Dentro de la enorme producción norteamericana, del revoltijo de directorcillos estrella, pseudo-autores con presupuestos que oscilan entre los tres y los trescientos millones de dólares, viejos maestros de capa caída, grandes nombres que como mucho dieron una única gran película (y ya es bastante), mercenarios más o menos habilidosos, artesanos más o menos estimables, y demás fauna, sí que existen, aunque a nadie le interese demasiado ver sus películas (ni falta que hace), auténticos directores que de vez en cuando, si les dejan y tienen ganas, presionan con su talento sobre los límites del tedioso cine ortodoxo, y lo empujan hacia nuevas fronteras de futuro. Decía el gran Coppola, uno de esos directores de los que hablo, un verdadero y oscuro cineasta, que los artistas siempre miran hacia el futuro, mientras que la sociedad y los que la controlan prefieren quedarse en el pasado. Mayor verdad imposible, en un medio audiovisual enquistado en fórmulas academicistas y paralizado por cineastas incapaces de convertirlo en algo dinámico y valiente, aherrojados por un público abúlico.

Entre esos directores esenciales, poetas que miran hacia el futuro y crean las formas cinematográficas más vivas del presente, están, por ejemplo Ang Lee, Paul Thomas Anderson, Jacques Audiard, Enrique Urbizu, James Gray o Gus Van Sant. En el caso de este último, de carrera tan plagada de luces y sombras como la del resto del grupo, nos encontramos con la obra de un cineasta que ha reflexionado mucho más sobre el cine y sus posibilidades, que la gran mayoría de sus colegas, aún las vacas sagradas de generaciones anteriores que practican un cine mucho menos valiente y arriesgado que el suyo. Poseedor de un estilo inconfundible, que no tiene miedo de traicionar cuando la historia lo requiere, quizá sea Van Sant, sin exagerar, el gran cronista del Estados Unidos más marginal, de la juventud marchitada y desesperada de su país, y más concretamente de su ciudad, Portland. Un poeta libérrimo, obsesionado con sus bellos y trágicos adolescentes, que tampoco se libra de haber filmado alguna que otra bobada, pero al que hay que juzgar, creo yo, por sus grandes aciertos, que no son pocos.

Dicen que Van Sant se quedó impresionado por la amplia comunidad marginal de las barriadas más pobres de Los Ángeles, ciudad en la que trabajó un tiempo como fotógrafo y asistente de producción. A su regreso a Nueva York, con el dinero ahorrado, pudo hacer un filme de pequeño presupuesto que le debía mucho a sus grandes maestros Jonas Mekas o John Cassavetes, ‘Mala Noche’ (id, 1986), filmada en blanco y negro, y que llamó la atención por su descarnado lirismo y su sutilidad en su tratamiento de lo homosexual. Van Sant, que nunca ha ocultado que es gay, siempre incluye en sus historias un amor entre dos hombres, pero nada obvio, nunca morboso, ni para provocar un juicio moral. Teniendo en cuenta su querencia por seres marginales, esta decisión es importante, porque así evita convertir esa condición en un rasgo que lleve a la manipulación o a la compasión. Ni la homosexualidad es un problema, ni las drogas, ni la violencia, ni el amor, ni siquiera la muerte. El problema es, siempre, cómo convivimos con esa realidad.

Una trayectoria apasionante…pese a los errores

Lo del cine independiente siempre ha sido una etiqueta más. Western, cine negro, melodrama…cine independiente, expresión acuñada por algún lumbrera que pretendía englobar lo que no es otra cosa que libertad a la hora de hacer películas. Durante buena parte de los ochenta y los primeros noventa, nacieron muchas películas con el sello de independientes, filmadas por directores norteamericanos fuera de Hollywood, con presupuestos asequibles, sobre cuestiones más o menos sociales o modernas. En realidad, si existió, Van Sant fue el rey, pues con ‘Drugstore Cowboy’ (id, 1989) demostró su total primacía. Obra magistral, filmada con cuatro cuartos, que convierte a buena parte del cine supuestamente “duro”, “violento” o “sórdido” en un juego de niños. Negar al Van Sant de esta película inolvidable es negar el cine, sencillamente. Lástima que la prolongara en la bastante inferior, aunque mucho más accesible para un público mayoritario, ‘Mi Idaho privado’ (‘My Own Private Idaho’, 1991), y que dos años después dirigiera una de sus películas menos interesantes, la floja comedia ‘Ellas también se deprimen’ (‘Even Cowgirls Get the Blues’).

Pero no estaba todo perdido, y en 1995 pudo dirigir una comedia negra muy superior y a la que quizá no se le ha dado toda la importancia que merecía, la excelente ‘Todo por un sueño’ (‘To Die For’), con una magnífica Nicole Kidman. Con este título, Van Sant recuperaba sus rasgos de personalidad, contando la historia de un carácter obsesionado con la fama televisiva, muy complejo e impredecible, con una serie de ramificaciones morales realmente notables, y con un gusto por el asesinato ritualizado que alcanzaría mayores cotas de abstracción en trabajos posteriores. Van Sant volvía al buen camino, pero no estaba la industria para mayores riesgos, y aceptó un guión que era demasiado fácil para él, por mucho que Matt Damon y Ben Affleck ganaran el Oscar con él. ‘El indomable Will Hunting’ (‘Will Hunting’, 1997) es una peliculita que va de artística y radical, y se queda en superficial y conservadora, indigna del artista que filmó ‘Drugstore Cowboy’, pero fue un gran éxito que quizá ha permitido a este cineasta moverse con algo más de libertad en años posteriores.

Su versión en color del ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960) de Hitchcock, fue a su vez muy criticada por ciertos sectores, aunque creo que es una propuesta interesante y muy respetuosa con el original. Filmada idéntica, plano a plano, hay algo fascinante en ella, con una dirección de actores que altera algunos enunciados hitchcockianos. Mucho menos interesante me parece su ‘Descubriendo a Forrester’ (‘Finding Forrester’, 2000), que es algo así como “Will Hunting 2”, en la que un chaval negro del Bronx, más pobre que las ratas, es un escritor de un talento que haría sombra a Marguerite Yourcenar, un jugador de baloncesto que puede eclipsar a Michael Jordan, un alma honesta capaz de sacrificarse por un mentor interpretado por el genio Sean Connery, además de apuesto y trabajador. Ahí queda eso. He de confesar que cuando la vi perdí la fe en que Van Sant se convirtiera en el gran cineasta que auguraban sus primeros trabajos.

Pero ahí está el talento, para desmentir a los escépticos, y la extraña ‘Gerry’ (id, 2002) y la magistral ‘Elephant’ (id, 2003) lo cambiaron todo. ‘Gerry’ era algo así como una cura salvaje contra el cine comercial, un filme que polarizó la opinión de la cinefilia, pero que era un alarde de improvisación y de búsqueda vital, que no pretendía otra cosa que un nuevo comienzo, una resurrección que se vería confirmada con ‘Elephant’. Con ese filme escalofriante, que hacia milagros en la ritualización de la violencia, colocando a Van Sant a la altura de un Coppola, el cineasta de Portland reventaba las convenciones de la tragedia, recuperando su gran sentido visual, ganando la Palma de Oro y el premio de la puesta en escena en el Festival de Cannes, narrando de manera sobrecogedora, casi documental, una masacre de las muchas que de vez en cuando convierten un recinto social norteamericano en un infierno de muerte y dolor. Van Sant había superado así innecesarios experimentos o pruebas comerciales para alcanzar una plenitud que se prolongaría con la excelente ‘Last Days’ (id, 2005) y la bella y enigmática ‘Paranoid Park’ (id, 2008), en la que por fin liberado de toda concesión formal, vuela la mirada de Van Sant hacia formas plenas de cine de dentro de veinte o treinta años.

La emocionante ‘Mi nombre es Harvey Milk’ (‘Milk’, 2008) cerraba hasta ahora su filmografía, que tendrá un nuevo exponente con la venidera ‘Restless’, protagonizada por Henry Hopper y Mia Wasikowska, que se estrenará este año. Esperemos que Van Sant siga dando lo mejor de sí mismo, que es mucho, aunque posiblemente sus mejores trabajos continúen siendo paladeados por una minoría.

Veinticinco películas que saben a gloria, y que vuelvo a ver siempre que puedo, las que puedo. Entre ellas muchas norteamericanas, pero también europeas, aunque es cierto que el nivel en nuestro continente ha bajado sensiblemente, mientras que al otro lado del charcho ha subido. Así son las cosas. Entre las elegidas, como se verá, hay muy pocas ganadoras del premio cinematográfico menos prestigioso del mundo, el Oscar, entre otras cosas porque el prestigio lo dan los títulos elegidos (no al revés), y muchas veces no hay por donde cogerlos. La gran mayoría, o todo, de la lista es cine de autor, que es el único que soportará el paso del tiempo, o así lo creo yo. Echadles un vistazo, no os cortéis:

‘There Will Be Blood’

Paul Thomas Anderson es uno de los cuatro o cinco directores norteamericanos más importantes de la actualidad. Con esta obra maestra irrepetible, su quinta película, homenajea en cierta forma a Malick, ayudándose además de su habitual diseñador de producción, Jack Fisk. Una recreación de época primorosa, situada en los albores de la fiebre del petróleo, con el mejor actor vivo, el incomparable Daniel Day-Lewis, que da vida a un trasunto del Diablo inolvidable, abyecto y conmocionador. Sublime.

‘El nuevo mundo’

De uno a otro importantísimo director norteamericano, al que actualmente estoy dedicando un extenso especial. En su cuarto largometraje Malick regresa a los territorios por los que sólo él transita en el cine de hoy día, en el que narra el eterno desencuentro del hombre consigo mismo y con la naturaleza. Lirismo estremecedor en una mirada limpia de todo divismo y capaz de mostrar lo inenarrable: al hombre rozando el paraíso y perdiéndolo por su propia incapacidad y su miserable condición

‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’

El francés Michel Gondry, de mano de uno de los más ingeniosos y sorprendentes guiones de los últimos años, obra del ubicuo Charlie Kauffman, firma una maravilla inolvidable de la que, por motivos obvios, y al igual que en el caso de la de Anderson, me niego a poner su título español, porque ofende la vista. Impecables Carrey y Winslet para un relato que a nadie puede dejar indiferente, que conmueve y divierte a un tiempo, que es vanguardista y clásico a la vez. Una joya imperecedera.

‘Brokeback Mountain’

Ya sabíamos todos, bastante antes de esta película, que Ang Lee era uno de los mejores directores en activo, y de los pocos que merecen el calificativo de director a secas. Pero con esta película alcanzó una cumbre muy difícil de repetir. Asombrosos Ledger y Gyllenhaal para una compleja y difícil historia de amor que es también un fresco histórico fascinante. Obra de arte que gana con cada visionado y que da fe de hasta dónde puede llegar el cine.

‘Million Dollar Baby’

El gran Eastwood hace lo que parecía imposible: superar su magistral y terrible ‘Mystic River’ con un drama aparentemente muy sencillo, pero que esconde bajo su serena piel una convulsa representación del drama de vivir, de amar, y de morir. La más lúcida reflexión de su director, en la que es también una de sus mejores interpretaciones, y eso es decir mucho tratándose de un actor superdotado como él. Actualmente, mi compañero Alberto le está dedicando un repaso a toda su carrera, y espero con ganas que llegue el momento de hablar de esta película.

‘El pianista’

Que regrese el mejor Polanski, después de tantos años por debajo de su inmenso talento, siempre es una gran noticia para el cine. Esta vez, lo hace con una historia que espero contar más de sesenta años, y es que a veces la vida es extraña, y lees la biografía de un pianista célebre, y puedes acercarte al horror de tu pasado. Muy superior a ‘La lista de Schindler’ y de similar devastación emocional a la de ‘Shoah’. Imprescindible.

Mi Crítica de ‘El pianista’

‘Héroe’

Muchos se quedaron de piedra cuando descubrieron que la promesa de Yimou de hacer su propio Wuxia (guerreros históricos voladores…no, ‘Matrix’ no inventó nada) se hacía realidad con esta bellísima historia de tres guerreros que juraron matar a un rey, y el misterioso hombre que les derrotó y contó cómo llevó a cabo la hazaña. Un poema visual en toda la grandeza de la expresión, y un canto a la paz y a la fraternidad. Una maravilla.

‘Bailar en la oscuridad’

Muchos, cuando Von Trier se alzó con la Palma de Oro (el premio cinematográfico más codiciado que existe) y su actriz principal el galardón por su trabajo en el Festival de Cannes, por esta perturbadora película, no sabían a qué atenerse con un musical tan atípico. Pero es, sencillamente, una declaración de amor por el musical americano de parte de Von Trier, a la vez que un melodrama de estilo muy complejo y enigmático. Muchos ni siquiera la han visto cuando ven ‘Anticristo’ y ponen a parir a este gran artista. Obra maestra incontestable.

‘21 gramos’

Tras la grandísima, y sobresaliente, sorpresa con la que nos sacudió en plena cara Iñárritu, titulada ‘Amores perros’, este cineasta mexicano advirtió que no se trataba de un azar que su primera película fuera tan notable y erigió una obra maestra cuyo alcance todavía no se puede calcular. Guillermo Arriaga se da de la mano con Faulkner, y junto a Iñárritu elaboran un puzzle emocional devastador, descarnado, inolvidable, con un Sean Penn sensacional, un Benicio del Toro formidable y una Naomi Watts…sin palabras.

‘Paranoid Park’

Gus Van Sant es un cineasta extraño. Dotado de un impresionante talento para contarnos las miserias de los jóvenes estadounidenses (especialmente los marginales), durante los años noventa anduvo perdido en historias que no acababan de cuajar. Sin embargo, llega la primera década del siglo XXI y se revela como el gran director que es, uno de los más importantes de su país. Esta es, sin duda, su más bella, hipnótica e inclasificable película.

Mi crítica de ‘Paranoid Park’

‘Kill Bill, vol.2’

Tal vez esta sea la cumbre de la obra tarantiniana, de momento. El bueno de Quentin quería superar ‘Pulp Fiction’, o al menos su impacto generacional, y lo logró con esta intensa, sorprendente, libérrima historia, que homenajea el cine oriental en su variante de cine negro y de cine de artes marciales, así como al cine de Leone. La venganza de la Novia será de todo menos previsible, y un generoso y placentero relato filmado con maestría y mucha, mucha sangre.

‘Inland Empire’

A David Lynch todo le da igual. Le da igual la comercialidad, le da igual la narrativa y le da igual lo que piensen de él. Dejando todo esto claro, queda una cosa más por decir: Lynch es un artista insobornable, y su última película, con la que muchos se quedaron mudos o no supieron qué decir, es muchísimo más sencilla de lo que su apariencia laberíntica y absurda aparenta. Obsesiones de Lynch a cargo de una actriz metida en líos. Cine que no es cine, sino vídeo, pero cine puro por la personalidad visual salvaje y trasgresora de un visionario que siempre será él mismo.

‘4 meses, 3 semanas y 2 días’

El infierno urbano no es ninguna broma, y aunque muchos cineastas se empeñen en falsearlo, trivializarlo o idealizarlo, hay otros, pocos, que con un coraje ilimitado se atreven a mostrarlo tal cual, sin componendas, y al espectador que no le guste, que siga con los hermanos Scott. Obra maestra total y absoluta, escalofriante, bestial, humana.

‘El libro negro’

Que Verhoeven es un gran director, algunos todavía lo dudan, pero lo demostró con creces regresando a su país, Holanda, y realizando esta obra de aventuras magistral, con un guión impecable y trabajadísimo, un reparto perfecto y muchísima emoción, muchísima violencia, mucho sexo y romanticismo. Da gusto ver a Verhoeven haciendo lo mejor que sabe hacer, echar un vistazo a la historia de su país. Impecable.

‘La joven del agua’

El propio Shyamalan define esta película como “la experiencia estética más importante de mi vida”. Una vez más, se trata de un título con el que muchos no saben cómo reaccionar, en lugar de rendirse a la belleza y la chocante coherencia de sus imágenes. En realidad, como todo el cine de este realizador, es una historia que quiere provocar la esperanza en el corazón del espectador. ¿Existe reto mayor para un artista?

Mí crítica de ‘La joven del agua’

‘Avatar’

A muchos no les sorprenderá que incluya esta emocionante película entre las 25. A otros, simplemente les escandalizará. La película que ha convertido en experta sobre la escritura de guiones a media humanidad, es una solemne y brutal crítica a nuestra raza, además de una descripción elegíaca de la conexión de los seres vivos con la naturaleza. Grandiosa batalla final que deja en bragas a la gran mayoría del cine de acción actual. Una joya.

Mi crítica de ‘Avatar’

‘I’m not There’

Puede que nunca se estrene en los cines españoles, por razones indescifrables para mí (y las de la distribuidora también lo son), pero lo cierto es que esta hermosa película es una de las más importantes de cine norteamericano en muchos años. Todd Haynes nos habla de Bob Dylan, claro, y a través del rostro de seis actores distintos, pero también nos habla de música, de arte, de una época en la que todo era posible, y en la que una mítica tierra llamada América podía albergar dignidad. Casi nada.

Mi crítica de ‘I’m Not There’

‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’

Aniquiladas las raíces del western, aún puede regresarse a él con lirismo y sensibilidad, no exentas de malicia y violencia salvaje. El juego de espejos que propone esta formidable película se encuentra entre lo más extraño, pero también lo más primordial del género. Andrew Dominik, en su segunda película, nos deja pasmados con su dominio del tiempo narrativo, con su mirada ingenua y desarmante, y con su tenebrismo inquietante. Sensancional Pitt, un actor que ha terminado de controlar la máscara de su rostro para hacer de ella lo que le place. Inclasificable e imprescindible.

Mi crítica de ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’

‘El viaje de Chihiro’

Si ‘La princesa Mononoke’ es la más violenta y desesperanzada, esta es la más espiritual pero también la más inquietante película de Miyazaki. Dijeron que era su versión de ‘Alicia en el país de las maravillas’, lo que no es si no un reduccionismo recalcitrante de una historia mucho más rica, menos simbólica y más metafórica que aquella. La niña Chihiro se verá inmiscuida en un mundo al que no pertenece, con reglas propias que deberá ir aprendiendo si quiere sobrevivir y, sobre todo, si quiere regresar. Un mundo al que la palabra fascinante se le queda pequeño. Rebosante imaginación del maestro, sublime animación. Para qué seguir diciendo nada.

‘Wall-E’

La aportación de Pixar al cine en general, y a la animación en particular, durante esta década, ha sido capital. Y aunque ninguna de sus películas es perfecta, pues acaban sucumbiendo al conservador estilo Disney en sus finales (entre otras cosas), sí que pueden llegar a ser conmovedoras, generacionales, y siempre divertidísimas. Esta joya sobre un robot limpiador que un buen día se enamora de una despiadada robot indestructible empieza muy bien y acaba regular, pero es un trabajo formidable por la capacidad de arrastre emocional que atesora, y por unos diez primeros minutos sublimes.

‘Hijos de los hombres’

Alfonso Cuarón es el director mexicano más importante de la historia, para quien esto escribe. Y lo es porque tanto en su país como fuera de él ha firmado obras maestras, algo al alcance de muy pocos. Esta es una de ellas, sencillamente. Auténtico relato de ficción científico, muy alejado de los feísmos o los colorines que directores muy inferiores adjudican a este género, simplemente viva, trepidante. No hay esperanza ni redención posibles, no hay un héroe invencible con el que sentirnos más seguros, no hay seguridad de que el viaje tenga un sentido. No hay nada, y hay todo. El mundo, el hombre, tal cual. Obra maestra total y absoluta.

Mi crítica de ‘Hijos de los hombres’

‘Ser y tener’

Mientras la mayoría de las películas se dedican a ficciones más o menos interesantes, hay otras que se dedican a aspectos verdaderamente importantes de la vida, y lo hacen con una sensibilidad y un talento que directores en teoría geniales no pueden ni siquiera soñar. Otros pueden quedarse con películas sobre venganzas, o sobre teóricas y nunca posibles redenciones. Pero esta en particular nos muestra el proceso de la autoconciencia, del aprendizaje del mundo, ahí es nada. La cámara se introduce en una clase de parvulario y no se sabe cómo, pero los pequeños se olvidan de ella y nos dan un milagro. Obra de arte.

‘2046’

Hay muchos que vieron esta película y no supieron muy bien cómo reaccionar. Es el ejemplo más perfecto que conozco de cine-música. Es decir, cine anti-narrativo, anti-tramático si se quiere. Un poema sensorial de enigmática belleza y estilo muy complejo, con el que Wong Kar Wai cierra una etapa de su cine y abre otra. No cabe preguntarse por la razón de muchas de sus imágenes, si no simplemente dejarse arrastrar por su cadencia y su capacidad expresiva. Un escritor rodeado de atractivas y fugaces mujeres intenta comprender las razones del amor y del desamor. Monumental y arrasada.

‘Entre les murs’

Palma de Oro en Cannes en 2008, no se sabe bien, observando sus imágenes, si esta obra maestra es un documental en el que se ha introducido la fábula de la ficción, o una ficción a la que se ha inoculado la conciencia de lo documental. Pero poco importa. Demoledora y muy incisiva radiografía del estado de cosas en la educación secundaria pública. Pocas películas han dado a conocer al espectador una violencia y una tensión tan descarnadas, y al mismo tiempo tan contenidas. La sensación de ver algo real es tan fuerte, tan definitiva, que convierte en un juego de niños la gran mayoría del cine de ficción predigerido que nos llega. Insuperable.

Mi crítica de ‘Entre les murs’

‘Una serie de catastróficas desdichas’

Cuando una película consigue que no se te borre la sonrisa de la cara desde el principio hasta el final, aunque en muchos momentos la sonrisa se convierta en pura carcajada, y a menudo asome la lágrima, hablamos de algo más importante de lo que a muchos pueda parecer a priori. Además, su diseño de producción (obra de Rick Heinrichs) te descubre que el genio visual de las películas de Tim Burton no era Tim Burton, precisamente. También podríamos hablar de la incomparable fotografía de Lubezki, o del talento guiñolesco del gran Jim Carrey, pero sobre todo es un cuento para críos, o no tan críos, que conmueve sin apenas esfuerzo. Gamberra, trasgresora, lúdica, ligera, trágica. Obra maestra.

Y premio especial para una recién estrenada, con mucho retraso, y que acabo de ver (que hace la número 26):

‘La cinta blanca’

La más grande película de Haneke, y tiene algunas formidables, debería estar entre las 25, pero la añado a última hora, después de acabar de verla, por fin, en el cine.

Y esto es todo.

En Blogdecine:

Mis películas favoritas (y IX): década actual

Las diez mejores películas de la década (2000-2009)

‘Paranoid Park’

Bellísima, hipnótica, vanguardista, inclasificable. Es un filme de 2007, pero como estamos en este lamentable proyecto de país, aquí se estrenó en 2009, al igual que otra película Gus Van Sant. El director culmina así su trilogía insuperable, conformada por ‘Elephant’, ‘Gerry’ y ‘Last Days’, y se erige en uno de los grandes de su tiempo. Podéis leer mi crítica aquí.

‘Gran Torino’

Excepcional reflexión sobre el final de una vida, que algunos quisieron ver como una simple historia maniqueísta de buenos y malos a mayor gloria del ego de Eastwood, cuando en verdad se trata de su filme más hermoso, más sencillo, más sincero y emocionante. Además, creo que es la mejor intepretación de Eastwood en toda su carrera, y un ejemplo de puesta en escena depurada y humilde, pero no por ello menos sabia. Podéis leer mi crítica aquí.

‘Avatar’

La quinta joya de James Cameron, que le refrenda como el mejor director de Sci-fi de la historia, pues nadie ha desarrollado un discurso futurista tan cerrado en sí mismo, tan coherente y escalonado como el vigoroso poker de ases que conforman ‘Terminator’, ‘Terminator 2’, ‘Aliens’ y este ‘Avatar’. Atacada sin piedad por los del colmillo envenenado, el tiempo pondrá las cosas en su justo lugar. Si queréis, leed mi crítica aquí.

‘Inglourious Basterds’

Muestra irrefutable del genio tarantiniano, que por fin culmina su anhelada historia sobre un grupo de salvajes renegados en la Segunda Guerra Mundial, eclipsados por una creación de altísimo talento como es el inolvidable y fascinante coronel Landa (un insuperable Christoph Waltz), un personaje ya legendario en la Historia del Cine. Pero también hay dos secuencias, la inicial y la de la taberna, absolutamente magistrales y que por sí solas deberían valer para hacer callar a tanto anti-tarantino. Muchos no se toman en serio a este cineasta, precisamente por ser quien es. Una vez más, tiempo al tiempo. ¿Os apetece leer mi crítica? En ese caso, click aquí.

‘Celda 211’

Lo que son las cosas, creía que nunca más pondría una película española en el top ten del año. Pero la vida te da sorpresas. El director de esta cinta me había decepcionado demasiadas veces (siendo, como es, un gran cinéfilo) para tener algún tipo de esperanza, y este año llega con esta formidable realización que, espero, va a arrasar en los premios nacionales dentro de pocas semanas, porque se merece eso, y se merece el éxito que ha tenido, y muchos elogios. Si tenéis ganas de leer lo que escribí de ella en su día podéis hacer click aquí.

‘Milk’

Segunda película de Van Sant en esta lista, por eso de los estrenos caóticos españoles, pero se lo merece. Título a título nos encontramos con un cineasta asombroso, humilde y sincero, que ha dejado atrás los balbuceos de los noventa y que en la siguiente década se ha convertido en un maestro de su oficio. Justísimos los Oscar al guión y al actor principal, un genial Sean Penn. Si no habéis leído mi crítica podéis hacerlo aquí.

‘Let’s Get Lost’

Y si ‘Paranoid Park’ es de 2007, pues esta película es nada menos que de 1988, pero repito: estamos en España. Algún día alguien nos explicará la causa del retraso, pero lo cierto es que a raíz de su restauración y visionado en Cannes del año pasado, pudimos por fin ver estrenado en nuestro país, este septiembre, el fascinante documental sobre la vida de Chet Baker dirigido por Bruce Weber, y del que ahora hay disponible un magnífico DVD cuya compra recomiendo encarecidamente. Dicen que es el mejor documental sobre un músico que se ha hecho jamás. Podría serlo. Exquisito blanco y negro, sublime montaje, inigualable jazz (como no podía ser de otra manera). Podría ser el mejor, ¿por qué no? Si queréis una crítica de él…tendréis que esperar porque todavía no me he puesto a ello.

‘Entre les murs’

Como en el caso de ‘Milk’ (que aquí se llamó estúpidamente ‘Mi nombre es Harvey Milk’) me niego a encabezar este segmento con el ridículo y soso nombre de ‘La clase’, y sí con el mucho más estimulante y certero original. Entre los muros de una clase se desarrolla un filme excepcional, que Sean Penn describió en Cannes como “un milagro”. Y lo es. Inscrito con letras de oro en la larga tradición de películas francesas sobre la pedagogía y sus complejidades, este devastador largometraje es mucho más de lo que una mirada no desprejuiciada pueda encontrar en ella. Si queréis leer mi crítica de esta obra maestra, esta vez sí podéis hacerlo, pues la escribí aquí.

‘El secreto de sus ojos’

No se llevó, de manera incomprensible e injustísima, el máximo galardón del reciente Festival de San Sebastián, pero da lo mismo. Ahí queda esta joya para darnos cuenta de que los viejos códigos narrativos del mal llamado cine clásico siguen tan vigentes, o más vigentes, que nunca, y que las ventanas abiertas por Ford, Lang, Wilder o McCarey están completamente abiertas para el que quiera hacer uso de ellas. Campanella deslumbra con su filme más redondo y emocionante. Leeros mi crítica aquí, si tenéis tiempo.

‘Ponyo en el acantilado’

Muy superior a ‘El castillo ambulante’, y a la altura de ‘Porco Rosso’, esta historia da fe de lo difícil que es trazar un relato de humildad y serenidad abrumadoras, y de que la sencillez, por más que algunos no quieran entenderlo, es el valor supremo del gran arte. No recuerdo haber salido del cine con tan buen rollo en muchos años, gracias a la mirada limpia y generosa del gran Miyazaki. Como es la que completa la lista, supongo que ya no os apetecerá leer mi crítica aquí.

Y esto es todo. A ver qué nos depara el 2010.

Hemos llegado a uno de los momentos clave. Tenéis que elegir la mejor película de 2009. ¿Podréis? Bueno, como bien sabéis, por entradas anteriores, este año no tenéis que seleccionar sólo una candidata. Gracias a las nuevas páginas de producto (que ya sabemos que no son perfectas, todavía), tenéis la opción de valorar con una puntuación del 1 al 10 todas las películas nominadas; de este modo, si no podéis decidiros por una, cabe la posibilidad de votar con la máxima nota a dos o más títulos.

Sólo como recordatorio, os comento que las candidatas son películas que se han estrenado en España durante este año, y tenéis hasta el próximo domingo para votar; a partir de ese día, comenzará el recuento y os iremos diciendo los resultados de las diferentes categorías. Ahora toca la más importante, la de mejor película. Sin más, aquí os dejo la (amplia) lista de nominadas:

• ‘Avatar’ (vota aquí)

• ‘Buscando a Eric’ (vota aquí)

• ‘Déjame entrar’ (vota aquí)

• ‘District 9’ (vota aquí)

• ‘El luchador’ (vota aquí)

• ‘El secreto de sus ojos’ (vota aquí)

• ‘Gran Torino’ (vota aquí)

• ‘Malditos bastardos’ (vota aquí)

• ‘Man on Wire’ (vota aquí)

• ‘Mi nombre es Harvey Milk’ (vota aquí)

• ‘Moon’ (vota aquí)

• ‘Paranoid Park’ (vota aquí)

• ‘Ponyo en el acantilado’ (vota aquí)

• ‘Revolutionary Road’ (vota aquí)

• ‘Slumdog Millionaire’ (vota aquí)

• ‘Up’ (vota aquí)

• ‘Watchmen’ (vota aquí)

PD: Si estáis buscando ‘Dragonball Evolution’ o ‘Luna nueva’, os comento que están en una próxima lista de nominadas a peor película del año. Por si acaso.

No hay en ‘Paranoid Park’ nada que no se pueda encontrar en las mencionadas, pero al menos sí una fuerte (y más acertada) apuesta por llevar más allá su estilo personal, aquí más acentuado, que intenta ahondar, o más bien, enseñar al espectador la lucha y debate que se produce en el interior de un joven skater por superar el sentimiento de culpabilidad.

No se le puede negar que Van Sant logra una arriesgada y valiente puesta en escena, llena de ejercicios visuales acompañados de un original uso del sonido que consiguen efectivas escenas. Sin embargo, el acentuado estilo del realizador se impone, se encarga de quedar subrayado por encima de la historia, encallando en algunos momentos la narración para deleitarse con la cámara subjetiva, la ralentización combinada con música y sonidos dispares.

Van Sant adapta libremente una novela homónima de Blake Nelson, que cuenta la historia de cómo la muerte accidental de un agente de seguridad afecta a la nihilista y hermética vida de un joven aficionado al monopatín. Como es lógico, la familia desestructurada, unas amistades y novia que no le convencen, le llevan a soportar una cierta soledad que se vuelve dura cuando lucha por digerir el malogrado incidente. La historia es tratada a modo de puzzle, con una narración que rompe la estructura temporal y que juega con la cronología de los sucesos para conseguir lo más interesante de la propuesta: que el espectador, testigo único de la verdad, vaya asumiendo junto con el protagonista mientras va descubriendo y reconstruyendo el relato.

Como digo, el realizador logra un efectivo resultado, aunque parece más entusiasmado por llevar más allá su ejercicio visual (y sonoro), que otorgarle mayor desarrollo a las subtramas y a los secundarios. Por ello, más allá del fuerte delirio imaginativo no se madura el trayecto hacia la redención del protagonista, y acaba tomando el camino más fácil.

No por ello, se puede denostar el excelente trabajo del polémico Van Sant. Es cierto que logra momentos de poderosa hipnosis, de alcanzar una inspirada y original manera de mostrar el sentimiento y el pensamiento del personaje, con una mirada subjetiva que sigue, en cierto modo, la línea marcada en anteriores obras. Una aproximación personal al complejo mundo de jóvenes que ya nos apuntara en ‘Elephant’, aunque con motivaciones distintas (en ésta la culpa se veía con cruel objetividad) y resultado bien diferente. En ‘Paranoid Park’ acentúa el sentimiento de culpabilidad pero explorando la conciencia, la necesidad de contar lo sucedido (como un vómito que vacíe la conciencia) para encontrar la paz, cuando el paisaje de alrededor no facilita precisamente asumirla, y lo consigue con un obra más redonda, coherente y muy sugerente.

A todo ello hay que unir el gran trabajo (atípico) de Christopher Doyle, que aporta una fotografía espléndida, brillante y que logra elevar la arriesgada apuesta de Van Sant y otorgarle mayor veracidad. Se juega con distintos formatos que enriquecen la fragmentada narración.

Tampoco se puede obviar el elogiable trabajo que el realizador extrae de los actores principales (en especial de Gabe Nevins), noveles seleccionados a través de una casting en MySpace.

Mi puntuación:

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Paranoid Park’, el cine ha muerto

Leí el otro día las declaraciones de un empresario exhibidor que decía que el verano ya no era una época de morralla cinematográfica, pero la realidad no parece apoyar sus palabras. Si tomamos como prueba esta semana, el exhibidor perdería sin duda la discusión… o no, porque yo estoy hablando de calidad y él de posibles taquillazos. De las siete películas que se estrenan esta tarde, he visto cuatro y puedo decir que ninguna es especialmente recomendable. Las otras me huelo que –quitando lo que pueda ofrecer Van Sant con ‘Paranoid Park’, que seguro que es bueno, pero que personalmente no me atrae— van a ser aún peores. Por lo tanto, será preferible quedarse con lo que se ha estrenado en días anteriores, alquilar o comprar algo en DVD o pasar de todo y darse un chapuzón en la playita o la piscina, que estos tiempos es a lo que más invitan. Sé que el cine apetece por aquello del aire acondicionado, pero puede salir algo caro.

‘Brüno’

Dirigida por: Larry Charles

Interpretada por: Sacha Baron Cohen y Gustaf Hammarsten, además de los cameos de un montón de famosos.

Sinopsis: Brüno quiere hacer las américas tras fracasar en su programa austríaco sobre moda.

Qué podemos esperar: Soy una gran admiradora de Sacha Baron Cohen. Creo que es buenísimo con las imitaciones y que tiene gran desparpajo o, dicho claramente, mucho morro. Sus intervenciones en programas y eventos, sus frases lapidarias, etc… me encantan. Sin embargo, creo que en forma de película es como peor se puede ver todo eso. Ya indicaba en mi crítica que ‘Brüno’ se hace pesada, sobre todo en su primera mitad, y no tiene demasiada gracia.

Tráiler de ‘Brüno’.

‘Un novio para mi mujer’

Dirigida por: Juan Taratuto

Interpretada por: Adrián Suar, Valeria Bertuccelli y Gabriel Goity.

Sinopsis: La pareja de El Tenso y La Tana está en crisis. Ella despotrica de todo y él no la soporta más. Pero El Tenso es un hombre muy cobarde y no se atreve a romper. Así que conseguirá los servicios de un seductor para que deshaga el matrimonio.

Qué podemos esperar: Viendo tanto cine, una acaba hastiada de los dramas que estudian la crisis de la pareja a una cierta edad y la falta de comunicación entre individuos. Esta película demuestra que se puede hacer el mismo análisis y profundizar con igual exactitud, pero en clave cómica. Comentaba en la crítica que publiqué que la estructura es clásica y por ello puede parecer lo de siempre, pero la película tiene humor, no está mal de ritmo, y hace un retrato de los personajes bastante valiente y certero con respecto a la vida real.

Tráiler de ‘Un novio para mi mujer’.

‘Paranoid Park’.

Dirigida por: Gus Van Sant

Interpretada por: Gabe Nevins y Daniel Liu.

Sinopsis: La vida de un adolescente aficionado al monopatín pega un vuelco cuando se ve involucrado en la muerte accidental de un vigilante de seguridad.

Qué podemos esperar: Film anterior a ‘Mi nombre es Harvey Milk’, que no se había estrenado aún y que probablemente quiere beber del éxito de la protagonizada por Sean Penn o redimir a su director como enfant terrible. Adrián Masssanet, en su crítica, hace una gran alabanza hacia el film.

Tráiler de ‘Paranoid Park’.

‘Más allá de la duda’ (‘Beyond A Reasonable Doubt’)

Dirigida por: Peter Hyams

Interpretada por: Michael Douglas, Jesse Metcalfe, Ambert Tamblyn y Joel David Moore.

Sinopsis: El fiscal de distrito (Michael Douglas) lleva tal racha de imbatibilidad en juicios por asesinato que se habla ya de él como próximo gobernador. Un joven periodista quiere crear el bombazo de descubrir que el fiscal coloca pruebas falsas en los casos, pero no lo puede demostrar. Por ello, se mostrará como principal sospechoso de un nuevo crimen, con la esperanza de que el fiscal vuelva a presentar alguna falsa prueba ante el juez.

Qué podemos esperar: Un remake del film homónimo de Fritz Lang (1956) no sólo innecesario, sino torpemente ejecutado. Es un thriller sencillito, cuya historia puede contentar a aficionados al género no muy exigentes y cuya realización no satisfaría a nadie. En esta crítica, se puede continuar leyendo al respecto.

Tráiler de ‘Más allá de la duda’.

‘V.O.S’

Dirigida por: Cesc Gay

Interpretada por: Àgata Roca, Vicenta Ndongo, Paul Berrondo y Andrés Herrera.

Sinopsis: Un director de cine está escribiendo un guión basándose en lo que le ocurre en la vida real con su pareja, un amigo y la mujer a la que éste ha dejado embarazada. La película está basada en la obra teatral de Carol López.

Qué podemos esperar: Como indicaba en mi crítica, la idea de mezclar realidad con ficción es buena, aunque no se haga aquí por primera vez, ni mucho menos. Pero de ella se ha sacado poco partido. Por otro lado, por mucho que la película ofrezca esa originalidad estructural, eso no la exime de aportarnos emoción en su faceta narrativa convencional que, al fin y al cabo, es la principal. Y, quizá por culpa de unas interpretaciones poco naturales, no se consiguen transmitir esos sentimientos.

Tráiler de ‘V.O.S’.

‘Paintball’.

Dirigida por: Daniel Benmayor

Interpretada por: Brendan Mackey, Neil Maskell), Patrick Regis, Jennifer Matter y Peter Vives.

Sinopsis: Durante una partida de paintball, misteriosamente, las balas dejan de ser de pintura y los concursantes comienzan a morir.

Qué podemos esperar: Parece la típica película de susto fácil y estética de videojuego, pero no sabemos si nos sorprenderá, ya que Filmax es la descubridora de algunos de los talentos que avalan el género de terror en nuestro país. Los afortunados que consiguieron entradas para ver la película, antes de tiempo, gracias a Blogdecine, nos podrán dar su opinión.

Tráiler de ‘Paintball’.

‘La proposición’ (‘The proposal’)

Dirigida por: Anne Fletcher

Interpretada por: Sandra Bullock y Ryan Reynolds.

Sinopsis: Una importante editora finge que está prometida a su ayudante para evitar la deportación a Canadá.

Qué podemos esperar: Esta película se estrenó ayer, 9 de julio, así que habrá personas que nos puedan adelantar su opinión en los comentarios. Yo a estas cosas les suelo dar una oportunidad algún sábado después de comer, pero muchas veces no llego ni al final. Ryan Reynolds me hace bastante gracia y lo de que la actriz de comedias románticas por antonomasia, después de Meg Ryan, esté de vuelta, suena importante; pero puede ser insoportable. Quizá lo que les ha hecho perder toda su credibilidad ante mí es esa campaña de promoción tan pastelosa que han hecho, que consistía en pagarle la boda a alguien que estuviese sufriendo mucho la crisis, como si casarse fuese un bien de primera necesidad.

Tráiler de ‘La proposición’.

Vía | Film Trailer.

Les guste a algunos o no, lo cierto es que el cine se desarrolló sobre todo en la etapa muda, y después poco más se ha investigado en cuanto a sus formas y posibilidades. Algunos dicen que la causa principal es la llegada del sonido, o más bien de los diálogos, que hacen más literarias las películas. Pero hay teorías para todos los gustos. Aunque me parece poco discutible que, sobre todo en Estados Unidos, los estudios hicieron propio un esquema que, con ciertas variaciones (algunas de ellas muy interesantes), desarrollaron durante los años 30, 40 y 50, perfeccionándolo y dando forma a lo que se entiende, mal, como clasicismo.

Este clasicismo no es más (ni menos, ciertamente), que una representación deudora de la novela del siglo XIX y del teatro de principios del siglo XX, con presentación, nudo y desenlace, con conflictos y objetivos, con personajes protagonistas y secundarios, y el director como un director de teatro, que se encarga de que todo funcione, pero sin dejar una huella personal en muchas ocasiones, supeditado a las necesidades del estudio y las estrellas. El cine clásico (lo que signifique está equívoca expresión) es sólo un cine, no es el Cine.

Ahora, casi tres décadas después del colapso del sistema de los estudios, muchos claman que nos encontramos con un cine (sobre todo norteamericano) deprimente, repetitivo y sin ideas. Pero a mi juicio creo que muchos espectadores están demasiado condicionados por el pasado del cine norteamericano, que abrió ventanas al futuro sólo en el caso de grandes directores como Howard Hawks, Orson Welles, Alfred Hitchcock o John Ford, pero que, como todo “sistema”, encorsetó la representación audiovisual hasta que la fórmula se agotó sin remisión. Los directores importantes de ahora mismo, los que tienen algo que decir, o bien investigan formas de representación opuestas (aunque conociéndolas profundamente) al cine clásico, o bien se alimentan de otras cinematografías y las implementan a su herencia. Gus Van Sant pertenece al primer grupo.

Realmente lo más lógico es que muchos detesten su cine. Estoy seguro de que este director es bien consciente de ello. Y realmente le importa muy poco. Su trayectoria es irregular, extraña y fascinante, y conforme pasan los años y va cerrando su discurso y perfilando más su mirada, más irregular, extraña y fascinante resulta, pero también más importante, pues se erige en crónica (como de una forma muy diferente hace Clint Eastwood en ‘Gran Torino’) de un país en proceso de desintegración moral y social, que se debate entre sus fantasmas como una bestia errabunda, cuyos héroes no son más que reminiscencias de un pasado cada vez más lejano, y cuyo presente es un paisaje fantasmal en el que es casi imposible reconocer a víctima y asesino, al héroe del villano. La vida por fin se abre camino en el cine norteamericano. Lo quieran algunos cinéfilos o no, el pasado (por suerte) nunca vuelve, y los puentes hacia el futuro están ahí.

Y la primera imagen de este alucinado y alucinante, lisérgico casi, ‘Paranoid Park’ es precisamente el puente más grande de Portland, recortado sobre un cielo gris y cuajado de nubes azules, que amenazan tormenta, con la imagen acelerada. Sobre ese puente pasan los títulos de crédito acompañados de una música desconcertante, esquizofrénica, que mezcla sin pudor lo plácido con lo alocado, notas de suspense con arpas celestiales. Ya con el primer plano sabemos que no vamos a asistir a cine predigerido, predecible u ortodoxo. Y ya desde el comienzo advertimos un trabajo de creación sonora muy complejo, que no siempre acompaña a las imágenes en un contínuo temporal, sino que elabora por su cuenta una trama sonora que otorga a la secuencia significados dispares, que la enriquece, en suma, con ecos, susurros, temas musicales fantasmagóricos y lánguidos.

El responsable de la calidad de la imagen es el ya legendario director de fotografía Christopher Doyle (que venía de filmar la maravilla ‘Lady in the Water’ y que por cierto tiene una pequeña aparición en la película como el tío del protagonista) quien en colaboración con Rain Li, y en evidente complicidad con Van Sant, construye un imaginario visual realmente único, consistente en una gama infinita de grises y cololores desaturados, muy acorde con la atmósfera fantasmal que se pretende crear. Con una gran libertad, filman en 35 mm. y a continuación en 16 mm., ralentizando la imagen, como si fuera un sueño del que no podemos despertar. Planificando desde el estilo que Van Sant lleva edificando desde hace veinte años, pero añadiéndole mayor fluidez y flexibilidad, olvidándose del punto de vista de los personajes y adquiriendo uno etéreo, volátil, que se adentra no sólo en las vivencias del skater protagonista, sino sobre todo en su mente y en sus sentimientos más primarios.

Planos largos y densos, auténtico atentado directo y mortal contra la narración cinematográfica tradicional, saltos aparentemente arbitrarios en el tiempo que se niegan a contar la historia como otros podrían contarla, y que se convierten en personalísimas formas de acercarse a esta compleja historia de skaters desorientados, zombies, alejados de cualquier pensamiento pragmático, incapaces de adaptarse a un mundo que no sea el suyo propio interior, representado en un parque paranoide que obedece tan solo sus propias reglas y al que sólo los iniciados pueden acceder. Más que una historia criminal sobre skaters, deviene parábola del mundo interior del adolescente sumergido en infinitas dudas y carentes de atención y comprensión.

Una vez más, acompañamos por un itinerario pesadillesco a uno de los adolescentes hermosos y errabundos de Van Sant. De todos ellos, quizá Alex (interpretado con convincente neutralidad por Gabe Nevins), sea el más hermoso. Por momentos, pareciera que Van Sant le dedique una declaración de amor con la cámara, pues entrega numerosos primeros planos al rostro de este muchacho, tan bello que parece una muchacha, y tan trágico que sus momentos de skater (y los movimientos de otros skater) parecen una canción de dolor por la multiforme y siempre posible crueldad del mundo. Muchos no entrarán en estas imágenes, les repugnarán o las considerarán equivocadas, elititistas o falsamente artísticas. Directamente una negación del cine.

Yo personalmente creo que no se le puede pedir más al cine. Y de todas formas el cine me importa poco, me interesa más lo que se puede hacer con sus restos, a dónde se puede llegar con él. El cine ha muerto, larga vida al cine.

Si ayer descubrimos el póster de Paranoid Park, la última película de Gus Van Sant, hoy (gracias Evaristo) nos toca ver el tráiler, disponible en versión original con subtítulos en francés.

Para empezar, un factor sorprendente ¡Tiene ritmo!. Puede que sea únicamente una estrategia comercial, y luego Van Sant vuelva a deleitarnos o torturarnos con planos interminables y silencios infinitos, pero también es posible que una vez finalizada la Trilogía de la muerte (Elephant, Gerry, Last Days), este director tan propenso a los cambios, haya decidido comenzar una nueva etapa.

Al igual que en sus inicios, el film está protagonizado por un joven amateur, Gabe Nevins, que con estas primeras imágenes ha logrado, de momento, causarme una buena impresión.

Seguramente lo mío no tiene remedio, pero es que desde este mismo instante, yo ya me muero de ganas de entrar en Paranoid Park.

Aquí tenemos el póster de ‘Paranoid Park’, lo último (más quisiéramos) de Gus Van Sant, realizador muy valorado en festivales lujosos. Por supuesto, la película fue aplaudida en Cannes, donde se rumorea que hubo alguien que llegó a quedarse despierto más allá de la mitad del metraje. Increíble.

‘Paranoid Park’ está protagonizada por Gabe Nevins, Jake Miller, Taylor Momsen, Lauren McKinney y Daniel Lui. La película se basa en la novela de Blake Nelson y cuenta la historia de un joven aficionado al skate que, accidentalmente, mata a un guardia de seguridad, por lo que si vida da un completo giro.

Vía | Impawards

Ganador de la Palma de Oro y Premio al Mejor Director en 2003 por Elephant (algo que todavía no me explico), Gus Van Sant vuelve a presentarse con otra de adolescentes (y ya van…), esta vez más jóvenes si cabe, aunque al parecer menos violentos.

El film es una adaptación de la novela homónima de Blake Nelson que cuenta la historia joven aficionado al skate que accidentalmente mata a un guardia de seguridad. Su vida da entonces un completo giro hacia una extraña nueva realidad de confusión, encubrimiento y culpabilidad.

Rodada en super 8 y en 35 mm en el Portland natal de Gus Van Sant, Paranoid Park tiene la particularidad añadida deser una película protagonizada por un jóven amateur, Gabe Nevins, seleccionado a través de Myspace.

La crítica recibió la película con un breve aplauso, aunque en general ha salido bastante bien parada. Gus Van Sant ha dicho al respecto que esta intranquila y compleja mirada a una juventud suburbana, que parece desconectada del mundo exterior e indiferente al futuro, representa su visión de envejecer.

Yo que amo y odio a este director a partes iguales, espero que por fin haya despertado de su letargo y vuelva a regalarnos uno de esos chispazos de talento que podíamos encontrar en sus películas hace muchos, muchos años.

En Comme au Cinéma podéis ver dos extractos de “Paranoid Park” y una galería de imágenes.