“No tiene sentido estar chalado si no puedes divertirte un poco” – John Nash

En una crítica cinematográfica abundan expresiones como “buena” o “mala” película, y sus equivalentes. Pero hay otras que, quizá, debieran emplearse con mayor asiduidad ya que dan una idea mucho más nítida al lector de lo que se quiere decir, por mucho que se esté de acuerdo o no. “Mediocre” es una expresión que suena fatal, si bien quiere decir que el título en cuestión, o el artista, está en la media, lo que no es necesariamente negativo. Otra expresión que suena muy mal es “deforme”, es decir, algo cuya forma es completamente equivocada, desastrosa o inútil, y que sirve para muchas películas que vemos, aunque se usa muy poco. Eso sí, a la película de Ron Howard ‘Una mente maravillosa’ (‘A Beautiful Mind’, 2001) le va a la perfección, porque aunque podrían utilizarse otras que yo, por ejemplo, utilizo mucho (grotesca, mentirosa, vacía, inepta, tendenciosa, incluso abyecta), lo que más llama la atención, viéndola una vez más, es lo equivocada que está en su forma, pues siempre, siempre, importa infinitamente más cómo se hace el arte a qué se quiere contar con ese arte.

‘Una mente maravillosa’ pertenece a esa estirpe de películas que uno, en su ingenuidad, y en pleno siglo XXI, creería ya extinguidas, pero te descubres muy equivocado. De esas que te cuentan la historia de personajes casi angelicales, cuya vida queda trastornada por la tragedia (aquí, en forma de esquizofrenia paranoide aguda) pero que, pese a todo, triunfan en la vida, vencen a la adversidad, crecen como personas y terminan su historia felices y demostrando que el espíritu humano es extraordinario. Nada en contra, realmente, si esta clase de productos, destinados al disfrute de los espectadores menos exigentes, pasara desapercibido. Pero luego recibe importantes premios, atención mediática e importantes dividendos en taquilla, y ya la cosa cambia. Me veo en la obligación moral de denunciar que se ha aupado a los altares (por suerte, no por todos los que la vieron) a un producto que no se lo merecía en absoluto. No ya por mala película, algo tan relativo y hasta superficial, sobre todo porque pocas veces he tenido la sensación de que se de “gato por liebre” de una forma tan descarada. Y de formas hablamos, que a la hora de escribir críticas de cine, es lo que más debería importarnos.

Carta a Ron Howard

Señor Howard, dice usted mismo, y otros lo han corroborado, que frente a su mesa de trabajo posee usted un cartel que reza: “¿Cómo lo haría Martin Scorsese”?. Magnífica iniciativa, sin duda, aunque viendo el trabajo de usted, da la impresión de que, más que procurar buscar formas cinematográficas dignas del trabajo de ese eminente director, usted se dedique a hacer todo lo contrario. Baste ver ‘Toro salvaje’ (‘Raging Bull’, Scorsese, 1980), en la que, con insuperable pudor, compasión ilimitada, salvaje grafismo y escaso aprecio por la taquilla, el maestro italoamericano nos contaba el ascenso y caída de un sujeto arrasado por el dolor, la violencia y el autodesprecio: un paranoico cuya tragedia nos estremece hasta la médula. Baste verla, y luego ver ‘Una mente maravillosa’ para darse cuenta de lo que digo. Mientras Scorsese cuenta su propia historia a través de la de Jake LaMotta en una búsqueda desesperada de redención fílmica, usted, en connivencia con Akiva Goldsman, da la impresión de que lo que busca es un material apropiado para manipular a las masas, tocarles la fibra sensible, arrasar en taquilla, y obtener el Oscar al mejor director. Desde luego, logró todos esos objetivos, de modo que hablamos de un éxito en su empresa, aunque un fracaso total en ese otro asunto que es hacer gran cine.

Usted, señor Howard, es uno de esos niños mimados de Hollywood, que estuvieron en el lugar justo y en el momento propicio (y ese lugar y momento tienen un título, la magistral ‘American Graffiti’ (id, George Lucas, 1973), que tantas cosas significó), y cuya carrera como director es la quintaesencia de la mediocridad. Pero, ya se sabe, si se quiere triunfar hoy día se requiere de una condición imprescindible: ser un mediocre absoluto. Atienda, Ron: un director es un individuo que se dedica a investigar, sobre todo, en las formas, sin tomar jamás al espectador por imbécil (por mucho que haya algunos que lo pidan a gritos). Contar una historia real, además, implica una honestidad a prueba de bombas, más aún si es la historia de un hombre que ha sufrido indeciblemente una de las enfermedades más aterradoras que quepa imaginar. No se puede, por razones obvias, convertir esa enfermedad en un espectáculo audiovisual para que el respetable crea que está viendo una buena película. Momentos como el primer plano de Crowe, con una lágrima cayéndole por el rostro después de ser inyectado con insulina, o el plano cenital con su cuerpo convulsionándose en el hospital, provocan las ganas de vomitar por la zafiedad, el mal gusto, el morbo fácil, lo tendencioso de unas imágenes que deberían aspirar a la contención y a la compasión. No le voy a mentir, Ron.

Pero más allá de decisiones de guión y de representación, algo profundamente amorfo sacude la secuencia de eventos de su película. Exceptuando el breve lapso en que Nash, ya medicado, se enfrenta a una vida gris (y ya llegaré a eso), todo lo que se nos muestra está en el lugar equivocado, y es descarado el intento de ofrecer un espectáculo vibrante con un asunto, enfrentarse a una enfermedad espantosa, que ya de por sí debería bastar. Me explico: aunque lo que se nos promete es la historia de un hombre que un día descubre que gran parte de su vida es una mentira porque su mente le está suministrando hechos falsos, lo que obtenemos es un pastiche descabellado, en el que tienen lugar los códigos del cine negro, los del melodrama romántico más meloso, los del cine de suspense más trillado. ¿Por qué? Para mí la respuesta es fácil: a usted, a su guionista Goldman, y a sus productores y actores, les importa bien poco la historia de Nash, realmente. Se aprovechan de ella para engañar al espectador, utilizando el punto de vista de un hombre muy enfermo para que el espectador no sepa si lo que ve es falso o verdadero, lo que es una decisión lamentable, pues así pueden emplear esos códigos genéricos, “entreteniendo” al espectador, antes que centrarse en el terrible drama personal que, se supone, es lo que les interesa.

De esta manera, pasamos de los años universitarios, al matrimonio feliz de Nash, y de ahí a una historia de suspense, y de ahí...a que todo, o casi todo, lo que se nos ha contado es mentira. Muchas gracias, señor Howard. Por otra parte, Russell Crowe, un gran actor desperdiciado, que con ese cuerpo de gimnasio esculpido en la escuela de gladiadores y esos ojos azules de golfo irredento no pega mucho como matemático, cae en la incoherencia más absoluta a la hora de interpretar a su personaje, pues ora es un tipo seguro de sí mismo y seductor, ora es un individuo mezquino y sin personalidad, ora es genial, ora es un cobarde, un valiente, y así hasta el infinito. Entregado, además, a toda una colección de tics de actor, su caracterización es opaca y sería imposible empatizar con él si, como ya hemos comentado, usted Howard no procurara mostrarnos momentos terribles con el mayor morbo posible, para así exigir nuestra pena y nuestra atención. Tan exagerado es todo que cuando por fin accedemos a las imágenes inventadas por la mente de Nash, producen más risa que terror o pena, pues tu puesta en escena, Ron Howard, carece de empatía, tanto con tu personaje protagonista como con el espectador.

Ahora bien, de pronto, cuando a Nash le medican y deja de ser matemático, algo de cine vemos en pantalla. De pronto, ya no hay cine negro, ni cine romántico, ni cine de terror. Simplemente accedemos a la vida diaria, tediosa y sin esperanza, de este matrimonio. Y algo de verdad y de dolor auténtico puede sentir el espectador. Hay más cine ahí que en todo lo demás. Lamentablemente, dura muy poco, y una vez Nash decide no tomar más su medicación, y somos testigos de su enorme esfuerzo para distinguir, sin ayuda de las drogas, lo que es real y lo que no, todo vuelve a derrumbarse. Porque, señor director Howard, ganador de uno de los Oscar a mejor director más injustos de la historia, todo lo que no sea narrado en tiempo real, es inservible para el espectador, pues sólo lo que se percibe como una segunda realidad vale para algo. Y contar la lucha de Nash a lo largo de décadas por alejar sus fantasmas y las imágenes terribles que le acosan, mientras se convierte en un famoso matemático, eso es la historia que, en teoría, tú deberías contar, algo despachas en cinco minutos a base de elipsis, sin la menor fuerza dramática, sin aportar nada al espectador ni al cine. Este sub-producto no es más que otra oda al American Way of Life, al esfuérzate y triunfarás, al cine convertido en cuentacuentos infantiles.

Sigue siendo muy irónico que Kenneth Branagh vaya a conseguir su mayor éxito comercial con su film menos personal, pero así son las cosas. ‘Thor’ sigue imbatible en su segunda semana, a pesar del buen arranque de ‘Bridesmaids’ (id, Paul Feig, 2011). La película es una comedia sobre una chica que descubre en la boda de su mejor amiga una vía libre a su aburrida existencia. Salida de la factoría Judd Apatow, individuo que me ha aburrido mucho más que hecho reír, la película ha tenido excelentes críticas, y el público votante en la IMDb ha quedado bastante satisfecho.

‘El sicario de Dios’ (‘Priest’, Scott Charles Stewart, 2011) se ha quedado muy por debajo de sus 60 millones de dólares de presupuesto. Paul Bettany, excelente actor que no debería meterse en este tipo de fregados, repite jugada con el mismo director del bodrio de proporciones cósmicas ‘Legión’ (‘Legion’, 2009), en una película que no ha gustado a la crítica —mi compañero Adrián da aquí su opinión—, y tampoco levanta pasiones entre el público votante.

Vía | IMDb

Existe una cierta clase de películas que, de entrada, uno se predispone en su estado de ánimo, incluso aunque no te des cuenta. Películas que, lo sabes perfectamente, es casi imposible que te sorprendan. Ni que decir tiene que la posibilidad de que te parezcan realmente imponentes es muy remota. Sin duda, ‘El sicario de Dios’ (‘Priest’, Scott Charles Stewart, 2011) es de esa clase de películas. Pero, y aquí está la sorpresa, me quedo bastante alucinado de que, aún con sus defectos (que los tiene, y no son pocos), me lo he pasado pipa en el cine, armado con mis gafas 3D y entregado, tan a gusto, a esta descabellada película, muy libremente basada en el cómic coreano de Hyung Min-woo que me he leído y que también me ha hecho pasar un buen rato. No sé, puede que acudiera al cine con las expectativas tan bajas que luego cualquier espectáculo conseguiría hacerme vibrar, pero, en honor a la verdad, pasé una hora y media más que amena, impactado por algunas imágenes y algunos momentos que podrían haber dado de sí una salvajada de grandes proporciones.

Pero la película da para lo que da. Eso sí, no pienso escatimar algunos elogios para el diseño de producción y la fotografía, así como algunas decisiones sorprendentes de puesta en escena. Así como tampoco pienso callarme no pocas reprimendas por no haber sabido llevar hasta el final una premisa que daba para bastante más. Desprejuiciada, barroca, excesiva, descabellada, emocionante, salvaje, absolutamente desequilibrada, generosa, pulp…‘El sicario de Dios’ es de todo menos una película aburrida, algo casi milagroso en el cine narrativo en general de hoy en día, y dentro del cine de aventuras en particular. Bebiendo, sin el menor complejo, de cánones tan caros como los de la saga ‘Star Wars’, ‘Terminator’, ‘Mad Max’ o ‘Aliens’, ‘Blade Runner’, ‘Soy leyenda’ (la novela de Richard Matheson, no el aburrimiento de película protagonizado por Will Smith)...amén de numerosos cómics, animes, series de todo tipo. Un verdadero vampirismo estético que a punto está de triunfar…o de fracasar estrepitosamente…

Pistoleros, sacerdotes, cyber-punk

Con el Especial Vampiros de Alberto, con numerosos ensayos sobre el tema, con una buena cantidad de películas y series anuales, ya nos hemos percatado de que los chupasangre proveen de inagotables recursos a los escritores y a los directores para que inventen nuevas formas de terror basándose en un mito mucho mejor tratado en cine (ya lo hemos dicho otras veces) que el de los zombies o los hombres lobo. Esta es una más, y no por cierto de las peores. En ella hay cabida para una escenografía estilo western, mezclada con otra estilo cyber-punk, y aún con otras, más góticas y hasta post-apocalípticas, en un delirio tan impúdico como gozoso, que no tiene miedo de caer en el ridículo, sino que se regodea en él con ánimo suicida y sale vivo de la jugada. Parece que, a cada momento, la película va a derrumbarse completamente, ensimismada en sus fantasmagóricas y embelesadas imágenes (algunas de ellas realmente potentes), pero consigue una y otra vez remontar el vuelo, hasta su insatisfactorio y extraño final, que deja con ganas de más.

Y la cosa empieza más que bien, con un prólogo y unas primeras secuencias que prometen algo especial, aunque desgraciadamente ese algo no lo veremos más que a ráfagas. Es la primera película que veo del director Scott Charles Stewart, un individuo muy curtido en muchas películas exitosas, dentro de la disciplina de efectos visuales, y cuya anterior película fue calificada por Juan Luis como un verdadero desastre. Tampoco es que este hombre nos descubra el Mediterráneo en esta nueva película, desde luego, pero ya en esos primeros minutos se advierte a un director que no lo hace del todo mal, que es capaz de armar una atmósfera, de situar la cámara donde debe, de divertirse y de creer en lo que está contando, por muy descabellado que sea. La breve secuencia animada, y el momento del rapto de la niña (una guapa Lily Collins) son cine muy elaborado, que despierta al más desprevenido como un zarpazo, y que hace volar la imaginación del espectador.

¿Qué importa que el personaje del buen actor Paul Bettany, un sacerdote impertérrito e improbable, se desdibuje en una secuencia y se vuelva a dibujar en la siguiente? ¿Qué importa que las motivaciones del malo de turno, un imponente Karl Urban, estén tan torpemente presentadas y que en el fondo sean tan innecesarias? ¿Qué importa que la historia sea tan manida y tan predecible? En realidad, uno termina por conceder poca importancia a esas cuestiones y por entregarse, cual adolescente ávido de sangre, al vendaval de intensidad de una película hecha para surfear sobre ella sin zambullirse nunca en su fondo (bien se han encargado de que ese fondo sea inexistente) en un dinamismo muy de agradecer y que se echa en falta en otras películas supuestamente trepidantes. Esta sí es trepidante, y aunque abuse un poco de la cámara lenta o de un montaje picado, es capaz de construir un suspense eficaz y una violencia furiosa y placentera. La infiltración en la colmena, la persecución al enorme tren, la masacre en el pueblo, son momentos poderosos y elaborados que merecen verse.

Aún está por ver que alguien pueda usar el 3D de un modo más visual y dinámico que escenográfico, pero la hábil fotografía de Don Burgess (un veterano siempre valiente, habitual en algunos grandes éxitos de Robert Zemeckis) sabe sacar el máximo partido de unos dantescos escenarios del diseñador Richard Bridgland y de una forma de dirigir la acción más cercana a lo oriental que a lo norteamericano (aunque a estas alturas, es difícil distinguir muchas cosas…). La cruzada de este cazavampiros solitario oscila entre una densidad conceptual muy lograda (el Réquiem de Mozart poniendo fondo a una carnicería, lo sacro y aséptico enfrentado a lo infernal y lo polvoriento) o el tebeo más zafio, y entre no tomarse en serio a sí misma y una grandilocuencia algo pasada de moda a estas alturas. Liviana pero gozosa aventura, en estos tiempos en que el sentido de la aventura se reduce a una ciudad que se dobla sobre sí misma o la estéril resurrección de mitos de la literatura.

Irons: “Lo peor fue trabajar con Kevin Spacey”.

Spacey: “¡Él no se sabía los diálogos!”

Siguen llegando estrellas a la Berlinale 2011. Si ayer tuvimos la oportunidad de asistir a una rueda de prensa con los hermanos Coen y los protagonistas de la poderosa ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010), hoy, en la segunda jornada, todo giraba en torno a la visita del espectacular elenco de otra película estadounidense, ‘Margin Call’ (2011), la primera de la sección competitiva que se ha proyectado en Berlín (la anterior se presentaba fuera de concurso); Jeremy Irons, Kevin Spacey, Paul Bettany y Zacary Quinto juntos en la misma sala. Un lujazo.

Sobre la avaricia y la moralidad

En una escena de la ingeniosa y tensa ‘Margin Call’, que nos devuelve al año 2008, justo antes de que estalle la crisis financiera, el directivo interpretado por Simon Baker intenta hacerse una idea de lo que está a punto de ocurrir, no solo en su empresa sino en todo el planeta, para calcular las posibles soluciones, y sin terminar de creérselo del todo, suelta en voz alta un pensamiento: “Esto parece un sueño”; otro ejecutivo al que da vida Kevin Spacey le responde de inmediato: “No, creo que acabamos de despertarnos”. En más de una ocasión, el afortunado debutante J.C. Chandor, director y autor del estupendo guion, incide en la idea de un despertar. El de los depredadores que estaban ganando una salvajada, que se sentían los reyes del mundo, y que en un instante descubren que han matado a la gallina de los huevos de oro, que se les ha acabado el chollo. Mientras la firma se prepara para el hundimiento, y los jefazos traman un auténtico saqueo el personaje de Spacey llora por la inminente muerte de su amado perro, enfermo de cáncer. No creo que haga falta explicar el simbolismo.

‘Margin Call’ comienza con el despido de Eric Dale (Stanley Tucci), el jefe del departamento de previsión riesgos de una importante entidad financiera, al que tratan de una manera rastrera, inhumana, como si fuera un objeto que ya no sirve. Antes de abandonar el edificio, Dale deja un pendrive a uno de sus empleados, Peter Sullivan (Zachary Quinto), el único que se muestra afectado por su marcha, para que continúe un importante análisis que estaba llevando a cabo. Mientras sus compañeros se van de copas, Sullivan decide emplear la noche de un viernes (casualidad) para terminar el trabajo de su exjefe y lo que descubre es el abismo al que se dirige la compañía (y todas las demás dedicadas a la inversión); o en palabras de otro de los personajes, anticipa la llegada del silencio, del fin de la música.

Relato coral, apoyado en un sólido guion y un reparto extraordinario, ‘Margin Call’ es el emocionante retrato de las horas desesperadas que viven unos lobos que entran en pánico, y que deben decidir qué y quién se sacrifica para poder sobrevivir. Un film muy crudo, y crítico con el sistema capitalista. Desde su mismo arranque se representa a (casi todos) los protagonistas como seres egoístas, solitarios y avariciosos, que ganan tanto dinero que no saben qué hacer con él, pero que aun así, lo desean, y cuanto más, mejor, siendo irrelevante a quién perjudique, porque es un juego de supervivencia, y gana el más fuerte. Dicho esto, Chandor no ha escrito personajes simples, tienen alma, son cercanos, creíbles, y claro, están interpretados de manera inmejorable, por lo que no les deseas ningún mal (al menos a los personajes principales), aun siendo los “malos”. Punto flaco de ‘Margin Call’: dura demasiado, se dan demasiadas vueltas sobre los mismos puntos para subrayar las ideas que se quieren transmitir. Aun así, una película notable.

Rueda de prensa de ‘Margin Call’

La rueda de prensa estuvo marcada por el buen humor, pese a que se habló de la crisis, la avaricia y la moralidad (o falta de ella). Por fortuna, aunque hubo alguna pregunta tonta (inevitable), el encuentro resultó más interesante que el de la jornada anterior. El primero en intervenir fue Zachary Quinto, que apenas habló después, siendo eclipsado por sus otros compañeros, visiblemente más experimentados y relajados. El actor, al que le recordaron su trabajo en ‘Star Trek’ (2009), explicó cómo llegó a involucrarse en ‘Margin Call’, que es además su primer film como productor. “Unos amigos comunes me hablaron del proyecto, leí el guion, me gustó y a partir de ahí fue una sucesión de acontecimientos”, respondió, “es todo un honor haber participado y estar hoy aquí en Berlín presentando la película”.

Enseguida se empezó a preguntar por la humanidad de algunos de los personajes, por la visión de Chandor de los responsables de la crisis financiera. Spacey se hizo con el micrófono y dijo que habían intentado eliminar “lo malo”, presentando a los personajes como “gente normal con empleos normales que siguen órdenes”. El realizador le siguió cuando alguien planteó la avaricia de los banqueros e inversores; “No son más avariciosos que el resto, Estados Unidos es un país de avaricia, toda la cultura va enfocada a eso, y de ahí que falle… hablar de maldad es absurdo, no soluciona nada”. Bettany, tras un par de bromas (con una actitud muy similar a la de Brolin ayer), dijo que la gente puede llegar a ser muy hipócrita, que en el fondo todos intentan lo mismo: hacer el mayor dinero posible.

Irons se ganó los mayores aplausos de la rueda de prensa, si bien creo que se malinterpretaron sus palabras. Lo comento porque he leído en varios sitios que el actor acusó a los bancos de falta de moralidad y que por eso el sistema falla. No fue eso lo que dijo. Sí habló de falta de moral, pero para decir que es algo normal, que no tiene cabida en el mundo de las finanzas, tal como se ve en el film; sin embargo, añadió, seguimos haciendo juicios morales, porque lo necesitamos. Bettany le siguió al decir que como actores no juzgan a sus personajes, solo los interpretan. Un periodista le preguntó cómo había sido capaz de interpretar tan bien a su personaje, logrando que no resultara odioso; Spacey contestó por él diciendo: “Porque es un gran actor, hace muy bien su trabajo”. Tras las risas, Bettany intentó responder, pero no supo, y soltó una de las perlas del día: “La interpretación es como el sexo, es genial hacerlo, pero no hablar de ello”.

Otra cuestión fue sobre cómo está afectando la crisis al cine. Spacey respondió lo que ya sabemos, que es más difícil hacer películas ahora, y que los estudios no quieren arriesgarse. Aclaró que las películas independientes lo tienen muy complicado porque además de contar con menos copias, los cines las retiran a las dos semanas si no tienen buena taquilla. “No estoy en contra de las franquicias, pero por cada una estaría bien que lanzaran diez películas independientes”, sentenció. Por último, me llamó la atención una reflexión del director sobre lo que considera la mayor tragedia del capitalismo. Chador comentó que las empresas financieras se esfuerzan mucho por captar a los estudiantes más brillantes, que pronto quedan atrapados por las jugosas ofertas económicas; hasta que en algún momento resultan inútiles y son despedidos para ahorrar costes o desplazados por otros más jóvenes. Mantiene que todos hablan de un vacío en sus vidas, cómo ese trabajo les quitó tanto tiempo y tantas oportunidades. Todo por el dichoso dinero.

JL Caviaro, 11 de febrero, Berlín.

Ya habíamos visto un teaser póster y el tráiler, ahora os traigo los últimos carteles de ‘Priest’, la nueva película de acción de Scott Stewart. El director de la delirante ‘Legión’ (sin duda, de lo peor del año) ha vuelto a contar con Paul Bettany en su versión “action man” para el papel protagonista de su nueva locura, un western post-apocalíptico basado en el cómic de Min-Woo Hyung. Se estrena el 13 de mayo de 2011, en salas 2D y 3D.

Escrita para la gran pantalla por Cory Goodman, ‘Priest’ nos traslada a un futuro en el que el mundo ha sido devastado por siglos de guerras entre humanos y vampiros. La trama gira en torno a un cura guerrero que desobedece a la Iglesia y se une a un joven sheriff y una bella sacerdotisa en la búsqueda de una peligrosa banda de vampiros que han secuestrado a su sobrina, con la intención de convertirla en uno de ellos. A Bettany lo acompañan Maggie Q, Cam Gigandet, Karl Urban, Lily Collins, Stephen Moyer, Brad Dourif, Mädchen Amick y Christopher Plummer, entre otros. Por Kubrick, qué desperdicio de reparto…

Actualización: La película se estrena en España con el título ‘El sicario de Dios’.

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PD: He leído en más de un sitio que en España este film se titulará ‘El sicario de Dios’. Personalmente, habría preferido algo más clásico, como ‘Un cura muy peleón’ o ‘Hasta las pelotas de los vampiros’.

Vía | Impawards

Johnny Depp y Angelina Jolie juntos. Es el gran gancho de ‘The Tourist’, una comedia romántica de acción que ha sido dirigida por Florian Henckel von Donnersmarck (‘La vida de los otros’) y de la que ya podemos ver un tráiler. Al margen de que es un remake de la francesa ‘El secreto de Anthony Zimmer’ (‘Anthony Zimmer’, 2005), el avance me ha recordado bastante a las recientes ‘Noche y día’ (‘Knight and Day’) y ‘Killers’, pero cambiando las tornas, ahora el experto asesino en peligro es una mujer, y la persona corriente que de pronto se ve envuelta en tiroteos y persecuciones es un hombre. Puede ser divertida, pero no lo parece por el vídeo.

Escrita por Julian Fellowes, Jeffrey Nachmanoff y Christopher McQuarrie, ‘The Tourist’ nos traslada a Venecia y nos presenta a Frank, un turista estadounidense que necesita olvidar una decepción amorosa y volver a ordenar su vida. Durante un trayecto en tren, conocerá a la bella Elise, de la que se enamora al instante; lo que no imagina es que ella lo ha situado en medio de una peligrosa trama que pondrá en juego su vida. Paul Bettany, Timothy Dalton, Steven Berkoff, Ralf Moeller y Rufus Sewell (visto recientemente en ‘Los Pilares de la Tierra’) acompañan a Depp y Jolie al frente del reparto. En cuanto a la fecha del estreno, es el próximo 10 de diciembre.

PD: Tom Cruise y Charlize Theron pudieron ser los protagonistas del film, que pasó por las manos de directores como Lasse Hallström o Alfonso Cuarón.

Parece ‘Legion 2’ (que por cierto, está en camino) pero en realidad es el tráiler de ‘Priest’, una más de vampiros, las criaturas fantásticas más sobadas de los últimos años. La película no recuerda a ‘Legion’ por casualidad, aparte de estar protagonizada por la misma versión “action man” de Paul Bettany, y los toques religiosos, ha sido dirigida por el mismo Scott Stewart. No tiene buena pinta.

Basada en el cómic homónimo de Min-Woo Hyung, ‘Priest’ se centra en un cura guerrero que desobedece a la Iglesia y se une a la aventura de un joven sheriff y a una bella sacerdotisa; van en busca de una peligrosa banda de vampiros que han secuestrado a la sobrina del protagonista, con la intención de convertirla en uno de ellos. El reparto está encabezado por Bettany, Maggie Q, Cam Gigandet, Lily Collins, Brad Dourif, Karl Urban, Stephen Moyer y Christopher Plummer. La fecha del estreno es el próximo 13 de mayo de 2011.

Actualización: La película llega a España con el título ‘El sicario de Dios’.

PD: “En nuestro mundo, los sacerdotes son como Caballeros Jedi con poderes especiales y formación. Nuestros vampiros son más salvajes e inquietantes que, por ejemplo, los angustiosos vampiros adolescentes de ‘Crepúsculo’ o los sexy-vampiros de ‘True Blood’. Esos vampiros son metáforas. Los nuestros no lo son“. Palabras de Stewart.

Todo se puede empeorar. Una conclusión a la que uno vuelve a llegar inevitablemente tras haber tenido la mala fortuna de ver ‘Legión’, una película estadounidense que llega a los cines españoles el próximo viernes. El cartel, que seguro que ya habréis visto por ahí, nos habla de un ángel y el apocalipsis; muestra a Paul Bettanny mirando al horizonte mientras aprieta sus entrenados abdominales, con alas en su espalda y armas en sus manos (un cuchillo y una ametralladora). Una grotesca imagen que el propio actor declaró que le estaba provocando pesadillas, que sentía vergüenza cada vez que paseaba por la calle y se daba cuenta que sus hijos habían visto el póster. No es para menos, pero también debería sentirse abochornado el hombre por haber protagonizado una de las peores películas de los últimos años.

Peter Schink y Scott Stewart, que además debuta como director, son los autores de un delirante guión que nos traslada a un futuro cercano en el que Dios se ha cansado de la raza humana y ha decidido enviar a su legión de ángeles (de ahí el título) para eliminarla. Sin embargo, claro está, porque si no se acabaría la película a los dos minutos, uno de esos ángeles se rebela y decide proteger a la humanidad a toda costa. La batalla se librará en una vieja cafetería situada en ninguna parte y llamada “Paradise Falls” (“La caída del paraíso”). Suena a broma, pero no lo es.

De hecho, toda la película es como una gran broma sin ninguna gracia, como una parodia de las películas de acción, terror, western y trama post-apocalíptica, todo junto, todo pésimamente mezclado. Lo único que resulta interesante es que un grupo de personajes heterogéneos que apenas se conocen quedan casualmente atrapados en un lugar en medio del desierto, sabiendo que está pasando algo extraño fuera, pero no qué exactamente. Este punto de partida, mal expuesto en el film, y peor desarrollado, puede dar la impresión de que la película se parece a recién terminada ‘Lost’, pero lo único que tienen en común es que uno de los ángeles malvados, a quien podríamos calificar de “el enemigo final”, está interpretado por Kevin Durand, Martin Keamy en la citada serie.

No hay en ‘Legión’ ningún atisbo de tensión, suspense, imaginación o emoción, y desde el principio queda claro que más que un thriller fantástico con personajes, esto va de clichés andantes que tienen que disparar a todo lo que se mueva, así que tampoco se parece esto ni remotamente a ‘La niebla’ (Frank Darabont, 2007), más allá de que hay gente dentro de un local rodeado por cosas extrañas que quieren entrar y matar. Si se parece a algo es a ‘El libro de Eli’ (Hughes Brothers, 2010), por tocar la religión y por ese aroma a western, pero incluso ésta tiene algunos momentos interesantes, aunque todo acabara siendo un desastre por culpa de sus incompetentes realizadores; en ‘Legión’ es que no hay nada que salvar.

Empezando por los protagonistas, no hay ni uno que valga la pena; tanto los anodinos humanos que se quedan atrapados en la cafetería, como el ridículo superhéroe armado hasta los dientes que encarna Bettany, cuyo papel (el arcángel Miguel) es simplemente el de tipo duro que dispara sin perder nunca su expresión chulesca, serio e intratable desde el primero hasta el último minuto. Los demás personajes son el cansado dueño del bar (Dennis Quaid, que parece que ya acepta lo que sea), su hijo que no vale para nada (Lucas Black, realmente insufrible), el bonachón cocinero (Charles S. Dutton), la camarera, que está embarazada y tontea con el hijo del dueño (Adrianne Palicki, preocupada sólo en posar), un tipo con pistola que no ha disparado en su vida (Tyrese Gibson, haciendo de “clásico negro malhablado y fácilmente mosqueable”) y un matrimonio típico (Kate Walsh y Jon Tenney) con su típica hija adolescente problemática (Willa Holland).

Claro que los “malos” no son mucho mejores. Aparte del arcángel Gabriel (Durand), que es más o menos como Miguel sólo que más grande, más bestia y más tonto, un enemigo flojísimo sin encanto alguno, tenemos a un numeroso ejército de humanos poseídos que primero actúan con normalidad y luego chillan, les crecen la boca y las extremidades, y todos los dientes se les convierten en colmillos (el colmo es cuando una viejecilla empieza a corretear por el techo, una escena tan bochornosa que es imposible no partirse de risa); meros monigotes feos que van muriendo con facilidad esperando la llegada de Gabriel.

Con dos bandos tan mediocres, escenas de acción filmadas con la habitual torpeza de la mayoría de películas actuales (ya sabéis, diez planos por segundo) y un guión lamentable (¿qué sentido hay en el plan divino?) lleno de tópicos y diálogos vergonzosos, es imposible seguir con interés esta nefasta guerra entre hombres y ángeles, el centro de una memez que dura 100 minutos, una absoluta pérdida de tiempo. Quedáis avisados.

Los actores Paul Bettany y Rufus Sewell se acaban de unir al reparto de ‘The Tourist’, de Columbia Pictures, que actualmente se está rodando en Venecia bajo las órdenes del alemán Florian Henckel von Donnersmarck (‘La vida de los otros’). Recordemos que esta producción es un remake de la película francesa ‘El secreto de Anthony Zimmer’, dirigida por Jérôme Sale y estrenada en 2005.

Protagonizada por las estrellas Johnny Depp y Angelina Jolie, ‘El turista’ gira en torno a Frank, un estadounidense que se encuentra de viaje por Italia tras una difícil ruptura con su novia, y en cuyo destino se cruza Elise; Frank se enamora de ella al instante, pero pronto descubrirá que la mujer le acaba de meter en serios y peligrosos problemas. Depp y Jolie se ocuparán de dar vida a los dos personajes centrales, mientras que Bettany y Sewell parece que interpretarán a dos de los individuos que los persiguen.

El guión, que esperemos que no sea una simple traducción del francés al inglés, lo firman Jeffrey Nachmanoff, Julian Fellowes y Christopher McQuarrie (el amigo de Bryan Singer que ganó un Oscar por ‘Sospechosos habituales’). El estreno del film está previsto para finales de este año.

PD: Si pensáis que tener a más de un guionista es una garantía, tened en cuenta que, por ejemplo, ‘G.I. Joe’ también la escribieron tres tipos.

Vía | Variety

Pareja en la vida real, Jennifer Connelly —los ojos más impresionantes del cine actual— y Paul Bettany protagonizan ‘Creation’, de la que aquí os traemos su original cartel. En ella se nos narra las circunstancias que llevaron a Charles Darwin a desarrollar la teoría de la evolución, y escribir su famosa obra ‘El origen de las especies’, al mismo tiempo que luchaba contra las fuertes creencias de su esposa. Bettany da vida a Darwin, y Connelly a su mujer Emma. Otros componentes del reparto son Toby Jones y Jeremy Northam, y el film se estrena en los USA el próximo 22 de enero.

Aunque yo tengo muy claro que procedo de un mono y no de una costilla, el tema es de potencial interés, pero ya veremos cómo se las arregla Jon Amiel para ponerlo en imágenes, pues este tipo es el mismo responsable de cosas como ‘Sommersby’, ‘Copycat’ o ‘La trampa’, por lo que no podemos fiarnos ni lo más mínimo. El guión, basado en la obra de Randal Keines, es de John Collee, autor de los libretos de films como ‘Master & Commander’ y ‘Happy Feet’, por lo que aún hay esperanza.

Dicen que un buen guión no lo estropea un mal director, ¿no?

Vía | Impawards