No quiero tu teléfono, ni cartas, ni postales. No quiero casarme contigo. Definitivamente no quiero tener tus hijos. Pase lo que pase, tuvimos hoy. Y si en el futuro llegamos a cruzarnos, eso también está bien. Seremos amigos

En el tramo final de ‘One Day’ (id, Lone Schrefig, 2011), de una intensidad y dramatismo sobrecogedores, el personaje de Anne Hathaway, Emma, suelta esta curiosa declaración, real como la vida misma. El espectador, que ha sido testigo de lo que pasará en los próximos 20 años de las vidas de Emma y Dexter (Jim Sturgess), sonríe con total alegría pues sabe que Emma no cumplirá su promesa. Una declaración en lo alto de una colina en un 15 de julio de 1988 es el punto de inicio a una de las historias de amor más emotivas, verdaderas y deslumbrantes que ha dado el cine en los últimos años. Su estructura narrativa, con saltos en el tiempo que duran un año, no es sólo una atractiva forma de narrar la historia, también remarca el carácter imperecedero del sentimiento más fascinante que el ser humano posee, mostrando la incertidumbre, los miedos e inseguridades que afloran cuando se presenta la oportunidad de ser feliz.

Pero ‘One Day’ no es sólo una historia de amor. Tal y como reza mi compañera Beatriz en el titular de su crítica, la película es también un análisis quirúrgico sobre el paso del tiempo, y las distintas formas de enfrentarnos a ello. La relación de Emma y Dexter sirve precisamente de muestrario. El aguante y resignación de una mujer esperando a que el amor de su vida despierte, con una serenidad y coherencia que de sólo pensarlo me hace temblar. Por otro lado, un hombre que puede tenerlo todo, pero decide desperdiciar parte de su vida tal y como hacemos la mayoría de los hombres en un momento dado de nuestras existencias. Y es que la película también se atreve a hablar sobre los diferentes caminos que recorren mujeres y hombres cuando se trata de amor. A veces no llegan a cruzarse nunca, otras es imposible separarlos, como si algo a lo que prefiero no ponerle nombre, hiciese que esos caminos se cruzasen siempre hasta completar el viaje.

‘One Day’ es la adaptación del libro homónimo de David Nicholls que también ha escrito el guión de la película. La premisa, antes mencionada, recoge la vida de una pareja de amigos a lo largo y ancho de 20 años, haciendo hincapié en el día que se conocieron. Durante casi dos horas, somos testigos de lo que sucede en ese día tan señalado, siendo el paso del tiempo un protagonista añadido en la historia, realmente más de lo que parece. Elipsis que nos llevan de un 15 de julio a otro sin necesidad de presenciarlos todos, y un inteligente uso del fuera de campo con el que se narran hechos importantes, fortalecen una historia con numerosos números para caer en la ñoñería o en un falso romanticismo. La estructura narrativa y una puesta en escena más sobria de lo esperado son los pilares básicos de ‘One Day’, que también se apoya en unas interpretaciones por encima de la media.

El trabajo de la danesa Lone Scherfig, que parece haber encontrado en el cine estadounidense su lugar de expresión, está lleno de detalles visuales que van más allá de una mera pose estética. En la segunda imagen tenemos uno de los instantes más inspirados del film en cuanto a forma se refiere. A esas alturas todos sabemos que Emma y Dexter son perfectos el uno para el otro. Nuestro deseo queda expresado en la imagen del espejo, la de una pareja durmiendo plácidamente con ella apoyando su cabeza en él, y fundido en negro que no se repite hasta el tramo final, cuando descubrimos qué pasó el primer e inolvidable día que sus vidas se cruzaron. Con un plano que parece una ilusión se habla de otro de los significados de dicha palabra, de la alegría sin parangón que produce el sentimiento amoroso, algo que enseguida reconocemos. Con ese pequeño detalle —y aquí podríamos decir que las grandes historias de amor nacen y sobreviven a base de los pequeños detalles—, que no es el único, ‘One Day’ sortea con inteligencia tópicos y clichés a la hora de hablar de algo sobre lo que ya se lleva hablando desde el inicio de los tiempos.

A pesar de que la película nos ofrece un personaje femenino fascinante, parece girar más alrededor de la figura masculina, Dexter, de quien Jim Sturgess ofrece una muy arriesgada composición. Su rol sirve para mostrar la poderosa influencia del paso del tiempo en nuestras vidas, de las decisiones que tomamos y de los errores que cometemos. Dexter llega a resultar odioso —su etapa de conocido presentador de televisión—, y también encantador —su etapa de madurez, en la que toma conciencia de sí mismo—. La delicadeza en el tratamiento de dicho personaje —que guarda ecos del Albert Finney de ‘Dos en la carretera’ (‘Two For the Road’, Stanley Donen, 1967)— y de su historia con Emma pasa por no mostrar en pantalla acontecimientos importantes en su vida, siendo narrados éstos en fuera de campo, poniéndolos en boca de los personajes. Sirva como ejemplo lo relativo a la madre de Dexter, excelente Patricia Clarkson, o el primer encuentro sexual de los dos protagonistas.

Anne Hathaway desprende un gran magnetismo, a pesar de ese acento inglés un poco forzado del que enseguida nos olvidamos, desmotrando que es mejor actriz de lo que parece. Rachel Portman apoya la historia con un score para el recuerdo, con una música envolvente que incide en el carácter cíclico del amor, algo que queda claro en los últimos minutos del film, cuando la historia vuelve al origen mostrando la importancia de instantes en apariencia intrascedentes. El lugar más significativo en la relación de Emma y Dexter es una colina que permanecerá incólume con el paso de los años, como testigo silencioso. Pasado y presente se juntan en un solo plano, y el futuro es cosa de cada uno. Porque siempre es una cuestión de decisión. Siempre.

En breve anunciaré un especial muy especial, valga la redundancia, ‘El amor en 32 películas’, del que ‘One Day’ bien podría formar parte. Aquí os dejo el tema central de su bella banda sonora. Con ella podréis evocar vuestros lugares favoritos y todas aquellas palabras de amor que una vez pronunciásteis. En todos y cada uno de ellos, sea una colina, una playa, un arroyo, un motel barato o la más cómoda de las camas, sobrevive una promesa que con el paso del tiempo se tornará verdad o quedará enterrada, depende de vuestra decisión. Buenas noches.

Dirigida por Lone Scherfig y escrita por David Nicholls, basándose en su propio libro, ‘One Day (siempre el mismo día)’ es una película, protagonizada por Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai, Rafe Spall, Ken Stott y Jodie Whittaker, que viene a decir esta película es que el amor supera las barreras del tiempo y no desaparece, a pesar de los años.

De forma similar a como hacía ‘El próximo año, a la misma hora’ (‘Same Time, Next Year’, 1978), de Robert Mulligan, con Ellen Burstyn y Alan Alda, ‘One Day’ nos muestra a una pareja a lo largo de los años, conectando con ella, como indica el subtítulo español, siempre el mismo día. La diferencia es que la mujer y el hombre del primer film elegían esa fecha para verse y provocaban el encuentro. Mientras que en esta nueva aproximación, la cámara baja sobre ellos sin que sean conscientes, al menos de momento, de que el día tenga algún significado y los pilla como estén, topándose a veces como instantes muy significativos en sus devenires vitales y en otras ocasiones con la pura cotidianeidad. Ambos planteamientos me parecen ricos y llenos de potencial cada uno a su manera.

El trabajo que hace Scherfig es magnífico, ya que lo más reseñable que contiene la película son el tono y la ambientación. La película resulta elegante y amena y la recreación de las distintas épocas, acompañada por canciones de cada momento, es de una pasmosa fidelidad, pero sin estar remarcada o exagerada en los atuendos y decorados estridentes.

Personajes

El otro gran aliciente se encuentra en la caracterización e interpretación de los protagonistas, especialmente en lo que se refiere a Anne Hathaway, quien va sufriendo una transformación para estar cada vez más atractiva y en la que son creíbles todas las edades que representa. Como tantas otras veces, se ocupa de un personaje encantador y completo para hacernos pensar que el otro tiene que estar ciego para no darse cuenta de lo que tiene delante. Hay algo en ella, no obstante, que se me antoja irreal, quizá porque está demasiado confeccionada para ser interesante o porque esas características que se le achacan, como su inteligencia y su creatividad, aparte de mencionarse, no se terminan de asociar a su comportamiento. Es difícil retratar a personajes contando solo con un instante de cada uno de sus años de vida, así que Scherfig se acerca todo lo que puede.

Con el personaje de él ocurre lo contrario: no cae bien. En un principio puede encontrársele un atractivo a su sarcasmo y su canallismo. Pero el periódico que lo define como el “hombre más molesto de la televisión” da en el clavo sobre su personaje durante esa franja de la película. Esto no es algo que se le haya escapado a la autora de las manos, sino un retrato intencionado de un personaje que no es consciente de lo que se está perdiendo. Lo que ocurre es que provoca el efecto no deseado de que se pierda, al menos durante ese tiempo, el interés por saber si ella conseguirá el amor de él y en lugar de eso, cabe desear que encuentre a otro que la sepa apreciar –se enfatiza la negatividad del personaje del cómico para que el protagonista gane en la comparación–. Pasada esta etapa, su personaje se recompone y recobra la empatía con la que se inició, pero incluso así, por muy guapo que sea, habría hecho falta un intérprete de mucho mayor carisma para sostener la credibilidad del enganche de ella contra viento y marea.

Intensidad

Cada momento de ‘One Day’ está conseguido y todos los aspectos que la componen están bien llevados o traídos. A pesar de ello, es un film que no termina de emocionarme, ya que encuentro que queda escaso en cuanto a intensidad. Existen momentos en los que parece que va a alcanzar esa fuerza –muy buena la declaración en el agua de la playa por la noche–, pero en seguida la directora los diluye o nos baja de ese subidón de emoción, para que la película pueda continuar con lo que ha planteado, ya que, de otra forma, finalizaría antes. Con esto, también echo de menos algo más de clímax, no necesariamente amoroso o sexual, pero sí narrativo, es decir, un momento en el que parezca que todo cobra sentido o que llega la respuesta tan esperada, ya fuese para bien o para mal. Así, la película me parece agradable y encantadora, pero no me lleva más allá.

Cuando se discute sobre la objetividad de una narración siempre hay que señalar que, por mucho que lo retratado sea fiel a la realidad, siempre hay una intervención o un posicionamiento por parte de los autores aunque solo sea porque eligen qué parte de toda esa realidad se refleja, dónde se empieza y se acaba de contar. Esto se aplica en esta película que, si hubiese terminado con el día que se proponen o se rinden a ese amor que ya sentían se habría considerado una comedia romántica, género denostado hoy en día. Sin embargo, debido a que la película va más allá y continúa incluyendo otros sucesos de la vida de estos personajes, cobra el cariz de tragicomedia y, con ello, otra consideración para quienes no se conforman con las historias de amor. Al contener también los momentos menos felices parece que ganase profundidad.

Como resumen, diría que ‘One Day (siempre el mismo día)’ me parece una película más que correcta, rodada con buen gusto y cierta originalidad de tono, que en absoluto cae en la cursilería. Supone un deleite observar los distintos aspectos por los que va pasando Anne Hathaway –ningún fan de la actriz debería perdérsela– y adentrarse en esas recreaciones de las épocas, nada estridentes, pero muy acertadas. A pesar de todo ello y de que no hay nada en la cinta que se pueda reprochar con claridad, de alguna forma, se me queda corta en intensidad dramática y no destaca para mí especialmente para convertirse en uno de mis films del año, como sí hizo durante el 2010 el anterior trabajo de esta directora: ‘An Education’.

Mi puntuación:

Es habitual, y totalmente justificada, la queja acerca de que un tráiler contenga todos los chistes de una película, más que porque los destripe, porque, cuando se ve el film, éste no aporte nada más que lo ya conocido y la convicción de que se han perdido el tiempo y el dinero se torne irrefrenable. Encuentro aún más irritante algo lo que le ocurre al avance de la que se estrena esta tarde, ‘Con derecho a roce’. Esta recopilación no solo adelanta todas las gracietas, sino que promete un tono muy diferente al que se puede a encontrar en la cinta, como ha ocurrido más veces. Montado a partir de un par de escenas de sexo, que aparentan ser más fuertes de lo que este tipo de películas acostumbran a mostrar, vende una comedia más gamberra y escabrosa que la media, lo que también se podría esperar por venir de Will Gluck (‘Rumores y mentiras’). Sin embargo, resulta más blanda que muchas otras rom-coms, que ya han empalagado al más pintado. El humor escasea, excepto, si acaso, por un par de chistes bien traídos sobre las aplicaciones del iPad, que no reventaré.

Mila Kunis y Justin Timberlake –que ya ha demostrado que sabe reírse de sí mismo en ‘Bad Teacher’, pero que podría cantar algo menos, aunque lo haga para automofarse– representan a una cazatalentos y a un superejecutivo angelino, recién aterrizado en Nueva York, que deciden enrollarse, tratando de que la aventura no estropee su amistad. Sus fracasos amorosos previos y la influencia de las amistades pondrán más difícil esta situación que ya por sí sola pende de un débil hilo.

Gente que no sabe lo que quiere

‘Con derecho a roce’ es la traducción exacta de ‘Friends with Benefits’ – en ambos idiomas se trata de frases hechas en las que hay que buscar la equivalencia, en lugar de caer en el error de lo literal–. Tanto una como otra son expresiones de uso muy reciente que surgen para designar una tendencia igualmente nueva, pero que ya se ha colado en el cine de tal manera que nos encontramos en estos momentos varias películas con el mismo planteamiento, casi calcadas entre sí, sin que entre ellas disten más de unas semanas o meses. Por si fuese poco, también hay una serie homónima que, por el momento, me está seduciendo más que la presente cinta. Aprecio que el género se haya alejado del cliché de la mujer que desea, como única meta posible, casarse y tener descendencia que, por muy antiguo que suene, es el que alimentaba las comedias románticas hasta hace solo escasos años. Pero el paradigma por el que se ha sustituido, si bien es preferible, tampoco me convence.

Como ya argüí al comentar un film reciente con argumento y título clavados al que nos ocupa, así como al hablar de esta otra película, o incluso sobre esta, este tipo de punto de partida impide desarrollar hacia adelante la historia, por la ausencia de objetivo. Por ese motivo, ‘Con derecho a roce’ da un brusco cambio hacia la mitad y se aleja de todo lo que ha ido proclamando para un poder concluir su romance. Error de concepción o de desarrollo del guion, quizá provocado por una lucha de intereses entre los creadores –demasiadas manos firmando el libreto–. Se podría haber matizado, provocando un cambio de opinión en los personajes, en lugar de una demostración de que no saben lo que se quieren. Lo que cabría ser una progresión manida, pero bien desarrollada; se troca un desmañado intento de disimular lo indisimulable: que se va a caer de lleno en ese tópico del que se huye.

Poco espacio a los secundarios

En casi todas las comedias recientes, sean o no románticas, estamos encontrando que el valor principal reside en los secundarios y sus tramas. Puede ser una de las pobrezas de esta película el apenas contar con nada que rodee a la relación principal de los dos protagonistas. No en vano el brillante montaje en paralelo del arranque, en el que aparecen Andy Samberg y Emma Stone, puede ser el mejor momento del film. Woody Harrelson, Jena Elfman, Patricia Clarkson o Richard Jenkins no disponen de mucha oportunidad de sazonar el conjunto, aunque sus personajes sí apuntan maneras en el poco tiempo del que disponen.

De hecho, el vínculo madre hija tiene una mayor carga sentimental que el que centra la historia. Se presenta complicado sentir emoción ante los sentimientos de Jamie y Dylan, debido a que, tanto los personajes como el ambiente en el que se los ha situado se me antojan irreales. El glamour no nos tendría por qué alejar necesariamente de los seres de dos dimensiones que pueblan las pantallas, pues, si fuese así, el cine del Hollywood clásico nunca nos habría transmitido nada. Pero aquí la irrealidad no está solo en que estos jóvenes, exitosos y atractivos, vivan en envidiables apartamentos en las ciudades más caras de EE. UU., sino en la falta de matices o dimensiones de sus personalidades: carecen de defectos –si no contamos la empanada mental, que me temo que no se introduce intencionadamente en la descripción de personajes, sino que surge de ese cambio que el guion no tiene más remedio que dar–, lo cual, como he indicado otras veces, puede ser el peor defecto que tenga un personaje.

Conclusión

De nuevo, la disonancia cognitiva –es decir, la diferencia entre las expectativas y lo encontrado– me provoca una reacción más negativa de la que quizá habría tenido si hubiese visto la película sin información y es que algunos, más que espectadores, deberíamos llamarnos “expectadores”.Esperaba una versión más desenfadada de algo que se ha visto varias veces y resultó ser lo mismo, pero aún menos logrado . No quiero decir con ello que ‘Con derecho a roce’ sea despreciable en su totalidad, ya que contiene alguna cosa simpática y su nada austero diseño de producción la convierte en vistosa.

Mi puntuación:

No diré “ojo a esto”, porque eso lo reservo para mejores avances, pero… considerad la idea de echar un vistazo al vídeo, si todavía toleráis las historias románticas. Hace unos días que circula por la red el tráiler de ‘One Day’ (‘Un día’), una adaptación de la novela homónima de David Nicholls, editada en España con el título de ‘Siempre el mismo día’, cuyo mayor interés reside en la pareja protagonista, formada por Anne Hathaway (aquí con acento inglés) y Jim Sturgess, dos de los jóvenes actores más cotizados del presente. Da la impresión que hay química entre ellos, a tenor del avance, que por cierto recomiendo no ver entero, es de los que duran más de dos minutos y destripan todos los giros de la historia.

El propio Nicholls se ha encargado de escribir el guion de ‘One Day’, que ha sido dirigida por la danesa Lone Scherfig (‘Wilbur se quiere suicidar’, ‘An Education’). La trama se centra en la peculiar relación entre Dexter (Sturgess) y Em (Hathaway), que tras pasar juntos la noche de su graduación, deciden separarse y volver a verse el mismo día del año siguiente, para ver qué ha sido de sus vidas; así lo harán a partir de entonces, un reencuentro de un solo día cada año. Patricia Clarkson, Romola Garai, Jodie Whittaker, Rafe Spall y Georgia King completan el elenco de esta comedia dramática romántica que se estrena el 19 de agosto en Estados Unidos y el 30 de septiembre en Reino Unido. Puede estar bien, aunque por el momento no hay fecha para nuestro querido país.

PD: Gracias a wopr por el aviso.

In Spain the Socialist Party in the city of Valladolid, PSOE, wanted to censure and withdraw the posters of the film because they said are offensive against women.

Me permito el lujo de no traducir la frase que tenéis arriba —la he sacado de la IMDb— porque me he quedado estupefacto al leerla. No tenía conocimiento de esa singular estrategia por parte del PSOE contra lo que es nada más que el cartel de una película. Al igual que en lamentable caso visto en cierto programa de cuatro al respecto de la polémica con ‘A Serbian Film’ (‘Srpski Film’, Srdjan Spasojevic, 2010), a algunos habría que explicarles la diferencia entre ficción y realidad. En cualquier caso, esto no es más que algo meramente anecdótico, lo que realmente importa es la película en sí; ni su cartel, ni su campaña de promoción, ni la reacción de ciertas personas a ello, influyen en la calidad del film. Y nada de eso debería importarnos.

Algunos os preguntaréis cómo es posible que haya acabado viendo una película del aspecto de ‘Rumores y mentiras’ (‘Easy A’, Will Gluck, 2010), cuando ustedes, mis querido acólitos, conocen bien mi aversión hacia la comedia juvenil actual. Lo cierto es que creo que el género de la comedia, en general, está más muerto aún que el western. Cada poco tiempo asaltan las carteleras unas cuantas películas que tratan al adolescente como si éste fuera idiota, o al menos una gran cantidad de ellas. Por eso no entraba en mis planes —y que nadie me venga con el argumento de que tengo que hacerlo, que por eso me pagan— el ver una película como ‘Rumores y mentiras’ pues todo apuntaba a que sería más de lo mismo. Malditos prejuicios.

Afortunadamente, uno tiene amigos, entre los cuales unos poseen un criterio a tener en cuenta en este tipo de cuestiones, y no, no me refiero a uno de esos amigos con los que se coincide en gustos de todo tipo. Así pues me fui en buena compañía a ver esta película, animado por la recomendación, y también por el hecho de que el film toma prestado el texto de Nathaniel Hawthorne, ‘La letra escarlata’. Dicho libro fue adaptado varias veces al cine, siendo una de las últimas la penosa ‘La letra escarlata’ (‘The Scarlett Letter’, Roland Joffé, 1995) donde Demi Moore estaba imposible. Ya hablaremos de una de las mejores versiones que hay, ‘La mujer marcada’ (‘The Scarlett Letter’, Victor Sjöström, 1926), en el especial de cine mudo que pulula por mi mente, de esos que voy a tener que reencarnarme cuatro veces para completarlo.

El argumento de ‘Rumores y mentiras’ nos lleva al típico instituto estadounidense en el que la protagonista de la película, Olive —Emma Stone—, para no pasar el fin de semana con los padres de su mejor amiga, se inventa una cita con un hombre. Hará creer que perdió su virginidad en ese encuentro, una mentira que irá creciendo como la pólvora convirtiendo a Olvie en la chica más popular del instituto. Una premisa de lo más corriente, pero narrada con fluidez por Will Gluck, logrando hacer creíble la historia gracias a ingeniosos apuntes de guión, a unos buenos diálogos, y a una buena compenetración entre el reparto joven y adulto de la función.

Emma Stone —vista en ‘Bienvenidos a Zombieland’ (‘Zombieland’, Ruben Fleischer, 2009) y futura Gwen Stacy en el reboot de ‘Spider-Man’ a manos de Marc Webb— se convierte en la estrella de la función, muy alejada de las típicas tonterías que suelen servir este tipo de productos. Con un enorme carisma, la actriz hace algo milagroso en una comedia juvenil actual, que su personaje no resulte insoportable. Amanda Bynes, actriz de bastante popularidad en los USA, no llega a eclipsar ni un instante a Stone, a pesar de la exageración de su personaje. Y es que tal y como mandan los cánones de la comedia, todo debe estar un poco exagerado. Sólo de esa forma pueden aceptarse el humor de una película que arremete inteligentemente contra la sociedad puritana y conservadora de los Estados Unidos, centrando sus dardos en la importante fase de la educación estudiantil.

Y cómo no, un buen plantel de secundarios, que muchas veces en el cine actual son los que sostienen una película. Stanley Tucci y Patricia Clarkson interpretan a los padres de Olive, una especie de representación de lo que les espera a algunos jóvenes, una comprensiva y cachonda pareja de padres que miran con una leve sonrisa en los labios las vicisitudes por las que pasa su hija, como si en esa mirada se escondiesen secretos del pasado tal vez más escandalosos que todo lo que le ocurre a Olive. En otras palabras, que todos quisiéramos unos padres como esos. Thomas Haden Church, alejado de sus personajes serios, parece estar muy cómodo en el rol de profesor, y Lisa Kudrow da vida por enésima vez a Phoebe. Quizá su personaje está un pelín desaprovechado, al igual que el de un anecdótico Malcolm Macdowell.

Mentiras que cada vez van creciendo más, gente que se aprovecha de esas mentiras, y llegado el momento de decir la verdad nadie quiere, porque como ocurre siempre, la mentira es más fácil y cómoda para todo el mundo. El afán de querer que todos piensen como uno. Apariencias. Difamación. Máscaras. Sexualidad. La pérdida de la inocencia. Y sobre todo, la curiosidad humana, la que todos sentimos irrefrenablemente, y que alcanza su esplendor en una escena tan graciosa como inquietante. Cuando Olive cita a todo el mundo en Internet engañándolos, para realmente hacer una confesión, un pastor, padre de la mejor amiga de Olive, se desespera en busca de las imágenes de sexo que esperaba encontrar. La patada a la religión es tan sutil como certera. Y no importa que la película no pueda evitar caer en convencionalismos de todo tipo, está por encima de la media en este tipo de productos, principalmente destinados a ser consumidos sin que trabaje ni una sola neurona. ‘Rumores y mentiras’ es algo más, afortunadamente. Con sentido homenaje a John Hughes incluido.

Las opiniones son como los culos, todo el mundo tiene alguna

Esta es una de las frases más conocidas de todas cuantas el cine nos ha regalado, al menos recientemente. Teniendo en cuenta que ‘La lista negra’ (‘The Dead Pool’, Buddy Van Horn, 1988) no fue el éxito que se esperaba, eso dice mucho de la popularidad de un personaje como Harry Callahan que empezó su andadura de la mano maestra de Don Siegel en ‘Harry el sucio’ (‘Dirty Harry’, 1971). Estamos sin lugar a dudas ante la peor entrega de una saga que tuvo su triste final en una cinta tan mediocre, que no sirvió para otra cosa que para intentar llenar las arcas de la Warner. De esta forma Clint Eastwood devolvía el favor ante el posible fracaso —y seguro— de ‘Bird’ (id, 1988), film que rodó antes que éste pero se estrenó después.

Pero a pesar de la popularidad del personaje la Warner y Eastwood no lo tuvieron fácil para poner el proyecto a andar. En la ciudad de San Francisco, escenario habitual en las películas de la serie —a excepción de ‘Impacto súbito’ (‘Sudden Impact’, Clint Eastwood, 1983)—, hubo muchas protestas cuando se anunció el rodaje, e incluso se intentó convencer al alcalde para que denegase el permiso de filmación. Las razón de la petición era simplemente que el personaje de Harry Callahan no daba buena imagen a la ciudad. Una estupidez semejante a la de tachar el film de Don Siegel de fascista.

En su quinta aventura cinematográfica —hay que recordar que la Warner, aprovechando el tirón del personaje, editó diez novelas protagonizadas por el personaje al que dio vida Eastwood— Callahan se enfrenta a un asesino en serie que va eliminando a personas famosas incluidas en la lista de un director de cine especializado en películas de terror para adolescentes, Peter Swan (Liam Neeson). Dicha lista comenzó como un inofensivo juego en el se apostaba sobre la muerte de celebridades, pero alguien en la sombra la está convirtiendo en una macabra realidad.

El guión, escrito por un tal Steve Sharon en el único trabajo realizado para el cine, intenta resultar más enrevesado de lo que realmente es: una historia simplona, con personajes carentes de la profundidad de las entregas anteriores y la mítica figura del Inspector Callahan reducida a la mínima expresión. Para su puesta en escena, Eastwood confió la labor a uno de sus habituales colaboradores, Buddy Van Horn —veterano doble en las escenas de acción y coordinador de especialistas, que dirigió a Eastwood en tres ocasiones, la presente, la anterior ‘La gran pelea’ (‘Any Which You Can’, 1980) y la posterior ‘El cadillac rosa’ (‘Pink Cadillac’, 1989), curiosamente, tres de sus peores películas como actor—, quien se limitó a darle una estética más o menos acorde con finales de los 80, cercana al videoclip. En este caso sin la más mínima personalidad.

Con eso se intentaba rejuvenecer, por decirlo de alguna manera, a la saga y el personaje. También se intentó añadiendo al clásico esquema de las películas de la serie —un asesino o asesinos tienen aterrorizada la ciudad, se producen unas cuantas muertes, Callahan empieza la investigación con un compañero que siempre termina herido o muerto, y acaba resolviendo el caso de modo muy expeditivo— los elementos del director de cine de terror, o la canción de Guns N´Roses en la banda sonora. De hecho el grupo aparece en el film como una banda de rock, cuyo líder —interpretado por un primerizo y gesticulante Jim Carrey, en un personaje literalmente insoportable— es asesinado por el malvado de la función.

Aparte de la ingeniosa frase del principio y del hecho de que esta película contribuyó a fomentar la famosa leyenda urbana de que las celebridades morían de tres en tres, lo cierto es que sólo hay una escena destacable rodada con ingenio. Me refiero a la ya famosa persecución entre el coche de Callahan y un coche teledirigido que lleva explosivos, que es como un homenaje realizado con gracia a todas las grandes persecuciones del cine. El resto nos es más que una serie de tópicos, y un Clint Eastwood actor bastante desganado, quizá porque ya no confiaba en las posibilidades del personaje. Se limitó a cumplir sin demasiada garra, al igual que el resto del reparto. Unos jóvenes Liam Neeson y Patricia Clarkson se dejan ver en el film con personajes poco significativos; y Evan C. Kim da vida al nuevo compañero de Harry, esta vez un oriental, como signo de los tiempos.

‘La lista negra’ es un flojísimo film de acción, y una deplorable entrega en la saga de Harry el sucio. Eastwood ya no volvería a interpretar a su personaje más famoso, y no hay indicios de que vuelva a hacerlo a pesar de qué Callahan se merece un thriller crepuscular en toda regla. Tras esta insustancial película el Eastwood actor nos regaló otra mediocridad impresionante igualmente dirigida por Van Horn, pero ya hablaremos de ella

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’

• ‘Bird’

‘Shutter Island’ debía haberse estrenado a finales del año pasado, pero los directivos de la Paramount decidieron que ya tenían suficientes candidatas a los Oscars de 2009 (la promoción cuesta dinero) y retrasaron el estreno de lo nuevo de Martin Scorsese para febrero de este 2010. La jugada les ha salido bien porque pudieron presentarla de forma oficial en el prestigioso Festival de Berlín (donde la vio mi compañero Adrián) y dudo mucho que la película hubiese cosechado muchas nominaciones. Además, quizá por la espera, la película ha logrado una fantástica recaudación en taquilla, siendo la de mayor éxito en la carrera de Scorsese y Leonardo DiCaprio.

Pero hablemos ya de la película en sí. Basada en la novela homónima escrita por Dennis Lehane (de quien también se han adaptado ‘Mystic River’ y ‘Adiós pequeña, adiós’), ‘Shutter Island’ nos traslada a 1954 y nos presenta a Teddy Daniels (DiCaprio), un agente judicial que se dirige, junto con su compañero Chuck Aule (Mark Ruffalo), a una pequeña isla donde está situado un hospital psiquiátrico en el que se internan a los enfermos más peligrosos. El motivo del viaje es la misteriosa desaparición de una peligrosa paciente, cuya fuga tiene desconcertados a los encargado de la institución. Nada más llegar a la isla, Daniels, quien esconde la verdadera razón de su implicación en el caso, descubre que no será fácil encontrar a la mujer, ya que nadie parece dispuesto a colaborar con ellos.

Entrando en la pesadilla

Desde la primera escena, se nos muestra que Daniels no está bien. Primero culpa al viaje en barco, está mareado. Habla con su compañero, con quien no había trabajado antes, y se distrae por un momento. Le aclara que es viudo. Un pirómano incendió el bloque de apartamentos donde vivían y él estaba de servicio, no llegó a tiempo. Esto es, Daniels va a la isla en mal estado, tanto físico como anímico. Desde que desembarcan hasta que llegan al portón principal, la siniestra institución es presentada magníficamente con un acompañamiento musical que hiela la sangre (compuesta por Robbie Robertson, colaborador habitual de Scorsese), la 3ª sinfonía (Passacaglia, Allegro Moderato) de Krzysztof Penderecki. La sensación es que Daniels está entrando en el infierno.

En la puerta, le quitan las armas. Allí mandan los vigilantes del centro/prisión. Pronto les presentan al Dr. John Cawley (Ben Kingsley), la cabeza visible de la institución médica, quien desde el principio se muestra reacio a colaborar con los agentes en la forma que éstos demandan. Revisan la habitación donde residía la paciente y Daniels descubre un pedazo de papel oculto en el suelo. “La ley de los 4; ¿quién es el paciente 67?“. Cawley no tiene ni idea de qué significa. Hablan con los empleados y Daniels vuelve a descubrir algo: uno de los guardias no estuvo en su puesto todo el tiempo. Interrogan a un grupo de pacientes y uno de ellos escribe “RUN” (“HUYE”) en la libreta del agente. Los guardias salen a buscar a la desaparecida, pero no hacen nada realmente, porque piensan que ha muerto. Todo es demasiado raro en Shutter Island. Sin duda, algo huele a podrido allí dentro, y Daniels está dispuesto a destaparlo.

La película va pasando de inquietante, tenebrosa, a opresiva, agobiante. Scorsese ha preparado un oscuro y retorcido laberinto en el que el protagonista se va perdiendo cada vez más, incapaz de fiarse de nadie, ni siquiera de su compañero, decidido cueste lo que cueste a resolver el misterio de la paciente y saldar una cuenta pendiente personal, que tiene con alguien que podría estar escondido en aquel lugar. Los cuidados escenarios, la banda sonora, la atmósfera, la puesta en escena, las interpretaciones, todo está perfectamente orquestado para diseñar una implacable tela de araña que atrapa tanto a Daniels como al espectador. ¿Qué es verdad? ¿Qué ocurre allí realmente?

Resolviendo el puzzle

Presentada la institución mental, sus extraños habitantes y los enigmáticos empleados (entre ellos un doctor alemán, interpretado por Max Von Sydow, del que desconfía plenamente Daniels), y con la investigación bloqueada por falta de pruebas, toca centrarse en Daniels. El temporal que azota la isla (lo que hace imposible marcharse de allí) y la atormentada mente del protagonista parecen una misma cosa. Desde que el agente entra en el recinto se siente especialmente violento, vulnerable a las miradas, las palabras y el aire que se respira en Shutter Island. Todo le afecta allí dentro. Y su cabeza es el campo de batalla. Las heridas del pasado vuelven al presente. Recuerda lo que vivió siendo un soldado, recuerda a su amada esposa (Michelle Williams)...

Los sueños poco a poco parecen mezclarse con la realidad. Daniels cree que le están administrando drogas. Sus desconfianzas iniciales van aumentando y pronto sospecha que ha caído en una trampa. Las incontables piezas del puzzle parecen ir encajando, formando una terrible imagen en la que los médicos son los principales enemigos. Daniels está convencido que le han llevado allí para convertirse en el paciente 67 al que se refería la paciente desaparecida… El suspense llevado al máximo. Toca resolver el asunto. Llegamos al clímax… y cuando se descubren las cartas, en mi opinión, ‘Shutter Island’ da un bajón impresionante. Tanto que parece una broma. Pero no, se le empieza a explicar la película al público (recurso burdo donde los haya) y uno va resignándose. Bueno, pues nada. Superado el impacto del jarro de agua fría, la película vuelve a recuperarse. DiCaprio está demasiado enganchado como para dejar que aquello se eche a perder, y los otros actores le siguen. El final recupera el mejor tono del film, acabando en una escena extraordinaria.

En definitiva, es difícil recomendar este film, porque una vez que te descubren el pastel la cosa pierde muchísimo. ‘Shutter Island’ tiene grandes momentos, una atmósfera muy cuidada y un reparto impresionante (todos están estupendos, y es una gozada ver a gente como la citada o a Jackie Earle Haley, Emily Mortimer, Patricia Clarkson y Elias Koteas, aunque su participación sea mínima). Pero el guión de Laeta Kalogridis, en la parte final, hace aguas por todas partes. Sencillamente, una vez resuelto el misterio, todo lo anterior no cada con la resolución, hay demasiadas incoherencias, es como si hubieran intentado hacer dos películas al mismo tiempo y las hubiesen montado a la vez. La verdad, me interesaba más la investigación policial de la isla, con la conspiración y el progresivo descenso al abismo de Daniels, que todo en lo que se convierte después la película. Pero bueno, hay que aceptarla como es, con sus aciertos y sus errores. ¿Lo mejor de Scorsese-DiCaprio? No, sigue siendo ‘Infiltrados’.

‘Shutter Island’ estaba llamada a ser una de las películas del año 2009. Sin embargo, en la Paramount decidieron retrasar su estreno hasta el año que viene para dar prioridad a ‘The Lovely Bones’ de Peter Jackson y ‘Up in the Air’ de Jason Reitman, que aspiran a colarse en las categorías más importantes de los Oscars. De este modo, ‘Shutter Island’, el último trabajo de Martin Scorsese, se podrá ver por primera vez en la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, y estará en los cines españoles (y norteamericanos) a partir del viernes 19 de febrero. Eso es cuatro meses más tarde de lo que inicialmente estaba previsto. Podría haber sido peor, todavía no se ha visto en España cierta película de acción y ciencia ficción con Christian Bale que data de 2007 2002.

Así que ya tenemos fecha de estreno, y como podéis comprobar, el cartel definitivo de la película para nuestro país. Es muy parecido al anterior que habíamos visto, sólo cambia la pose de Leonardo DiCaprio, el protagonista principal de esta historia basada en la novela de Dennis Lehane. ‘Shutter Island’ nos traslada al verano de 1954; dos agentes federales son destinados a una remota isla de la bahía de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina recluida en el hospital psiquiatrico Ashecliffe, un centro penitenciario dirigido por el siniestro doctor Cawley, pero pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos, y que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes…

Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Emily Mortimer, Patricia Clarkson y Elias Koteas, entre otros, acompañan a DiCaprio al frente del reparto. A continuación os dejo el tráiler en español de la película, por si aún no lo habéis visto, o ya lo habéis olvidado:

PD: Es la cuarta película en la que repiten Scorsese y DiCaprio.

Todos los años acudo al cine, con gran ilusión, a ver lo nuevo de Woody Allen. Como ya sabéis, es uno de mis cineastas favoritos. Una de las ventajas de ser un fan del neoyorquino es que trabaja con una regularidad impresionante, así que no hay que esperar demasiado para ver su último trabajo. Claro que esto, paradójicamente, dota de una cierta irregularidad a su cine, pudiéndose uno encontrar con que un año entrega una película maravillosa, y al siguiente un entretenimiento pasajero. En todo caso, salvo alguna mala cosecha, el cineasta no suele caer bajo.

Precisamente, sentía especial interés por ver ‘Whatever Works’ para quitarme el mal sabor de boca que me dejó la que considero que es su peor obra, ‘Vicky Cristina Barcelona’, cuya mediocridad me dejó perplejo hace un año, planchado en la butaca. La primera vez que Woody Allen rodaba en España, sí, pero miremos lo que hizo cuando rodó en Londres… El cineasta debió revisar muy poco uno de sus peores guiones, y a los productores españoles les traería sin cuidado, pensando en lo que iba a recaudar una comedia donde Scarlett Johansson y Penélope Cruz se metían mano. En fin, un mal año. Desde hace una semana está en nuestros cines la siguiente, que afortunadamente es mucho mejor.

Decía Allen recientemente, mientras rodaba su nueva película (de nuevo en Londres), que nunca piensa en el título hasta que el trabajo ya está terminado, y ve el resultado completo. Entonces lo decide, según crea que es buena o mala, dando una pista al público, para que no se lleve un chasco. Si esto es así, y no otra broma de un hombre íntimamente vinculado al humor, parece que el director no apostaba demasiado por ‘Whatever Works’, traducida feamente en nuestro país como ‘Si la cosa funciona’.

En realidad, dejando a un lado las suposiciones, el título le viene estupendamente a la película. Primero, porque es una frase que el protagonista usa en varias ocasiones, para destacar la escasa relevancia (verdadera) de nuestros actos; segundo, porque la película, aun con sus errores y la modesta potencia de su motor, funciona, consigue su propósito, divierte y hace reflexionar. De hecho, el principal problema de ‘Whatever Works’ es que Woody Allen ya ha filmado otras como ésta, y le han salido mejores, más completas. Si por el contrario, esta película nos hubiera llegado un par de décadas atrás, el impacto sería mayor, y también su valoración.

Así podía haber sido, si Allen no llega a guardar el guión en ese famoso cajón a donde van todas sus ideas, hasta que llega el momento apropiado para rodarlas. Al parecer, escribió la historia de ‘Whatever Works’ pensando en que Zero Mostel interpretaría al protagonista; la muerte del cómico, en 1977, hizo que Allen se olvidara del guión. Treinta años después, ante la amenaza de huelga de los actores, el director de ‘Annie Hall’ se acuerda de la vieja historia de Boris Yellnikoff. La reescribe, actualizando las referencias políticas, y se lo entrega a su equipo de casting, con la esperanza de encontrar al protagonista adecuado.

A diferencia de lo que se ha aventurado en muchos textos sobre la película, Allen nunca se planteó dar vida a Boris, porque no se parece a él. Según sus propias palabras, el personaje es demasiado antipático para que él lo pudiese encarnar adecuadamente, el público no se pondría en su lugar, lo rechazaría; necesitaba a alguien que pudiera insultar y menospreciar a los demás, pero que al mismo tiempo cayera bien, resultara simpático. Cuando se le dio a Allen el nombre de Larry David, todo cobró sentido. David ya había trabajado para él en un par de ocasiones (en ‘Días de radio’ e ‘Historias de Nueva York’), pero ésta sería la primera vez que tendría un papel importante. Y lo cierto es que está perfecto, es justo lo que necesitaba este guión.

La película se beneficia del gran trabajo de Larry David, pero para que el conjunto funcionara era necesario igualmente encontrar a una actriz que encajara en el molde de Melodie St. Ann Celestine, una de las chicas clásicas del cine de Allen. Es la chica tonta, ingenua, muy viva y alegre (posiblemente por ser tonta), el contrapunto perfecto para el protagonista, pesimista y amargado, con la idea del fin del universo siempre en mente. Uno ve a David en el personaje y cree firmemente que el hombre no haya necesitado mucho esfuerzo para interpretarlo (recomiendo desde aquí su desternillante serie ‘Curb Your Enthusiasm’). No sé hasta qué punto Evan Rachel Wood es como Melody, pero lo cierto es que la chica está impecable. Al parecer, el acento sureño lo incorporó después de que Allen le diera el papel, lo cual viene a confirmar que Wood se tomó muy en serio el trabajo.

La película brilla cuando gira en torno a estos dos personajes, Boris y Melody, pero pierde fuerza cuando se desvía para contarnos otros encuentros, otros romances (Henry Cavill es muy guapo, pero tiene el talento de un muñeco de cera) y otras vivencias paralelas. Cuando el destino, siempre presente en el cine de Allen, trae a escena a los padres de Melody (Patricia Clarkson y Ed Begley Jr.), baja bastante el interés, pues aunque haya momentos simpáticos a costa de estos dos personajes, con los que el neoyorquino puede jugar ampliamente, se interrumpe lo que verdaderamente importa, la relación entre el tipo trágico y la chica cómica, dando la impresión de que se han unido, torpemente, dos historias en un mismo guión.

Pasando por alto la escasa fortuna de Allen en este aspecto, y que se llegue a un desenlace que me parece muy forzado, creo que ‘Whatever Works’ es una de sus mejores películas. A mi compañera Beatriz no le parece que funcione, y estoy seguro que no es la única que lo piensa. Es una película muy irregular, llena de imperfecciones, pero también, sobre todo, con grandes aciertos. Logró hacerme reír a carcajadas (creedme, no soy de los que se ríen fácilmente en una sala de cine) y las reflexiones del protagonista sobre la vida y la sociedad son viejas, pero no dejan de ser acertadas y necesarias. La vida puede ser triste y monótona, corta y fugaz, pero siempre podemos recurrir al cine de Woody Allen, profundo y divertido.

Tenía pendiente dejaros esto, y aprovechando que es fin de semana, aquí va. Ya habíamos visto el cartel y arriba tenéis el tráiler de ‘Whatever Works’, lo nuevo de Woody Allen, tras ‘Vicky Cristina Barcelona’, que a mí me pareció la peor película que ha hecho nunca. Así que, aparte de que Allen es uno de mis cineastas favoritos, tengo especial interés en su último trabajo para quitarme al mal sabor de boca que me dejó la que rodó en España.

Y la verdad es que el avance no podía ser mejor, parece que el regreso a Nueva York le ha sentado estupendamente. La película pinta muy divertida y el fichaje de Larry David resulta fantástico, además de que es clavado a Woody Allen (bueno, un poco más alto). Otros protagonistas son Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Ed Begeley Jr., Conleth Hill y Michael McKean. La historia gira en torno a la relación que se establece entre dos personas totalmente diferentes, un hombre antipático y amargado y una joven alegre y curiosa.

La fecha del estreno de ‘Whatever Works’ es el 19 de junio. No he encontrado fecha para España, espero que no sea muy tardía, y que no estropeen demasiado el título al “traducirlo” (temo algo como ‘Nunca es tarde para recuperar la sonrisa’).

PD: He empezado a ver la serie ‘Curb your Enthusiasm’ (‘El show de Larry David’ en España) y me está encantando, es muy divertida.

Vía | Extracine