Hace unas semanas, el pasado 20 de mayo, se cumplieron 100 años del nacimiento de James Stewart, actor memorable donde los haya. Su rostro bondadoso (retorcido en algunas magistrales películas), su físico (esas largas piernas), su voz (tan característica, imprescindible para apreciar su trabajo) y, sobre todo, la intensidad de sus interpretaciones quedaron grabadas vivamente en la memoria de los aficionados al cine. Una leyenda, una razón para amar el séptimo arte, que dejó este mundo el 2 de julio de 1997. Como suele decirse, siempre nos quedará su obra, las películas en las que participó y que son, en su mayoría, títulos de gran valor y de ejemplar factura. Tras una dificilísima selección, aquí os dejo con las que considero que son las diez películas en las que James Stewart muestra con mayor claridad su excepcional talento para la interpretación.

• ‘Caballero sin espada’

‘Mr. Smith goes to Washington’ (1939), de Frank Capra. Primera y merecida nominación al Oscar para Stewart, que interpretaba a un personaje con el que aún hoy se le identifica plenamente, dejando a un lado (quizá por desconocimiento) su faceta más oscura. El actor se ponía en la piel de un idealista y honesto senador de Wisconsin que se encuentra, en Washington D.C., con un mundo político corrupto que le estalla en la cara. El momento: El discurso final, con un Stewart entregado al máximo, en una memorable escena que, por cierto, fue parodiada estupendamente por Los Simpson (colaboración especial de Mel Gibson).

• ‘Historias de Filadelfia’

‘The Philadelphia story’ (1940), de George Cukor. Primer y único Oscar “verdadero” para Stewart; el otro fue honorífico, por toda su carrera. El mejor actor de reparto de aquel año encarnaba a un sarcástico periodista (frustrado escritor) que se ve envuelto en el juego que se traen la fantástica pareja formada por Katherine Hepburn y Cary Grant. El momento: Hay muchos, muy divertidos, pero a mí me encanta el de Stewart paseando por la mansión, revisando la lujosa cubertería, hasta que se da cuenta que alguien no le quita la vista de encima.

• ‘¡Qué bello es vivir!’

‘It´s a Wonderful Life’ (1946), de Frank Capra. Tercera nominación al Oscar para Stewart, quien realiza en este film la que posiblemente sea su interpretación más conocida (la del George Bailey soñador, que parece encerrado en una triste existencia), aunque sólo sea por la cantidad de veces que se ha visto la película, convertida con el paso del tiempo en el título navideño por excelencia. El momento: Sin duda, el final, de una fuerza y emotividad impresionantes, liberación de todo el drama soportado hasta entonces, a ratos una auténtica pesadilla.

• ‘Winchester 73’

‘Winchester ‘73’ (1950), de Anthony Mann. Grandioso western, uno de los mejores de la Historia del Cine, que gira en torno al simbólico rifle del título, que va de mano en mano, de historia en historia, hasta terminar en el lugar justo. Podéis leer mi crítica haciendo click aquí. El momento: Stewart entra en un bar y se encuentran justo con quien estaba buscando; los dos se llevan rápidamente las manos a las pistolas… Pero Wyatt Earp ya se las había quitado previamente. Si las miradas matasen, Stewart habría despedazado a su oponente.

• ‘El invisible Harvey’

‘Harvey’ (1950), de Henry Koster. Stewart vuelve a ser candidato al Oscar gracias a su memorable trabajo en esta entrañable comedia dramática (que casi podría haber firmado Capra) sobre un hombre cuyo mejor amigo es un gigantesco, pero invisible, conejo rosa. El momento: El protagonista entrega a su particular amigo, del que se despide, pues otra persona le necesita más que él… ¿acaso el conejo es real? ¿Quién es el loco?

• ‘Colorado Jim’

‘The Naked Spur’ (1953), de Anthony Mann. Se trata de una selección y no puedo ponerlos todos, pero éste tenía que estar. Mann y Stewart vuelven a trabajar juntos en un poderoso western psicológico, protagonizado por un grupo de personajes que se presentan de una forma pero van desarrollándose de otra, enriqueciendo una sencilla trama que se retuerce y complica por momentos, hasta su brillante desenlace. El momento: Robert Ryan se revuelve como una serpiente venenosa y pone en duda la bondad de las intenciones del personaje de Stewart, a lo que éste reacciona enfurecido, cargado de violencia y provocando la duda en todos nosotros; su expresión da miedo…

• ‘La ventana indiscreta’

‘Rear Window’ (1954), de Alfred Hitchcock. Acompañado de una arrebatadora Grace Kelly, el actor interpreta a un forzado “voyeaur” (debido a un accidente, queda en silla de ruedas), con peligrosas consecuencias; Hitchcock explota el suspense de forma magistral en este thriller, donde, como de costumbre en la filmografía del mítico director, hay mucho más de lo que parece. El momento: El asesino tiene atrapado a Stewart, y éste recurre al único “arma” que tiene a mano…

• ‘Vértigo (De entre los muertos)’

‘Vertigo’ (1958), de Alfred Hitchcock. ¿La mejor película del maestro del suspense? Eso mantenemos muchos. Lo que está claro es que esta fascinante obra no sería la misma sin Stewart, cuya imagen de hombre bondadoso queda, definitivamente, rota en mil pedazos, en la que quizá sea una de las tres mejores interpretaciones de su carrera. El actor se pone en la piel (y en el alma) de un hombre atormentado que persigue el fantasma de la mujer que desea. El momento: El trepidante inicio es antológico, pero lo cierto es que el mejor momento de la película llega mucho después, con la “fantástica” tranformación a la que se somete Kim Novak.

• ‘Anatomía de un asesinato’

‘Anatomy of a Murder’ (1959), de Otto Preminger. Stewart vuelve a bordarlo (otra candidatura al Oscar), en esta ocasión encarnando a un particular abogado que debe afrontar un complejo caso de asesinato, en el que un hombre ha matado al violador de su esposa. Ejemplar y elegante realización, un guión extraordinario y más de una sorpresa en un título imprescindible, una de las mejores “películas de juicios” de la Historia. El momento: ¿Algún sinónimo de “bragas”?

• ‘El hombre que mató a Liberty Valance’

‘The Man who shot Liberty Valance’ (1962), de John Ford. Stewart vuelve a protagonizar un western, que resulta ser uno de los más memorables de la Historia. John Wayne y Lee Marvin completan un trío de lujo en una dramática historia que, entre otras cosas, es una reflexión sobre los mitos del lejano oeste americano. El momento: Creo que si hay que quedarse con uno, sólo puede ser el de la escena que da título a la película. La tensa situación con trampa en la que disparan y matan a Liberty Valance (hay quien duda aún sobre quién fue, realmente, el que hizo lo segundo).

Y diez. Eso es todo. Con alguien como Stewart, uno siempre se va a quedar corto haciendo una lista como ésta; se han quedado fuera títulos memorables como ‘El Bazar de las Sorpresas’, ‘La Soga’ o ‘Tierras Lejanas’... Pero bueno, había que elegir. ¿Qué opináis vosotros?

Creo que la palabra que mejor define ‘El Rapto de Bunny Lake’ es inquietante. Desde que comienza, con esos magníficos títulos de crédito de Saul Bass (plagiados en la efectiva pero muy sobrevalorada ‘El Orfanato’), la película de Otto Preminger atrapa nuestra atención y casi nos mantiene sin respiración, como si estuviéramos sentados realmente frente a lo que ocurre y al movernos fuésemos a interrumpir la acción. No estamos ante un film de terror pero lo que se cuenta en ella y, sobre todo, cómo está contado, tiene un aire de pesadilla ciertamente perturbador.

Resulta extraordinaria la forma en que se va agobiando a la protagonista, con esa atmósfera irreal, más propia de otro mundo, o quizá de otra forma de ver/vivir en este mundo. En lugar de atemorizar con el cansino recurso de un asesino psicópata que acuchilla jovencitas o el no menos absurdo de un ser maligno que destroza seres humanos, Preminger nos deja paralizados con un terror cotidiano, el que se deriva de perder a un ser querido en un mundo egoísta, que sólo mira por lo suyo. Pero también el que nos envuelve al cuestionarnos la realidad de las cosas y, por último, nuestro propio juicio.

‘El Rapto de Bunny Lake’ es el título (nada apropiado, a mi parecer) que en España recibió ‘Bunny Lake is Missing’ (1965); eso sí, no la busquéis por aquí editada en DVD, para poder disfrutar de este tipo de clásicos hay que recurrir a grabaciones “antiguas” (VHS) o a otras vías supuestamente ilegales, o eso dicen. La historia de la película, basada en la novela de Evelyn Piper, gira en torno Ann Lake, que acaba de mudarse a Londres con su hija Bunny. Cuando va a recoger a la niña al colegio después de su primer día, descubre que no hay rastro de ella por ninguna parte. Nadie sabe nada de Bunny, nadie la ha visto. Denunciada la desaparición, la policía se encuentra sin pruebas de la existencia de la pequeña, sospechando que realmente todo es una invención…

Apoyado en una impresionante fotografía en blanco y negro, Preminger nos sumerge en una historia que pretende empezar de forma relajada, a pesar de que pronto notamos que “algo” no va bien; un escenario donde el espectador se encuentra totalmente perdido y va comprendiendo poco a poco, tanto lo que ocurre como a quién le ocurre, atando cabos, o creyendo atarlos. El tratamiento del suspense es magistral , así como la puesta en escena. Ojo a cómo está rodada la inspección del colegio, por ejemplo, dando en todo momento la sensación, como decía antes, de que estamos realmente allí, siguiendo a escondidas el transcurso de los acontecimientos.

El reparto protagonista de ‘El Rapto de Bunny Lake’ lo encabezan Carol Lynley, Keir Dullea y Laurence Olivier. Lynley interpreta a Ann, el personaje central de la historia, logrando una magnífica composición, haciendo creíble en todo momento un rol muy complicado que oscila entre la inocencia, la locura, el miedo y la desesperación. En cuanto a Dullea, recordado por protagonizar la mítica ‘2001’, encarna al extraño hermano de Ann, un hombre que incomoda con esa actitud tan tranquila, tan fría, logrando también un excelente trabajo; no quiero añadir más, pues es quien tiene la clave de todo el oscuro misterio que rodea a Ann y Bunny, como cualquier espectador entiende muy pronto. Por supuesto, Laurence Olivier también brilla, interpretando al veterano, cerebral y eficaz investigador que debe resolver el caso (sus razonamientos y sospechas son las del espectador). Tiene un papel similar, a mi parecer, al de Henry Fonda en ‘El Estrangulador de Boston’, de Richard Fleischer.

Destacar también la breve pero importante presencia de Noel Coward, con un particular personaje, el de “casero artista”, que alimenta el miedo y la inseguridad de Lynley. En este sentido, es crucial que en la película nadie parece querer ayudar a Ann, sino todo lo contrario, engañarla, acosarla, maltratarla o simplemente obviarla. Como muestra, la secuencia en el bar, cuando cambian de canal para poner música alegre, en lugar de atender a las noticias sobre la desaparición de Bunny. De nuevo esa sensación de estar en un inquietante mundo irreal, donde todo parece dispuesto para que lo pases mal hasta que, por fin, consigas liberarte y abrir los ojos. En alguna ocasión me vino a la mente otra (muy destacable) obra de Preminger, ‘Vorágine’.

Sobre esto mismo gira la secuencia en la que la dueña del colegio (otro personaje “de otro mundo”) comienza a referirse a la imaginación que tienen los niños cuando sueñan; fundamental para comprender el desenlace pero también para crear la atmósfera. Y sobre los niños, su imaginación, su mente, su fragilidad, y esa irrealidad que se respira en toda la película, mencionar la memorable secuencia, bañada en oscuridad, de la tienda de muñecas, lugar donde comienza a fracturarse la primera capa de las apariencias y desvelarse el núcleo de todo.

En conclusión, ‘El Rapto de Bunny Lake’ es un incómodo, oscuro y fascinante thriller psicológico con el que Otto Preminger consigue que nos planteemos, sin efectos especiales, recursos fantásticos o parafernalias digitales, si estamos viviendo la terrible realidad o una pesadilla terriblemente real. De obligado visionado. Y por cierto, esperemos que se abandone la idea del remake que planea realizar Joe Carnahan, director que, por otra parte, hasta el momento, me gusta. Pero es que, sencillamente, este film no puede ser mejorado, y el director no es precisamente el más indicado.

Difícil, muy difícil me ha resultado en esta tercera entrega escoger simplemente diez títulos de la década de los 40 para incluirlos en mi lista personal de películas favoritas. Mientras me doy de cabezazos contra la pared por haberme dejado injustamente un montón de títulos fuera, ahí os dejo los que bajo ningún concepto faltarían en mi lista. Y que conste que me seguiría golpeando si la lista aumentara a 20 títulos.

• ‘Casablanca’. A estas alturas ya es algo más que una de las mejores películas de la historia del cine. Ya forma parte de la cultura general del siglo XX. Si su modélico guión fuese enseñado en las escuelas de cine, sobre todo en las de nuestro país, los alumnos aprenderían más en 102 minutos que en todo el curso. Cada vez que la veo, y ya he perdido la cuenta, aún sigo pensando que Ilsa no cogerá el avión para irse con el inútil de su marido. Esa sensación sólo la producen las películas perfectas.

• ‘Duelo al Sol’. Para un servidor uno de los mejores westerns de la historia, servido con total maestría por Vidor (y un montón más de directores no acreditados), a pesar de contar, evidentemente por obligación dado quien es el productor del film, con la insoportable Jennifer Jones, que por una vez está perfecta en su papel. La conversación final entre Lionel Barrymore y Lillian Gish o el impresionante duelo que cierra la película son absolutamente inolvidables. Nunca un beso se hizo tanto de rogar.

• ‘Breve Encuentro’. Desde esta película del gran David Lean, las estaciones de tren ya no son lo mismo, ni el concierto para piano nº 2 de Rachmaninoff, ni las historias de amor, ni nada de nada. Si alguien aguanta las lágrimas es que simplemente no es humano. Mil veces imitada o plagiada, y lo seguirán haciendo hasta que el hombre desaparezca de la faz de la Tierra.

• ‘El Diablo Dijo No’. Para un servidor la mejor película que dirigió nunca Ernst Lubitsch, donde un sensacional Don Ameche hacía un repaso de su vida delante del mismísimo Diablo, encarnado por el inolvidable Laird Cregar. Mezcla absolutamente genial de humor y drama, y Gene Tierney, absolutamente maravillosa y genial, como siempre. Todavía no sé a qué esperan para editarla en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’. Si tuviera que elegir unos pocos títulos, digamos unos cinco, de la extensa y modélica filmografía de John Ford, esta película sería una de las elegidas. De una exquisitez y sensibilidad impresionantes, una alegato de la familia como pocas veces se ha visto. Narrada en flashback provoca tal nostalgia en el espectador que parece que conociéramos a sus personajes de toda la vida.

• ‘Laura’. Obra cumbre del cine negro, y probablemente la mejor película del genial Otto Preminger, quien trabajó con Gene Tierney más veces. Por cierto que la actriz nunca estuvo tan fascinante e impresionante como en esta película. Clifton Webb sensacional.

• ‘Retorno al Pasado’. Otra obra cumbre del thriller, esta vez a manos del genial Jacques Tourneur, que contó con los geniales Kirk Douglas y Robert Mitchum para formar un mortal trío con la inolvidable Jane Greer, quien compone una de las más famosas femmes fatales que haya dado el séptimo arte.

• ‘Carta de una Desconocida’. El elegante por excelencia Max Ophüls, realizó en su etapa americana esta inmortal película basada en el relato del atormentado Stefan Zweig, convirtiéndola en el estudio más patético jamás realizado sobre la obsesión y pasión amorosa. Joan Fontaine probablemente nunca estuvo mejor.

• ‘Jennie’. Dalí decía que era la única película que merecía la pena de todas cuantas se hubieran realizado. No estoy de acuerdo, pero sí es cierto que este film del olvidado William Dieterle es único, una de las más extrañas historias de amor, literalmente atemporal, que se hayan filmado. Con Jennifer Jones y Joseph Cotten repitiendo después de la comentada ‘Duelo al Sol’ (trabajarían juntos cinco veces).

• ‘Esta Tierra es Mía’. Para mí Jean Renoir firmó su mejor obra en suelo americano. Con los inolvidables Charles Laughton y Maureen O´Hara el film es un alegato antinazi, y por consecuencia antidictadura de cualquier tipo, de una fuerza sobrecogedora, al mismo tiempo que habla sobre el miedo a morir. Inolvidable final.

Y ahora mientras me sigo golpeando la cabeza contra la pared por tener que dejar fuera esos títulos que muy seguramente vosotros escribiréis, voy preparando mis favoritas de los 50.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30

La revista Premiere —sobre la que nos comunicó Carlanga que había editado su último número en papel, aunque sigue existiendo por Intenet— ha publicado una lista de los 25 mejores carteles de cine de la historia.

Los cinco primeros son los que aparecen en la imagen de más arriba: en el número uno, ¿cómo no?, Saúl Bass, el genio del arte gráfico y de los títulos de crédito, con ‘Anatomía de un asesinato’ (‘Anatomy of a Murder’, 1959), de Otto Preminger. Bass, además, ha realizado secuencias, como algunas carreras de ‘Grand Prix’. Él se atribuía la planificación de la escena de la ducha de ‘Psicosis’, cosa que Hitchcock nunca admitió. Como director, también firma algunos films, entre ellos ‘Fase IV’ (‘Phase IV’, 1974).

El cartel que está en el número tres de la lista es del mismo autor que el primero, Saul Bass. Se trata de ‘Vértigo. De entre los muertos’, film que, como ya sabemos, dirigió Alfred Hitchcock. Más adelante, en la lista, está ‘El hombre del brazo de oro’, también de Bass.

‘El descenso de la muerte’ ‘Downhill Racer’ (1969) se clasifica en cuarto lugar. Como dicen en la Premiere, en la distribuidora tuvieron el gran valor de hacer un cartel de una película de Robert Redford sin que se le viese. Y les quedó realmente bonito. La película fue ignorada por el público, pero el cartel, diseñado por Steve Frankfurt, se convirtió en un hito para los pósters fílmicos.

El quinto cartel de los que podemos ver en la imagen es el de ‘Planeta prohibido’ (‘Forbidden Planet’, 1956). En mi opinión es más kitsch que bonito, pero también eso merece ser reseñado.

El resto de la lista seguiría así:

6. ‘Gilda’
7. ‘La calle 42’ (‘42nd Street’)
8. ‘El ataque de la mujer de 50 pies’ (‘Attack of the 50 Ft. Woman’)
9. ‘El ladrón de Bagdad’ (‘The Thief of Baghdad’)
10. ‘2001, una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey?)
11. ‘King Kong’
12. ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’)
13. ‘La quimera del oro’ (‘The Gold Rush’)
14. ‘El hombre del brazo de oro’ (‘The Man With the Golden Arm’)
15. ‘La momia’ (‘The Mummy’)
16. ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of The Lambs’)
17. ‘Contratado para matar’ (‘This Gun for Hire’)
18. ‘Desayuno con diamantes’ (‘Breakfast at Tiffany’s’)
19. ‘Los viajes de Sullivan’ (‘Sullivan’s Travels’)
20. ‘El submarino amarillo’ (‘Yellow Submarine’
21. ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary’s Baby’)
22. ‘La tentación vive arriba’ (‘The Seven Year Itch’)
23. ‘El autoestopista’ (‘The Hitch-Hiker’)
24. ‘Eva al desnudo’ (‘All About Eve’)
25. ‘El demonio de las armas‘(‘Gun Crazy’ o ‘Deadly Is the Female’ 1950)

Fuente: Premiere

Así que hace poco cuando se editó en DVD la segunda colaboración entre Preminger y Tierney, corrí apresurado a hacerme con una copia, que aunque no la había visto, mi instinto me decía que no iba a arrepentirme. Bueno, a veces no se trata de instinto, sino de sentido común.

Dirigida en 1949, narra cómo una mujer cleptómana es utilizada por un perverso hipnotizador para sus macabros planes. El reparto está encabezado por la propia Gene Tierney, dando vida a una mujer frágil temerosa de su propia actitud y de su pequeño problema con el robo. Richard Conte interpreta a su marido, apoyando continuamente a su esposa, y José Ferrer como el malvado de la función, un hipnotizador capaz de cualquier cosa con tal de salirse con la suya. También sale uno de esos secundarios de lujo en el cine clásico, Charles Bickford, como el teniente de policía que lleva el caso.

De una gran tensión, está llena de momentos increíbles, como algunas escenas de hipnotismo, rodadas con un uso del silencio arrebatador, prácticamente el espectador queda hipnotizado. Y arrebatadora es también la presencia de Gene Tierney, con ese rostro enigmático y a la vez delicado. Da igual lo que esta actriz hiciera, su poder para enamorar a cualquiera sigue intacto casi sesenta años después.

Rodada en un maravilloso blanco y negro, con una estupenda gama de grises, no llega a la altura de Laura, pero eso no impide disfrutar de Cine en puro estado. Muy recomendable para los que están hartos del cine de suspense de hoy en día. Edita Suevia Films en una buena edición afortunadamente.