Tras el éxito que supuso ‘Jungla de cristal. La venganza’ (‘Die Hard: With a Vengeance’, 1995) nadie esperaba que tardaríamos cuatro años en ver el siguiente trabajo del realizador John McTiernan. ‘El guerrero nº 13’ (‘The 13th Warrior’, 1999) tuvo tantos problemas en su postproducción que su estreno tuvo lugar posteriormente al del siguiente trabajo del director, ‘El secreto de Thomas Crown’ (‘The Thomas Crown Affair’, 1999). Las discrepancias entre su principal productor, el también escritor y director Michael Crichton, y McTiernan obligaron al primero a prescindir del segundo y tomar las riendas, realizando un montaje diferente al presentado por McTiernan, filmando alguna que otra escena adicional.

Nada que no suene a nuevo en la filmación de una película en Hollywood. Rodajes malditos, por llamarlos de alguna manera, remontajes y remontajes, desavenencias mil entre los que buscan el negocio —los productores— y aquellos que intentan hacer arte —los directores, se supone—; algo que la mayoría de las veces termina en catástrofe tanto comercial como crítica. El caso que nos ocupa creo que es una de esas maravillosas excepciones que confirman la regla. Crichton, que no tiene un pelo de tonto, intentó hacer una versión más comercial que la ideada por McTiernan, y aún así no fue capaz de erradicar la mirada del director, muy presente en cada uno de sus planos, y que de no ser por las mencionadas diferencias creativas, es muy probable que hubiésemos estado ante la mejor película de McTiernan.

La película adapta la novela de Michael Crichton ‘Eaters of the Dead’ (1976), y así era como se tituló el proyecto durante toda su filmación hasta que hubo que rodar nuevas escenas. Crichton decidió cambiar el título por el que conocemos todos, dando así protagonismo al personaje interpretado por un mediocre, pero entregado, Antonio Banderas, Ahmed Ibn Fahdlan, quien ingresa de lleno en la galería de antihéroes que caracterizan el cine de McTiernan. El décimo tercer guerrero del título es nuestro protagonista, aquel que se unirá a doce valerosos vikingos con los cuales viajará al reino del rey Hrothgar, acosado por los temibles y demoníacos Wendols, que tienen atemorizado el lugar. Una especie de grupo salvaje que vivirá la aventura de sus vidas, siendo para Fahdlan una experiencia totalmente catártica, al enfrentarse a sus propios miedos como hombre de fe que es. Y todo a través de un duro aprendizaje y sobre todo, el entendimiento de una cultura totalmente distinta a la suya, con otras creencias y otros dioses.

Una de las principales virtudes de ‘El guerrero nº 13’ es su tendencia a la síntesis, provocada muy probablemente por los recortes sufridos. Esto provoca por un lado cortes en subtramas inexplicables, pero por otro algunas secuencias conservan su esencia, sin que la brevedad riña con la eficacia o riqueza de matices. Para empezar, en los primeros minutos se nos cuenta rápidamente la historia personal de Fahdlan —un árabe de buen linaje exiliado por un tema de faldas— hasta llegar al punto en el que se ve abocado a una aventura que en principio no desea. En apenas doce minutos se nos narran multitud de cosas sin que el atropellamiento se apodere de la película, y justo en el minuto 13 del film Fahdlan es elegido por un oráculo como el guerrero nº 13. En ese tramo Banderas es acompañado por el mítico Omar Shariff —incuestionable guiño al cine de aventuras de la época de David Lean—, actor que quedó muy descontento con la película. A partir de ahí, McTiernan propone un viaje al mismísimo centro de la aventura, con elementos terroríficos, y en la que el primitivismo de su cine hace acto de presencia una vez más.

En este relato de acción física cobran especial importancia el grupo de doce vikingos observados por los atentos e inteligentes ojos de Fahdlan. Todos y cada uno de ellos están excelentemente retratados, sobresaliendo Bulywif, al que da vida un carismático Vladimir Kulich —visto recientemente en la floja ‘Templario’ (‘Ironclad’, Jonathan English, 2011)—, el jefe del grupo cuya fascinante presencia se erige como estandarte del coraje, el valor, la camaradería, la fuerza y la resignación a cumplir un destino —ecos de Peckinpah, cuyos personajes estaban cortados por el mismo patrón—; y Herger (Dennis Storhøi), personaje si cabe más típico, con puntos de humor pero que nunca cae en la chabacanería, e igual de carismático. Personajes secundarios como el de Diane Venora, que irrumpe abruptamente en el relato, están peor tratados debido quizá a esos mencionados recortes en el montaje. Cabe citar al respecto la historia de amor sugerida entre Fahdlan y Olga (Marie Bonnevie), que queda inconclusa, aunque nos brinda una bella escena justo cuando Fahdlan y sus compañeros vikingos partan en busca de los Wendols. También afecta a alguna subtrama, como la de la disputa de poder que surge a mitad de film.

Pero estos denunciables errores quedan subsanados por la valentía y arrojo de McTiernan en filmar una aventura llena de pasión y emoción, evitando siempre caer en el subrayado. Su cine se ha caracterizado por poseer personalidad propia más allá de las reglas impuestas por el mainstream. Uno de sus grandes logros ha sido el de insertar los escenarios en la acción de forma que éstos nunca sean mero adorno, y el personaje interactúe con ellos. Los espacios físicos son filmados con precisión por una cámara que nunca muestra más de lo que debe. El primer ataque de los Wendols está filmado como si de una película de terror se tratase; el suspense está bien dosificado y McTiernan no realiza concesiones en dicha escena. Es sangrienta, encarnizada y el enemigo nunca es visto con claridad. Más tarde en la guarida del enemigo, McTiernan saca un gran provecho del fuera de campo, logrando crear una gran tensión y una sensación de peligro que se palpa durante todo el film. Brevedad y sutileza. Como en el emocionante momento final en el que Bulywif, Fahdlan y el resto de vikingos recitan una especie de oración, citando a sus ancestros, justo antes del enfrentamiento final. McTiernan no se recrea en la escena, dando como resultado una mayor fuerza emotiva.

En ‘El guerrero nº 13’ queda patente el enfrentamiento cultural entre el personaje de Fahdlan, brillantemente dibujado en la espléndida secuencia del aprendizaje del idioma vikingo —prodigio de montaje y ritmo—, donde vemos que es un gran observador, con la razón como principal arma, además de un hombre de fe —el nombre de Alá surge varias veces en la narración—. Fahdlan queda impresionado ante el primer contacto con un enemigo que parece surgido de un mundo infernal. Lo desconocido como arma de terror. Y resulta curioso que sea precisamente un hombre de fe el que eche mano de la razón cuando descubra el engaño, que su enemigo no es más que un hombre, y no un diablo. Esa misma razón le lleva a entender a sus compañeros guerreros, enormemente fieros y supersticiosos. Nunca llegará a integrarse en su mundo, pero de la misma forma que cree que sólo hay un Dios, comprenderá que no todos servirán a ese Dios. La aventura, en la que pondrá a prueba su propio valor, compartida con sus compañeros vikingos será su catarsis personal.

Y con la ayuda de Jerry Goldsmith —llamado por Crichton para sustituir al inicialmente previsto Graeme Revell, que llegó a componer un score completo— dicha catarsis se traslada al espectador al menos al que esto firma. McTiernan fue injustamente tratado por este film, que gana enteros a cada nuevo visionado. No tardaría en volver al thriller de acción, género en el que es mejor recibido, con un excelente remake. De ello hablaremos en el próximo post mientras sueño con un director´s cut de ‘El guerrero nº 13’, ya de por sí una magnífica película.

Otra crítica

• ‘El guerrero nº 13’, una gran película de aventuras

Especial John McTiernan en Blogdecine:

• ‘Nómadas’
• ‘Depredador’
• ‘Jungla de cristal’
• ‘La caza del octubre rojo’
• ‘Los últimos días del edén’
• ‘El último gran héroe’

• ‘Jungla de cristal. La venganza’

Cuando Tarkovski dijo que “si escribiera poesía como la de Pasternak, no haría películas”, Boris Pasternak ya no estaba en este mundo. Murió en 1960. Fue uno de los muchos artistas rusos (como el propio Tarkovski) perseguidos, humillados, amenazados y finalmente aniquilados (a menudo incluso asesinados…pero simulando accidente o enfermedad). Pasternak tuvo problemas con la implacable administración soviética toda su vida, pero escribir ‘Doctor Zhivago’ fue la picota final. Así están las cosas, y así está Rusia. La novela no pudo publicarse en ese país hasta tres décadas más tarde, pero la película llegó en 1965, dirigida por David Lean, que tres años antes había triunfado en todo el mundo con ‘Lawrence de Arabia’. Lean, que obtuvo libertad absoluta y un contrato millonario, tenía como misión salvar la Metro, y vaya si lo hizo. La novela maldita en Rusia se convirtió en una de las películas más famosas de todos los tiempos, y en un exitazo mundial sin parangón, que aún hoy, ajustando el precio de las entradas, es una de las más taquilleras de la historia.

Más de tres horas de grandiosidad épica, que deja literalmente agotado al espectador, sacudido por los hechos históricos que pusieron Rusia cabeza abajo y por la historia de un poeta que no sabe amar, o que ama demasiado. Más grande aún por su cercanía cronológica con la quizá superior ‘Lawrence de Arabia’, pero contra la que no palidece. Al contrario. Su vigoroso relato se mantiene incólume al paso del tiempo, incluso más joven y más bella a medida que su estreno se aleja en el tiempo. Y puede ser la película más reestrenada de todos los tiempos, pues en varios países los espectadores pedían volver a verla, y a lo largo de los años volvían a pasarla con llenos absolutos. Parece mentira que tanto en su recepción en Cannes, como en su estreno en Estados Unidos, un sector de la crítica (no todo, claro) la atacase sin piedad, acusándola de lentitud, de morosidad, de autocomplaciencia extrema. Nunca una lentitud fue tan intensa.

Pero es que Lean, durante los años sesenta, y a pesar de esos dos grandes éxitos, fue despreciado de manera sistemática como un director de segunda o tercera categoría, muy comercial, hábil pero sin demasiado interés estético. Por supuesto él iba a lo suyo, y procuraba construir sus obras sin prestar atención a sus detractores. Impuso a Robert Bolt como guionista, y junto a él llevó a cabo la hazaña de condensar una de las novelas más complejas y pobladas, y probablemente inadaptables, que quepa imaginar. Pero lograron un guión de gran precisión, y el milagro de mantener, pese a los muchos descartes de personajes y situaciones, el núcleo del texto de Pasternak. Bolt se alzó con el Oscar de manera incontestable por esa adaptación. Y ya, David Lean en solitario se enfrentó a la tarea titánica de contar esa historia en imágenes, en un rodaje homérico, que tuvo lugar en su mayor parte en España (en localizaciones de Madrid, como la estación de Delicias, Soria o Granada) y para el que contó con el extraordinario trabajo del operador Freddie Young, sin cuyo trabajo fotográfico la película no sería lo que es.

La balalaica de la madre muerta

Somos testigos de la vida de Yuri (magnífico Omar Sharif) desde que es muy pequeño, y se queda huérfano, hasta su muerte. Pero una vez muerto él, la película aún camina algunos minutos, pues debemos despedirnos de Lara (bellísima, casi etérea, Julie Christie). De tal forma que seguimos a uno y a otro, y luego a los dos juntos. Es la historia de una relación imposible, truncada por guerras, odios, adulterios, la fatalidad, la enfermedad, el frío, la crueldad. Pero, aún así, una relación que marca dos vidas para siempre. Lean se entrega con una pasión que no existe en el resto de su filmografía, narrando con desesperada melancolía, con arrebatado lirismo, sin tapujos. Y lo hace poniendo en paralelo la compleja realidad rusa de principios del siglo XX, que da para producir veinte películas y cien novelas más. Pero de manera sintomática comienza la película con el entierro de la madre (una de las mejores escenas jamás filmadas por Lean), y la presentación de ese icono que es la balalaica, como imagen cultural rusa y símbolo de la soledad y el talento poético de Yuri (que tanto nos recuerda al trineo de Charles Foster Kane…).

Y luego, con un inmenso salto en el tiempo, nos presenta al joven, idealista, poco práctico médico de medicina general en que se ha convertido Zhivago. Un médico poeta, inconsciente, quizá, de que el país en el que vive pronto se convertirá en una matanza primero de los poderosos contra los humildes y luego de todos contra todos. Hay secuencias en esta película de una imaginación y una inventiva visual, que no puedo resistirme a hablar de ellas:

1. El intento de suicidio de la madre de Lara, con Komarovsky (fenomenal Rod Steiger) corriendo entre las habitaciones para entregar una nota de socorro, carrera tomada con una sola toma desde el exterior de la casa, captando a Komarovsky a través de numerosas ventanas.

2. La masacre de los jinetes a los manifestantes, que nunca veremos, pues Lean se queda en el rostro horrorizado de Yuri, testigo de los sangrientos hechos. Es casi peor mirarle a él, y ver su compasión y su estremecimiento, que observar cuerpos mutilados por sables.

3. La “muerte” de Pasha, que luego resucitará como Strelnikov, con las gafas cayendo a la nieve, en clara alusión a la muerte de Lawrence.

4. El largo y helado clímax final, con los poemas a Lara, los lobos, los muebles blancos helados, y con la última despedida de Lara y Yuri, con el punto de vista de Yuri viendo desaparecer en el horizonte nevado el trineo que lleva a Lara muy lejos, sabiendo que no la volverá a ver jamás.

Así, sus arritmias, que las tiene inevitablemente, pasan casi desapercibidas, arropadas por una narración tan arrolladora. Lean contrató al genial John Box para el diseño de producción, el cual trabajó con los directores artísticos Terence Marsh y el español Gil Parrondo (una de las leyendas del cine español). Entre los tres crean algunos decorados más recordados de la historia (como construir toda una avenida moscovita en pleno Madrid), que están a la altura de los fastuosos parajes de exteriores (muy pocos de ellos rusos, la mayoría de ellos españoles, como hemos dicho), para erigirse en un diseño de producción memorable, que contó con un inspirado Freddie Young para uno de los trabajos fotográficos más perfectos y exquisitos de la historia del cine.

Porque hemos hablado de secuencias magistrales, pero también hay imágenes de una belleza impresionante: la mano de Lara como único detalle iluminado entre la oscuridad, la vela colocada cerca de la ventana que poco a poco funde el hielo, el ramo de flores amarillas en primer término de las que caen pétalos, Yuri declarando su amor entre las sombras y con sus facciones apenas insinuadas por una suave luz natural, Lara leyendo los poemas a ella dedicados en un ambiente gélido caldeado por la luz que la ilumina, Yuri mirando por el pequeño ventanuco del apestoso tren y viendo la luna a lo alto en la noche, Yuri imaginando a su madre muerta dentro del ataúd en un mundo de silencio, luego la tumba azotada por la nieve y el viento, el pueblo arrasado por Strelnikov, el campo de flores de la casa en la que se refugia la familia, Yuri volviendo a Moscú con su mujer que le ve a lo lejos entre las barricadas, un anciano Yuri viendo a Lara caminar a través de la ventana del tranvía… Podría seguir con varios párrafos de imágenes extraordinarias, vestidas con la inigualable música de Maurice Jarre.

Conclusión

Cine comprendido como suma de belleza y de emoción. Cine que se sabe grandioso, cuando era un medio con el que millones de personas se conmovían juntos, sin prejuicios, dejándose llevar por un torrente de imágenes. Gran y conmovedor cine, en definitiva.

La gente sólo ve el éxito final, el glamour, pero hay mucha lucha detrás.

Elsa Pataky, actriz, modelo, vendedora de helados, portada de revista cada cierto tiempo y famosa en general. La lucha y el trabajo son conceptos relativos, ¿no?

Los napolitanos se parecen a nosotros, los egipcios. Somos un poco ladrones y no nos gusta trabajar mucho. Por eso me hice actor.

Omar Sharif entretiene al personal y se lo pasa en grande durante su visita por España.

Mira, la razón por la que el porno ya no me interesa como consumidora es porque no tiene alma.

Traci Lords, una de las protagonistas de ‘¿Hacemos una porno?’. Dice también que Internet ha hecho a la gente más maleducada.

En el cine comercial a veces agarran al espectador de la mano y lo acompañan hasta el final de la película diciéndole qué es lo que tiene que pensar, sentir… y dices, “bueno, ¿soy tonto?” Yo quería lo contrario, ser más fiel a lo que es la vida y a cómo uno se siente en medio de todo.

Mar Coll, realizadora que ha debutado con ‘Tres días con la familia’.

La animación es el género invisible del cine español, porque sale una película cada tres o cuatro años.

Hilari Pujol, productor de ‘Cher Ami’, estreno el próximo viernes.

Demuestra que el amor entre dos mujeres es capaz de traspasar todo tipo de barreras culturales.

Lina Mira, la presidenta del jurado del Festival Internacional de Cine Gay y Lésbico de Mallorca, sobre la ganadora, ‘I can´t think straight’. A buena hora se entera la mujer del potencial de una relación lésbica.

Martin Scorsese me invitó a Los Ángeles a conocer a personas clave. Un productor me confesó su admiración porque con pocos medios hacíamos grandes películas, y ellos de 100 filmes sólo estrenan un par decentes.

El cineasta Souleymane Cissé, que ha estado en Granada con motivo del Festival de Cines del Sur.

No me va a llamar Spielberg porque se haya fijado en el chico que hace de Antegua. Con seguir trabajando me conformo.

Miguel Ángel Muñoz, uno de los protagonistas del remake de ‘Ben Hur’ (sí, has oído bien), una co-producción internacional que actualmente se rueda en Marruecos. 22 millones de euros es el presupuesto.

Estábamos rodando la escena de la carrera de cuádrigas, y el actor que hace de Poncio Pilatos, Hugh Bonneville, se tenía que dirigir a mi y susurrarme al oído, cosas que no estaban en audio, y me decía todo el rato “te quiero pequeña”, “calamares” y “una cerveza por favor” que es lo único que sabe decir en español y a mi me entraba la risa.

Lucía Jiménez, que también actúa en el citado remake, cuenta la anécdota más “graciosa” que le ha ocurrido durante el rodaje.

Como toda democratización, lo que implica es mucha mierda.

El director Arturo Ripstein habla claro sobre lo barato que es hoy hacer cine.

Stallone, cuando yo estaba arruinado y difícilmente podía pagar un plato de espaguetis en un restaurante, me dio un par de semanas en ‘Get Carter’, y eso pagó mi jodida renta durante ocho meses.

Mickey Rourke, sobre por qué actúa en ‘The Expendables’, lo nuevo de Sylvester Stallone, en lugar de aceptar otras ofertas.

PD: Otra de Sharif, el crack de la semana: “David Lean me pidió algo muy difícil: no actuar. Según él porque no sabía cómo describir a un poeta. Así que todo el rodaje me lo pasé mirando a cámara, sólo en el plano. [...] Le dije al director que se había equivocado, pero él contestó que, al final, la gente se fijaría en mi papel. Me dieron el Globo de Oro y aún no sé por qué“.

Vía | EuropaPress, Adn, ElPaís, LanuevaEspaña, ConventryTelegraph

El pasado 7 de marzo se estrenó en España ‘10.000’, la última película del realizador alemán Roland Emmerich, popular por títulos como ‘Independence Day’ o ‘Godzilla’. Casi al instante de llegar a los cines, corrió como la pólvora la sentencia de que el film era un bodrio ridículo por la cantidad de errores históricos, anacronismos, que contenía. Personalmente, esto último me parece muy secundario, casi intrascendente, a fin de cuentas, ¿no tiene también muchos, y escandalosos, ‘Gladiator’ y a nadie le importa? ¿O ‘Apocalypto’ o ‘300’? Lo principal, despejando el terreno, y aquí sí coincido con la gran mayoría, es que la película es muy mala.

La trama de ‘10.000’ (‘10000 B.C.’, 2008) se centra en una remota tribu de las montañas, a la que pertenece el joven cazador D’Leh. Un día llega a la aldea la que será su amor, Evolet, o como la llaman todos, la niña de los ojos azules. Pasado un tiempo, una banda de misteriosos guerreros asaltan el poblado y secuestran a Evolet, por lo que D’Leh decide liderar a un pequeño grupo de cazadores para perseguirles hasta el fin del mundo y poder rescatar a la chica…

Profecías de todo tipo, pero unidas por la misma simpleza de su argumento, un puñado de civilizaciones, a cual con pinta más rara (la de los que usan armadura de caña es impresionante), bichos de diferentes épocas y con comportamientos de lo más extravagantes (los pollos asesinos quedarán en tu memoria), apenas tres lenguas para todo un planeta, que por cierto se recorre en poco tiempo y sin demasiado alimento ni protección (una cantimplora y un taparrabo, más que suficiente para cruzar junglas y desiertos)... Un mundo de cachondeo donde Emmerich nos sitúa para contar una historia de un tipo que quiere rescatar a su amada de las garras de unos… ¿egipcios frikis? ¿Extraterrestres? ¿Ciudadanos de la Atlántida? ¿Fanáticos de Michael Jackson?

No contento con ese “mundo para-lelos” cuyo origen es mejor no plantearse, para no faltar al respeto a nadie, Emmerich recurre a todo tipo de plagios… ups, perdón, homenajes, a cual más descarado. Coge un poco de ‘Parque Jurásico’, de ‘Alien 3’, de ‘Apocalypto’, de ‘300’... Y abusa de lo lindo de esos planos aéreos típicamente “señoranillescos”, con los personajes en fila recorriendo todo tipo de paisajes. Lo que tiene sentido en un momento concreto, el señor Emmerich lo usa todo el tiempo. De hecho, no sé porqué no aparece en los créditos, bajo su nombre, el del piloto del helicóptero…

Hablar del reparto en ‘10.000’ es hablar de monigotes, de personajes vacíos, de gente que estaba de juerga en los carnavales y fueron secuestrados por los secuaces alemanes de Emmerich, para no tener que pagar la creación de copias de Gollum o Jar Jar Binks, que, por cierto, tampoco sé bien porqué no tienen un hueco en este disparatado film. En fin, el protagonista se llama Steven Strait y cada vez que salía del rodaje iba a rodar anuncios de champú, desodorante y pasta de dientes, cobrando siempre lo mismo por reír que por no hacer nada, así que el chaval, que no tiene una rasta de tonto, prefiere no hacer nada. Tenéis cientos de pruebas en el film.

La cara más conocida del reparto es la de Cliff Curtis, un actor que no deja de participar en producciones de todo tipo para papeles de todo tipo, pero que cae muy bajo en esta película, interpretando una mala versión del personaje que haría Liam Neeson si hubiesen tenido más presupuesto. También se pasea por este circo del sopor la señorita Camilla Belle, tan apropiada para el papel como su compañero Strait; imagino que contrataron a la primera que tenía los ojos azules y no había huido tras leer el guión (suponiendo que haya guión, claro).

Por último, señalar la extraña presencia de Omar Sharif (el pobre tendría que pagar la piscina) como narrador del cuento, apropiadísimo para dormir a los peques en diez minutos. Sólo decir que la primera ley de la voz en off es no explicar lo que se ve en pantalla y precisamente es eso justamente lo que se hace en este film. Rematando además la jugada, en ocasiones, con líneas de guión donde algún personaje vuelve a decir lo mismo que ya dijo el narrador (ese “mira qué rápido crece” me hizo partirme de risa por enésima vez).

Imposible batido de todo tipo de superproducciones taquilleras, en plan “vamos a juntarlo todo a ver si no explota”, ‘10.000’ se convierte en un soporífero pastiche que vuelve a dejar en evidencia a Emmerich, un tipo que, por el bien del público, debería dejar esto del cine, que es muy serio, y dedicarse a videoclips, anuncios publicitarios o, como mucho, series televisivas. Como ya os anuncié, sin embargo, Emmerich ya prepara otra de sus películas catastróficas, y con otro título numérico: ‘2012’. Desde luego, lo de catástrofe le viene a este director como anillo, especialmente en lo que se refiere a su último y olvidable trabajo.

• Otra crítica de la película en Blogdecine:

‘10.000’, sólo faltan los extraterrestres

Aquí tenemos el primer trailer de la nueva película del alemán afincado en Hollywood, Roland Emmerich, especialista en megasuperproducciones mastodónticas, con las que uno nunca sabe qué esperar. Ahora nos viene con una historia de aventuras enmarcada en un contexto prehistórico. ‘10.000 B.C.’ es el significativo título del film en cuestión, y no se puede negar que las imágenes del trailer son muy espectaculares, aunque no sólo del espectáculo viven las buenas películas.

Su reparto incluye al veterano Omar Sharif, Cliff Curtis, Steven Strait y Camilla Belle (la asustadiza chica del bodrio aquel, ‘Cuando Llama un Extraño’). La película se estrena el 21 de Marzo en nuestro país, asi que hasta entonces hay tiempo de sobra para que nos bombardeen con anuncios sobre la misma, la cual no dudo de que será un superéxito, como casi todo lo de su director, aunque ya veremos si se acerca a chorraditas como ‘Soldado Universal’ y ‘Godzilla’, o es un digno entretenimiento como ‘Stargate’ o ‘El Patriota’.

‘10.000 B.C.’ (teaser trailer, Quicktime – Flash)

Vía | The Movie Box