Bueno, damas y caballeros, con este post doy por terminado el repaso a los títulos favoritos de un servidor, dividiéndolo por décadas, tal y como habéis visto en las últimas semanas. Por supuesto que la presente aún está en curso, pero he creído conveniente incluirla, así la dificultad de elegir sólo diez películas se disminuye considerablemente. Como siempre faltan muchas, pero para eso ya estáis vosotros.

• ‘Million Dollar Baby’. Después de la impresionante ‘Mystic River’, va Eastwood y se marca este peliculón. Planteada narrativamente como si se tratase de un combate de boxeo, el director te noquea en un momento dado y ya no deja que te levantes, característica natural en su último cine. Interpretaciones antológicas, y un uso de la voz en off ejemplar. Dicen que es la última interpretación de tito Clint, cosa que de ser cierta (y todo apunta a que sí), no ha podido elegir un personaje mejor para despedirse de la actuación.

• ‘El Protegido’. De uno de los últimos genios descubiertos en los últimos años, M. Night Shyamalan. El mejor homenaje que se la hayan hecho nunca a los comics, con un inconmensurable Bruce Willis, que despistó a mucha gente porque pensaron que se iban a encontrar algo parecido a ‘El Sexto Sentido’. La banda sonora de James Newton Howard es impresionante, y está muy bien utilizada en la película.

• ‘Inteligencia Artificial’. Una de las mejores películas de Steven Spielberg, un cuento de hadas tan maravilloso como sorprendentemente cruel. Haley Joel Osment era capaz de dar clases de interpretación a más de la mitad de actores famosos, ¿qué ha pasado con él? Uno de esos casos de separación casi total entre crítica (rendida a sus pies) y público (muchos siguen empeñados en ver extraterrestres, y a punto he estado de meter una foto con tremendo spoiler para demostrar que no es así, que vuelvan a ver la película).

• ‘Amelie’. Probablemente la mejor película de Jean-Pierre Jeunet. Una absoluta maravilla que roza con increíble ingenio lo edulcorado, sin llegar a pisarlo nunca. Con pequeños ecos de Truffaut, es un total y absoluto festín para los sentidos, desde su impecable fotografía, pasando por su fascinante historia, y como no, su excepcional banda sonora de Yann Tiersen, sin la cual la película no sería lo mismo. Audrey Tautou nos enamoró a todos.

• ‘Ciudad de Dios’. Se le atribuye todo el mérito a Fernando Meirelles, y nadie nombra a Kátia Lund, que fue la co-directora. Una obra maestra que parece la respuesta brasileña a algunos films de Scorsese. Narrativa y técnicamente perfecta es un film brutal de principio a fin, que no ofrece respiro al espectador.

• ‘Camino a la Perdición’. Segunda obra maestra de Sam Mendes, basada en una novela gráfica. Perfecta en todos sus aspectos, amén de contener la última aparición en pantalla grande del grandísimo Paul Newman. También empezaba a hacerse notar un excelente Daniel Craig. Contiene uno de los mejores trabajos de fotografía de toda la historia del cine del tristemente fallecido Conrad L. Hall, que sería premiado con un más que merecido Oscar, recogido por su emocionado hijo.

• ‘Chicago’. El última gran musical salido de Hollywood. Lleno de emoción, sorprendía en muchos aspectos, y uno de ellos es que hasta Richard Gere lo clava. Excepcional debut de Rob Marshall, quien no sería capaz de repetir, en calidad, en su siguiente película. Fabulosos números músicales, en los que todo el reparto demuestra sus estupendas dotes para el canto. Merecida ganadora de los Oscars de aquel año.

• ‘Casa de Arena y Niebla’. Una de las películas más tristes y desesperanzadoras del reciente cine americano del desconocido Vadim Perelman. Una historia muy dramática sin ningún tipo de concesión al espectador. Bellísima Jennifer Connelly (como siempre), e impresionante interpretación de Ben Kingsley, con momentos sublimes difíciles de soportar por lo dramáticos de los mismos. El cansino James Horner vio la luz, y compuso una excelente banda sonora.

• ‘La Pasión de Crsito’. La demostración palpable de que no hacen falta diálogos (los que la película tiene en arameo y latín hasta podrían sobrar) si se es un excelente narrador, tal y como lo es Mel Gibson, infinitamente mejor director que actor, aunque tampoco es malo. Con una historia hiperconocida por todo Dios (nunca mejor dicho), el director consigue hacerla totalmente nueva. A destacar el uso excelente de los flashbacks, sobre todo aquel en el que la madre de Jesús rememora cuando su hijo siendo pequeño tropieza, que combinado con los hechos presentes forman uno de los momentos más emotivos jamás vistos en una pantalla. Las famosas polémicas que levantó la película son simple y llanamente una tontería.

• ‘Zodiac’. La Obra maestra de David Fincher, una minuciosa película llena de detalles sorprendentes, en cuanto a realización. El trío protagonista cumplió con las interpretaciones de sus vidas. Con ciertos ecos de films de los años 70, Fincher elabora un prodigio de narración y ritmo, que incluso puede sentar cátedra. Olvidada por parte del público, sus productora la relanza en estos momentos para intentar conseguir nominaciones en los próximos Oscars.

Ahora me retiraré una vez más a mis aposentos a pensar en nuevos posts que ofreceros. Ha sido un placer, en la medida de lo posible, compartir con todos vosotros mis títulos favoritos, aunque por supuesto me he quedado corto. Es vuestro turno.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40
• Mis películas favoritas (4): años 50
• Mis películas favoritas (V): años 60
• Mis películas favoritas (6): años 70
• Mis películas favoritas (VII): años 80
• Mis películas favoritas (8): años 90

La historia de ‘Cool Hand Luke’, que es su título original, nos narra las aventuras y desventuras de un hombre dentro de una prisión rural en la que le han metido durante dos años por destrozo público y rebeldía. Entre rejas enseguida se ganará la admiración y el respeto de sus compañeros, al estar continuamente cuestionado todas las órdenes, alzándose como un espíritu rebelde, y sobre todo, libre.

Estamos, sin ninguna duda, ante la película más famosa de toda la filmografía de Stuart Rosenberg, fallecido el pasado Marzo, un director más bien normalito, que destacó únicamente por un par de títulos y poca cosa más. Proveniente del mundo televisivo, ‘La Leyenda del Indomable’ fue su primera experiencia en solitario en el campo del cine, y en ella se nota su procedencia, sobre todo en lo que se refiere a puesta en escena. A pesar de que el director utiliza el formato scope, no puede evitar el recurrir a cierta resoluciones visuales muy típicas del mundo televisivo, como zooms o planos medios poco descriptivos. Aún así, lo verdaderamente bueno de la película en este aspecto es la extraordinaria fotografía del gran Conrad L. Hall, uno de los mejores directores de fotografía que han existido jamás. Gracias a su espectacular trabajo el espectador es capaz de sentir el calor asfixiante que sienten los personajes en la película, la cual se desarrolla en verano. Probablemente esto alcanza su máximo exponente en la calenturienta secuencia en la que los presos realizando trabajos de limpieza en una carretera, observan cómo una chica, ligerita de ropa, limpia un coche, moviéndose de una forma con la esponja y el jabón, que escandalizaría al mismísimo Diablo.

Decía antes que este film se había covertido, incomprensiblemente en cierto modo, en un film de culto. La película habla de la rebeldía, del no doblegarse jamás ante la injusticia, y sobre todo, de llegar a ser completamente libre, aún a pesar de estar encerrado físicamente. Mensaje éste que desde luego es del agrado de todo el mundo (o casi). Aunque observando bien la película se pueden apreciar ciertas irregularidades, como el hecho de que nunca sabemos el porqué de la rebeldía del personaje central, y luego dentro de la prisión, no se ve por parte de los carceleros o el alcaide, ningún abuso de poder o injusticia que le hagan rebelarse al protagonista (salvo los instantes en los que se aisla a dos presos usando excusas poco convincentes). Pero esto no quiere decir que nos encontremos ante una película mala, ni muchísimo menos, pero no es la obra maestra que muchos proclaman. Es un film estimable, entretenidísimo y lleno de fuerza, a la par que excelentemente narrado.

Parte de su culto viene por una famosísima secuencia que ha pasado ya a los anales del Cine: la de los huevos cocidos. El personaje central, en cierto momento, y prácticamente sin venir a cuento, dice que se puede comer 50 huevos cocidos (y no 60, como le gustaría a mi compañero carlanga) en una hora. Dicha secuencia se ha convertido en un icono casi cultural, hasta el punto de que son muchos los que reconocen o recuerdan la escena en sí, pero no la película a la que pertenece. Una de las cosas que hacen grande esa escena, como el resto de la película, es la portentosa interpretación de Paul Newman, para un servidor uno de los diez mejores actores de todos los tiempos y lugares. Newman está inmenso de principio a fin, convirtiendo a su personaje en una figura totalmente mítica. A su lado, un eterno secundario, George Kennedy, realizando una de sus interpretaciones más memorables, por la que conseguiría una merecido Oscar, el único de su extensa carrera. Kennedy da vida al antagonista de Newman, primero enfrentado a él, y luego amigo inseparable. Vital es la secuencia en la que ambos pelean a puñetazos, para entender sobre todo el carácter del personaje central. Hablando de secundarios, en el film aparecen en pequeños papales dos actores que luego destacarían por diversas razones, los inolvidables Dennis Hopper y Harry Dean Stanton, acompañados de los no menos importantes Strother Martin, Anthony Zerbe y Jo Van Fleet, ésta en una breve aparición como la madre del protagonista, en una secuencia exquisitamente emotiva.

Una película muy buena, perfecto ejemplo de lo que es un film mítico, aunque no perfecto. Rosenberg volvería años más tarde sobre la misma temática carcelera con resultados igual de estimables, aunque esta vez el protagonista sería uno de los mejores amigos de Paul Newman. Me refiero, como no, a ‘Brubaker’, a la que se le podría considerar como una especie de hermana del presente film.

Volvemos a nuestra visita semanal al mundo de los estrenos en DVD, tanto en venta como en alquiler, para que podáis decidir por cuál decantaros. A título personal, comentar que lo más interesante de los estrenos en DVD se encuentra en el audiocomentario del director (no he podido olvidar la experiencia que para mí supuso ver ‘Camino de Perdición’ con los comentarios de Sam Mendes y los motivos por los que decidió rodar las escenas de la manera que lo hizo). Aclarado esto, lo que sí os podemos comentar, es que la semana viene calentita, ya que son muchísimos los lanzamientos. Obviamente aquí sólo vamos a comentar aquellos que nos llaman más la atención.

El Perfume, en este caso la Edición especial, quizás sea el lanzamiento más atractivo cara al público en general. Se trata de la adaptación del libro de Patrick Süskind de igual título, en el que el protagonista busca la manera de conseguir la esencia de las mujeres, cueste lo que cueste. Recomendable decidirse por la versión especial con un making of de 53 minutos, extras, imágenes del rodaje y varias entrevistas.

Del resto de los nuevos lanzamientos, lo realmente destacable es descubrir la cinematografía de directores poco conocidos para el gran público. Así se lanza el tercer volumen de las películas del gran cineasta finlandés Aki Kaurismaki. En esta ocasión se incluyen en este volumen: Hamlet va de negocios, Contraté a un asesino a sueldo, La vida de bohemia y Juha.

Vayamos ahora con dos mitos del cine: Paul Newman y Tennessee Williams. Del actor de los ojos azules se lanza una colección limitada con 7 de sus grandes interpretaciones: Con el agua al cuello, Harper, investigador privado, El zurdo, El hombre de Mackintosh, Marcado por el odio, La gata sobre el tejado de zinc y La leyenda del indomable. Podrían haber lanzado uno con todas sus nominaciones a los oscars. Y en mente uno aún tiene un cine club que le dedicaron en TVE, cuando echaban gran cine, con prácticamente toda su filmografía.

El nombre de Paul Newman está unido al de Tennessee Williams. De este dramaturgo también se lanza un cofre, con 5 de sus adaptaciones al mundo de cine (y son palabras mayores los títulos seleccionados): Un tranvía llamado deseo, Dulce pájaro de juventud, La noche de la iguana, La primavera romana de la señora Stone y La gata sobre el tejado de zinc.

También tenemos las revisiones y puesta al día de títulos como Spiderman y Alien. En esta ocasión tenemos el lanzamiento de Spiderman 2.1, que aprovechando el tirón del próximo estreno de Spiderman 3, sale a la venta para sacar más dinero a los incautos y fans del hombre araña con una versión extendida (¿alguna apuesta con el número de minutos totales que se han incorporado finalmente?). También tenemos la edición definitiva de Alien Resurrección, ¿para cuando la próxima edición con más novedades? Lo de definitivo debe ser marca registrada, pero es otro de los lanzamientos. Como es el caso del Sr. y Sra. Smith, que amenazan con una versión definitiva también.

Por último destacar dos buenas películas que ya están en venta. La primera es Todos los hombres del rey, que tiene el aliciente de ver actuar a Sean Penn. Del DVD, que no trae muchas cosas la verdad, destacar la opción de ver algunas escenas eliminadas. Pero siempre nos queda Penn. La segunda es otro de los excelentes documentales que se están rodando ultimamente en España, y con el telón de ETA de fondo. En este caso hablamos de Olvidados, recordatorio de las víctimas de ETA, por el autor de Trece entre mil, Iñaki Arteta. Sacude la conciencia, pero se agradece su visión por el testimonio que nos trae.

Por el lado del alquiler de DVD, para aquellos que aún no hayan abandonado los videoclubs por esas redes cuyo nombre no se puede decir, destacamos en esta semana: Babel, de González Iñarritu; Time, de ese grandísimo cineasta que es Kim ki-Duk; El ilusionista, que seguramente será una de las más reservadas; Déjà Vu, con el atractivo de tener a Denzel Washington, aunque no la salve de la quema, y que también tendrá sus reservas ya realizadas; Arthur y los Minimoys, de Luc Besson; y una recomendación española, La sombra de Nadie, de Pablo Malo, y con quien un servidor se quedó gratamente sorprendido con su ópera prima, Frío sol de invierno.

Hay mucho más donde escoger, fuera de esta pequeña selección, tanto en zona dvd, como en dvdgo.

En efecto, Rosenberg desarrolló gran parte de su carrera en la televisión —una actividad que el crítico de nariz respingada consideraría menor, pero que en los últimos años ha dado cosas mucho más interesantes que las que Hollywood promociona con bombos y platillos: un sólo capítulo de Los Sopranos contiene más cine que, digamos, bueno, muchas de las últimas películas ganadoras del Oscar… —. Decía yo que Rosenberg se dedicó a dirigir para la televisión gran parte de su carrera, pero cuando dio el salto de la pantalla chica a la grande, nos legó un filme “menor” (diría el crítico de nariz respingada y boca de morrito), que es toda una joya: Cool Hand Luke, protagonizada por uno de los dos tipos más cool de los 60 y 70: Paul Newman (el otro es, desde luego, Steve McQueen).

Por años no supe cuál era el título de la película, hasta que la vi de nuevo a principios de los 90. Entonces, me sorprendió algo que para el niño aquel pasó desapercibido por completo: las referencias al Evangelio y a la vida de Jesucristo —Luke, con su panza hinchada de huevos, en la pose y el gesto de un crucificado, o sus compañeros de fuga, reunidos como apóstoles en la gran cruz de una intersección de caminos, en el plano final…) y su “mensaje” contestatario, anti stablishment.

Como los grandes directores americanos, Rosenberg sabía bien que en el cine, como en la buena literatura, lo que más cuenta es la economía del lenguaje. Que en una película no hay escenas de relleno, que cada secuencia es importante, una pieza más en el apretado engranaje narrativo de una película. Rosenberg sabía que el sentido de la imagen no es literal ni objetivo, sino todo lo contrario. Que una imagen es lo que cuenta y, siempre, algo más: no es sólo una chica ligera de ropa que lava un automóvil.

Por eso Cool Hand Luke es la crónica de una fuga y un evangelio para rebeldes, el retrato de un tipo muy cool como Luke y el testimonio de su enfrentamiento a los poderes establecidos. Y, claro, una película muy entretenida.

You are right, Mr. Rosenberg. What we got here, is failure to communicate.

Goodbye, Mr. Rosenberg.

Supongo que muchos sabréis, y si no nunca es tarde para saberlo, que la fotografía de arriba pertenece a la magistral ‘Dos Hombres y un Destino’, western dirigido por George Roy Hill que supuso la primera colaboración entre los míticos Paul Newman y Robert Redford, concretamente en 1969. El éxito fue espectacular, y cuatro años después, repitieron la misma jugada con la también grandiosa ‘El Golpe’, dirigida de nuevo por Roy Hill. Al éxito le acompañaron unos cuantos Oscars de los llamados importantes.

Desde hace relativamente poco, ambos actores han acordado volver a trabajar juntos en un nuevo proyecto. Y ése no será otro que ‘A Walk in the Woods’, obra de Bill Bryson en la que narra sus viajes por las zonas más salvajes de América, acompañado de un amigo. Redford, de 70 años, interpretará al propio autor, y Newman, de 82 años, al amigo. Lo sorprendente del asunto es que su director podría ser Chris Columbus. Sí, sí, habéis leído bien. Yo espero como agua de Mayo la reunión de estos dos actores pero no sé a que atenerme con alguien cuya mejor película es ‘Harry Potter y la Cámara de lo Secretos’. ¿Es que no hay otro director disponible, o alguien con mucha más personalidad que quiera dirigir a Redford y Newman? En fin, lo mismo podría decirse en su momento de Roy Hill, quien nunca alcanzó las cotas que consiguió con los dos films antes mencionados.

Vía | Moviehole