Se trata de un entrañable clásico de 1949, con algunas escenas inolvidables y con una banda sonora (especialmente el tema principal para cítara de Anton Karas) que pertenece a la memoria musical de cualquier cinéfilo que se precie. Y es que ‘El tercer hombre’, es de esas cintas que forman parte destacada en los libros de historia del cine. Aglutina algunos ingredientes que la convierten en memorable: la mencionada banda sonora, la aparición de Orson Welles (y no sólo actuando) en el papel de Harry Lime, el manejo del suspense, las imágenes de Viena (la noria o las cloacas), la impresionante fotografía en blanco y negro de Robert Krasker,...

Este título, ambientado en el período de posguerra, se basaba en la historia del escritor Graham Greene, quien primero la noveló y luego adaptó el guión junto a Alexander Korda, aunque cuenta la leyenda que Welles realizó sus particulares aportaciones. Parece evidente que su presencia fue capital (y existen estudios que profundizan en su influencia), pero en cualquier caso la historia, protagonizada por Joseph Cotten, está considerada como una de las mejores de la filmografía británica.

En el vídeo podemos ver, de forma reunida en plan documental doméstico, algunas de las curiosidades más relevantes de la cinta, acompañada de imágenes de la misma. Una delicia, que invita a perderse en este título por el que no pasa el tiempo y se mantiene sublime e intrigante cada vez que se ve. Y el tema principal de Karas y su cítara se contagia con facilidad:

Vía | Cinencuentro

‘Mr. Arkadin’ siempre se ha tildado de obra menor de Welles, pero incluso en esta incompleta y desestructurada cinta, se aprecia la mano de un artista de su talla. Para todo amante del cine clásico este título tiene un enorme interés, que pertenece a la etapa de su primer exilio europeo, que le llevó a recalar en España para llevar a cabo sus proyectos. Con escaso presupuesto, muy por debajo del necesario para afrontar esta historia con múltiples escenarios, y con algún recorte más obligado durante su filmación, Welles sacó adelante esta película, que guarda una enorme relación con su obra capitular ‘Ciudadano Kane’.

La película, con presupuesto francés, suizo y español, se rodó en gran parte en nuestro país (en recurrentes escenarios naturales como Segovia), sin embargo, muchas secuencias de la historia se desarrollan en distintos lugares del mundo. Aquí la genialidad de Welles para saber afrontar esta situación sin apenas medios. Aproximando la cámara, llenando el encuadre y con abundante atrezzo que diera la impresión necesaria para hacer creer que los personajes se encuentran en Berlín o México. Además, se rodaron dos versiones, la española, con algunos actores patrios y la versión internacional. Ambas idénticas, con los mismos diálogos, aunque la posterior disgregación del material rodado diera lugar a nuevos montajes con ligeras variaciones (el propio Welles años después renegaría del trabajo exhibido, por alejarse por completo de su idea original).

La historia se centra en la figura del enigmático Arkadin y a través de una enmarañada, y por momentos inverosímil, trama vamos conociendo detalles de su pasado. De ahí su cierta similitud con Kane. Van Stratten, un tipo rudo y curtido (Robert Arden) descubre casualmente a un hombre moribundo que le confiesa un nombre para poder acceder a cierta fortuna. El tipo, una especie de marinero, investigador y trotamundos logra localizar al tal Arkadin (encarnado con el propio Welles) e intenta acceder a él a través de su hija (Paola Mori), una joven a la que intenta conquistar. Pero ella, custodiada contra posibles cazafortunas, es la niña protegida de su misterioso y poderoso padre. Cuando llegan al encuentro, Mr. Arkadin, un millonario enigmático, le encarga un informe confindencial (que da nombre al título de la versión internacional: ‘Confidential Report’) sobre su propio pasado, del que no recuerda nada hasta convertirse en Mr. Arkadin. A la vez, éste lo investiga, dando lugar a un juego confuso por su celeridad y atropellada historia.

Como digo, la trama navega en errores narrativos y salta de un lugar a otro, sin muchas claves para entender lo sucedido. Este es el principal bache de la cinta, que con continuos saltos nos va trasladando a distintos escenarios, con múltiples personajes estrambóticos, que van aportando con cuentagotas su particular visión de Mr. Arkadin.

Precisamente esta continua aparición de personajes secundarios supone un enorme acierto y quizás lo más destacable del film (junto con el arranque espléndido de la película). Toda una galería de individuos absolutamente extraños, que resultan brillantes y que acaban todos asesinados: un domador de pulgas, un excéntrico anticuario…

Aparte de las apariciones en escena del propio Welles, que logra llenar la pantalla y ofrece todo su arsenal de capacidad interpretativa, eclipsando al resto, aunque también próxima al exceso y la sobreactuación, pero con una fuerza descomunal. Detrás de una prótesis y una barba que provocan media sonrisa, se esconde un Mr. Arkadin/Orson Welles, que bien parece un desdoblamiento de su propia personalidad. El fondo de la trama es la búsqueda de la verdad, aderezada de confusiones, trampas y dobles personalidades, un tema recurrente en el universo de Welles.

Inolvidable la fábula del escorpión y la rana, en una de las primeras apariciones del personaje de Mr. Arkadin, que resulta una escena sublime y con una intencionalidad que traspasa la mera ficción en la pantalla. Aquí el momento (y algo más):

Para todos los que sientan curiosidad por comparar las dos versiones o simplemente ver esta curiosa película, recordarles que recientemente la filmoteca Fnac y Avalon han sacado a la venta una edición especial de ‘Mr. Arkadin’ con completo contenido extra.

En Blog de Cine | Orson Welles

Es curioso que en Blogdecine estamos a veces para opinar, pero casi siempre para informar. Y, paradójicamente, nuestros madrugadores lectores han sido quienes nos han informado a nosotros en varias ocasiones de noticias como la presente. Gracias a quienes nos lo habéis advertido.

El actor estadounidense Charlton Heston ha fallecido en su residencia de Beverley Hills, en Los Ángeles, a los 84 años. Heston padecía una enfermedad degenerativa –la misma que sufrió su amigo Ronald Reagan— desde 2002 y estaba retirado de la interpretación.

Por ese motivo, lo último que vimos de él fue la entrevista insidiosa que le hizo Michael Moore en ‘Bowling for Columbine’ y es inevitable que tengamos más presente su imagen de defensor de la Asociación Nacional del Rifle que la de sus interpretaciones.

Y también por viajar al futuro, con el mítico film ‘El planeta de los simios’. Fue leyenda antes que Will Smith en ‘The Omega Man’, apareció en ‘El mayor espectáculo del mundo’, ‘55 días en Pekín’, ‘Horizontes de grandeza’, ‘Cuando ruge la marabunta’ y en numerosos films más.

Es probable que le acompañase más su físico rudo que su talento interpretativo. Protagonizó una de las películas más representativas de la historia del celuloide: ‘Sed de mal’, de Orson Welles, famosa por el teórico plano secuencia rodado alrededor de la frontera entre Méxio y EE. UU. Además de presentar demasiada rigidez como actor, no resultaba muy creíble como mexicano, pero Welles entró en el proyecto cuando Heston ya estaba seleccionado para el reparto y al parecer el director no estaba muy de acuerdo con esta elección. Así aparecía años después referido en un diálogo de ‘Ed Wood’. Sobre la decisión de Welles de rodar la película existen rumores de muchos tipos.

Más información en Blogdecine sobre Charlton Heston.

Fuente | El País.

Como bien sabemos, ‘Ciudadano Kane’ es la ópera prima de Orson Welles, pero surge alguna duda sobre si fue su primera incursión en el cine. Lo cierto es que durante un tiempo se pensó que esto era así, que los hallazgos para el cine que realizó para su gran obra fueron fruto de su ignorancia e inocencia, como él apuntó en alguna otra ocasión.

Sin embargo, resulta que con la ayuda de William Vance, en el verano de 1934 rodó un cortometraje, ‘The Hearts of Ages’, que sí se puede considerar como su primer trabajo en el cine, con una cámara de 16mm y la idea de realizar una obra puramente amateur y con un rápido montaje. Recuperando las palabras del propio Welles en una entrevista a Peter Bogdanovich, “[‘The Hearts of Ages’] no es nada. Absolutamente nada. Era una broma. Quería hacer una parodia de la primera película de Jean Cocteau [‘The Blood of a Poet’, 1930]. Eso es todo. La hicimos en dos horas, por diversión, una tarde de domingo. No tenía ninguna clase de significado”. Pues como curiosidad muestra bastante cosas.

Vía | Milk and Cookies
Más información | Sense of Cinema
En blogdecine | Las películas perdidas de Orson Welles

Dada la dificultad para hacer sus personales obras, se involucabra en trabajos que le reportasen algo de dinero con el que a ratos y entre las pausas de los rodajes en los que trabajaba, se dedicaba a rodar, casi siempre en super 8, las obras que tenía en mente. Estos trabajos, durante un tiempo, a excepción de su inacabado ‘Don Quijote’, fueron desconocidos para el gran público, hasta que en 1995, Ojar Kodar sacó del baúl de los recuerdos un documental con los trabajos no acabados de Orson Welles y que recibieron el nombre de ‘The Lost Films of Orson Welles’ o también conocidos como ‘Orson Welles: The One-Man Band’.

A continuación, podéis encontrar algunos extractos de la misma obra, así como algunos vídeos sueltos donde Welles da rienda suelta a su genio.

Call me Ishmael

Don Quixote

A lesson from all actors

Father Mapple’s Sermon

The Last Films of Orson Welles (Part I)

The Last Films of Orson Welles (Part II)

The Last Films of Orson Welles (Part III)

The Last Films of Orson Welles (Part IV)

The Last Films of Orson Welles (Part V)

The Last Films of Orson Welles (Part VI)

The Last Films of Orson Welles (Part VII)

The Last Films of Orson Welles (Part VIII)

The Last Films of Orson Welles (Part IX)

Vía | Metafilter

En 1937, Richard Samuels, un estudiante de instituto de Nueva Jersey, de diecisiete años, entra por casualidad en el Mercury Theatre de Broadway, Nueva York, el teatro que ha fundado un Orson Welles de veintidós años, pero que aún no ha sido inaugurado. A Samuels le ofrecen el papel de Lucio en la representación de Julio César, la obra que dirigió y protagonizó Welles y que le catapultó a hasta la cima. Durante los ensayos y representaciones, Richard se enamora, sufre cuando le rompen el corazón y ve cómo sus sueños de entrar en el mundo del espectáculo se desmoronan, lo cual desencadena una maduración en su persona.

Christian McKay hará de Welles, mientras Ben Chaplin dará vida al actor inglés George Coulouris. El chavalín estará interpretado por Zac Efron, a quien se conoce por ‘Hairspray’ y ‘High School Musical’ y que pronto rodará la comedia ‘Seventeen’, como os anuncié.

Actualización del 1 de febrero: Claire Danes se une al reparto. Kelly Reilly, Eddie Marsan, Leo Bill, Imogen Poots y Aidan McArdle también tendrán papeles.

El rodaje tendrá lugar entre mediados de febrero y marzo en Nueva York, Londres y la Isla de Man, más concretamente en el teatro Gaiety. Cuando termine, Efron volverá a su franquicia, con el rodaje de ‘High School Musical 3: Senior Year’, que dará comienzo a mediados de abril.

Fuente | The Hollywood Reporter.

El Ciudadano Kane de Orson Welles se sigue manteniendo en primer lugar, absoluto, indiscutible e indiscutido. Pero entre los 10 primeros puestos hay algunas sorpresas. El Padrino subió al segundo lugar, desplazando Casablanca a un tercer puesto. Toro Salvaje de Martin Scorsese trepó 20 posiciones con respecto a su ubicación en la lista de 1997, para alcanzar nada más y nada menos que el 4to. lugar, por encima de Singin’ in the Rain (5), Lo que el viento se llevó (6) y Lawrence de Arabia (7).

Spielberg tiene su puesto asegurado entre los 10 primeros lugares con Schindler’s List (8). Vértigo de Alfred Hitchcock escaló 52 casillas para obtener un merecido noveno lugar y El Mago de Oz se ubica en el décimo puesto, después de descender 4 lugares.

La única novedad entre los 20 primeros lugares, es The General, de Buster Keaton. Curiosamente, La Guerra de las Galaxias (en el puesto 13) aventaja a 2001, Una Odisea del Espacio (15 lugar).

Cuarenta años después, Emilio Ruiz Barrachina —director y guionista de obras como ‘Lorca. El mar deja de moverse’ y ‘A la sombra de los sueños’ .—recupera el material rodado por Welles para analizar la España medio olvidada de los años ‘50 y principios de los ‘60. Ruiz Barrachina indicó que “a través de este nuevo documento audiovisual se pretende, además, llevar a cabo un montaje con mucho ritmo, audaz y que escarbe en lo más profundo de nuestros sentimientos”.

El material con el que se construirá ‘La España de Orson Welles’ se esturcturaría en los siguientes apartados: Sevilla, Andalucía, Sanfermines, Toros, Los cultos, Cocina Española, Romería, Flamenco, País Vasco, Madrid, La Mancha, Castilla, Barcelona, La España Católica, Los cuatro elementos (agua, fuego, tierra y aire) e Imperialismo.

Tampoco es radicalmente nuevo que otros realizadores intenten realizar las mismas imágenes que Welles para ilustrar qué ha cambiado en España después de medio siglo. José Luís Guerín lo hacía en su documental ‘Innisfree’ sobre ‘El hombre tranquilo’ de John Ford. Incluso Mariano Ozores jugó con ese concepto en su interesante y desconocida ‘Hoy como ayer’, una insospechada precursora de ‘La rosa púrpura del Cairo’ de Woody Allen. Sólo que en ‘La España de Orson Welles’, como Ruiz Barrachina ha declarado, la reflexión es más sobre España que sobre el arte de Welles.

Este largometraje participará en el apartado ‘Islantilla presenta…’ que el Festival Internacional de Cine Inédito de Islantilla, que se celebrará entre los próximos 14 y 21 de abril, ofrece para dar a conocer proyectos audiovisuales que poblarán las carteleras en un futuro próximo.

Fuente: Cine por la red

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En la imagen: ‘El Quijote’, de Orson Welles.

En laboratory101 suelen realizar entradas con listas de las mejores… Como alguna vez he repetido, no soy amigo de las listas mas que para descubrir películas, secuencias, interpretaciones, etc…, e incluso a las listas no le encuentro sentido enumerarlas.

En este caso, no voy a negar que se trata de un buen trabajo, han realizado la recopilación sobre los mejores 5 minutos iniciales de una película, justo antes de que entren en funcionamiento los títulos de crédito. Si pensamos sobre esta secuencias, no dejan de ser pequeños cortometrajes, o una película dentro del propio film.

De entre la selección, destaco este soberbio travelling que se marco el señor Orson Welles al inicio de ‘Sed de mal’ (hasta Charlton Heston está bien), y al que llevaba tiempo buscando. Todo un prodigio de rodaje, de una idea sencilla: seguir los pasos de una bomba instalada en un coche y lo que va a pasar con ella. ¡Y es el inicio de una gran película!

Pulp Fiction

Magnolia

Star Wars

Hoy he recuperado este clásico, que ya había visto hace muchos años, pero sobre el que apenas recordaba nada. Su título original es ‘Journey Into Fear’, o sea, algo así como ‘Viaje al Miedo’, pero eran demasiadas palabras para que nuestro inteligente traductor de títulos de películas las tradujese todas, asi que optó por el más cómodo ‘Estambul’, que es precisamente donde se desarrolla la mayor parte de la acción.

‘Estambul’ fue empezada por Orson Welles, quien a saber por qué dejó de filmarla, teniendo que sustituirle Norman Foster, quien también la montó. Welles, que interviene en el film como actor declaró en alguna ocasión que su participación en el mismo sólo fue como intérprete. Sin embargo, echándole un visionado al film, enseguida nos damos cuenta de que eso no se lo creía ni él. Foster no poseía la garra narrativa y visual de Welles, y es muy fácil adivinar qué escenas realizó Welles y cuáles Foster. Esa división en la dirección lastra en consideración una película realizada posteriormente a dos de las más grandes obras maestras del Séptimo Arte: ‘Ciudadano Kane’ y ‘El Cuarto Mandamiento’, realizadas cuando Welles tenía tan sólo 26 y 27 años. Casi nada.

La historia de ‘Estambul’ es, cuando menos, graciosa. En ella, un americano que es ingeniero naval, cuando regresa a los USA de dar una conferencia con su esposa, se convierte en objetivo principal de unos agentes nazis que quieren eliminarlo. De la noche a la mañana y sin poder decirle nada a su esposa, nuestro protagonista se ve embarcado en un barco para salvar su vida de la gente que le pisa los talones.

Cuando digo graciosa me refiero un poco a rocambolesca, y es que el hecho de que el film ha sufrido un poco en la sala de montaje, se nota en el devenir de un argumento que tiene partes que provocan cierta simpatía, por no decir cachondeo. La película avanza a trompicones,y sólo cuando se detiene en ciertos momentos alcanza instantes de buen cine. En tan sólo 68 minutos de duración, la acción cambia varias veces de dirección, y las elipsis que se realizan de cambio en cambio son demasiados bruscas, probablemente debidas a que han tenido que unir los distintos bloques dirigidos por cada uno de los dos directores, intentando darle la mayor coherencia posible al conjunto.

Como decía antes, es fácil diferenciar las escenas rodadas por Foster de las de Welles. Las de este último tienen mucho más interés, ya que técnicamente son muy superiores. Planos arriesgados y complicados para la época, movimientos de cámara espectaculares, etc. En las de Foster todo es mucho más convencional, aunque realizado con oficio, eso sin duda. No obstante, como los cambios de uno a otro se producen varias veces a los largo de la proyección, pues desconcierta un poco y realmente daña al film, ya que muchas cosas se habrán quedado en la mesa de montaje.

Actoralmente, Welles volvió a contar con su actor-fetiche, Joseph Cotten, al que se le ve un poco perdido, supongo que porque un día le dirigía un director y al día siguiente otro, o vete tú a saber porqué. Hay momentos en los que cierta inocencia le queda muy bien al personaje, pero en otros no demasiado. A su lado, saliendo al principio y al final de la película, un Orson Welles impresionante, como solía ser habitual en él. La nota femenina la ponen dos míticas actrices. Por un lado Dolores del Rio en el papel de una bailarina, y por otro, la eterna secundaria Agnes Moorehead, como la mujer de un simpático personaje interpretado por Frank Readick. Es curioso que ambas actrices tengan a su cargo unos personajes tan poco tratados en la trama.

Un film correcto, sumamente entretenido y en el que incluso se incluyen algunas críticas nada ocultas hacia algunos pensamientos políticos, como cierta conversación, o más bien habría que decir monólogo, entre uno de los personajes secundarios y Joseph Cotten, acerca del capitalismo y el socialismo que es verdaderamente ingenioso y casi delirante, por divertido. Por cierto, hay un par de toques humorísticos en el film ingeniosamente metidos que sorprenden bastante, pero por supuesto hacen reir. Y con una sonrisa es con lo que estamos durante toda la película, unas veces provocada conscientemente y otras por haberse liado tanto con lo de la dirijo yo, no, yo, no, yo, tú, bueno, tú.

Como toda lista, su orden no dejará satisfechos a todos. Yo, el primero. Por ejemplo, ¿es justo que Steven Spielberg ocupe un puesto de mayor importancia que, digamos, Orson Welles?

¿Quién, de ambos directores, ha hecho mayores aportes al desarrollo del lenguaje cinematográfico?

Por otra parte, todo lenguaje debe evolucionar para mantenerse vivo. Un lenguaje que no evoluciona corre el peligro de convertirse en lengua muerta. Ciertamente, el lenguaje cinematográfico no es la excepción. Ya lo obra de Welles no puede evolucionar. La de Spielberg sí. ¿Debe Spielberg pues, ocupar un puesto de mayor relevancia que Welles en la historia cinematográfica? ¿Citizen Kane o E.T.? ¿Qué piensan ustedes?