Había empezado a asumir el final en Hollywood. El fracaso es siempre un abuso en la estadística, al menos así funciona en la industria del cine: ‘La dama de Shangai’ (The Ladry from Shangai, 1947) decepcionó al gran público porque no había una mujer fatal sino una mujer frágil y un hombre atrapado que nada tenía de duro e impenetrable detective y no estaba esa pasión desbocada del cine negro con sus arquetipos familiares, asociados siempre a los actores, sino un desafío a las expectativas. Ni siquiera aquella película con la que debutó fue un gran éxito, pero seguía siendo célebre.

Toda su carrera fue un ir desmintiendo todas aquellas grandiosas expectativas, incluso a las más exigentes y siempre insatisfechas, también las de su biografía, que le irían disfrazando como genio que no sobrevivió al mito de su debut cinematográfico. Así que tomó la ruta de rodar para esos estudios especializados en seriales, con los decorados todavía destruidos por el efecto inmediato de la posguerra, una tragedia shakespereana.

Porque conocía a Shakespeare. Conocía bien sus versos y su vigencia. Lo sabía por su etapa teatral, una de la que solamente quedan grabaciones todavía memorables. Conocía el éxito de Shakespeare cuando se entendía bien, había adaptado el Julio César en un montaje exitoso con sus compañeros del Mercury que situaba ese relato en la Italia fascista. Le confesaría a Peter Bogdanovich que los ortodoxos de la obra de Shakespeare no entendían el secreto de su verbo.

Su película la protagonizaba un actor, él mismo, que siempre fue impresionante recitando versos, pero también un estilo visual memorable. Welles es recordado por su primera película, pero todavía es moderno ver lo que hizo con Macbeth, con aquellos primeros planos, vívisimos, de los ojos, con la visceralidad y la urgencia de un rodaje que captaron, a la perfección, una historia sobre desalmados y sombra, un cuento de brujas donde el mayor hechizo es la maldad humana, un testamento a una modernidad que no era un canto fatídico sino un relato sobre la posibilidad de la conciencia.

Orson Welles falleció hace 26 años en California (y no ignoro la zona horaria española, me ajusto, me permitirán la pedantería, al tiempo americano).

“Siempre me atraganté con la cuchara de plata” – Charles Foster Kane

No soy partidario de los consensos. Siempre hay algo de vaguería intelectual, de resignación o conformismo en todos ellos. Desde mediados de los años cincuenta (no desde su estreno en 1941), la crítica norteamericana y, por arrastre, la del resto del mundo, ha considerado a ‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, Orson Welles) la mejor película de la historia del cine. Y en las listas de las revistas especializadas, cada vez que se lleva a cabo una votación entre las 10 o 100 mejores, este título encabeza la lista de manera invariable. Pretender elegir una película, entre las muchas grandes películas de la historia, ya me parece una osadía, incluso para los que las han visto todas y han reflexionado a fondo sobre cada una de ellas (¿acaso alguien puede?). Pero es que existen numerosos factores que confluyen en la creación de este magno pedazo de celuloide, sobre todo la cristalización de diversos valores técnicos, narrativos y artísticos, estrictamente cinematográficos, y la importante fecha en que tuvo lugar su realización, y por todo esto es lógico que ‘Ciudadano Kane’ sea una de las películas más importantes e influyentes en la corta historia de este arte todavía en desarrollo.

En mi personal experiencia con la filmografía de este cineasta inigualable (a quien le queda pequeña la expresión indómito), tengo títulos que me emocionan mucho más y que recuerdo con mucha mayor pasión, como ‘El cuarto mandamiento’ (‘The Magnificent Ambersons’, 1942), ‘Sed de mal’ (‘Touch of Evil’, 1958) o ‘Campanadas a medianoche’ (‘Chimes at Midnight’, 1962), pero no hay duda de que Kane, deslumbrante, pasmoso debut a los veinticinco años de un hombre que ya había triunfado en teatro y en el medio radiofónico (con su mítica locución de ‘La guerra de los mundos’) merece todos los elogios por adelantarse varias décadas a su tiempo y porque lo hizo, no hablando del poderoso empresario William Randolph Hearst como si de un poético biopic se tratase, sino simplemente de George Orson Welles, en una de las más apasionantes confesiones fílmicas (muchos han dicho que todo arte es una forma de confesión) que se recuerdan, empezando por el final (la muerte), pasando al principio (las preguntas sin respuesta) y concluyendo por el misterio y el enigma infranqueables, expresados por esa altísima verja de metal que encierra (y vuelve inexpugnable) el castillo de los recuerdos llamado Xanadu.

Para entender la fama de Welles a finales de los años treinta, y la situación personal que motivó un contrato impensable por parte de la extinta RKO a un muchacho que todavía no había filmado nada en su vida, no hay que olvidar que la radio era mucho más entonces de lo que es ahora, y que su versión oral de ‘La guerra de los mundos’ de Wells causó una histeria colectiva en Nueva York y Nueva Jersey (para quienes no se habían enterado de que era una ficción radiofónica, espléndidamente realizada) pensando que se trataba de una invasión real. Firmó para dos películas en las que tendría el control absoluto, dentro de un presupuesto, y hay quien no se cansa de decir que tanta libertad fue en verdad la tumba de Welles en los grandes estudios, pues al fracaso comercial de su debut le siguió la mutilación parcial de ‘El cuarto mandamiento’, la rescisión de su contrato y una injusta fama de egomaníaco despilfarrador. Pero tampoco hay que olvidar que estuvo a punto de filmar una particular versión del genial ‘El corazón en las tinieblas’ de Conrad’, proyecto abandonado por sus altos costes y cuya versión por parte de Coppola (quien tiene en Welles su gurú particular…también en Wells…), casi le cuesta la ruina, la salud y la muerte. Orson escribió un magnífico guión al alimón con Herman J. Mankiewicz, y se dispuso a hablar de su propio corazón entre tinieblas.

El trineo abandonado en la nieve

Cuentan que cuando llegó al primer día de rodaje, Orson Welles enseguida se puso a colocar los focos de luz y a preparar las cámaras, hasta que le dijeron que para eso ya había un tipo al mando, nada menos que Gregg Toland, y dejó de preocuparse por ello. No sé hasta qué punto es cierta la historia, pero si lo es ejemplifica hasta qué punto Welles era un novato en esto de hacer películas. Eso sí, nunca un novato (ni muchos veteranos) ha demostrado una apropiación tal, y una intuición semejante, de las formas dinámicas del cine, haciendo uso narrativo y lírico de cada encuadre, cada punto de luz, cada corte de montaje. En Welles, desde esta primera película, las zonas en sombra (o en negro) de los planos, son tan importantes, o más, que las zonas iluminadas. Y los decorados profusamente detallados, con enormes paredes y techos (no fue el primero, pero sí el que les dio mayor importancia en una época más temprana), y con una profundidad de campo que convertía las raíces dramáticas del teatro en algo arcaico, molesto, y que dejaba penetrar por sus grietas la vida en toda su complejidad. Viéndola de nuevo, no da la impresión de que hayan transcurrido setenta años desde su aparición, sino que faltan todavía otros setenta para que pueda ser comprendida, y asimilada, en toda su grandeza estética, moral e intelectual.

El poder de algunas imágenes, numerosísimas, es incontestable, y no disminuye con el paso de los años, sino que gana en intensidad y misterio. La primera escena, con el fallecimiento de Kane, al que no vemos el rostro (no me parece casual, como nada en ella) representa en sí misma el mayor misterio de la película. Y aunque pronto comprenderemos qué es Rosebud, y no será muy difícil acceder al sentimiento de nostalgia que provoca la nieve en el protagonista, nunca conseguiremos acceder, aunque creamos que toda la película se dedica a ello, cuál es la personalidad y los sentimientos más profundos de Kane, quien según va haciéndose más anciano, y le van sucediendo algunas desgracias personales y financieras, y se amontonan las preguntas y algunas respuestas poco convincentes, se va encerrando más y más en sí mismo, hasta que se queda completamente solo. Y es que es tan difícil saber por qué Kane era lo que era, como lo es preguntarse lo mismo acerca de Welles. Observar a la enfermera a través del cristal roto de Kane, a los periodistas a los que se ve el rostro porque siempre están en sombras, el alucinante encandenado a través de la cristalera en plena tormenta…todo ello forma parte del ritual de ver ‘Ciudadano Kane’ y de acceder a la imaginación visual de un hombre asombroso para el que cualquier medio de expresión era susceptible de convertirse en algo más grande que la vida.

El desmesurado mundo barroco de Welles es perfecto para hablar sobre tantas cuestiones (desmintiendo que el cine, en apenas dos horas, pueda contar historias complejas o profundas como lo hacen ahora las mejores series de televisión) como el poder de la prensa, la búsqueda de la inocencia perdida, la hipocresía del aparato político estadounidense, la ambición despiadada de los bancos, el empleo del dinero en el cada vez más voraz sistema capitalista.. y todo ello sin perder la dimensión humana de una historia de amistades traicionadas, amantes fugaces, la lucha de un hombre por cambiar el mundo y siendo derrotado de manera irremisible por él. Y lo que en un principio parece un falso documental se transforma a continuación en una fábula moral. Y a continuación en un melodrama avasallador. Y finalmente en cine imposible de catalogar, al que solo se puede asistir, abrumado por no sé qué hipnosis que impregna cada imagen y la fija en el subconsciente, como un sueño. Sueños de poder y de ambición, y de regresar a un pasado cada vez más lejano y más imposible, en el que la felicidad era posible gracias a un trineo de madera. Esculpiendo la verdad a base de mentiras en su periódico, la mentira será la defensa más consistente frente a un mundo gris e implacable.

La portentosa fotografía de Gregg Toland, otro de los genios que de en cuando empujan la técnica cinematográfica más allá de lo imaginable, el audaz empleo de una cámara que siempre deja evidente la intención de la puesta en escena (en oposición al estilo invisible de otros directores), se unen al temperamento de Welles para que en cada escena, casi, haya una solución visual ingeniosísima, que pone patas arriba la concepción de la secuencia dramática y que encierra ideas o sensaciones de profundo calado emocional o psicológico. Pero creo que en la tragedia de un hombre solitario al que nadie comprende y que posee la llave de un mundo más bello y más justo Welles se superó en ‘Campanadas a Medianoche’, y en su narración del abuso de poder y en la decadencia física y emocional nos estremeció mucho más con ‘Sed de mal’, y en la crónica de un mundo hipócrita que aplasta los valores más perdurables del ser humano fue mucho más lúcido aún en ‘El cuarto mandamiento’. Sin embargo ya nada puede desbancar a ese tótem de la cinematografía que es Kane, que cumple tantos años como vivió su personaje, y como, irónicamente, vivió el propio Welles, y es que a veces las coincidencias (o no) hacen algunas películas todavía más enigmáticas y hermosas.

El tema de las adaptaciones cinematográficas, más o menos célebres, más o menos brillantes, más o menos desastrosas, es de frecuente debate entre los cinéfilos. Casi desde el principio del cinematógrafo, la traslación a un guión susceptible de ser filmado de historias escritas previamente para novelas o relatos, es algo habitual. Hoy día la cosa sigue igual: es muy difícil que una novela de éxito no conozca una versión en película, o por lo menos un proyecto en firme que intente rescatar las esencias literarias de una novela para convertirlas en imágenes. Esto lleva, como no podía ser de otra manera, a los lugares comunes de rigor, a las frases hechas: “el libro era mejor”, “ninguna buena película es tan buena como el libro que adaptan”, “es muy diferente escribir un guión partiendo de una novela que partiendo de cero”... y un largo etcétera. Algunos proclaman la separación, de una vez y para siempre, del cine respecto de la literatura, otros afirman la dependencia narrativa del cine respecto a una base literaria sólida. Lo cierto es que es un debate más que interesante.

Sería bueno desterrar la ingenuidad: la mayoría de películas que parten de una novela, se hacen realidad porque la novela ha sido un tremendo éxito de ventas, lo que por lo general indica una pobre calidad estética de esa novela. Salvo excepciones, que las hay, los best-sellers que copan librerías son productos de ínfima calidad literaria, escasa profundidad narrativa y conceptual, (pre)fabricados para ser adquiridos por una gran masa de lectores. No creo que esto sea demasiado discutible. Un poco distinto es el tema de los relatos, o novelas cortas, que al gozar de menor atención mediática, poseen muchas veces bastante más altura estética, y que también conocen no pocas adaptaciones al cine. Pero escasos son los títulos que se convierten en películas por un enamoramiento absoluto de un cineasta hacia un material literario, y numerosos los que se apuntan al carro de una moda, de un éxito fulgurante, para asegurarse un rendimiento en taquilla. Cine y literatura, dos artes tan distintos, condenados a entenderse debido a la búsqueda del éxito masivo.

El guión de cine, ese ente tan abstracto y siempre en fase de cambio, ha de ser escrito de tal modo que todo lo que en él se escriba sea susceptible de ser trasladado a la pantalla en imagen y sonido. No es literatura, aunque muchos se editan ya en formato libro. Pero no es igual partir de cero, con tus propias ideas, que partir de una historia con una forma ya establecida, muchas veces por encargo. Más que diferir en la forma de trabajar en un guión, que no difiere demasiado sea original o adaptado, en lo que se diferencia es en la complejidad de expresar un mundo propio más que reelaborar uno ajeno. Y hasta Billy Wilder, considerado uno de los más grandes guionistas de la historia, partía de un material literario preexistente para la mayoría de sus películas. Esto no le hacía un guionista menos original, o menos brillante. Lo interesante, siempre, es transformar ese material en algo profundamente cinematográfico. Y esto no puede hacerse con todas las novelas. De hecho, estoy por asegurar que las más grandes novelas requieren de un cineasta muy especial para convertirse en grandes películas, porque hay que destruir su forma literaria, preservando su espíritu original, y eso puede ser muy complejo.

Los sinuosos caminos de la adaptación

Cuando a inicios de los setenta la Paramount contrata a Francis Ford Coppola, por entonces un guionista consolidado y un director con una trayectoria bastante discreta hasta el momento, para coescribir con Mario Puzo la novela ‘El Padrino’, no sabe que seis meses después esa novela será todo un best-seller. Es decir, unos meses más tarde no le habrían dado el trabajo a Coppola, quien seguramente aceptó el encargo porque iba a hablar de temas que él, como italoamericano, conocía muy bien. Las dos continuaciones de esa película exprimían al máximo lo que quedaba de esa novela y, al mismo tiempo, se convertían en guiones originales. Es un caso único en la historia del cine. Diametralmente opuesto a este, es el de ‘El señor de los anillos’, que Jackson adapta a finales de los noventa para convertirla en una franquicia multimillonaria en la pasada década. Y son casos opuestos por dos razones principales: la calidad estética de la obra original, y los resultados de la película respecto al espíritu de la novela. Mientras que la novela de Puzo no pasa de correcta, en su prosa y en su estilo, en su técnica narrativa (aunque la historia que cuenta es muy interesante), la de Tolkien es absolutamente única en estilo, en técnica, en su forma. Y mientras Coppola crea un material plenamente cinematográfico, explotando al máximo el espíritu de la novela; Jackson termina convirtiendo la intrincada literatura de Tolkien en un cómic muy vistoso que sólo sostiene a ráfagas un mundo y un estado anímico muy concretos.

Es decir, que no todas las novelas, por muy famosas que sean, son mejores que la película que las adapta al cine, ni todas las novelas, me temo, son susceptibles de ser llevadas al cine, o hay que ser un director muy especial. Sin embargo, si echamos un ojo a las películas más famosas de la historia del cine, o la gran mayoría de ellas, son adaptaciones de novelas o relatos. ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960) o ‘De entre los muertos’ (‘Vertigo’, 1958), ambas de Hitchcock, parten de novelas de Robert Bloch y de la pareja formada por Pierre Boileau y Thomas Narcejac. ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, John Ford, 1956) era una novela de Alan Le May y ‘La diligencia’ (‘Stagecoach’, John Ford, 1939) un cuento corto de Ernest Haycox. Ni que decir tiene ‘Las uvas de la ira’ (‘The Grapes of Wrath’, 1940), sobre la extraordinaria novela de John Steinbeck. Igual sucede con el ‘Ben-Hur’ (íd, 1959) de William Wyler, con ‘2001: una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey’, Kubrick, 1969), ‘Lo que el viento se llevó’ (‘Gone With The Wind’, Fleming, 1939), ‘El sueño eterno’ (‘The Big Sleep’, Hawks, 1946), ‘My Fair Lady’ (íd, Cukor, 1964), ‘Matar a un ruiseñor’ (‘To Kill a Mockingbird’, Mulligan, 1962), ‘Sed de mal’ (‘Touch of Evil’, Welles, 1958), ‘Doctor Zhivago’ (íd, Lean, 1965)...

El grueso de la obra de grandes cineastas como Martin Scorsese, Orson Welles, Eric Rohmer, Billy Wilder, John Ford, Alfred Hitchcock, Akira Kurosawa, Steven Spielberg, Luis Buñuel, Nicholas Ray, Fernando Meirelles, Roman Polanski, Ang Lee, Robert Rossen, y otros muchos, está basado en libros, relatos, obras de teatro, cómics o historias anteriores. ¿Tan dependiente es el cine de la literatura? No creo que sea ni bueno, ni malo, ni todo lo contrario. Pero, ¿no sería bueno que el cine se desligase de una vez de la literatura? No solamente por las adaptaciones, sino sobre por la forma de estructurar guiones y presentar personajes, por presentación, nudo y desenlace, por tramas y sub-tramas, por géneros y por estilos. Quiero pensar que el cine es más que una novela hecha imágenes, que posee autonomía propia como arte, o al menos debería tender a ello. Coger una novela maravillosa para hacer una película es lógico, pero es necesario también pervertirla un poco, acercarla al mundo del director y crear algo nuevo con ella…sin perder lo que la hace especial y única. Tarea titánica.

‘Impulso criminal’ (‘Compulsion’, Richard Fleischer, 1959) es la segunda película que se inspiró en el verídico caso de Nathan Leopold Jr. y Richard Loeb, dos jóvenes que conmocionaron a los Estados Unidos por cometer en los años 20 un asesinato a sangre fría, sólo para demostrar su superioridad intelectual. Un terrible acto que pone en evidencia lo cruel que puede llegar a ser el hombre a pesar de su supuesta humanidad. Un caso escalofriante por lo que representa a nivel moral, que fue recogido en dos obras literarias, siendo la primera de ellas adaptada por Alfred Hitchcock en su magistral ‘La soga’ (‘Rope’, 1948), film con el que el maestro se divirtió filmando la película en un largo plano secuencia, con truco evidentemente. El hoy reputado productor Richard D. Zanuck se estrenó en la profesión con ‘Impulso criminal’, basada en la novela homónima de Meyer Levin, la segunda de las cuales se inspiraba en el atroz caso acontecido en 1924 en Chicago.

Para ello Zanuck, hijo del mítico Darryl F. Zanuck —‘Las uvas de la ira’ (‘The Grapes of Wrath’, John Ford, 1940), ‘Eva al desnudo’ (‘All About Eve’, Joseph L. Mankiewicz, 1950)—, contó con un equipo de altura. Richard Fleischer, que venía de rodar películas como ’20.000 leguas de viaje submarino’ (‘20000 Leagues Under the Sea’, 1954) o ‘Los vikingos’ (‘The Vikings’, 1958), se sentó en la silla de director, y años más tarde reconocería ‘Impulso criminal’ como su película preferida de su nada desdeñable filmografía. Orson Welles, quien no necesita presentación, y Dean Stockwell, niño prodigio de Hollywood, en papeles importantes. En el campo técnico, el montador William Reynolds y el director de fotografía William C. Mellor realizaron dos de sus mejores trabajos. Un debut ejemplar que además se convirtió en uno de los más sólidos alegatos contra la pena de muerte que se hayan realizado jamás a cualquier nivel.

La historia de ‘Impulso criminal’ versa sobre los dos jóvenes Judd Steiner (Dean Stockwell) y Arhtur A. Straus (Bradford Dillman), pertenecientes a familias acaudaladas, y que un buen día deciden cometer un asesinato sólo por el simple hecho de creerse superiores intelectualmente al resto. El crimen no sale como ambos esperan y la investigación policial enseguida se encamina en su dirección. La opinión pública no se hará esperar y todo el mundo pedirá las cabezas de los jóvenes por tan horrendo crimen, algo para lo que servirá el juicio en el que Judd y Arthur serán juzgados, y en el que son defendidos por Jonathan Wilk (Orson Welles), uno de los mejores abogados del país. Así pues el film se divide en dos partes bien diferenciadas, una primera que juguetea con el thriller psicológico, y la segunda, que entra de lleno en el cine de juicios, tan del gusto del público en general.

El inicio del film, justo antes de los títulos de crédito, deja muy claro cómo son los personajes de Judd y Arthur, que viajando en coche, se les presenta la oportunidad de atropellar a un solitario borracho en una aún más solitaria carretera nocturna. Dicho instante sirve no sólo para mostrar que los dos jóvenes se atreverán a cualquier cosa —aunque Arthur es mucho más atrevido que Judd—, sino para sentar las bases de una relación de dependencia, la que siente Judd por su único amigo, por el que hará cualquier cosa que le pida. Una relación de claras connotaciones homosexuales, muy bien insinuadas en la trama, claramente tomadas del caso real. Pero en tiempos de censura, este tipo de cosas no podían mostrarse como eran, así que un modélico guión, una dirección inspirada y dos interpretaciones de altura mostraron lo que no se podía enseñar. A las miradas de admiración de un inspirado Dean Stockwell hay que sumar la excelente secuencia, por arriesgada, del intento de violación frustrado, en el que Judd queda completamente al descubierto.

Durante la primera parte de la película, en la que hay numerosos aciertos como el no mostrar la secuencia del crimen —golpean hasta la muerte a un niño y luego intentan esconder su cadáver—, Judd y Arthur —excelente Bradford Dillman en su primer papel importante— son los personajes centrales de la función. Dos jóvenes de caracteres prácticamente distintos, uno abierto y sociable, el otro culto e introvertido, que miran al resto de sus semejantes por encima del hombro, burlándose hasta cierto punto de todos ellos por considerarlos inferiores. Llama la atención el increíble ritmo con el que Fleischer marca los acontecimientos, sobre todo durante la investigación criminal, en la que incluso Arthur se permitirá el lujo de juguetear con la Ley hasta límites insospechados. En ese tramo cobran fuerza además de las dos interpretaciones, la excelente ambientación del Chicago de los años 20, y los distintos comportamientos de ricos y pobres, algo que será esencial para el juicio del segundo tramo.

Muy acertadamente, en ese segundo tramo, Arthur y Judd ceden su protagonismo —sabemos todo lo que hay que saber de ambos— al que será su abogado defensor, Jonathan Wilk, que bajo el rostro de un imponente Orson Welles que con 43 años aparentaba muchos más, se apodera totalmente del relato. El carisma del actor llega para ello. Wilk tiene las mejores frases de diálogo y su irrupción en la historia es un auténtico punto de inflexión. Aparecen las motivaciones filosóficas, y en un acierto de guión, el abogado Wilk, ateo convencido, se concentra en conseguir no la inocencia por un crimen de sobra probado gracias a unas fatídicas gafas caídas en el momento del asesinato, sino en conseguir que la condena no sea la pena capital. Para ello apelará al sentido común del ser humano en uno de los discursos más estremecedores que se hayan recitado jamás. Casi diez minutos de pura y dura verdad, que golpea sin compasión a un espectador que no se lo espera. Un discurso tan bien expuesto que debería ser enseñado en todas las escuelas del mundo. No, no exagero.

El paso del tiempo no ha dañado ni un ápice esta obra de un Fleischer realmente inspirado. Una magnífica muestra de su hacer, cuya mayor virtud reside en su total ausencia de posicionamiento. Si bien el film termina siendo un alegato a favor de la vida, y eso bajo ningún concepto puede ser censurable, los hechos son expuestos con total objetividad, los personajes, algunos de cierta profundidad psicológica, son mostrados sin ningún tipo de maniqueísmo, algo realmente difícil de conseguir en este tipo de películas. ‘Impulso criminal’ estuvo nominada a la Palma de Oro en Cannes, siendo vencida por la excelente ‘Orfeo negro’ (‘Orfeu Negro’, Marcel Camus, 1959), pero se llevó el premio a la mejor interpretación masculina, que se fue para Welles, Dillman y Stockwell, un trío interpretativo realmente embriagador. Si a eso sumamos el hecho de que ésta es una de esas películas que tienen un alto contenido pedagógico pues la conclusión a la que llegamos es que ya no se hacen películas como ‘Impulso criminal’. No saben.

Ya sabéis que cada dos semanas hacemos un repaso desde Blogdecine a un puñado de noticias o artículos que encontremos interesantes en la blogosfera, y al mismo tiempo os damos a conocer los blogs o páginas que las contienen, en nuestra sección ‘Hay más cine ahí fuera’. Temas que a lo mejor no han tenido aquí un espacio para ser tratados. Echadles un ojo porque hay cosas que seguro que os llaman la atención:

• En el sitio El espectador imaginario encuentro un excelente artículo firmado por Javier Moral y titulado ‘Una vía de expresión sin peligro de extinción’, en el que se reflexiona sobre el uso del blanco y negro en el cine moderno, y en el que hace un repaso muy lúcido y muy estimulante sobre los títulos recientes que mejor han empleado la ausencia de color. No os lo perdáis.
  

• Me entero de que en el blog de la revista Fotogramas, el destacado analista de bandas sonoras Conrado Xalabarder, que lleva trabajando mucho tiempo con ellos, ha escrito un artículo muy interesante en el que da sus buenas razones por las que considera que la música que ha compuesto Clint Eastwood para su película recién estrenada, ‘Más allá de la vida’ (‘Hereafter’), está empleada de forma exageradamente obvia y manipuladora. Además, estoy muy de acuerdo con él en casi todo.

• Una noticia muy importante de la que dan cuenta en el blog Versión muy original: puede que se termine de rodar y montar una de las películas inacabadas del gran Orson Welles, ‘La otra cara del viento’, en la que participaron nada menos que John Huston, Peter Bogdanovich, Dennis Hopper y Oja Kodar. No falta quien diga que esto es casi una profanación a la obra del gran director…

• Los chicos del blog El Séptimo Arte han hecho su habitual recopilación de los carteles internacionales aparecidos las últimas semanas. Algunos son realmente buenos, otros no tanto.

• Y para terminar: hemos comenzado con nuestro Club El País, en el que detallamos toda la información de las películas españolas que van a lanzar cada domingo con su diario. Hace un par de días, publicamos un extenso reportaje sobre una de las películas más exitosas (y más divertidas) del reciente cine de terror español, la intensa ‘[REC]’ (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2007). Leyéndolo, ¿no dan unas ganas terribles de volver a verla?

Y esto es todo de momento y hasta dentro de dos semanas. Ya sabéis que si queréis mandarnos enlaces interesantes, no tenéis más que emplear nuestro formulario de contacto para hacérnoslo saber.

Existen varias versiones de cómo esta película terminó haciéndose realidad. La más divertida de todas ellas posiblemente se la inventó el propio Orson Welles: es aquella en la que, mientras hablaba por teléfono desde un aeropuerto, y le preguntaban qué novela querría adaptar, se fijó en una ediciión barata de ‘Badge of Evil’; (error mío, notificado por el comentarista Malvado Aspersor, pues esta anécdota pertenece a ‘La dama de Shanghai’), escrita por Whit Masterson (seudónimo para dos autores que escribían al alimón, Robert Allison “Bob” Wade y H. Bill Miller). En realidad, Charlton Heston, que era una estrella emergente a mediados de los cincuenta, quería como compañero de reparto a Orson Welles, y se lo impuso a la Universal. Una vez convencidos, también les propuso que fuera él quien la dirigiera, propiciando su regreso a Estados Unidos, después de filmar tres películas en Europa. Welles cogió una mala novela de policías corruptos, escribió el guión en pocas semanas, y se propuso un regreso triunfal a Hollywood que nunca tuvo lugar, porque como dijera Jonathan Swift: “Cuando aparece un gran genio en el mundo se le puede reconocer por esta señal: todos los necios se conjuran contra él.”

De modo que Welles aceptó dirigir, escribir y co-protagonizar una película en la que Heston interpretaría a un improbable mexicano, y por la que sólo percibiría un salario como actor. Todo para regresar a la industria que él sabía era la única del mundo que le proporcionaría la posibilidad de hacer realidad su inconmensurable temperamento visual. Pero una vez terminada la película, la Universal la encontró indeciblemente desagradable y confusa, la mutiló de la forma más abyecta posible, y la estrenó como un producto de baja calidad, sin apenas promoción, y echando pestes de ella. Increíble, pero cierto. Y aún más increíble la reacción de los críticos americanos, pues lo más suave que dijeron de ella fue que era absurda, hasta llegar a basura pretenciosa. Así las cosas, no es de extrañar la decadencia salvaje del cine norteamericano. Pero, en cualquier caso, ningún crítico ha podido jamás hundir una gran película (del mismo modo que ningún crítico ha podido jamás “salvar” una mala película), y desde luego no pudieron con la que, en opinión de quien esto escribe, es el filme más grande que filmó Welles en Estados Unidos, a pesar de lo caro que le resultó ser profeta en su tierra.

Cuando uno revisa los filmes noir inmediatamente posteriores o anteriores a este, es algo así como situar a Bach entre grupos de música pop actuales. Al lado del genio de Welles, los logros de algunos directores de gran talento quedan completamente eclipsados. Los Wilder, Ray, Preminger, Garnett, Huston, Siodmak, LeRoy, Wellman, Walsh, Fuller, Kubrick y otros, quedan como meros artesanos, casi aprendices, al lado del coloso que dirige ‘Sed de mal’ (‘Touch of Evil’, 1958), y sólo grandes nombres como Fritz Lang, Howard Hawks o Jacques Tourneur pueden comparársele en su genio. En su inclinación apasionada a los caracteres grandiosos, en su desmesurado mundo barroco, Welles cambia el cine para siempre, y los directores de “filme noir” contemporáneos quedan anticuados cuando se observan las imágenes de esta película, que convierte al cine en algo mucho más formidable de lo que los directores “clásicos” pudieron siquiera soñar, y quizá por eso Welles fue sistemáticamente despreciado en su país. Es el problema de poseer un sentido visual y una personalidad tan extraordinarios.

Falstaff Quinlan

Lo cierto es que no resulta fácil escribir un comentario acerca de esta supuesta “basura”, porque siendo en cierta forma la cima del cine negro, también se aleja de sus constantes en ciertos pasajes para erigirse en cine de vanguardia absoluto, en una aventura abstracta, en expresionismo dinámico. Un brutal acontecimiento catalizador, la voladura de un coche en plena frontera entre México y Estados Unidos, es el disparador de una investigación a cargo del capitán norteamericano Quinlan (Welles), y de sus hombres, observados por el policía mexicano Vargas (Heston). La trama posterior, el modo en que Vargas descubre lo podrido que está el capitán Quinlan, el destapar sus prácticas, el salvar a su mujer Susie (nunca estuvo tan sensual Janet Leigh), todo eso es lo de menos. No es más que una excusa para que Welles exponga su visión, una vez más, del abuso de poder, de la soledad del hombre, de la violencia y la sordidez como nunca antes, y posiblemente después, se había visto en el cine norteamericano.

Todo comienza, bien lo sabrán la mayoría de los lectores de esta página, con uno de los planos más famosos de la entera historia del cine. No es exactamente un plano secuencia, porque no toda la secuencia está resuelta con él, pero sí es una muy larga, de asombrosa dificultad técnica, con una grúa alucinante y docenas de extras alrededor de Heston y Leigh, orquestados como si de una sinfonía se tratase. Según Welles, esta clase de planos sólo son posibles en el cine norteamericano, gracias a los excelentes técnicos que trabajan allí. Esto es un poco cuestionable, pero lo que cabe duda es que el gran Rusell Metty (según John Baxter ninguneado por Kubrick en ‘Espartaco’, aunque ganara su único Oscar por esa película) está a la altura del Gregg Toland de ‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, 1941) en pericia técnica y en ambición estética. Metty, secundado por Welles, lleva hasta las últimas consecuencias los claroscuros del expresionismo alemán. Sus sombras y profundidades de campo es lo más lejos que se puede llegar sin caer en la parodia.

Con los personajes envueltos en sombras excepto en las escasas escenas diurnas al aire libre (en los interiores, aunque sea de día, todo son enormes contrastes de luz), Welles dirige a los actores con mano maestra, en un amanerado juego visual, pues los actores asemejan bailarines coreografiados por una sensibilidad experta. Al mismo tiempo, el uso de la cámara es increíblemente expresivo. Lo admirable es que tanto movimiento de cámara y tanto movimiento de actores no produce una confusión visual y sí una tremenda inquietud, que va enervando al espectador progresivamente, desquiciado por unos diálogos magistrales que se suceden con la velocidad de un tiroteo. La rivalidad natural entre Quinlan y Vargas desvela el profundo racismo del primero, para convertirse en una de las críticas más feroces contra la policía de esa frontera de que hay noticia. La política, los tejemanejes de los poderosos, el cinismo de la justicia, pero también el tesón y la perserverancia de los hombres honestos, que jamás se rinden.

La presentación de Quinlan es absolutamente brutal, parecido a un Falstaff moderno (personaje shakesperiano favorito de Welles): pendenciero, vanidoso, compulsivo, hasta cruel, pero con el corazón roto. Llegaremos a odiar a Quinlan, mientras es imposible dejar de pasmarse con el fenomenal talento interpretativo del actor. Welles sólo contaba cuarenta y tres años cuando hizo esta película, pero quizá su escarpada carrera le envejeció más que la caracterización. A su lado Heston está muy bien, muy sólido y muy creíble, aunque jamás nos creemos que sea mexicano, y mucho menos cuando chapurrea español. El resto del reparto debería estudiarse en las escuelas de casting: Joseph Calleia, Akim Tamiroff, Joanna Moore, Ray Collins, Valentin de Vargas, Mort Mills... todos ellos configuran un collage de rostros salvajes, casi demenciales. La pura imagen de la corrupción y la infamia. Y el remate final es la aparición fantasmagórica de una enigmática Marlene Dietrich en un papel antológico, en el que se limita a mirar con sus ojos insondables, y a soltar nada más que un par de frases misteriosas sobre Quinlan, cual adivinadora de otro mundo.

Ya la mera utilización de la cámara para los coches en movimiento, convierte en antiguallas de arqueología las retroproyecciones que aún se seguirían utilizando durante algunos años. Y posiblemente nunca se utilizaron las grúas de un modo tan dramático (ni los contrapicados, ni los planos inclinados), exprimiendo así las últimas gotas dramáticas de cada secuencia. Claro que la grúa habría sido menos espectacular sin los escenarios diseñados por Robert Clatworthy y Alexander Golitzen, que hacen de la frontera y de cada calle un personaje más, en un barroquismo grandioso, bañado por las sombradas de Metty, vestido de la cadenciosa y delirante música del legendario Mancini, con los bailarines-actores haciéndolo vibrar, en un todo del que no se puede extraer ningún elemento sin que sufran los demás, y que hay que gozar vinculando continuamente sus hallazgos hasta la extenuación, en un obra maestra imperecedera del arte del siglo XX.

‘Green Zone: Distrito Protegido’

Siguiendo la estela de la exitosa alianza artística entre Paul Greengrass y Matt Damon, nos llegó esta cinta de acción trepidante y escenario bélico. Recordemos que conocemos una peligrosa misión militar en la Bagdag ocupada en 2003, en la que su protagonista, el subteniente Miller tendrá que enfrentarse a duras situaciones, espías, amenazas y encontrar respuestas entre la confusión y las mentiras. El Blu-ray viene acompañado de extras como escenas inéditas, documentales sobre Damon, el cómo se hizo, el auténtico Miller, la recreación de Badgad y comentarios del director y protagonista. La película no logró todas alabanzas alcanzas con Bourne, pero en un intento de repetir la fórmula, al menos parece que se logró una cinta de acción que se deja ver. Todo ello por un precio de 29,95 euros y que es un adelanto hasta el lanzamiento del DVD que llegará en septiembre.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Green Zone: Distrito Protegido’, Greengrass y Damon de aventuras en Irak

• ‘Green Zone: Distrito Protegido’, Bourne busca armas de destrucción masiva en Irak

‘An Education’

Esta cinta británica nos descubría a una estrella en ciernes como era su joven protagonista, Carey Mulligan, a la sazón candidata al Oscar y principal baluarte del film. Una historia que tiene base literaria y que nos traslada a los sesenta, Londres y como una joven se salta la educación refinada para darle rienda suelta a su corazón, rompiendo moldes sociales. La película cosechó buenas críticas aunque tampoco parecía un título tan contundente como para lograr 3 nominaciones al Oscar. Para los que quieran hacerse con la edición en Blu-ray, pueden saber que contiene comentarios del director y actores, escenas eliminadas, así se hizo y el estreno de la cinta sobre la alfombra roja. Nada del otro mundo, y a un precio de 24,95 euros.

Crítica en Blogdecine:

• ‘An Education’, descubriendo a Carey Mulligan

‘I’m not There’

Con un reparto estelar y mucho retraso llegó esta película a las carteleras españolas. Una cinta que ha cosechado numerosos premios y elogiosas críticas a su paso. Recordemos que es un retrato del legendario músico Bob Dylan, a lo largo de varias épocas y encarnado por varios actores. Un artista que ha influenciado a varias generaciones. La edición especial en DVD trae dos discos con jugoso material extra para profundizar en esta historia: trailer, fichas, filmografías, tomas falsas, escenas eliminadas, extendidas y la música de la película. A un precio de 20,95 euros para el que no quiera dejar escapar los detalles de esta película de grandes nombres y mejor música.

Crítica en Blogdecine:

• ‘I’m Not There’, el trovador de la conciencia

‘El hombre lobo (2010)

A pesar de que generó mucha expectación, lo cierto es que esta nueva versión del mito licántropo interpretado estelarmente por Benicio del Toro no cosechó demasiados buenos comentarios. Un remake del clásico de 1941 aprovechando la tecnología digital pero que aporta poco más. Aún así, la cinta puede ser comparada con su original a modo de curiosidad. Y eso es lo que han pensado en Universal ya que entre las ediciones del lanzamiento se incluye una especial con las dos películas. Para una sesión doble, aunque sin extras por 21,95 euros. Aunque también se pone a la venta una edición coleccionistas con libro incluido, de 64 páginas sobre la película, de venta exclusiva en Fnac y que además, viene acompañado de la versión extendida, con 16 minutos más no vistos en salas de cine. Esta edición tiene un precio de 19,95 euros.

Críticas en Blogdecine:

• ‘El hombre lobo’, una bestia desdentada

• El absurdo hombre lobo

‘Nine’

Para los que se perdieron este nuevo musical de Rob Marshall (el director de ‘Chicago’) o quieran comprobar la interpretación de Penélope Cruz, se lanza una versión especial de dos discos. Recordemos que esta adaptación de un clásico musical de Broadway, a su vez un remake de ’8 y medio’ del gran Fellini, incluyó un reparto de auténtico lujo aunque demasiado envoltorio y poca sustancia, ya que no convenció en exceso. En la edición especial se incluyen diversas entrevistas a los actores para conocer detalles de la película. A un precio de 20,95 euros.

Críticas en Blogdecine:

• ‘8 1/2’ y ‘Nine’, de aburrido experimento a soporífero musical

‘Fraude (F for Fake)’

Una de las curiosidades más apetecibles de la semana que llega de la mano de Avalon es este documental que rompió moldes. Es un análisis profundo sobre el arte y la falsedad dirigido por Orson Welles en 1974. Poco conocido, este lanzamiento viene acompañado de un libreto crítico, además de fichas y una aproximación al Welles desconocido. Como digo una de esas rarezas altamente estimulantes para cualquier cinéfilo que quiera escapar de lo habitual y dejarse embaucar por Welles. Una reflexión sobre el arte ideal para este verano. Disponible por 12,95 euros. Irresistible.

‘Dos Súper-Policías’ (Edición Remasterizada)

Los más admiradores del cine realizado por la pareja formada por Bud Spencer y Terence Hill seguro recuerdan con nostalgia este clásico título setentero. Recordemos que la pareja interpreta a dos tipos agresivos, sin escrúpulos, de puño fácil y con enorme tendencia a meterse en líos. Eso sí de buen corazón. Acaban en una oficina de reclutamiento y rápidamente son alistados. Aunque sus intentos por fracasar como policías es en vano, y acaban demostrando que son dos policías efectivos aunque poco convencionales. Lo dicho, en un ataque de nostalgia se pueden recordar las escenas a puñetazo limpio de esta pareja que dio lugar a varios títulos de cierto éxito, pero que también se pueden olvidar con cierta facilidad. Esta edición remasterizada lanzada por Suevia Films contiene como contenido extra las fichas y una galería fotográfica.

‘Strings’

Otra rareza que podemos rescatar entre las novedades de esta semana este título fantástico, que lograra destacar en el festival de Sitges en 2004. Cuenta una historia mitológica a modo de fábula dramática lenta de aventuras y que fue dirigida por el danés Anders Rønnow Klarlund. Una película de animación casi desconocida que dejo boquiabiertos a muchos en Sitges y que no llegó a estrenarse en salas, así que es buena excusa para rescatarla.

Vía | ZonaDVD

Una grabación de la voz de Orson Welles da pie a una película… probablemente eso ya os suene. Pero no estamos hablando de otra versión de ‘La guerra de los mundos’, sino de unas cintas inéditas en las que el actor y director leía una novela navideña para niños titulada ‘Christmas Tails’.

El autor de la historia, Robert X Leed, era amigo de Welles y, en 1985, le pidió al cineasta que leyese su relato para entregar la narración junto con los ejemplares que había editado por su cuenta. Meses después, Welles falleció y Leed guardó las grabaciones en una estantería de un armario de su casa de Las Vegas, donde han estado hasta 2008, cuando Karl Fritz le mencionó al presidente de Drac Studios, Harvey Lowry, el rumor sobre la existencia de las cintas, que supondrían el último trabajo profesional de Welles antes de su muerte. Lowry se puso en contacto con Leed, quien le envió las grabaciones.

Así, Drac Studios, responsable de ‘El curioso caso de Benjamin Button’ (‘The Curious Case of Benjamin Button’), va a producir una versión fílmica de ‘Christmas Tails’: un híbrido entre imagen real y 3D generado por ordenador, que contendrá la auténtica voz de Welles. Todd Tucker (‘Monster Mutt’) se encargará de dirigir un guión que ha escrito Matt Thompson, basándose en el libro de Leed, quien se mantendrá vinculado al proyecto como asesor. El rodaje comenzará este verano con idea de estrenarla la Navidad de 2011.

El argumento de ‘Christmas Tails’ — un juego de palabras entre «tales» («relatos») y «tails» («colas»), que se pronuncian de forma similar— nos cuenta que los renos de Papá Noel se ponen enfermos y el gordito del gorro rojo se plantea cancelar la Navidad. Pero su perro consigue reunir a otros canes en el Polo Norte para salvar la fiesta y asegurarse de que todos los niños reciban sus regalos.

Lowry comenta que, además de contar esta historia en un nivel, «el film tratará del descubrimiento de las cintas de Orson, ya que es un hallazgo fundamental, algo con lo que sueña un cineasta». Y añade que Leed «verificó su autenticidad».

«Hicimos un trato para comprarle [a Leed] los derechos del libro». Las cinco cintas de magnetófono «eran tan antiguas que hemos tenido que darles un baño químico y procesarlas para poder digitalizarlas», contaba Lowry quien, más adelante, se dirigió a los herederos de Welles para hacer un trato con ellos y así poder utilizar la voz del maestro en su película: «una cosa era tener las grabaciones y otra poder usarlas», agregó.

La productora Drac, experta en crear animales animatrónicos, dará vida a los heroicos perros y diseñará un fantástico Polo Norte con gráficos de ordenador. El equipo creativo, compuesto por Lowry, Tucker, Ron Halvas y Greg Cannon, ha ganado Oscars por ‘Drácula, de Bram Stoker’, ‘Señora Doubtfire’ y ‘Benjamin Button’ y fue nominado por ‘Titanic’ y ‘La pasión de Cristo’, entre otras.

La forma en la que se intercalará la grabación de Welles a lo largo de la película será similar al empleo que se hizo de la voz de Boris Karloff en la versión animada de ‘How the Grinch Stole Christmas’, de 1966.

Aún no se sabe quiénes serán los actores protagonistas para las partes de imagen real, pero Lowry dice que ya se ha creado interés en participar en el rodaje, pues «la gente lo ve como su única oportunidad de salir en una película junto a Orson Welles».

Parece interesante. Por un lado, es motivo de alegría saber que ese vozarrón que tenía Welles se va a rescatar del olvido y va a formar parte de algo nuevo. Por otro, hay que pensar que se trata únicamente de la voz y que, si se ha decidido crear una película para aprovechar su popularidad, ello también podría suponer que les valiese cualquier historia con tal de rescatar las grabaciones. Afortunadamente, la novela de Leed presenta un punto de partida que no tiene nada que envidiar a otras historias de buena voluntad que empiezan a llenar las salas a finales de diciembre. Así que ésta, como mínimo, contará con la originalidad de volver a escuchar al gran Welles.

Vía | THR.

Lo más interesante de este film, aparte de pertenecer a los trabajos menos conocidos del cineasta, es la leyenda o mitología que rodea a la película. Puesto que, según se cuenta, el realizador la dejó olvidada en su habitación del Hotel Ritz, en París, y no fue hasta 1986 cuando se encontró. En el año 1994 el canal alemán ZDF transmitió el film.

El propio Welles le comentó a André Bazin que no se trataba en absoluto un documental, sino más bien un ensayo personal. Y afirmaba:

Soy yo mismo proyectado sobre un tema dado: Lollobrigida y no lo que es ella en realidad: y es más personal incluso que un punto de vista.

Sin embargo, Welles, a pesar de haber trabajado mucho esta cinta, no se sintió completamente satisfecho y de ahí que su desprendimiento le hiciera olvidar las latas de la película en su habitación en París, que estuvieron durante años en el almacén de objetos perdidos del Ritz y descubiertos tras su muerte.

En ‘Viva Italia’ trata una serie de temas centrados en la cultura italiana y entrevista a, nada menos, que Vittorio de Sica, Rosanno Brazzi, Paola Mori y la propia Gina Lollobrigida. Precisamente la actriz, tras ver una proyección de este ensayo de Welles en un festival de cine italiano, intentó prohibir su difusión. Y es que en la conversación con Gina, el cineasta se quedó con cuatro minutos en los que hablaba de los impuestos, la maternidad y la relación con los actores italianos con el público. En realidad, mostró la parte menos “agradable” de la entrevista y de ahí que enfureciese.

Aquí el film, dividido en tres partes y con la maravillosa y estupenda voz y dicción del genio de Orson Welles.

Vía | Cinencuentro
En Blogdecine: *Las películas perdidas de Orson Welles

El pack incluye cuatro films del celebérrimo Orson Welles:

‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, 1941), probablemente la más famosa del actor y director. Pasará a la historia por ser un debut que su director difícilmente ha superado, sin por ello dejar de tener el espíritu de la opera prima.

Impresionante retrato de un magnate y del mundo que le rodea. El protagonista, Charles Foster Kane, era un trasunto de William Randolph Hearst, quien encolerizó y montó una campaña en contra de la película. De hecho, Rosebud, la misteriosa palabra que finalmente correspondía a SPOILER una inscripción en su trineo como metáfora de una infancia que nunca llegó a tener FIN DEL SPOILER se dice que representaba otra cosa perteneciente a Hearst que no voy a concretar, pero que probablemente podréis encontrar en alguna página web.

‘Ciudadano Kane’ está interpretada por Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Commigore, Everett Sloane y Ruth Warrick.

Otra de las películas del pack es ‘Fraude’ (‘Vérités et mensonges’, 1974), un falso documental sobre la falsa biografía de un falsificador, que tiene más interés como curioso experimento metalingüístico que como buena película. Podría ser la más personal y sentida de Welles, ya que simboliza su arte como mago y embaucador.

Las acompaña ‘El cuarto mandamiento’ (‘The Magnificent Ambersons’, 1942), segunda película y consideradas por muchos como la mejor de Welles. Cuando menos es un gran film. Trata sobre la decadencia de las clases aristócratas y el auge de la burguesía.

Por último, se encuentra en la caja ‘El extranjero’ (1946), film que nos merece menos atención, pero en estos packs no siempre es todo bueno. ‘El extranjero’ es una mala traducción del título original, ‘The Stranger’, que significa “el desconocido”.

Quien lo prefiera, también puede quedarse sólo con ‘Ciudadano Kane’ en una Edición Especial 2 Discos (Estuche Metálico). En el segundo disco se puede encontrar el film televisivo de Benjamin Ross ‘RKO 281. La Batalla por Ciudadano Kane’. En ella aparecen: Liev Schreiber (en el papel de Welles), James Cromwell, Melanie Griffith y John Malkovich.

‘La Reina de África’

Aparece a la venta en un estuche metálico esa maravilla de John Huston titulada ‘La Reina de África’. No es que sea una comedia romántica, pero la relación entre los dos protagonistas, interpretados por Katharine Hepburn y Humphrey Bogart, funciona de la misma forma que en las de ese género, con esos brillantes diálogos llenos de puyas. El film consiste en el tiempo que deben pasar estas dos personas a bordo de La reina de África mientras evitan los peligros que supone el estallido de la Primera Guerra Mundial. Les acompañan en el reparto Robert Morley, Peter Bull, Theodore Bikel, Walter Gotell, Peter Swanwick, Richard Marner. Obtuvo dos Oscar y tres nominaciones en 1952.

‘El Niño de Marte’

Está dirigida por Menno Meyjes e interpretada por John Cusack, Bobby Coleman, Amanda Peet, Sophie Okonedo, Joan Cusack, Oliver Platt, Bud, Richard Schiff, Richard Schiff, David Kaye. Es un film que intenta tener un punto muy peculiar o “friqui”, pero que se queda finalmente en lo convencional, como si hubiese diferentes mentes pensantes desarrollando la historia. Fianlmente aburre el enésimo papel de viudo que John Cusak, por otro lado genial actor, ha tenido que interpretar en el año.

Críticas en Blogdecine:

• ‘El niño de Marte’, lo que podría haber sido y lo que es.

• ‘El Niño de Marte’, el aburrido terrestre.

‘El Último Justo’

Interpretada por Diego Martín, Ana Claudia Talancón, Pedro Armendáriz Jr., Federico Luppi, Goya Toledo, Antonio Dechent, Cesar Arias, José Antonio Barón; y dirigida por Manuel Carballo. Si os digo que la produce la Filmax ya os imagináis todo el argumento: una secta malvada que abduce a personas. Sin embargo, me sorprendió gratamente esta película que está bien rodada, bien narrada y que hace que todas estas sorpresas de la trama habituales en la productora de L’Hospitalet encajen sin resultar ridículas. Es una pena que pasase tan desapercibida en taquilla, por lo que os la recomiendo para el DVD. Seguro que no os decepciona.

Crítica en Blogdecine:

• ‘El último Justo’, vuelve Filmax con sus sectas del terror

‘Pesadilla antes de Navidad’

Aparece una edición Coleccionista 2 Discos de la ‘Pesadilla antes de Navidad’ (‘Nightmare Before Christmas’, 1993), de Tim Burton. Sonará extraño que diga que no me convenció demasiado este film y que, sin embargo, ‘La novia cadáver’, que obtuvo menos aceptación en general, me gustó mucho más. Por supuesto, el diseño de las marionetas no sólo es chulísimo, sino que les confería tanta personalidad que se han convertido en iconos eternos del cine de terror fantástico, pero la historia se me quedaba un poco en nada.

‘Posesión Infernal’

Se puede adquirir ‘Posesión Infernal’ (‘The Evil Dead’, 1981), de Sam Raimi , en estuche Metálico. El protagonista es el actor fetiche de Raimi, Bruce Campbell, y junto a él completan el reparto Ellen Sandweiss, Hal Delrich, Betsy Baker, Theresa Tilly, Philip A. Gillis, Dorothy Tapert, Cheryl Guttridge, Barbara Carey, David Horton. En el estilo humorístico de Raimi con una realización espectacular, simpática, con un punto cartoon nos cuenta cómo cinco amigos pasan unos días en una cabaña en el bosque donde unos demonios poseen sus cuerpos.

Otros estrenos a la venta en DVD son ‘Bitelchús’ (edición de lujo), ‘Casino Royale’ (edición coleccionista 3 discos), así como casi todo James Bond; ‘Jóvenes ocultos 2, vampiros del surf’, ‘L.A. Confidential’ (edición especial), ‘La leyenda del indomable’ (edición especial), ‘Fatih Akin: Initial Series’, ‘La banda nos visita’, ‘La bella durmiente’ (edición de lujo para coleccionistas), y ‘Harry Potter y la Orden del Fénix’ (edición especial, estuche metálico).

En alquiler:

‘El increíble Hulk’

El 21 de octubre sale en alquiler en alta definición ‘El increíble Hulk’, secuela de la que dirigiera Ang Lee, que llega de la mano de Louis Leterrier, con Edward Norton en el papel de Bruce Banner en lugar de Eric Bana. Más espectáculo que en su predecesora en una cinta divertida, llena de cameos, guiños, humor y mucha acción.

En el contenido extra: Comienzo alternativo, Escenas eliminadas, Cómo se hizo “El increíble Hulk”, Convirtiéndose en Hulk, Convirtiéndose en Abominación, Anatomía de Hulk al descubierto, Del cómic a la pantalla, Comentarios de Louis Leterrier (director) y Tim Roth (actor), Tráilers.

Críticas en Blogdecine:

• ‘El increíble Hulk’: cameos, guiños, humor y mucha acción.

• ‘El Increíble Hulk’, la masa se hace más comercial.

• ‘El Increíble Hulk’ (‘The Incredible Hulk’), el monstruo de circo.

• ‘El increíble Hulk’, mucho ruido y pocas nueces.

‘El Incidente’

También sale en alquiler ‘El Incidente’ y a la venta ‘The Andromeda Strain’, una miniserie que tiene prácticamente el mismo punto de partida que el film de M. Night Shyamalan del cual podría decir muchas cosas, pero sobre el que aún no me he animado a escribir una crítica básicamente porque no sé por dónde cogerlo.

Podéis leer en su lugar las críticas de mis compañeros:

• El incidente de haber pagado por ver esta película

• ‘El Incidente’ (‘The Happening’), malas señales.

• ‘El Incidente’, los pájaros de Shyamalan.

‘Las hermanas Bolena’

Otro de los films que se pueden alquilar es ‘Las hermanas Bolena’, un film sobre las malas artes en la corte. Protagonizada por Natalie Portman y Scarlett Johansson, a las que acompaña un semiinexistente Eric Bana. Está dirigida por Justin Chadwick y el reparto lo completan Ana Torrent, Kristin Scott Thomas y David Morrisey.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Las hermanas Bolena’, las maquinaciones de una arpía.

• ‘Las Hermanas Bolena’, la arpía, la tonta y el salido.

Vía | DVDGo y ZonaDVD.