendo al conservador estilo Disney en sus finales (entre otras cosas), sí que pueden llegar a ser conmovedoras, generacionales, y siempre divertidísimas. Esta joya sobre un robot limpiador que un buen día se enamora de una despiadada robot indestructible empieza muy bien y acaba regular, pero es un trabajo formidable por la capacidad de arrastre emocional que atesora, y por unos diez primeros minutos sublimes.

‘Hijos de los hombres’

Alfonso Cuarón es el director mexicano más importante de la historia, para quien esto escribe. Y lo es porque tanto en su país como fuera de él ha firmado obras maestras, algo al alcance de muy pocos. Esta es una de ellas, sencillamente. Auténtico relato de ficción científico, muy alejado de los feísmos o los colorines que directores muy inferiores adjudican a este género, simplemente viva, trepidante. No hay esperanza ni redención posibles, no hay un héroe invencible con el que sentirnos más seguros, no hay seguridad de que el viaje tenga un sentido. No hay nada, y hay todo. El mundo, el hombre, tal cual. Obra maestra total y absoluta.

Mi crítica de ‘Hijos de los hombres’

‘Ser y tener’

Mientras la mayoría de las películas se dedican a ficciones más o menos interesantes, hay otras que se dedican a aspectos verdaderamente importantes de la vida, y lo hacen con una sensibilidad y un talento que directores en teoría geniales no pueden ni siquiera soñar. Otros pueden quedarse con películas sobre venganzas, o sobre teóricas y nunca posibles redenciones. Pero esta en particular nos muestra el proceso de la autoconciencia, del aprendizaje del mundo, ahí es nada. La cámara se introduce en una clase de parvulario y no se sabe cómo, pero los pequeños se olvidan de ella y nos dan un milagro. Obra de arte.

‘2046’

Hay muchos que vieron esta película y no supieron muy bien cómo reaccionar. Es el ejemplo más perfecto que conozco de cine-música. Es decir, cine anti-narrativo, anti-tramático si se quiere. Un poema sensorial de enigmática belleza y estilo muy complejo, con el que Wong Kar Wai cierra una etapa de su cine y abre otra. No cabe preguntarse por la razón de muchas de sus imágenes, si no simplemente dejarse arrastrar por su cadencia y su capacidad expresiva. Un escritor rodeado de atractivas y fugaces mujeres intenta comprender las razones del amor y del desamor. Monumental y arrasada.

‘Entre les murs’

Palma de Oro en Cannes en 2008, no se sabe bien, observando sus imágenes, si esta obra maestra es un documental en el que se ha introducido la fábula de la ficción, o una ficción a la que se ha inoculado la conciencia de lo documental. Pero poco importa. Demoledora y muy incisiva radiografía del estado de cosas en la educación secundaria pública. Pocas películas han dado a conocer al espectador una violencia y una tensión tan descarnadas, y al mismo tiempo tan contenidas. La sensación de ver algo real es tan fuerte, tan definitiva, que convierte en un juego de niños la gran mayoría del cine de ficción predigerido que nos llega. Insuperable.

Mi crítica de ‘Entre les murs’

‘Una serie de catastróficas desdichas’

Cuando una película consigue que no se te borre la sonrisa de la cara desde el principio hasta el final, aunque en muchos momentos la sonrisa se convierta en pura carcajada, y a menudo asome la lágrima, hablamos de algo más importante de lo que a muchos pueda parecer a priori. Además, su diseño de producción (obra de Rick Heinrichs) te descubre que el genio visual de las películas de Tim Burton no era Tim Burton, precisamente. También podríamos hablar de la incomparable fotografía de Lubezki, o del talento guiñolesco del gran Jim Carrey, pero sobre todo es un cuento para críos, o no tan críos, que conmueve sin apenas esfuerzo. Gamberra, trasgresora, lúdica, ligera, trágica. Obra maestra.

Y premio especial para una recién estrenada, con mucho retraso, y que acabo de ver (que hace la número 26):

‘La cinta blanca’

La más grande película de Haneke, y tiene algunas formidables, debería estar entre las 25, pero la añado a última hora, después de acabar de verla, por fin, en el cine.

Y esto es todo.

En Blogdecine:

Mis películas favoritas (y IX): década actual

Las diez mejores películas de la década (2000-2009)

Ya que hemos repasado lo mejor (y lo peor) del año pasado, y aprovechando que estamos en el 2010, vamos a seleccionar también las mejores películas de la década, tal como han hecho otros medios nacionales e internacionales (más o menos acertadamente).

Por supuesto, en diez años se han hecho tantas películas (y no sólo en Hollywood), que hacer una lista de sólo diez títulos es una tarea difícil. Me encantan las listas, pero dejar sólo diez… Tras pensarlo mucho, me quedé en 20 títulos; pero Alberto, con su característico don de gentes me convenció que eran demasiados (“déjalo en diez, porque poner más sería una completa **********”). Lo cierto es que estuve mirando las selecciones de otros sitios, con 20, 50 o hasta 100 títulos de la década, y me di cuenta que era una mala idea. Puestos a destacar tantas películas, resulta que al final se ponen títulos que no merecen realmente estar ahí y bajan el nivel del conjunto.

Dicho esto, evidentemente las diez películas que hay en mi lista no van a coincidir con las vuestras. Es mi selección. Lo tengo claro, para mí son las mejores. Lo que no voy a hacer, porque no puedo, es ponerlas por orden de calidad; al final, he optado por el cronológico. Sin más, a continuación la lista del mejor cine de la década:

• ‘Deseando amar’ (‘Fa yeung nin wa’, 2000)

Posiblemente, la historia de amor filmada de forma más bella, de todas las que se han narrado durante la década. Chow y Su (Tony Leung y Maggie Cheung) se conocen por casualidad y se enamoran… pero están casados. El preciosista Wong Kar-wai ofrece su mejor trabajo, donde sus aciertos son gloriosos y sus defectos nimios. Podéis leer más en mi crítica.

• ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000)

Una de las reivindicaciones de esta lista. Tras triunfar con ‘El sexto sentido’, el romántico M. Night Shyamalan nos entregó su obra maestra (la puesta en escena es impresionante), el cuento de un hombre que descubre su extraordinaria fortaleza, gracias a otro que es exageradamente frágil. Dentro del subgénero del cine de superhéroes, ésta es “la película”, la más perfecta.

• ‘Inteligencia artificial’ (‘A.I.: Artificial Intelligence’, 2001)

La mejor película de Steven Spielberg desde ‘Salvar al soldado Ryan’ (1998). Lo más brillante del realizador más famoso del planeta (¿o ahora es James Cameron?) en esta década es una fascinante historia de ciencia ficción sobre un niño robot al que le conceden el mayor don del ser humano: el amor. Nunca la veremos con los ojos de Stanley Kubrick, pero incluso él pensó que Spielberg era el director indicado. Podéis leer la crítica de Adrián Massanet (a quien no le parece tan buena como a mí).

• ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’, 2002)

“Reza por Michael Sullivan” se lee en el cartel de la película, posiblemente la más perfecta rodada por Sam Mendes hasta la fecha. Un regreso al mejor cine negro norteamericano, un drama criminal que deja sin aliento, con un tiroteo bajo la lluvia (protagonizado por Tom Hanks y Paul Newman) que es sencillamente una de las mejores escenas de la década.

• ‘Old Boy’ (‘Oldeuboi’, 2005 2003)

Park Chan-wook aprovechó el éxito de ‘Joint Security Area’ (2000) para empezar a explotar su personal visión de las miserias del ser humano. Con esta película llegó a la cima, creando una violenta, y al mismo tiempo, preciosa historia sobre una increíble venganza que necesita quince años de preparación. El final es uno de los más impactantes que he visto en mi vida. Podéis leer más en mi crítica.

• ‘¡Olvídate de mí!’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, 2004)

Escrita por Charlie Kauffman y dirigida por Michel Gondry, la película narra la problemática historia de amor entre Joel y Clementine (Jim Carrey y Kate Winslet), quienes tratan de borrar de su memoria todo rastro de la relación que han mantenido, con la intención de seguir adelante y ser felices. Divertida, sorprendente, profunda, triste… Sencillamente, un milagro.

• ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’, 2005)

Un auténtico festín para los sentidos. La que todavía es la última obra de Terrence Malick nos transporta a otro mundo y a otra época, para narrarnos la emocionante y espectacular llegada del hombre europeo a las tierras vírgenes de América. Como no podía ser de otra manera, el encuentro entre las dos gentes será violento, y la naturaleza quedará manchada para siempre. Podéis leer más en mi crítica.

• ‘Hijos de los hombres’ (‘Children of Men’, 2006)

Alfonso Cuarón nos planta en un futuro desolador en el que el ser humano está condenado a la extinción. A través de apabullantes planos secuencia, y con un reparto impecable, el realizador destroza todos los esquemas con una rotunda obra maestra de la ciencia ficción, una película ejemplar que te deja clavado en la butaca desde la primera escena. Podéis leer más en mi crítica.

• ‘Cartas desde Iwo Jima’ (‘Letters from Iwo Jima’, 2006)

Clint Eastwood podría estar representado en esta lista por varias películas. De las que ha filmado en esta década, la que más me emocionó fue la protagonizada por los combatientes japoneses de Iwo Jima, por un puñado de hombres que lucharon y murieron en una guerra (como todas) absurda y atroz. La mejor película bélica de los últimos años. Podéis leer la crítica de Alberto Abuín.

• ‘El caballero oscuro’ (The Dark Knight’, 2008)

Pocos ponen ya en duda que Christopher Nolan se superó a sí mismo con la segunda parte de ‘Batman Begins’. El director de ‘Memento’ avisó que iban a por todas y entregó lo prometido: un espectacular drama criminal que se convirtió inmediatamente en un clásico moderno para público y crítica. El malogrado Heath Ledger nos dejó al villano más fascinante de la década. Podéis leer más en mi crítica y en mi reflexión sobre el final de la película.

PD: Las diez siguientes, o las que se quedaron fuera por poco: ‘El viaje de Chihiro’ (Hayao Miyazaki), ‘Hero’ (Zhang Yimou), ‘Million Dollar Baby’ (Eastwood), ‘Brokeback Mountain’ (Ang Lee), ‘Ratatouille’ (Brad Bird), ‘La fuente de la vida’ (Darren Aronofsky), ‘Zodiac’ (David Fincher), ‘Promesas del Este’ (David Cronenberg), ‘Cassandra´s Dream’ (Woody Allen) y ‘La cinta blanca’ (Michael Haneke).

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Mis películas favoritas (y IX): década actual

Miren bien ese rostro. Hoy día, el setenta y cinco por cierto de la población mundial podría reconocerle, a pesar del abundante y elaborado maquillaje. Estaba tentado de recortar aún más esta foto, hasta que quedara solamente ese ojo derecho tan desvergonzado e inquisitivo, que nos escruta con una energía arrolladora. Claro que también hay maldad en ese personaje maravilloso de Conde Olaf, pero Carrey no puede pese a todo enmascarar, aún con una máscara tan imponente, ese aura de chico amable y generoso, que sus amigos no se cansan en afirmar que tiene en la intimidad.

Jim Carrey es un genio del cine. Así, tal cual. O al menos de cierto tipo de cine. Sólo un genio podría sostener, con su sola presencia, con su talento transformador, una carrera repleta de títulos tan lamentables, la gran mayoría de ellos edificados en torno a su capacidad para negar tanto la materia con la que está hecha su cuerpo (que sospechamos, sólo sospechamos, es de carne y hueso como el nuestro) y sobre todo su rostro, como la materia de la que está hecha la comedia, erigiendo varios monumentos a la estupidez más descacharrante, barroca y… liberadora.

Del mismo modo que uno de sus ídolos, Andy Kaufman, Carrey triunfó en televisión de manera absoluta, y del mismo modo que aquél, es un experto imitando a Elvis Presley. Su padre le animó a ser payaso desde muy joven, y después de que su familia se viera sumida, prácticamente, en la pobreza por la bancarrota de la empresa en la que trabajaba su padre, Jim Carrey (de verdadero apellido franco-canadiense Carré) se labró, lento pero seguro, un futuro muy prometedor como cómico. Ya con 20 años sus dotes llamaron la atención hasta el punto de ser contratado para la mítica serie ‘In Living Colour’, que se mantuvo cuatro años en antena.

Antes de aquello trabajó en pequeños papeles para Francis Ford Coppola y Clint Eastwood en las respectivas ‘Peggy Sue Got Married’ y en ‘La lista negra’. Si observamos con detalle esos minúsculos trabajos ya observamos que la gestualidad marca de la casa de Carrey ya estaba fraguándose. Y no sólo eso, sino que su energía en pantalla resultaba incuestionable, pese a esas facciones de payaso retorcido, que no ocultaban del todo una fuerza de voluntad que, si bien aceptaba ser de momento un secundario con pocas frases, parecía dispuesta a comerse el mundo.

Ahora bien, la pregunta era ineludible: ¿podría sostenerse una película con semejante engendro dramático, dicho esto desde el respeto, como protagonista? La primera respuesta a esa pregunta fue la comedia loca ‘Ace Ventura: Pet Detective’, que resultó un gran éxito económico (para sus características y posibilidades) dentro del mercado de su país, y un desastre de crítica dentro y fuera de sus fronteras. Carrey se daba a conocer al mundo, y no pensaba desaprovechar la oportunidad: iba a poner toda la carne en el asador. En pocas palabras, íbamos a tener ración extra de Carrey.

Siendo como soy un gran admirador de este intérprete, no voy ahora a perder la cabeza y a afirmar una locura como que ‘Ace Ventura’ es una buena comedia. Por supuesto que no lo es. Es más, resulta sin lugar a dudas una bastante mala, siendo genero, muestra de la degeneración del género. Dirigida por el debutante en cine Tom Shadyac, el director despliega una carencia de recursos visuales y narrativos ciertamente deprimente. Así mismo, el guión, un disparate de cien folios, se esfuerza en ignorar cualquier norma estructural, lógica o tramática a fin de proporcionar a Carrey todas los trampolines necesarios para que él se lance al vacío.

Y bien que se lanza. Hagamos un viaje mental a 1994, o bien a la primera vez que la vimos. En un principio su exageración sorprende, a continuación agota al espectador con gran velocidad. Pero luego sucede algo extraño. Hay una cierta lógica retorcida en este caos de muecas y aspavientos. La lógica de un personaje solitario (nadie más en toda la película está dentro de ese tono de comedia bufa) y de una personalidad extravagante que grita como loca: “¡Aquí estoy yo!”. Y si todavía no hemos cambiado de canal o apagado el Dvd, quizá, sólo quizá, podamos morirnos de la risa con el absurdo total que se nos muestra en la pantalla.

Detective estrafalario e irreverente por antonomasia, Ventura/Carrey ejerce como bufón sin complejos, poniendo en evidencia la estructura de la sociedad, sus estamentos y normas. Tal como hacían los bufones en las cortes antiguas, Ventura/Carrey recoge el testigo y todo lo que toca lo convierte en motivo de irrisión. No hay piedad ni siquiera consigo mismo. Si entramos en su juego, si nos despojamos de complejos e hipocresías, podemos llegar a admitir que su trabajo como Ventura es prodigioso. Él es el motivo, la causa y la razón de una película insulsa y sin interés alguno; pues cuando sale del plano, asistimos a una comedieta más, pero cuando entra es capaz, como en el vídeo de más abajo, de montar una secuencia de suspense entera basada en la nada. Una verdadera fuerza de la naturaleza. Muchos minimizarán su esfuerzo en esta bobada de película, pero pocos actores tienen el carisma, los redaños y la fuerza para ser, por entero, la película.

Por supuesto que en ‘The Mask’, que protagonizó aquel mismo año y que le entronizó definitivamente como gran rey de la comedia americana, sus gags visuales se veían justificados por los poderes de su personaje, el cual le iba como anillo al dedo, pero aquella película carece de la frescura de esta primera aventura, y del salvajismo y coraje de ‘Dumb and Dumber’, que es la apoteosis del estilo Farrelly. Su posterior aparición en la vistosa y estimulante ‘Batman Forever’ estaba metida claramente con calzador, aprovechando su éxito y colándole en la trama como personaje pareja del villano de turno. Su Enigma resulta andrógino, glam y sorprendente.

Como otros artistas de ambición, Carrey intentó pronto participar en películas que diesen algo más que ese payaso que él dominaba a la perfección. Aún el fracaso de la muy inteligente ‘Cable guy’, supo rehacerse con la muy cínica ‘Liar, Liar’, para convencer a la crítica más conservadora con su papel en la irregular ‘The Truman Show’. Muchos alabaron este papel en una película que no alcanzaba ni la mitad de sus tremendas expectativas, pero en mi opinión en la poco mencionada ‘Man on the Moon’ se mueve en registros muy superiores, interpretando a un actor bueno que finge ser malo. O mejor dicho, un actor bueno al que todo el mundo cree malo interpreta a un actor bueno que se hace pasar por mal intérprete. Su encarnación de Andy Kaufman es emocionante, verdadera y maravillosa, más aún si tenemos en cuenta los paralelismos entre ambas figuras interpretativas.

Pero su carrera no sería fácil en sucesivos años con los fracasos de ‘The Majestic’ o ‘Me, Myself and Irene’, sin embargo una década después de Ace Ventura, concretamente en 2004, alcanzó la cumbre en su carrera con dos papeles muy diferentes que son lo mejor suyo en comedia bufa, y en un cambio de registro tonal respectivamente. Hablamos, por supuesto, de la maravillosa ‘Una serie de catastróficas desdichas’ y de la inolvidable ‘Olvídate de mí’. El conde Olaf puede ser un resumen en plenitud de todos sus papeles cómicos, y su Joel Barish puede ser su papel más contenido y melancólico, más en carne viva.

Ahora mismo el declive en su carrera, si no nos equivocamos mucho, parece ser evidente. Quizá no conozca algunos de los grandiosos éxitos de taquilla de hace años. Pero quizá también pueda acceder a papeles que antes le estaban vedados. Esperamos que pueda seguir deleitando a propios y extraños con su profesionalidad extrema, sus payasadas vivificadoras y su melancolía sincera y auténtica. Mucha suerte, señor Carrey. La necesitará y se la merece.

Hemos hablado ampliamente de la influencia del novelista estadounidense Philip K. Dick (1928-1982) en el cine de los 90. La década actual, en cuanto a películas inspiradas por Dick, no se queda atrás.

En 2001, el director Richard Linklater, que más tarde adaptaría su novela ‘Una mirada a la oscuridad’, realizó una curiosa película con el método de rotoscopia, llamada ‘Waking Life’, que más por su historia, llama la atención por su carácter innovador, y a pesar de ello no fue estrenada en España de forma muy limitada. En ella puede apreciarse una escena que recuerda mucho a ‘Tiempo Desarticulado’, y en los minutos finales, se habla explícitamente sobre una de las mejores obras de Dick, ‘Fluyan mis Lágrimas, dijo el Policía’.

En el mismo año tenemos una floja película que resulta de una adaptación de un relato corto de Dick de 1953, ‘Infiltrado’. Puede leerse en el volumen ‘Cuentos Completos II’ de la editorial Minotauro, y ciertamente, con un presupuesto de 40 millones de euros, da la impresión de que se podía haber hecho mucho más. Aunque contaba con un gran reparto, en ningún momento vemos la atmósfera propuesta en el conjunto de la obra del autor, sino más bien da la impresión de ser una película de serie B que no presta mucha atención a sus orígenes. Con un gran reparto, compuesto por Gary Sinise, Vincent D’Onofrio y Madeleine Stowe, la película obvia por lo general, la reflexión implícita en el relato sobre la identidad y la condición humana, que revisaría, entre otros, en su novela ‘¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?’ La persecución que se hace al protagonista, que debe probar que realmente es un humano y no un impostor que conspira contra la Tierra, se hace más enfocada a la acción y el frenetismo en la película, con vistas a mantener el interés. Una pena.

Por suerte, vino luego ‘Minority Report’, una maravilla orquestada por Steven Spielberg, con solvente guión de Scott Frank y Jon Cohen, y con Tom Cruise como absoluto protagonista. Philip K. Dick escribió en 1956 un relato llamado ‘El Informe de la Minoría’, que describe una sociedad en la que se detiene a los criminales antes de que cometan su fechoría, gracias a unos precognitores que trabajan para el sistema.

La precognición es una constante en la obra de Dick. Se trata, con más profundidad, en la novela ‘Los Tres Estigmas de Palmer Eldritch’. Sin embargo, en la película, toman una mayor relevancia, al igual que el personaje principal, John Anderton. Lo mejor de la cinta, si tenemos en cuenta el relato original, es el portentoso aspecto visual tan típico de Dick, y la paranoia que sufre Anderton al intentar luchar contra el destino y la lógica. A ello ayuda el contraste, por ejemplo, entre la ciudad de Washington en 2054 planteada, y el hogar de la anciana que parece poseer ese ‘informe en minoría’. Al escritor de Chicago le habría encantado, sin duda, ver lo bien que se ha exprimido, un relato que, por extraño que parezca, no tiene apenas trascendencia en el conjunto de su obra. No obstante, como es natural, el lanzamiento de la película contribuyó al merchandising de relatos del autor, llegándose a publicar un libro llamado ‘Minority Report y otros relatos’. En definitiva, ‘Minority Report’ es una obra maestra, y todo seguidor de la ciencia-ficción ve fácilmente a Dick durante el metraje.

De forma más insinuada, pero igualmente clara, vemos una película inspirada en la temática de Dick llamada ‘Cypher’, realizada por el director Vincenzo Natali (de quien ya hablamos en ‘Cube’). Resulta que el protagonista, Morgan Sullivan, un tipo corriente, empieza a trabajar para la Digicorp, una omnipresente multinacional para realizar contraespionaje. Con esta premisa, y dentro de un ambiente de ciencia-ficción minimalista, encontramos curiosas analogías con uno de los relatos más famosos de Philip K. Dick, ‘La fe de nuestros padres’. A pesar de su lamentable media hora final, ‘Cypher’ recuerda en todo momento a este relato por su potente base argumental: el agua está contaminada y se intoxica a la sociedad haciéndoles ver una realidad diferente, como medio para manipular a las masas. Tanto en la película como en el relato antes mencionado, la realidad es la misma: el agua impide ver la verdad.

En ‘Paycheck’, sin embargo, y a pesar de basarse en ‘La Paga’, conocido relato de Dick, lo que vemos es una entretenida, pero trivial historia al servicio de la acción. El relato, que tampoco es nada del otro mundo, ve lastrada su originalidad argumental al tratase en la película de una persecución en toda regla, con Ben Affleck y Uma Thurman ciertamente poco convincentes (aunque Aaron Eckhart, como siempre, sí se salva). Poco que comentar, salvo que la sinopsis del relato y de la película se parecen lo justo, y que la cinta es un espectáculo palomitero sin mayor relevancia.

En otros términos tenemos que hablar de ‘¡Olvídate de mí!’ (horroroso título del original ‘Eternal Sunshine of Spotless Mind’), que reúne a un indudable tándem talentoso compuesto por Michel Gondry como director, Charlie Kaufman como guionista, y Jim Carrey y Kate Winslet como actores protagonistas. El recorrido que se hace por la mente de Joel, así como el análisis sobre la implantación y alojamiento de los recuerdos, toma elementos tanto de ‘Podemos recordarlo todo por usted’ (que inspiró a ‘Desafío Total’, como vimos) como de ‘Ojo en el Cielo’, en cuanto al universo personal del personaje principal que podemos contemplar con una extraña y aplastante lógica. La estética de la película es única y hace honor a ciertas novelas del escritor. De hecho, Kaufman se considera admirador de Dick, pero de eso hablaremos más adelante.

Especial Philip K. Dick en Blog de Cine:

1. Philip K. Dick, guionista de cine
2. Philip K. Dick y Blade Runner (I)
3. Philip K. Dick y Blade Runner (II)
4. Philip K. Dick en el cine de los 80
5. Philip K. Dick en el cine de los 90 (I)
6. Philip K. Dick en el cine de los 90 (II)
7. Philip K. Dick en el cine de los 90 (III)
8. Philip K. Dick en el cine de los 90 (IV)

Esta misma semana, los abonados también podrán contemplar ‘Olvídate de mí’ (‘The Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, 2004), de Michel Gondry. Esta película tiene tres partes tan diferenciadas que casi se podrían considerar como tres filmes diferentes. El principio y el final, en los que se cuenta el encuentro y enamoramiento entre los personajes que interpretan Jim Carrey y Kate Winslet, son magníficos, en mi opinión. Están rodados de forma original, contados con un encanto especial y consiguen bastante emoción romántica. Incluso la premisa que da pie a la parte central y que sostiene, en realidad, la película, es buena como idea, como concepto: existe una empresa que te borra los recuerdos de tu pareja para que cortar te resulte más fácil. Joel (Carrey) encarga los servicios a esta empresa, pero se arrepiente y se aferra a los recuerdos más íntimos para no perder a su amada Clementine (Winslet).

Sin embargo, durante la segunda parte de la película, el director no hace más que alargar y darle vueltas a este simple concepto, recreándose en situaciones y “marcando paquete” como realizador. Es esta parte central, más estética que narrativa y más pretenciosa que efectiva cinematográficamente, lo que le valió a la película la admiración de una parte del público. Michel Gondry, director de vídeos musicales y de spots publicitarios, goza de un gran reconocimiento entre el sector “culto”, y muchos son los realizadores de publicidad que imitan sus trabajos en sus propios anuncios. El guionista, Charlie Kaufman, también es culpable de este segundo acto tan artificioso e inverosímil, pues se saca de la manga tramas y giros de guión para sostenerlo, sin ningún éxito. La revista Empire consideró ‘Olvídate de mí’ la mejor película del año. Pero a mí me parece que todo lo que lleva al tercer acto, está vacío y resulta repetitivo. Me recuerda más a un cortometraje estirado y cargado de ínfulas que a la parte central de una buena película.

‘Seres Queridos’ (2004), dirigida por Dominic Harari y Teresa Pelegri, se emitirá en Canal + a partir del día 2 de marzo. Es el típico euro-ameripudding, que nos sitúa en una falsa España donde los judíos aún practican su religión y se preocupan de si sus hijos tienen parejas de otras creencias. El personaje de Guillermo Toledo es en teoría palestino y de ahí surgen todo tipo de equívocos y complicaciones. Con un diseño de producción bastante logrado y algún momento gracioso, la película recuerda demasiado a una obra de teatro y no deja de ser fallida. El argumento central tarda mucho en empezar y la protagonista, Marián Aguilera, es muy mona, pero demasiado cursi y sosita para hacer un papel cómico.

En Taquilla, Canal Satélite ofrece ‘La llave del mal’ (The Skeleton Key, 2005) dirigida por Iain Softley, el director de K-Pax, y protagonizada por la hija de Goldie Hawn, Kate Hudson, que guarda un sorprendente parecido con su madre. Una enfermera que ha conseguido un trabajo en una mansión de Nueva Orleáns, descubre que hay una habitación cerrada en el ático. Allí encontrará instrumentos de magia negra y Hoodoo. La película tiene un nivel bastante mayor al de otros filmes de terror que hemos podido ver en los últimos tiempos, está rodada con elegancia y presenta unos giros de guión menos predecibles que los habituales.

Otras películas para la taquilla son ‘Los cuatro fantásticos’ (‘Fantastic Four’, 2005), de Tim Story, filme entretenido, con chicos y chicas guapos, pero que no deja de ser una película más para echarse unas risas y pasar el rato. ‘Madagascar’ (2005), de Eric Darnell y Tom McGrath, un tanto decepcionante (pues lo mejor que tenía era el cortometraje que la precedía en salas) y con un doblaje especialmente malo, puede contratarse también desde el día 1, al igual que ‘Batman Begins’ (2005). La película de Christopher Nolan me pareció que no encontraba su lugar ni su tono, pues no era, obviamente, tan buena e importante como para tratarse de una exploración psicológica del personaje, y sin embargo dedicaba la mitad del metraje a presentar lo que atormentaba y torturaba al joven Batman. Tras todo ese aburrimiento, tampoco podía resultar una buena peliculilla de aventuras o de superhéroes porque le faltaban acción y ritmo trepidante. ‘Hitch’ (2005), de Andy Tennant, también en taquilla, tiene como única ventaja el protagonismo de Will Smith, pero resulta lo peor que puede ser una comedia: aburrida.