Uno de los grandes clásicos del cine negro, ‘Angel Face’ del genial Otto Preminger, estaba protagonizada por Jean Simmons, uno de los rostros más bellos que haya dado el cine, y que en dicha película era utilizado para dar vida a una de las femmes fatales más representativas del film noir. Simmons falleció el pasado día 22 a la edad de 80 años en su casa de Santa Monica, California, a causa de un cáncer de pulmón.

Simmons empezó con personajes secundarios en los años 40, siendo algunos de los más notables los realizados en ‘Narciso negro’ (‘Black Narcissus’, Michael Powell & Emeric Pressburger, 1947), en la que desplegaba una sensualidad que dejaba con la boca abierta, o ‘Hamlet’, una de las mejores adaptaciones de la famosa obra de Shakespeare a cargo de Laurence Olivier, por la que la actriz consiguió su primera nominación al Oscar como mejor actriz secundaria. No sería hasta 1969 cuando la nominarían a mejor actriz principal por la poco conocida ‘Con los ojos cerrados’ (‘The Happy Ending’, Richard Brooks).

Entre ambas hay títulos inolvidables en su filmografía. Desde el mencionado film de Preminger, hasta la elegante comedia de Stanley Donen ‘Página en blanco’ (‘The Grass is Greener’, 1960), pasando por la aventura de Michael Curtiz ‘Sinhué el egipcio’ (‘The Egyptian’, 1954), el único musical de Joseph L. Mankiewicz ‘Ellos y ellas’ (‘The Guy Dolls’, 1955), el monumental western de William Wyler ‘Horizontes de grandeza’ (‘The Big Country’, 1958), la polémica ‘El fuego y la palabra’ (‘Elmer Gantry’, Richard Brooks, 1959) o la mítica ‘Espartaco’ (‘Spartacus’, Stanley Kubrick, 1960), que ya repasaremos en el especial del famoso director.

Trabajó hasta el final de sus días, y uno de sus últimas interpretaciones fue poniendo su voz en la versión americana de ‘El viaje de Chihiro’ (‘Hauru no ugoku shiro’‘Sen to Chihiro no Kamikakushi’, Hayao Miyazaki, 2004)

Hasta siempre, Jean.

Vía | El país (gracias a Javier por el aviso)

Mientras algunos españoles con suerte disfrutan de los premios que les ha dejado hoy el sorteo de Navidad, en Blogdecine seguimos con las recomendaciones para regalar de cara a las inminentes fiestas —ésas que realmente empiezan el día 24, pero que este año parece que empezaron a principios de mes—, y cómo no, a mí me ha tocado hacerlo sobre clásicos. La cantidad de grandes títulos que a un buen cinéfilo podría interesarle, y que se encuentran editados, es realmente enorme. El Corte Inglés lleva unos meses con una colección de lo más sugestiva, en la que se mezclan películas de hace décadas con otras más recientes, y lleva por título ‘Los imprescindibles’; a ella me he agarrado para hacer la presente selección. Si no tenéis un amigo cinéfilo al que regalarle una película de cine clásico, siempre podréis pensar en vuestro crítico de cine favorito. Feliz Navidad.

‘De aquí a la eternidad’

Director: Fred Zinnemann

Intérpretes: Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr, Frank Sinatra, Donna Reed, Ernest Borgnine

El soldado Prewitt es un antiguo boxeador al que manejan tanto sus superiores como sus propios compañeros. Su amigo Maggio intenta ayudarle, pero también debe ocuparse de sus propios problemas. Mientras tanto, el sargento Warden y la mujer de un comandante, Karen Holmes, pisan terreno peligroso al vivir una historia de amor ilícita. Pero las vidas de todos cambiarán cuando en ellas se cruce el ataque japonés sobre Pearl Harbor. Un clásico ganador de 8 Oscars, y que se encuentra entre lo mejor del nunca considerado Fred Zinnemann. En nuestro país tuvo problemas de censura, debido a su antimilitarismo.

‘Adivina quién viene esta noche’

Director: Stanley Kramer

Intépretes: Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Sidney Poitier, Katharine Houghton, Cecil Kellaway, Beah Richards, Roy Glenn

Joanna, la hija de un prestigioso editor y su elegante esposa, llega a casa con su prometido, un distinguido médico y doctor. Christina acepta la decisión de su hija de casarse, pero Matthew y la familia de John no son capaces de evitar los prejuicios sociales que supone la relación. Toda una apología de la familia, el amor, y sobre todo la educación, fue la última película que protagonizó el gran Spencer Tracy, tanto de su carrera como al lado del amor de su vida, Katharine Hepburn. Con momentos muy emotivos, es una buena elección para estas fechas en las que la familia se une.

‘Recuerdo de una noche’

Director: Mitchell Leisen

Intérpretes: Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Beulah Bondi, Elizabeth Patterson, Willard Robertson, Sterling Holloway, Charles Waldron

Justo antes de Navidad la joven Lee Leander es arrestada por robo de joyas y es procesada por el fiscal John Sargent, pero el juicio se pospone hasta después de Navidad. Sargent acaba sintiendo pena por ella y decide llevarla en coche hasta la casa de su madre. Después de pasar un tiempo juntos, se enamoran, pero les surge un nuevo problema, como solventar el problema con la justicia de Lee. Idónea para estas fechas, pues está ambientada en época navideña, a lo que hay que sumar la gran sensibilidad de Leisen —sobre el que Billy Wilder echaba pestes muy erróneamente— para narrar historias. Ésta, que navega entre la comedia y el drama, posee un guión del gran Preston Sturges.

‘Almas en el mar’

Director: Henry Hathaway

Intérpretes: Gary Cooper, George Raft, Frances Dee, Henry Wilconxon, Harry Carey, Olympe Bradna, Robert Cummings, Porter Hall

Nuggin Taylor y su amigo Powdah son pilotos de un barco de esclavos en el que se produce un motín. El capitán es asesinado y Taylor toma el mando, dejando que los esclavos escapen. Los dos hombres son conducidos a Liverpool y acusados formalmente, pero un oficial del Servicio de Inteligencia Naval le encomienda a Taylor una misión secreta para intentar reunir pruebas que condenen al poderoso sindicato de la esclavitud, y el acepta. Maravillosa muestra de cómo se las gastaba Henry Hatahway en el cine de aventuras, mezclando hasta suspense en un relato lleno de emoción. De ésas que ya no se hacen porque no saben.

‘Con faldas y a lo loco’

Director: Billy Wilder

Intérpretes: Jack Lemmon, Tony Curtis, Marilyn Monroe, George Raft, Pat O’Brien, Joe E. Brown, Nehemiah Persoff, Joan Shawlee, Billy Gray

Ambientada en los años de la Ley Seca en Chicago, ‘Con faldas y a lo loco’ cuenta la historia de dos músicos que accidentalmente presencian un enfrentamiento entre gangsters. Para huir de esta situación y del jefe de la banda de gangsters que inicia su persecución, Spats Colombo, se verán obligados a disfrazarse de mujeres y unirse a una banda de música femenina cuya cantante es la sexy Sugar Kane. No haber visto esta película es simple y llanamente pecado mortal ya no sólo para cualquier cinéfilo, sino para cualquier ser humano al que le guste reírse. Con uno de los finales más impactantes y delirantes que se hayan visto —“nadie es perfecto“— es una buena ocasión para regalarla a quellos cuya alma peligra de quemarse en el fuego eterno. Perdonen el ramalazo religioso, es que ayer mantuve una larga conversación/discusión con un creyente.

‘Colorado Jim’

Director: Anthony Mann

Intérpretes: James Stewart, Robert Ryan, Janet Leigh, Ralph Meeker, Millard Mitchell

Es pura aritmética. El dinero se divide mejor en dos partes que en tres, explica con mucha labia el forajido Ben Vandergroat a sus captores, tres cazarecompensas unidos por el azar. Le llevan para entregarle a la justicia con Abilene, pero Ben tiene otros planes. Si consigue que los hombres se enfrenten entre sí, aprovechándose de sus temores, su avaricia, y su vanidad, tal vez consiga escapar y hallar la libertad. Uno de los maravillosos westerns que Mann hizo con Stewart, era el único que no estaba editado en nuestro país, error que han subsanado. Extraordinarios personajes, y cómo no, excelente uso de los paisajes, como era habitual en Mann.

‘Té y simpatía’

Director: Vincente Minnelli

Intérpretes: Deborah Kerr, John Kerr, Leif Erickson, Edward Andrews, Darryl Hickman, Norma Crane, Dean Jones, Jacqueline deWit

Casada con Bill Reynolds el director de un colegio de Nueva Inglaterra, Laura Reynolds le ofrece a los chicos todo lo que se espera de la esposa de un maestro: té y simpatía. Pero cuando Laura descubre la tremenda injusticia que ha recaído sobre el estudiante, le ofrecerá mucho más que eso: su comprensión y amor. Una de las grandes historias de amor, llevada a cabo por un sensible Minelli, que se atrevía con una trama de connotaciones homosexuales, y con una Kerr brillando a gran altura, como siempre.

‘Los mejores años de nuestra vida’

Director: William Wyler

Intérpretes: Fredrich March, Myrna Loy, Dana Andrews, Teresa Wright, Virginia Mayo, Cathy O’Donnell

La esperanza es lo que mantiene a un soldado con vida; el sueño de volver a casa, para siempre. Pero cuando ese día llega, tres veteranos de la Segunda Guerra Mundial ven sus sueños convertidos en pesadillas: el Capitán Fred Derry vuelve a un matrimonio sin amor; el Sargento Al Stephenson se ha convertido en un extraño para su familia; y el joven marino Homer Parrish vive atormentado por la pérdida de sus manos. ¿Podrán estos tres hombres reunir el coraje necesario para recomponer su mundo? ¿O acaso los mejores años de sus vidas serán ya cosa del pasado? William Wyler consiguió su segundo Oscar —es el director con más estatuillas en la historia del cine— por este impresionante trabajo, una de las primeras películas que narraban las consecuencias de un conflicto bélico en los soldados que regresaban a sus hogares.

‘Laura’

Director: Otto Preminger

Intérpretes: Gene Tierney, Dana Andrews, Vincent Price, Clifton Webb, Judith Anderson

Un periodista acaudalado se enamora de una joven llamada Laura tan completamente que su pasión le vuelve posesivo. Muy poco después de contraer matrimonio con un joven y atractivo conquistador, Laura aparece asesinada. Conmovido por la belleza de su retrato y las encendidas evocaciones de sus admiradores, el detective encargado del caso quedará a su vez irresistiblemente embrujado por la figura de la joven muerta. Una vez leí que esta película tenía ese sello tan característico, pero al mismo tiempo difícil de explicar, que diferencia a las obras maestras de las películas perfectamente acabadas. La bellísima Gene Tierney —para el que suscribe, la actriz más guapa jamás vista en una pantalla— se inmortalizó con este film, con el que Preminger alcanzó lo que muy pocos alcanzan.

‘El placer’

Director: Max Ophüls

Intérpretes: Claude Dauphin, Gaby Morlay, Madeleine Renaud, Ginette Leclerc, Mila Parély, Danielle Darrieux, Pierre Brasseur, Jean Gabin

El placer visto a través de tres historias. La primera, La máscara, cuenta la historia de un hombre que oculta su edad bajo una máscara para mantener su estatus en el juego y con las mujeres: el placer y la juventud. La segunda, La casa Tellier, narra el viaje al campo de Madame Tellier y sus pupilas para asistir a la comunión de su sobrino: el placer y la pureza. El último relato, La modelo, versa acerca de Jean, un pintor que se enamora locamente de su modelo: el placer y la muerte. Fascinante estudio sobre el placer humano de mano del director más elegante de todos los tiempos, Max Ophüls. La mejor película de varias historias que se haya hecho.

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Resulta curiosa la imagen que todos tenemos de un actor como James Stewart. A lo largo y ancho de su carrera, en la que encontramos joyas de prácticamente todos los géneros, nos ofreció papeles que transmitían ante todo bondad y buenos sentimientos. Ya sea por sus trabajos a las órdenes de Frank Capra, en los westerns de Anthony Mann, en los thrillers de Alfred Hitchcock, o en películas como ‘El invisible Harvey’, Historias de Filadelfia’ o ‘El hombre que mató a Liberty Valance’ (por poner sólo unos ejemplos), Stewart siempre representó el lado más humano y justo del ciudadano medio norteamericano.

Por eso, y dejando a un lado las pocas veces que Stewart dio vida a personajes ambiguos o de dudosa moral (‘Dos cabalgan juntos’ de John Ford), llama la atención su cometido en ‘Anatomía de un asesinato’, el film judicial que Otto Preminger realizó en 1959. El actor da vida a un abogado, en épocas flacas, que decide aceptar el caso de un asesinato. Pero Stewart no realiza la misión que hizo en ‘Yo creo en ti’, donde se esforzaba por demostrar la inocencia de un acusado, sino algo realmente temible y duro: defender con todas las argucias posibles a un verdadero culpable de cometer un crimen.

Otto Preminger fue uno de los grandes realizadores del cine norteamericano. Sólo por haber dirigido una obra de la importancia de ‘Laura’ (una de las cumbres del drama criminal), merecería un puesto de honor en la historia del cine. Pero es que además de la película protagonizada por Gene Tierney, Preminger firmó otras obras no menos importantes. ‘Al borde del peligro’, ‘Daisy Kenyon’, ‘El rapto de Bunny Lake’, ‘Angel Face’ o ‘Tempestad sobre Washington’ son algunas joyas de su cine tan personal, siempre aspirando a una determinada perfección. Algunas de sus películas permanecen incólumes al paso del tiempo dejando el sello, tan fácilmente reconocible y tan difícil de alcanzar, de las rotundas obras maestras.

‘Anatomía de un asesinato’ pertenece a ese subgénero de juicios, tan del gusto del espectador de casi todas las épocas. Pero el film de Preminger va por otros derroteros totalmente distintos al 90% del grueso de los films de esta índole. Es normal ver un film de juicios en el que se juegue con el espectador ocultándole datos, mostrando giros argumentales, e intentado sorprender al público con una determinada sorpresa final. Algo tan fácil de ofrecer, pero rara vez siempre bien hecho (me viene a la memoria ‘El sargento negro’ de Ford, o ‘Testigo de cargo’ de Wilder como perfectas muestras de ello). A Preminger no le interesa en caso en sí y sus recovecos, aunque en determinado momento se preocupe de analizar el crimen, pero con un determinado fin. Al director de ‘Laura’ le interesan los personajes y los que éstos son capaces de hacer, describiendo el mundo que les rodea y a ellos.

Sabemos desde el principio que el acusado es culpable. Ha cometido un asesinato por celos, unos celos provenientes de la violación sufrida por su pareja, una mujer ligera de cascos de esas que enturbian los pensamientos de los hombres que pululan a su alrededor. Ben Gazzara y Lee Remick forman ese matrimonio, tan peculiar como extraño. Ella, coqueteando con todos, pero sintiéndose pertenencia de aquel que es capaz de matar por ella. La actriz fue elegida por el propio director, quien se fijo en ella después de verla en ‘Un rostro en la multitud’ de Elia Kazan, logrando imponer su nombre al de Lana Turner, actriz inicialmente prevista para dar vida al personaje. No sabemos de lo que hubiera sido capaz Turner con este rol (de sólo pensarlo me entran sudores), pero Remick confiere al personaje una mezcla de sensualidad e inocencia totalmente irresistible. A su lado, Gazzara, haciendo todo lo que su abogado le dice, pero pensando únicamente en su mujer, receloso de todo hombre que la mira, una bomba a punto de explotar.

Otto Preminger no juzga a sus personajes ni establece ningún tipo de moralidad sobre lo que narra. Se limita a exponer los hechos de forma directa, a veces cruel, dejando para el espectador el decidir qué está bien y qué mal. ‘Anatomía de un asesinato’ nos deja perplejos desde el momento en el que James Stewart acepta el caso porque necesita el dinero. Un hombre ha cometido un crimen, es culpable, pero como todo acusado tiene derecho a un juicio justo. Pero ¿existe justicia en el momento en el que alguien que ha matado a otra persona sale en libertad gracias a alegar locura temporal? Sabemos, ya que Preminger nos lo muestra claramente, que el personaje de Gazzara no estaba loco cuando cometió el crimen, ni se dejó llevar por un arrebato que le cegó el sentido común, y asistimos atónitos a la defensa por parte de Stewart de alguien que merece la cárcel. El acierto del Preminger es que lo muestra como algo totalmente cotidiano, sin sumar el aspecto de espectáculo que el cine posee. El más descarando realismo impregna cada una de las secuencias de esta gran película, lo cual hace más terrible su premisa. En los instantes finales, cuando vemos que Gazzara ha quedado en libertad, éste no paga al abogado sus honorarios por el excelente trabajo realizado, aludiendo la misma excusa utilizada en el juicio. Esto puede verse como la parte que tiene que llevarse Stewart por defender algo indefendible. Los hechos tienen consecuencias, y ésa es la que le ha tocado al personaje central del film.

‘Anatomía de un asesinato’ posee una banda sonora a cargo de Duke Ellington, quien aparece en la película realizando un cameo. Stewart además toca el piano en varios momentos, lo cual viste su personaje, definiéndole como alguien culto. Un score de puro jazz que da al film un abierto carácter de cine negro en la mejor tradición del género, con personajes normales y corrientes, tan vivos como las imprevisibles notas de cualquier melodía de Ellington. El ser humano queda perfectamente reflejado en ‘Anatomía de un asesinato’, película tal vez demasiado larga, pero que no deja indiferente. El acierto de Preminger fue darle la vuelta a la tortilla logrando que los buenos defendiesen al malo, y que los que le acusan (con toda la razón) pareciesen malos a nuestros ojos, al menos en lo que nos toca observar en el personaje de un apasionado George C. Scott, el fiscal al que se enfrenta Stewart en varias escenas del film.

¿Y qué queda después de la anatomía? Un mundo peor. Una mujer a las órdenes de un hombre inestable y violento, un asesino suelto, un abogado sin cobrar, y la justicia como el lugar en el que cualquiera con cultura y cabeza puede hacer trampa para poner la balanza de su lado. Todos salen perdiendo.

A continuación, los impresionante títulos de crédito iniciales, obra de Saul Bass, habitual colaborador de Preminger o Hitchcock, entre otros. Y como anécdota resaltar el lenguaje, demasiado atrevido para la época (habiendo incluso algún momento cómico al respecto). Tanto es así, que al padre de James Stewart le pareció la película más sucia que vio en su vida, recomendando en su periódico local el no ir a verla.

Sin lugar a dudas, el estreno de dvd de la semana, al menos en lo que respecta entre las películas que se ponen a la venta, es el de ‘Venganza’, que mientras aquí la podremos disfrutar en la intimidad de nuestro hogar, en las américas no va nada mal en la taquilla. Sin embargo, para un servidor, la noticia más importante al respecto es la de la edición de una de las joyas del genial Otto Preminger: ‘Tempestad sobre Washington’, que también irá incluida en un pack sobre el director. Si alguno de vosotros no está contento con la oferta cinematográfica, ese pack es una buena ocasión para reconciliarse con el cine.

‘Venganza’

Director: Pierre Morel

Intérpretes: Liam Neeson, Famken Janssen, Maggie Grace, Xander Berkeley, Leland Orser, Katie Cassidy, David Warshofsky, Holly Valance

Un film de acción a la europea, que bebe tanto de los thrillers de los 70, hoy un tanto olvidados, como de la serie de televisión ‘24’ o la saga Bourne. Un dvd con pocos extras: un documental que recoge la filmación de la película. Lo mejor sin duda, es presenciar como Liam Neeson se mosquea y reparte estopa allá por donde va.

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‘Cinturón rojo’

Director: David Mamet

Intérpretes: Max Martini, Alice Braga, Chiwetel Ejiofor, Matt Cable, Cathy Cathlin Ryan, Jose Pablo Cantillo, Randy Couture, John Machado

Una película de David Mamet siempre es interesante, aunque sus mejores logros en el séptimo arte han sido siempre como guionista y no como director. Es una pena que ésta no esté a la altura de otros trabajos suyos más inspirados como ‘El último golpe’. Dvd con pocos extras, co0mentarios del director y un par de documentales.

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‘Che. El argentino’

Director: Steven Soderbergh

Intérpretes: Benicio Del Toro, Julia Ormond, Rodrigo Santoro, Demián Bichir, Franklin Díaz, Armando Suárez Cobián, Yul Vázquez, Jsu García

Primera parte de un díptico sobre la mítica figura del Che Guevara del que a finales de este mes nos llegará su segunda parte (‘Che. Guerrila’), que en nuestro país se ha saldado con un excelente resultado comercial, e incluso le han entregado el Goya al mejor actor (lo cierto es que Benicio del Toro está sensacional en tan jugoso personaje). Dvd con los típicos extras, como un making of y poco mas.

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Colección Laurel y Hardy

Directores: William A. Seiter, James Parrott, Lloyd French, James W. Horne, Alfred J. Goulding, George Marshall, Charley Rogers, Harry Lachman

De pequeño, cuando Internet era un sueño y las cadenas de televisión se dividían entre la primera y la segunda, me tragué prácticamente todos los trabajos protagonizados por los entrañables Stan Laurel y Oliver Hardy, probablemente la pareja más famosa del cine mudo. Una ocasión única para recuperar algunos de aquellos trabajos. Un pack de cinco discos que suponen un total de 24 películas. No hay extras.

‘El cardenal’

Director: Otto Preminger

Intérpretes: Tom Tryon, Romy Schneider, Carol Lynley, Jill Haworth, Raf Vallone, John Saxon, Burgess Meredith, Josef Meinrad, John Huston

Una de las últimas películas del gran Otto Preminger, y también una de las más difíciles de ver debido a su extensa duración. Vida y obra de un humilde párroco que llega hasta las más altas esferas del Vaticano, a través de un montón de problemas personales. Dvd sin extras.

‘El niño con el pijama de rayas’

Director: Mark Herman

Intérpretes: Assa Buterfield, Zack Mattoon O´Brien, Demonkos Németh, Henry Kingsmill, Vera Farmiga, Cara Horgan, Zsuzsa Holl, Amber Beattie, Lazslo Aron

Mark Herman, director de la reivindicable ‘¡Qué pasada!’, dirige la adaptación del best seller de John Boyne, y que narra la amistad entre un niño alemán y otro judío en especiales circunstancias durante la Segunda Guerra Mundial. Exitazo taquillero en nuestros cine, que sin duda se repetirá en el mercado del dvd, y es que las películas con el holocausto judío como telón de fondo, suelen tener un buen respaldo por parte del público. Dvd con el típico making of y unas cuantas escenas eliminadas.

Crítica en Blogdecine:

• ‘El niño con el pijama de rayas’, el incomprensible mundo de los adultos

‘Eskalofrío’

Director: Isidro Ortiz

Intérpretes: Junio Valverde, Blanca Suárez, Jimmy Barnatán, Mar Sodupe, Francesc Orella, Laia Alemany, Paul Berrondo, Ariadna Cabrol, Josep María Doménech

Una supuesta oferta original dentro del panorama del cine de terror patrio, que termina cayendo en todos los clichés conocidos y por conocer, y eso que contiene alguna escena bastante conseguida. Dvd con extras como el sempiterno making of, una entrevista con el director y poco más.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Eskalofrío’, un kiero y no puedo

‘Tempestad sobre Washington’

Director: Otto Preminger

Intérpretes: Henry Fonda, Charles Laughton, Franchot Tone, Gene Tierney, Lew Ayres, Peter Lawford, Walter Pidgeon, Paul Ford

La elección como Secretario del Estado de alguien que no tiene muchos simpatizantes provoca enfrentamientos de todo tipo entre las altas esferas del Gobierno de los Estados Unidos. Película política densísima que se encuentra entre lo mejor de Preminger, con un reparto espectacular, en el que podemos encontrar a la actriz más bella de todos los tiempos, al menos para quien esto firma, Gene Tierney, en su última colaboración con el director de ‘Laura’. Dvd sin extras.

Preminger Essential

Pack editado por Manga Films dedicado a la figura de Otto Preminger, uno de los grandes directores del cine americano, realizador de obras maestras como ‘Laura’ o ‘Abnatomía de un asesinato’, que por pertenecer a otra productora, no están incluidas en este pack. La morbosa ‘Cara de ángel’, la extraña ‘Santa Juana’, la más larga que un día sin pan ‘El cardenal, y la impresionante ‘Tempestad sobre Washington’ son las cuatro películas del pack. También podremos encontrar un documental dedicado a la obra del cineasta.

Vía | Zonadvd

Hace unas semanas, el pasado 20 de mayo, se cumplieron 100 años del nacimiento de James Stewart, actor memorable donde los haya. Su rostro bondadoso (retorcido en algunas magistrales películas), su físico (esas largas piernas), su voz (tan característica, imprescindible para apreciar su trabajo) y, sobre todo, la intensidad de sus interpretaciones quedaron grabadas vivamente en la memoria de los aficionados al cine. Una leyenda, una razón para amar el séptimo arte, que dejó este mundo el 2 de julio de 1997. Como suele decirse, siempre nos quedará su obra, las películas en las que participó y que son, en su mayoría, títulos de gran valor y de ejemplar factura. Tras una dificilísima selección, aquí os dejo con las que considero que son las diez películas en las que James Stewart muestra con mayor claridad su excepcional talento para la interpretación.

• ‘Caballero sin espada’

‘Mr. Smith goes to Washington’ (1939), de Frank Capra. Primera y merecida nominación al Oscar para Stewart, que interpretaba a un personaje con el que aún hoy se le identifica plenamente, dejando a un lado (quizá por desconocimiento) su faceta más oscura. El actor se ponía en la piel de un idealista y honesto senador de Wisconsin que se encuentra, en Washington D.C., con un mundo político corrupto que le estalla en la cara. El momento: El discurso final, con un Stewart entregado al máximo, en una memorable escena que, por cierto, fue parodiada estupendamente por Los Simpson (colaboración especial de Mel Gibson).

• ‘Historias de Filadelfia’

‘The Philadelphia story’ (1940), de George Cukor. Primer y único Oscar “verdadero” para Stewart; el otro fue honorífico, por toda su carrera. El mejor actor de reparto de aquel año encarnaba a un sarcástico periodista (frustrado escritor) que se ve envuelto en el juego que se traen la fantástica pareja formada por Katherine Hepburn y Cary Grant. El momento: Hay muchos, muy divertidos, pero a mí me encanta el de Stewart paseando por la mansión, revisando la lujosa cubertería, hasta que se da cuenta que alguien no le quita la vista de encima.

• ‘¡Qué bello es vivir!’

‘It´s a Wonderful Life’ (1946), de Frank Capra. Tercera nominación al Oscar para Stewart, quien realiza en este film la que posiblemente sea su interpretación más conocida (la del George Bailey soñador, que parece encerrado en una triste existencia), aunque sólo sea por la cantidad de veces que se ha visto la película, convertida con el paso del tiempo en el título navideño por excelencia. El momento: Sin duda, el final, de una fuerza y emotividad impresionantes, liberación de todo el drama soportado hasta entonces, a ratos una auténtica pesadilla.

• ‘Winchester 73’

‘Winchester ‘73’ (1950), de Anthony Mann. Grandioso western, uno de los mejores de la Historia del Cine, que gira en torno al simbólico rifle del título, que va de mano en mano, de historia en historia, hasta terminar en el lugar justo. Podéis leer mi crítica haciendo click aquí. El momento: Stewart entra en un bar y se encuentran justo con quien estaba buscando; los dos se llevan rápidamente las manos a las pistolas… Pero Wyatt Earp ya se las había quitado previamente. Si las miradas matasen, Stewart habría despedazado a su oponente.

• ‘El invisible Harvey’

‘Harvey’ (1950), de Henry Koster. Stewart vuelve a ser candidato al Oscar gracias a su memorable trabajo en esta entrañable comedia dramática (que casi podría haber firmado Capra) sobre un hombre cuyo mejor amigo es un gigantesco, pero invisible, conejo rosa. El momento: El protagonista entrega a su particular amigo, del que se despide, pues otra persona le necesita más que él… ¿acaso el conejo es real? ¿Quién es el loco?

• ‘Colorado Jim’

‘The Naked Spur’ (1953), de Anthony Mann. Se trata de una selección y no puedo ponerlos todos, pero éste tenía que estar. Mann y Stewart vuelven a trabajar juntos en un poderoso western psicológico, protagonizado por un grupo de personajes que se presentan de una forma pero van desarrollándose de otra, enriqueciendo una sencilla trama que se retuerce y complica por momentos, hasta su brillante desenlace. El momento: Robert Ryan se revuelve como una serpiente venenosa y pone en duda la bondad de las intenciones del personaje de Stewart, a lo que éste reacciona enfurecido, cargado de violencia y provocando la duda en todos nosotros; su expresión da miedo…

• ‘La ventana indiscreta’

‘Rear Window’ (1954), de Alfred Hitchcock. Acompañado de una arrebatadora Grace Kelly, el actor interpreta a un forzado “voyeaur” (debido a un accidente, queda en silla de ruedas), con peligrosas consecuencias; Hitchcock explota el suspense de forma magistral en este thriller, donde, como de costumbre en la filmografía del mítico director, hay mucho más de lo que parece. El momento: El asesino tiene atrapado a Stewart, y éste recurre al único “arma” que tiene a mano…

• ‘Vértigo (De entre los muertos)’

‘Vertigo’ (1958), de Alfred Hitchcock. ¿La mejor película del maestro del suspense? Eso mantenemos muchos. Lo que está claro es que esta fascinante obra no sería la misma sin Stewart, cuya imagen de hombre bondadoso queda, definitivamente, rota en mil pedazos, en la que quizá sea una de las tres mejores interpretaciones de su carrera. El actor se pone en la piel (y en el alma) de un hombre atormentado que persigue el fantasma de la mujer que desea. El momento: El trepidante inicio es antológico, pero lo cierto es que el mejor momento de la película llega mucho después, con la “fantástica” tranformación a la que se somete Kim Novak.

• ‘Anatomía de un asesinato’

‘Anatomy of a Murder’ (1959), de Otto Preminger. Stewart vuelve a bordarlo (otra candidatura al Oscar), en esta ocasión encarnando a un particular abogado que debe afrontar un complejo caso de asesinato, en el que un hombre ha matado al violador de su esposa. Ejemplar y elegante realización, un guión extraordinario y más de una sorpresa en un título imprescindible, una de las mejores “películas de juicios” de la Historia. El momento: ¿Algún sinónimo de “bragas”?

• ‘El hombre que mató a Liberty Valance’

‘The Man who shot Liberty Valance’ (1962), de John Ford. Stewart vuelve a protagonizar un western, que resulta ser uno de los más memorables de la Historia. John Wayne y Lee Marvin completan un trío de lujo en una dramática historia que, entre otras cosas, es una reflexión sobre los mitos del lejano oeste americano. El momento: Creo que si hay que quedarse con uno, sólo puede ser el de la escena que da título a la película. La tensa situación con trampa en la que disparan y matan a Liberty Valance (hay quien duda aún sobre quién fue, realmente, el que hizo lo segundo).

Y diez. Eso es todo. Con alguien como Stewart, uno siempre se va a quedar corto haciendo una lista como ésta; se han quedado fuera títulos memorables como ‘El Bazar de las Sorpresas’, ‘La Soga’ o ‘Tierras Lejanas’... Pero bueno, había que elegir. ¿Qué opináis vosotros?

Creo que la palabra que mejor define ‘El Rapto de Bunny Lake’ es inquietante. Desde que comienza, con esos magníficos títulos de crédito de Saul Bass (plagiados en la efectiva pero muy sobrevalorada ‘El Orfanato’), la película de Otto Preminger atrapa nuestra atención y casi nos mantiene sin respiración, como si estuviéramos sentados realmente frente a lo que ocurre y al movernos fuésemos a interrumpir la acción. No estamos ante un film de terror pero lo que se cuenta en ella y, sobre todo, cómo está contado, tiene un aire de pesadilla ciertamente perturbador.

Resulta extraordinaria la forma en que se va agobiando a la protagonista, con esa atmósfera irreal, más propia de otro mundo, o quizá de otra forma de ver/vivir en este mundo. En lugar de atemorizar con el cansino recurso de un asesino psicópata que acuchilla jovencitas o el no menos absurdo de un ser maligno que destroza seres humanos, Preminger nos deja paralizados con un terror cotidiano, el que se deriva de perder a un ser querido en un mundo egoísta, que sólo mira por lo suyo. Pero también el que nos envuelve al cuestionarnos la realidad de las cosas y, por último, nuestro propio juicio.

‘El Rapto de Bunny Lake’ es el título (nada apropiado, a mi parecer) que en España recibió ‘Bunny Lake is Missing’ (1965); eso sí, no la busquéis por aquí editada en DVD, para poder disfrutar de este tipo de clásicos hay que recurrir a grabaciones “antiguas” (VHS) o a otras vías supuestamente ilegales, o eso dicen. La historia de la película, basada en la novela de Evelyn Piper, gira en torno Ann Lake, que acaba de mudarse a Londres con su hija Bunny. Cuando va a recoger a la niña al colegio después de su primer día, descubre que no hay rastro de ella por ninguna parte. Nadie sabe nada de Bunny, nadie la ha visto. Denunciada la desaparición, la policía se encuentra sin pruebas de la existencia de la pequeña, sospechando que realmente todo es una invención…

Apoyado en una impresionante fotografía en blanco y negro, Preminger nos sumerge en una historia que pretende empezar de forma relajada, a pesar de que pronto notamos que “algo” no va bien; un escenario donde el espectador se encuentra totalmente perdido y va comprendiendo poco a poco, tanto lo que ocurre como a quién le ocurre, atando cabos, o creyendo atarlos. El tratamiento del suspense es magistral , así como la puesta en escena. Ojo a cómo está rodada la inspección del colegio, por ejemplo, dando en todo momento la sensación, como decía antes, de que estamos realmente allí, siguiendo a escondidas el transcurso de los acontecimientos.

El reparto protagonista de ‘El Rapto de Bunny Lake’ lo encabezan Carol Lynley, Keir Dullea y Laurence Olivier. Lynley interpreta a Ann, el personaje central de la historia, logrando una magnífica composición, haciendo creíble en todo momento un rol muy complicado que oscila entre la inocencia, la locura, el miedo y la desesperación. En cuanto a Dullea, recordado por protagonizar la mítica ‘2001’, encarna al extraño hermano de Ann, un hombre que incomoda con esa actitud tan tranquila, tan fría, logrando también un excelente trabajo; no quiero añadir más, pues es quien tiene la clave de todo el oscuro misterio que rodea a Ann y Bunny, como cualquier espectador entiende muy pronto. Por supuesto, Laurence Olivier también brilla, interpretando al veterano, cerebral y eficaz investigador que debe resolver el caso (sus razonamientos y sospechas son las del espectador). Tiene un papel similar, a mi parecer, al de Henry Fonda en ‘El Estrangulador de Boston’, de Richard Fleischer.

Destacar también la breve pero importante presencia de Noel Coward, con un particular personaje, el de “casero artista”, que alimenta el miedo y la inseguridad de Lynley. En este sentido, es crucial que en la película nadie parece querer ayudar a Ann, sino todo lo contrario, engañarla, acosarla, maltratarla o simplemente obviarla. Como muestra, la secuencia en el bar, cuando cambian de canal para poner música alegre, en lugar de atender a las noticias sobre la desaparición de Bunny. De nuevo esa sensación de estar en un inquietante mundo irreal, donde todo parece dispuesto para que lo pases mal hasta que, por fin, consigas liberarte y abrir los ojos. En alguna ocasión me vino a la mente otra (muy destacable) obra de Preminger, ‘Vorágine’.

Sobre esto mismo gira la secuencia en la que la dueña del colegio (otro personaje “de otro mundo”) comienza a referirse a la imaginación que tienen los niños cuando sueñan; fundamental para comprender el desenlace pero también para crear la atmósfera. Y sobre los niños, su imaginación, su mente, su fragilidad, y esa irrealidad que se respira en toda la película, mencionar la memorable secuencia, bañada en oscuridad, de la tienda de muñecas, lugar donde comienza a fracturarse la primera capa de las apariencias y desvelarse el núcleo de todo.

En conclusión, ‘El Rapto de Bunny Lake’ es un incómodo, oscuro y fascinante thriller psicológico con el que Otto Preminger consigue que nos planteemos, sin efectos especiales, recursos fantásticos o parafernalias digitales, si estamos viviendo la terrible realidad o una pesadilla terriblemente real. De obligado visionado. Y por cierto, esperemos que se abandone la idea del remake que planea realizar Joe Carnahan, director que, por otra parte, hasta el momento, me gusta. Pero es que, sencillamente, este film no puede ser mejorado, y el director no es precisamente el más indicado.

Difícil, muy difícil me ha resultado en esta tercera entrega escoger simplemente diez títulos de la década de los 40 para incluirlos en mi lista personal de películas favoritas. Mientras me doy de cabezazos contra la pared por haberme dejado injustamente un montón de títulos fuera, ahí os dejo los que bajo ningún concepto faltarían en mi lista. Y que conste que me seguiría golpeando si la lista aumentara a 20 títulos.

• ‘Casablanca’. A estas alturas ya es algo más que una de las mejores películas de la historia del cine. Ya forma parte de la cultura general del siglo XX. Si su modélico guión fuese enseñado en las escuelas de cine, sobre todo en las de nuestro país, los alumnos aprenderían más en 102 minutos que en todo el curso. Cada vez que la veo, y ya he perdido la cuenta, aún sigo pensando que Ilsa no cogerá el avión para irse con el inútil de su marido. Esa sensación sólo la producen las películas perfectas.

• ‘Duelo al Sol’. Para un servidor uno de los mejores westerns de la historia, servido con total maestría por Vidor (y un montón más de directores no acreditados), a pesar de contar, evidentemente por obligación dado quien es el productor del film, con la insoportable Jennifer Jones, que por una vez está perfecta en su papel. La conversación final entre Lionel Barrymore y Lillian Gish o el impresionante duelo que cierra la película son absolutamente inolvidables. Nunca un beso se hizo tanto de rogar.

• ‘Breve Encuentro’. Desde esta película del gran David Lean, las estaciones de tren ya no son lo mismo, ni el concierto para piano nº 2 de Rachmaninoff, ni las historias de amor, ni nada de nada. Si alguien aguanta las lágrimas es que simplemente no es humano. Mil veces imitada o plagiada, y lo seguirán haciendo hasta que el hombre desaparezca de la faz de la Tierra.

• ‘El Diablo Dijo No’. Para un servidor la mejor película que dirigió nunca Ernst Lubitsch, donde un sensacional Don Ameche hacía un repaso de su vida delante del mismísimo Diablo, encarnado por el inolvidable Laird Cregar. Mezcla absolutamente genial de humor y drama, y Gene Tierney, absolutamente maravillosa y genial, como siempre. Todavía no sé a qué esperan para editarla en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’. Si tuviera que elegir unos pocos títulos, digamos unos cinco, de la extensa y modélica filmografía de John Ford, esta película sería una de las elegidas. De una exquisitez y sensibilidad impresionantes, una alegato de la familia como pocas veces se ha visto. Narrada en flashback provoca tal nostalgia en el espectador que parece que conociéramos a sus personajes de toda la vida.

• ‘Laura’. Obra cumbre del cine negro, y probablemente la mejor película del genial Otto Preminger, quien trabajó con Gene Tierney más veces. Por cierto que la actriz nunca estuvo tan fascinante e impresionante como en esta película. Clifton Webb sensacional.

• ‘Retorno al Pasado’. Otra obra cumbre del thriller, esta vez a manos del genial Jacques Tourneur, que contó con los geniales Kirk Douglas y Robert Mitchum para formar un mortal trío con la inolvidable Jane Greer, quien compone una de las más famosas femmes fatales que haya dado el séptimo arte.

• ‘Carta de una Desconocida’. El elegante por excelencia Max Ophüls, realizó en su etapa americana esta inmortal película basada en el relato del atormentado Stefan Zweig, convirtiéndola en el estudio más patético jamás realizado sobre la obsesión y pasión amorosa. Joan Fontaine probablemente nunca estuvo mejor.

• ‘Jennie’. Dalí decía que era la única película que merecía la pena de todas cuantas se hubieran realizado. No estoy de acuerdo, pero sí es cierto que este film del olvidado William Dieterle es único, una de las más extrañas historias de amor, literalmente atemporal, que se hayan filmado. Con Jennifer Jones y Joseph Cotten repitiendo después de la comentada ‘Duelo al Sol’ (trabajarían juntos cinco veces).

• ‘Esta Tierra es Mía’. Para mí Jean Renoir firmó su mejor obra en suelo americano. Con los inolvidables Charles Laughton y Maureen O´Hara el film es un alegato antinazi, y por consecuencia antidictadura de cualquier tipo, de una fuerza sobrecogedora, al mismo tiempo que habla sobre el miedo a morir. Inolvidable final.

Y ahora mientras me sigo golpeando la cabeza contra la pared por tener que dejar fuera esos títulos que muy seguramente vosotros escribiréis, voy preparando mis favoritas de los 50.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30

La revista Premiere —sobre la que nos comunicó Carlanga que había editado su último número en papel, aunque sigue existiendo por Intenet— ha publicado una lista de los 25 mejores carteles de cine de la historia.

Los cinco primeros son los que aparecen en la imagen de más arriba: en el número uno, ¿cómo no?, Saúl Bass, el genio del arte gráfico y de los títulos de crédito, con ‘Anatomía de un asesinato’ (‘Anatomy of a Murder’, 1959), de Otto Preminger. Bass, además, ha realizado secuencias, como algunas carreras de ‘Grand Prix’. Él se atribuía la planificación de la escena de la ducha de ‘Psicosis’, cosa que Hitchcock nunca admitió. Como director, también firma algunos films, entre ellos ‘Fase IV’ (‘Phase IV’, 1974).

En el segundo puesto está ‘El pecado de Nora Moran’ (‘The sin of Nora Moran’, 1933), película de Phil Goldstone que en EE. UU. se llamó ‘Voice from the Grave’, es decir, voz desde la tumba. El autor del cartel es Alberto Vargas.

El cartel que está en el número tres de la lista es del mismo autor que el primero, Saul Bass. Se trata de ‘Vértigo. De entre los muertos’, film que, como ya sabemos, dirigió Alfred Hitchcock. Más adelante, en la lista, está ‘El hombre del brazo de oro’, también de Bass.

‘El descenso de la muerte’ ‘Downhill Racer’ (1969) se clasifica en cuarto lugar. Como dicen en la Premiere, en la distribuidora tuvieron el gran valor de hacer un cartel de una película de Robert Redford sin que se le viese. Y les quedó realmente bonito. La película fue ignorada por el público, pero el cartel, diseñado por Steve Frankfurt, se convirtió en un hito para los pósters fílmicos.

El quinto cartel de los que podemos ver en la imagen es el de ‘Planeta prohibido’ (‘Forbidden Planet’, 1956). En mi opinión es más kitsch que bonito, pero también eso merece ser reseñado.

El resto de la lista seguiría así:

6. ‘Gilda’
7. ‘La calle 42’ (‘42nd Street’)
8. ‘El ataque de la mujer de 50 pies’ (‘Attack of the 50 Ft. Woman’)
9. ‘El ladrón de Bagdad’ (‘The Thief of Baghdad’)
10. ‘2001, una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey?)
11. ‘King Kong’
12. ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’)
13. ‘La quimera del oro’ (‘The Gold Rush’)
14. ‘El hombre del brazo de oro’ (‘The Man With the Golden Arm’)
15. ‘La momia’ (‘The Mummy’)
16. ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of The Lambs’)
17. ‘Contratado para matar’ (‘This Gun for Hire’)
18. ‘Desayuno con diamantes’ (‘Breakfast at Tiffany’s’)
19. ‘Los viajes de Sullivan’ (‘Sullivan’s Travels’)
20. ‘El submarino amarillo’ (‘Yellow Submarine’
21. ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary’s Baby’)
22. ‘La tentación vive arriba’ (‘The Seven Year Itch’)
23. ‘El autoestopista’ (‘The Hitch-Hiker’)
24. ‘Eva al desnudo’ (‘All About Eve’)
25. ‘El demonio de las armas‘(‘Gun Crazy’ o ‘Deadly Is the Female’ 1950)

Fuente: Premiere

Si algún día tuviera que hacer una de esas inútiles listas de las mejores películas de la Historia del Cine, sin dudarlo ni un segundo, una de las que pondría sería ‘Laura’ de Otto Preminger, una obra maestra entre las obras maestras cuyo poder de fascinación sobrepasa todos los límites conocidos. Aquel título mítico estaba protagonizado por una de las más bellas mujeres que haya dado el Cine (y parte de la realidad), Gene Tierney, una actriz como la copa de un pino, que sin ella la película hubiera sido otra cosa.

Así que hace poco cuando se editó en DVD la segunda colaboración entre Preminger y Tierney, corrí apresurado a hacerme con una copia, que aunque no la había visto, mi instinto me decía que no iba a arrepentirme. Bueno, a veces no se trata de instinto, sino de sentido común.

Dirigida en 1949, narra cómo una mujer cleptómana es utilizada por un perverso hipnotizador para sus macabros planes. El reparto está encabezado por la propia Gene Tierney, dando vida a una mujer frágil temerosa de su propia actitud y de su pequeño problema con el robo. Richard Conte interpreta a su marido, apoyando continuamente a su esposa, y José Ferrer como el malvado de la función, un hipnotizador capaz de cualquier cosa con tal de salirse con la suya. También sale uno de esos secundarios de lujo en el cine clásico, Charles Bickford, como el teniente de policía que lleva el caso.

La historia, con un planteamiento curioso en el que el malo ya es descubierto al principio de cara al espectador (Hitchock definía el suspense como algo que conocía el espectador y desconocía el personaje), está tan bien contada que uno no puede sino rendirse ante la genialidad de Preminger a la hora de narrar unos acontecimientos que nos atrapan y no nos sueltan hasta que la película termina.

De una gran tensión, está llena de momentos increíbles, como algunas escenas de hipnotismo, rodadas con un uso del silencio arrebatador, prácticamente el espectador queda hipnotizado. Y arrebatadora es también la presencia de Gene Tierney, con ese rostro enigmático y a la vez delicado. Da igual lo que esta actriz hiciera, su poder para enamorar a cualquiera sigue intacto casi sesenta años después.

Rodada en un maravilloso blanco y negro, con una estupenda gama de grises, no llega a la altura de Laura, pero eso no impide disfrutar de Cine en puro estado. Muy recomendable para los que están hartos del cine de suspense de hoy en día. Edita Suevia Films en una buena edición afortunadamente.