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'Ghost', producto comercial elaborado para arrasar

Adrián Massanet — Tue, 14 Jun 2011 19:20:13 +0000

“Es alucinante, Molly. El amor de dentro, te lo llevas contigo. Hasta luego.” -Sam

Si esta mañana hablábamos de cómo cambiaron las cosas, por la degradación de títulos, la desaparición o el mutismo de los más grandes maestros, por los gustos cada vez más superficiales de los espectadores, entre mediados de los setenta y mediados de los ochenta, he aquí un título que, al igual que otros muchos que el lector de estas líneas estoy seguro de que puede mentar sin el menor esfuerzo, ejemplifica la grotesca dictadura de lo comercial y superfluo por encima del genio del cine. Un grandioso éxito de taquilla en todo el mundo que en su día fue calificado, por algunos críticos americanos, de soberbio melodrama, pero que, vista ahora, veintiún años después, quedan más que evidentes sus oquedades, su extremo conservadurismo, su nulo interés y su carencia de verdadero cine. Marea ver sus cifras: costó veintiún millones de dólares y recaudó en todo el mundo más de quinientos. De locos. El triunfo de lo vulgar, lo cómodo, en una época en la que tantos verdaderos directores intentaban, sin éxito, remontar el vuelo.

Pero lo que más me asombra es que esta peliculita sea defendida a capa y espada por algunos, y hasta fuera una de las cinco finalistas a mejor película del año en los chistes anuales de Hollywood. Echando un vistazo a su ficha, me entero, pues no lo sabía, de que compitió al codiciado (es un decir, pues está completamente desvirtuado y ya sin el menor valor ni prestigio crítico) premio al lado de ‘Uno de los nuestros’ (‘Goodfellas’, Martin Scorsese) y ‘El padrino, parte III’ (‘The Godfather, part III’, Francis Ford Coppola), casi nada. Y el año en que otras como ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller’s Crossing’, Joel y Ethan Coen, 1990), ‘Cyrano de Bergerac’ (id, Jean-Paul Rappeneau), ‘Misery’ (id, Rob Reiner), ‘Agenda oculta’ (‘Hidden agenda’) deberían haber figurado en el quinteto de gala mucho antes que esta. Hasta el western ganador (que, a la sazón, no es western, sino melodrama, y en ese mismo año había otro western mucho mejor filmado, de Robert Zemeckis) era mejor que esto, por poco cine que tuviese.

Vivan los tópicos

Pero ya lo que alcanza ecos de mítica tomadura de pelo es que fuera esta película la que se alzase con el Oscar al mejor guión original (mientras que hasta cierto punto se acepta el Oscar secundario a una Whoopi Goldberg brillante en lo facilón de su papel…aunque venciese a tres competidoras muy superiores a ella), pues el libreto de Bruce Joel Rubin (cuya “eminente” carrera como guionista puede buscar el lector curioso…) adolece de una vacuidad, de una falta de ingenio y de capacidad de sorpresa, de riqueza imaginativa, de emoción e intensidad, de arquitectura dramática y visual, de todo lo que en suma convierte a un guión en un guión excelente merecedor de premios y elogios, que hay que restregarse bien los ojos para aceptarlo. Prometo al lector que hasta ahora no sabía que lo había ganado, y he leído la información varias veces y de varias fuentes distintas, por si se trataba de una errata o de una broma de mal gusto. Supongo que al final es ambas cosas. Parejita feliz que se ama mucho sufre una tragedia: a él le mata un fulano contratado por su mejor amigo, y se pasa el resto de la película protegiendo a su amada. Vale. Bien. ¿Hay algo más? Pues no.

Esto, como trama. Los personajes, por otra parte, son algo así como un desfile de tópicos destinados a enternecer el corazón del personal menos sensible (porque no es sensible el que se emociona con historietas de amor, sino el que percibe el verdadero arte, muchas veces oscuro y desesperado, y el que es capaz de compadecer y entender a individuos trágicamente defectuosos): desde el héroe con corazón de oro (que, eso sí, siguiendo las máximas de la hipócrita moral americana, promulga y ejecuta el ojo por ojo con total tranquilidad, menudo “héroe”), a la chica dulce y entrañable y guapísima (aunque con menos atractivo sexual que una monja) que se pasa el día o llorando o soriendo sin hacer nada (¡nada!) más, hasta el malo de opereta que no te crees jamás, pésimamente interpretado por Tony Goldwyn, sin olvidarnos del gancho cómico de turno encarnado por una actriz negra (por eso de lo políticamente correcto) que al final se convertirá en un gancho sensiblero más. ¿Más tópicos? Los que quieras. Amor después de la muerte (estaría bien algo antes de la muerte, algo auténtico), oscuras ambiciones económicas, temazo musical machacón…

La cosa es la siguiente: aunque algunos crean que un guionista se puso a trabajar como loco en una historia en la que creía sobre todas las cosas, y que el director se enamoró de esa historia y quiso hacerla imágenes, aquí sólo hay un motivo detrás de cada decisión, de cada imagen, de cada frase. El dinero. Fórmula bien fácil: cancioncita melosa, escenitas de besos y manos y mucha pasión (luego no hay ninguna…), angelitos más tiernos que el mazapán golpeados por la vida pero luego redimidos por ella, secundarios exagerados para darle algo de vidilla al asunto, chistecitos, miraditas, efectos especiales, aburrimiento. No hay nada, absolutamente nada interesante, ninguna escena, ninguna idea, ninguna solución lumínica. Nada. Tuvo que llegar Shyamalan para que pudiéramos reaccionar con los muertos de forma sincera: con terror y con atracción a la vez. Aquí solamente hay diabetes extrema. Y no es cierto que no me guste el cine comercial, muchas veces el cine comercial nos muestra narraciones grandiosas (y el cine de autor ladrillos infumables), pero es que esto es descarado.

Patrick Swayze correcto, sin más. Carece de química junto a una Demi Moore que luego se soltaría la coleta y haría papeles bastante sorprendentes (muchos, nefastos). Si el director Jerry Zucker hubiera puesto a otros dos, no habría pasado absolutamente nada. Pero esto no va de casting, ni de estilo, ni de puesta en escena, ni de emoción, como el gran cine. Esto va de marketing, de capturar la atención de las quinceañeras y de ser lo más fácil y digerible posible. Hasta el cartel, con ambos amantes abrazados, iluminados de azul, es horroroso. Recuerdo bien que, con once años, fui al cine y proyectaban esta junto a ‘Cyrano de Bergerac’. Adivinen cuál fui a ver.

Conclusión y una sola imagen interesante

No es cierto que no haya nada. La breve aparición del tristemente fallecido Vincent Schiavelli anima un poco la cosa. Teniendo en cuenta lo que la rodea, tampoco es mucho decir. Una película paupérrima, que ganó más dinero del que probablemente hayan hecho todas las películas juntas de Víctor Erice. Así es la vida, y así es el cine. Como dijo un comentarista esta mañana: tenemos el cine que nos merecemos.

Patrick Swayze nos ha dejado

Alberto Abuín — Tue, 15 Sep 2009 01:23:05 +0000

Ayer lunes, Patrick Swayze perdía su batalla contra el cáncer de páncreas que se le diagnosticó en el 2008, tenía 57 años.

Me imagino que Swayze no necesita presentación para ninguno de vosotros. El actor se hizo famoso en los años 80 por participar en películas tan significativas como ‘Rebeldes’ (‘Outsiders’, Francis Ford Coppola, 1982), y sobre todo ‘Dirty Dancing’ (Emile Ardolino, 1987). En la década siguiente incrementó su fama con el bombazo taquillero ‘Ghost’ (Jerry Zucker, 1990) y el excelente film de acción ‘Le llaman Bodhi’ (‘Point Break’, Kathryn Bigelow, 1991), para el que esto firma su mejor interpretación, ese atracador de bancos surfista, amante del riesgo y adorador de las utopías.

Más tarde cayó en cierto declive, recuperándose recientemente con la serie de televisión ‘The Beast’, que tuvo que suspenderse por la delicada salud del actor.

Hasta siempre, Patrick.

Vía | El país (gracias a todos los que nos habéis escrito con el aviso)

'Rebeldes', juventud dorada

Adrián Massanet — Thu, 02 Jul 2009 04:20:02 +0000

El oro no permanece. La naturaleza verde es como el oro. Es difícil retener su color. Su primer brote es una flor. Pero sólo dura un instante. Luego una hoja sustituye a otra. Y el Edén se torna melancólico. Así le ocurre al amanecer. El oro no permanece.

- Ponyboy Curtis

Con la preciosa canción escrita por Carmine Coppola y cuyas letras y voz pertenecen al inigualable Stevie Wonder, comienza la décimo primera película de Coppola como realizador, filmada inmediatamente después del desastre que supuso ‘Corazonada’. Anteriormente hemos dicho que los años ochenta significaron, para este director y después del batacazo económico de su romántico musical, una travesía en el desierto con el objetivo de pagar deudas. Pero esta condición no puede aplicarse a ‘Rebeldes’ y ‘La ley de la calle’, filmadas el mismo año y que son absolutamente personales y libérrimas.

Huyendo de los interiores falsarios de ‘Corazonada’, de su ligereza y voluntaria artificialidad, Coppola filma un relato que rebosa aire libre y luz natural, regalando un filme completamente hermoso y emocionante, una elegía en torno a la fugacidad y el carácter doloroso de la juventud, entendida esta no como una de las etapas más memorables de la vida, sino como el inicio del dolor y de la lucidez, el primer acercamiento a un mundo cruel y gélido. Coppola en el abismo.

Antes del rodaje de su musical, el cineasta recibió por correo un ejemplar de la novela ‘The Outsiders’ (que literalmente significa los forasteros, o los extranjeros, o los independientes…), escrita por Susan E. Hinton (que tiene una breve intervención en la película, caracterizada de enfermera). La carta, fechada el 21 de marzo de 1980, venía firmada por Jo Ellen Misakian, una bibliotecaria de Fresno, que rogaba al director que se hiciese cargo de su adaptación, pues estaba convencida (nadie sabe por qué, antes de que esto ocurriese) de que él era el realizador idóneo para llevarla a cabo.

El proyecto se dejó aparcado un tiempo, pero finalmente FFC regresó a él, y llevó a cabo una de sus múltiples resurrecciones, una vuelta a los orígenes, una reescritura mucho más reposada y sabia de ‘Ya eres un gran chico’, una desengañada crónica de los perdedores, pues uno de ellos se sentía el realizador, siempre preocupado por el fracaso. No económico o personal, sino artístico. De hecho, se había planteado dejar de dirigir e intentar revivir sus finanzas ejerciendo exclusivamente como productor. Esta bella película es el resultado de que se lo pensara dos veces.

Tal como dice la dolorosa y nostálgica canción que abre el relato, el tiempo pasa a toda prisa, y apenas tenemos tiempo de reflexionar sobre nuestros actos. Simplemente seguimos adelante. Eso quería hacer Coppola. Y el resultado es un triunfo que significa una conquista mayor, pues a su manera, el díptico ‘Rebeldes’/‘La ley de la calle’ es tan fascinante y denso como el de los dos primeros padrinos, o el de ‘Apocalypse Now’/‘Drácula’. Con gran honestidad se sumerge en las vidas caóticas de unos perdedores jovencísimos, de humilde extracción social, que han perdido a sus familias o que no reciben la atención debida de sus padres.

Para ello se rodea de algunos de los actores que más van a brillar en los siguientes años de cine americano. No sólo el ahora recuperado Matt Dillon (que repetiría en ‘La ley de la calle’), sino también un jovencísimo Tom Cruise, en un papel menor pero vistoso, un interesante Patrick Swayze, un melancólico Ralph Macchio (justo antes de alcanzar la fama con sus tres ‘Karate Kid’), un fugaz Rob Lowe, el siempre ubicuo Emilio Estévez, y la bellísima Diane Lane, que a los 18 años iniciaría la primera de sus colaboraciones con el maestro.

Todos ellos, y algunos más, forman un elenco perfectamente entramado de bellos adolescentes (tan bellos como los de Gus Van Sant, e igual de trágicos), auténticas metáforas del perdedor estadounidense. Coppola cuenta su historia con gran compasión y humanidad, con una delicadeza obsesiva casi. Con rasgos de melodrama sentimental, nunca pierde el rumbo y nunca se olvida de ellos, al contrario que en su anterior película. Sus muchachos leen ‘Lo que el viento se llevó’ (estrenada el año del nacimiento del director, y uno de sus fetiches) en su retiro involuntario. Y los mismos atardeceres color púrpura son los que acompañan los paseos ociosos de los más sensibles del grupo.

Y Welles, siempre Welles. Está presente en la batalla final, con ecos de ‘Campanadas a medianoche’, y en la “sencilla grandiosidad” de un universo al mismo tiempo ingenuo y terrible. De nuevo, el cineasta cambia de estilo, pero sigue siendo el mismo, tanto en sus películas más grandes como en las injustamente consideradas menores. No hay películas menores cuando son maravillas como ‘Rebeldes’, dedicada finalmente a los alumnos de la escuela que le motivaron a dirigir la película, y a la bibliotecaria que con tanto valor le escribió.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

‘Apocalypse Now’, el puente de Do-Lung

‘Apocalypse Now’, la plantación francesa

‘Apocalypse Now’, el campamento de Kurtz

‘Apocalypse Now’, el fin de toda razón

Coppola y el cine electrónico

‘Corazonada’, frágil colorido

Kathryn Bigelow y el mar

Adrián Massanet — Sun, 17 May 2009 20:09:33 +0000

Estoy convencido de que si el cine norteamericano de género se hubiese limitado a repetir, sin más, las viejas fórmulas consideradas clásicas, no hubieran hecho otra cosa que reducirlo a un mero “cuento de la vieja”, con distintos elementos pero el mismo esquema. Es fascinante hablar y estudiar el trabajo de aquellos cineastas valerosos que, con una sensibilidad fuera de toda norma, transforman la apariencia de un arquetipo (en este caso, el policíaco) y le dan un ímpetu y una óptica que antes de ellos hubiera resultado impensable.

Y la prueba de que es cine personalísimo es que, a la hora de copiarlo, otros cineastas fracasan miserablemente. Son muestras de género que se sale del género. Un género en sí mismas. Creo que ‘Point Break’ (sugerente título para que luego nos lo traduzcan con el horroroso ‘Le llaman Bodhi’, que no pienso volver a emplear, queda avisado el lector) es una de esas muestras. Una extraña película de acción que se alza muy por encima de sus tópicos, para convertirse en una experiencia sensorial, cuyas no pocas virtudes se alzan muy por encima de sus numerosos defectos estructurales. Y todo gracias a su directora. Y es que lo más importante, siempre, acaba siendo la aportación del director.

Causa pánico pensar en esta historia firmada por alguien diferente a Bigelow. Si cualquier otro con menos personalidad y menos agallas que ella hubiera tomado las riendas, parece difícil que esta historia de surferos atracadores de bancos (!!!) hubiera llegado a ser nada más que un espectáculo dudoso sobre jovenzuelos cachas, tías buenas, robos y tiroteos. Y no sólo está Bigelow para conseguir el milagro (porque esto es un milagro), sino también James Cameron, que vio las posibilidades de esta historia en manos de su entonces esposa, le dio algunos toques al guión y ejerció de productor ejecutivo. Porque, seamos sinceros, el guión no es nada del otro mundo, pues aunque tiene algunas secuencias bien escritas (los momentos previos al penúltimo robo), no paso de correcto, y está plagado de clichés.

La razón principal de que esta película se mantenga en pie dieciocho años después, me parece, es, para empezar, la implicación emocional de la directora. Más que emocional, espiritual, diría yo, pero ya llegaremos a eso. Bigelow hace un alarde de coherencia y profundidad en su puesta en escena, demostrando que lo importante no es qué cuenta la historia, sino cómo se cuenta, cómo la mirada del director sublima, por decirlo de alguna manera, esa historia. Bigelow es un titán cinematográfico que antes del uso masivo de la infografía (y de los vergonzosos etalonajes digitales, y de los montajes sincopados donde nada se ve, porque no hay nada que ver) filma una de las películas de acción más dinámicas, intensas y estéticas de la historia.

Ahora, no hay película de acción donde no sólo la imagen (que hasta cierto punto, es comprensible que se retoque) sino los mismos elementos que la componen, estén modelados “después” del rodaje. Es decir, no son elementos que se filmen con la cámara. Pero en ‘Point Break’ todo lo que vemos está recogido con ella. Esto le puede parecer irrelevante a un aficionado al cine cuya cinefilia ha nacido con ‘El señor de los anillos’ (cuya magnífica segunda parte tiene en su mejores momentos de aventuras aquellos en los que no hay 15.000 guerreros creados por ordenador), pero la diferencia estriba en la sensación que se transmite al espectador.

El CGI es una herramienta más, pero no es un elemento capital de la puesta en escena. No tiene mayor importancia, ni menor ciertamente, que el atrezzo. El cine opera con realidades, y cuando los actores de esta película cabalgan una ola, saltan de un avión en pleno vuelo, o cuando el operador jefe (Donald Peterman, que aquí firma su mejor trabajo de lejos) captura un ambiente lumínico determinado en el mar, es el ambiente que, perfeccionado con algunos filtros y el uso de los objetivos (que pienso que debería estudiarse en las escuelas de cine) había en el rodaje. Por tanto la sensación es la de asistir a algo real. Y pocas veces se ha asistido a una aventura tan física y, al mismo tiempo, tan hipnótica y abstracta.

Sobre todo, pocas veces, o quizá nunca, se ha filmado el mar como en esta película. Esa es la primera identificación emocional de Bigelow a la hora de construir el relato (la forma) sobre la historia (el contenido). En el guión estaba escrito un diálogo, perteneciente al propio Bodhi: “no tienen ideas claras acerca del mar, por lo que nunca van a entender su lado espiritual”. Esto, que está en una página de diálogo, Bigelow lo hace realidad, con la complicidad total de Peterman, y juntos nos regalan bellísimas y también espirituales imágenes del mar.

Lo que intento explicar es cómo una directora convierte en imágenes un guión, y lo hace de forma plenamente cinemática. Es decir, con imágenes y sonidos, y no con herramientas literarias o teatrales. Pongamos por caso la secuencia de créditos, que aparentemente no es más que otra secuencia de créditos más, con dos acciones en paralelo que presentan al surfista (presumiblemente Bodhi) y al poli (un sorprendentemente sólido Keanu Reeves, intérprete muy limitado). Pero hay mucha más en esa secuencia de apertura de lo que quizás aparenta. Decíamos imágenes bellísimas y también espirituales del mar. Con el uso de la música (obra de Mark Isham, también lo mejor que ha firmado) y con ese montaje en paralelo, la altura plástica de las imágenes de las olas es algo más que eso, es algo espiritual.

Y esto es por las decisiones de puesta en escena de Bigelow. Primero, no se le ve nunca la cara al surfista, es casi siempre una sombra. Luego está la conexión física del agua, pues llueve en la prueba del poli. Con todos los elementos unidos, ¿no parece casi una secuencia onírica, poética? ¿No parece una expresión del interior de Utah, desconocido incluso para él, de su ansia espiritual, que le llevará a una aventura catártica? El mar, transformado en lluvia, parece llamar a Utah. Es decir, el destino está trazado para él.

Es esta identificación emocional profunda con un personaje bastante simple desde un punto de vista psicológico (eso que los puristas tanto buscan y defienden) lo que salva las lagunas, a menudo profundas, de un policiaco cuyos elementos precisamente policiacos son auténticos tópicos. Para Bigelow son sus héroes porque son personajes atados a la necesidad de adrenalina, que en este caso se obtiene gracias a deportes de riesgo como el paracaidismo, el surfimos, o a actividades fuera de la ley, como los robos de bancos. Lo sorprendente es que si Bigelow no hubiera potenciado esos rasgos emocionales, y se hubiera limitado a filmar las secuencias de acción como mejor pudiera, el resultado habría sido muy superior que el 99% de lo que los directores norteamericanos han ofrecido en el género de acción en las últimas dos décadas.

Allí donde otros fracasan, porque para ellos una experiencia estética no puede lograrse con otra cosa que no sea un mamotreto colorista, barroco, hiperrealista, Bigelow les da lecciones de puesta en escena, porque ella entiende bien cuál es su oficio. Toda su labor con los distintos elementos que conforman la puesta en escena, el sonido, la materia misma de la imagen, va en una misma dirección, de ahí viene el término dirección, y no de otro. Con su cuarta película como realizadora, y gracias, por decirlo de alguna manera, al mecenazgo de James Cameron, Bigelow se consolidaba como una personalidad cinematográfica de raza, y continuaba navegando por las procelosas (más aún para una mujer) aguas del cine de acción de su país

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Kathryn Bigelow y la adicción

'Dirty Dancing' celebra su 20 aniversario

Teresa Morales — Fri, 27 Apr 2007 09:53:30 +0000

¡Ya han pasado 20 años desde que se estrenó Dirty Dancing! Estos aniversarios cada vez me resultan más preocupantes, pero mejor olvidemos el paso del tiempo. La película protagonizada por Patrick Swayze y Jennifer Grey está de cumpleaños, y para celebrarlo va a proyectarse de nuevo en la gran pantalla, exclusivamente los próximos 1 y 2 de mayo.

Eso sí, únicamente en Estados Unidos. Los que tengáis la suerte de andar por allí en esas fechas podéis consultar las salas concertadas en Fathom Events.

Para el resto de los mortales Lionsgate prepara una edición especial del 20 Aniversario de Dirty Dancing en DVD. La ocasión sin duda lo merece, hasta el Tribeca Film Festival ha incluido una fiesta en honor del film en su programación de ayer.

Yo por mi parte os dejo a continuación con dos escenas de baile de esta (para mí) fantástica película, que me cautivó de tal forma cuando sólo tenía 10 años, que fui a verla casi todos los fines de semana que duró en cartelera. Por no decir que desde ese momento dejé para siempre de soñar con príncipes azules, para cambiarlos por macarras de buen corazón y mejor movimiento de caderas.

¡Qué las disfrutéis!

Vía | /Film