Dentro de este ciclo de cine de aventuras, si bien no las mejores de todos los tiempos (¿alguien puede establecer una jerarquía sin desesperarse en el intento?...además, de muchas de las más grandes ya hablamos en Blogdecine antes del ciclo) sí intento hacer un compendio de algunos de los referentes temáticos y formales empleados con mayor asiduidad. Las constantes en el cine de aventuras de mayor calado suelen ser siempre las mismas: utilizar el género como excusa o como mero referente para, a partir de él, construir una mirada acerca del mundo y del hombre. El mundo siempre o casi siempre hostil y lleno de adversidades, y el hombre como una mota infinitesimal que, a pesar de los pesares, consigue salir adelante, no sin antes perder parte de su ingenuidad, de sus creencias y de su inmadurez, saliendo reforzado en su confianza, en su independencia y en sus emociones más primarias. Mucho de esto hay en el western (género mítico donde los haya, del que Alberto Abuín nos está dedicando un especial) que en su retrato de los pioneros de las grandes llanuras de América ahondó en la figura del hombre violento y solitario que ha de decidir por su cuenta los límites morales de la sociedad.

‘Un hombre’, absurda aunque hasta cierto punto lógica traslación al castellano del original ‘Hombre’ (que es tanto el tema de la película como el apodo apache del protagonista, lo que resulta bastante más interesante…) fue dirigida en 1967 por Martin Ritt, uno de esos profesionales consumados que salieron de la industria televisiva de principios de los sesenta (y que como otros muchos cambiaron bastantes cosas en la industria cinematográfica), y es un título que nadie colocaría en el olimpo de los más sublimes westerns (yo tampoco, la verdad), pero en su cruda belleza, en su asfixia anímica, posee una verdad y una fuerza expresiva muy notables, y es perfecta para incluirla en este ciclo porque gracias a su peripecia asistimos a cuestiones muy poco presentes en westerns más clásicos: enfrentarse a la muerte violenta sabiendo que no hay salvación, en un relato en el que el romanticismo, la épica, la redención, la tradición… y otros conceptos tan caros al western, quedan completamente desterrados. Eran años oscuros y revisionistas y ya no podían contarse las mismas cosas de la misma manera que en 1939.

A medio camino entre Ford y Peckinpah

Sin demasiado esfuerzo, se encuentran bastantes paralelismos (no solamente en la historia, también en el tratamiento de los personajes) con ‘La diligencia’ (‘Stagecoach’, John Ford, 1939), mientras que la mirada áspera y descarnada de Ritt entronca con la del Peckinpah (realizador que estaba a punto de conocer la plenitud como artista) más furioso. De nuevo un viaje en diligencia en el que diferentes caracteres se embarcan buscando ese destino que parece esconderse de ellos. De nuevo, un hombre al margen del resto de personajes, con su propio código moral y su propia misión, al margen de la sociedad establecida, y de nuevo una amenaza externa mucho peor que la de los “nativos americanos sedientos de sangre”. Concretamente, la avaricia, el vacío vital de los hombres blancos, su crueldad sin límites, que acorralarán a un reducido grupo de personas, a cual más interesante, buscando un oro que, en verdad, pertenece a los apaches. No hay aquí buenos y malos, hay fuertes y débiles, crueles y compasivos, valientes y cobardes. Y a menudo se confunden.

En los westerns de los años treinta, cuarenta y cincuenta, aunque existían cineastas que en sus westerns trataban de ofrecer una visión moderada de los nativos americanos, a lo más que llegaban era a una visión algo contradictoria de ellos, cuando no superficial o tópica. Hubo que esperar a los años sesenta para alcanzar un retrato algo más equilibrado de lo que fue aquella masacre y aquel racismo sin ambages. Películas como ‘Un hombre’, con un protagonista que poseía lo mejor de ambos mundos, eran no solo valientes, también necesarias. Poco comerciales pero llenas de vigor poético. Paul Newman, ya toda una estrella, está espléndido como John Russell, quien al recibir una herencia de su familia blanca decide venderlo todo para entregárselo a sus hermanos. Hierático, las emociones se contienen en su interior, mientras ofrece una máscara de displicencia hacia el exterior. Nada le importa, salvo cumplir con su verdadero pueblo, y demuestra una y otra vez su superioridad moral ante los blancos, demasiado limitados por una mirada hipócrita, reduccionista del mundo.

Sólo en el último momento tomará la decisión de ayudar a la única persona noble que le acompaña en su viaje, la valiente y compasiva Jessie, interpretada con fuerza impresionante por Diane Cilento, y la única persona blanca que demuestra algo en toda la película. Pero el fatalismo hace acto de presencia en cada giro inesperado, en cada golpe del destino, en cada detalle de esta huida desesperada de los bandidos en medio de un desierto inhóspito, pesadillesco, tanto de día como de noche. ¿Qué es lo que hace a esta película una gran película de aventuras? La sensación de un viaje físico absoluto, agotador, su carácter de peripecia moral, emocional y psicológica a un tiempo. Su ritmo impecable, que logra que la tensión suba más y más, imparable, hasta el cruento desenlace, en el que nadie gana, y el espectador, hundido anímicamente, se pregunta cuántas historias parecidas vivirá el hombre antes de que la codicia por el dinero, el odio a otras etnias, la demencia violenta queden erradicadas, si alguna vez lo son. Y medio de todo esto frases y diálogos existencialistas: “aprenda de los blancos, nos ayudamos los unos a los otros”...“más les vale”, responde Russell.

Conclusión

Impecablemente fotografiada por James Wong Howe (operador chino que es una leyenda, medio silenciada, de su oficio…), con un montaje percutante y salvaje de Frank Bracht, con diálogos y secuencias antológicos, ‘Un hombre’ es una pequeña joya del western, no demasiado conocida, y una gran película de aventuras, sexta y última colaboración entre Martin Ritt y Paul Newman. En su final nos preguntamos cuántos de nosotros tendríamos el valor para un sacrificio semejante. Porque de sacrificios (es decir, el hacer algo por alguien aún cuando es posible que seas despreciado por ello) también habla el gran cine de aventuras. Y en el próximo capítulo, con la más completa película de Milius, seguiremos hablando de sacrificios.

Ciclo Gran Cine de Aventuras

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“Sólo creces cuando estás solo”

Recientemente, en un nuevo visionado a la interesante película ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’, Sam Mendes, 2002) volví a caer absolutamente enamorado de la magnética presencia, del talento puro, de uno de los intérpretes más famosos de la entera historia del cine. Existe un momento, en esa película (al que pertenece, precisamente, la imagen que el lector puede observar encima de estas líneas), que me estremece cada vez más. Se trata de aquel en el que John Rooney (Newman) acude a pagar la moneda al chiquillo protagonista, por haber perdido a los dados, y de pronto deja de ser el anciano venerable y cariñoso de antes. Al sutil juego de palabras que le suelta al chaval testigo de un asesinato (“un hombre de honor siempre paga sus deudas…y mantiene su palabra”), se une la lentitud conque Newman se incorpora. Y no hace nada más. Pero John Rooney se ha transformado en el Ángel de la Muerte. No puedo evitar un escalofrío cada vez que veo esa imagen, compendio y resumen de cincuenta años exactos de trabajo delante de las cámaras o sobre un escenario.

Newman, además de actor, fue director, empresario, humanitario, piloto de carreras, activista político, activista ecológico, fumador compulsivo y bebedor irredento, aunque posiblemente fuera unas cuantas cosas más. Cuando digo que se le echa de menos, al menos se tiene la gran suerte de poder echar mano de algunas de sus dos docenas de grandes interpretaciones. Pero la aportación enorme que nos legó es tan grande como el hueco que ahora ha dejado, pues el cine americano está huérfano de los grandes actores surgidos en los años cincuenta y sesenta, y parece poco probable que las nuevas generaciones puedan siquiera maquillar ese hueco. Porque aunque los americanos siempre cuentan con un buen número de buenos actores, algunos realmente grandes, pocos o ninguno gozaron de su elegancia y su personalidad, de su riesgo y de su capacidad de saltar sin red en papeles suicidas, que él convertía, nadie sabía cómo, en triunfos. Y es que Newman, de alguna manera, llegó a ser un género en sí mismo, porque aunque seguramente ni se lo proponía, todo parecía girar en torno a su luz interior. El cine de Paul Newman.

Su época dorada fueron los sesenta y setenta (décadas en las que demostró, junto a los más grandes de su generación, que la transición desde el cine clásico de los años cincuenta a renovados estilos de interpretación eran posibles si uno no se dormía en los laureles), en los que participó en treinta películas, desde la todavía un tanto anquilosada ‘Desde la terraza’ (‘From the Terrace’, Mark Robson, 1960), en la que daba vida con bastante solidez a un ambicioso ejecutivo al lado de su ya por entonces mujer Joanne Woodward, hasta la muy extraña y falida ‘Quintet’ (id, Robert Altman, 1979). Pero en esos veinte años de carrera Newman había construido una docena de papeles míticos que ya le habían aupado al olimpo de lo imperecedero, en los que había llevado a cabo un ensanchamiento de su talla artística inalcanzable para otros colegas de profesión, y que le había convertido en millonario y mundialmente célebre. Pero esa celebridad y riqueza no se tradujeron precisamente en felicidad y sosiego, pues a su rebeldía natural de juventud se le sumó una creciente soledad vital que le acompañaría hasta el día de su muerte.

Algo, o mucho, de esa inquietud anímica, de esa desazón emocional desmentida por su, en apariencia (sólo en apariencia), idílica relación de medio siglo con Woodward, se traslada a sus personajes, que escogía, siempre que tenía oportunidad, con el mayor de los esmeros. Una especie de cansancio de vivir, pero de energía misteriosa por continuar viviendo, en un tormento íntimo que expresaba a través de su trabajo interpretativo. Tenía mucho que ver con su pasión por la velocidad, por el whiskey, por las relaciones en el más oscuro secreto pero mantenidas durante años, por su labor benéfica, una de las más importantes que jamás ha llevado a cabo una personalidad cinematográfica.

He aquí un compendio de momentos gloriosos, colmados de su talento interpretativo:

1. La larguísima partida de billar (de más de un día natural de duración) de la colosal ‘El buscavidas’ (‘The Hustler’, Robert Rossen, 1961), en la que acaba derrumbándose por el puro cansancio físico, en una historia sobre la búsqueda del amor propio.

2. La inhumana paliza a la que es sometido su subversivo personaje (quizás un sosias de sí mismo) en la inolvidable, por muy tramposa que sea, ‘La leyenda del indomable’ (‘Cool Hand Luke’, Stuart Rosenberg, 1967). Obligado a cavar un hoyo…a llenarlo de nuevo…a volverlo a cavar…todo el día. Hasta desfallecer. Un relato sobre un ajuste de cuentas personal con Dios.

3. La réplica del hombre blanco convertido en indio (Newman) a un par de sinvergüenzas que se aprovechan de dos nativos, rompiéndole a uno el vaso de licor en la cara con su rifle. A la acusación de su acompañante, “¡eres un salvaje!”, Newman responde un muy inteligente: “creí que dirías que me había comportado de manera civilizada”. No se puede decir más con menos.

4. La mítica partida de cartas de ‘El golpe’ (‘The Sting’, George Roy Hill, 1973), en la que un ya maduro Newman vacila hasta el hartazgo al peligroso Lonegan, haciéndose pasar por borracho, eructando, carcajeándose de mala manera, y finalmente haciendo trampas mejor que él y ganándole la mano definitiva. Más carisma y mayor caradura, imposible.

5. Perdiendo los nervios con Vincent (Cruise) en ‘El color del dinero’ (‘The Color of Money’, Martin Scorsese, 1986), para luego hablarle en confianza, como un padre…para luego traicionarle y darle una lección que casi le cuesta paliza. Eddie Felson es Paul Newman y no al revés.

6. Explicándole a Melanie Griffith por qué no puede irse con ella en ‘Ni un pelo de tonto’ (‘Nobody’s Fool’, Robert Benton, 1994), y posiblemente abriéndole el alma al espectador, con su voz ya cascada por la bebida y el tabaco.

Se fue hace casi tres años, aunque supongo que ya nos legó suficiente como para pedirle nada más. Siempre podemos ver cómo “resucita” en ‘El color del dinero’, y como se despide, en paz, en el plano final de ‘Ni un pelo de tonto’. Para muchos, él es el cine. Para muchas otras personas, el ser humano más guapo que ha existido. Personalmente, observar su carrera, constatar que su agostamiento y su marchitar no fueron de la mano con una flaqueza de fuerzas ni de talento, lo encuentro una de las cosas más fascinantes que apreciar em una pantalla.

En Blogdecine:

• Paul Newman, sus diez mejores interpretaciones (por Alberto Abuín)

“Nos estamos olvidando de hablar de lo importante. Lo importante no es el billar, ni el sexo, ni el amor. Lo importante es el dinero.”

- Eddie Felson

Si eres Martin Scorsese, y te llega la propuesta de prolongar el mito cinematográfico de Eddie Felson por parte de Paul Newman, hay pocas probabilidades de que te niegues. No se había estrenado ‘Jo, qué noche’ (‘After Hours’, 1985) cuando Scorsese tomó el guión que había escrito Newman en colaboración con Daryl Ponicsan, y lo sometió a una importante reescritura por parte del buen guionista Richard Price. Newman era muy consciente de la altura como realizador de Scorsese y sabía que contar con él para esta nueva aventura de Eddie Felson sería una buena decisión, mientras que el italoamericano no podía dejar pasar la oportunidad de trabajar con uno de sus ídolos de juventud. El nuevo guión de Price dejó mucho más satisfecho a Scorsese, que necesitaba narrar la existencia de un Felson muy diferente al de ‘El buscavidas’ (‘The Hustler’, Robert Rossen, 1961) al mismo tiempo que evitaba cualquier posible alusión a un remake o secuela, conceptos que no le interesaban para nada. ‘El color del dinero’ (‘The Color of Money’, 1986) debía ser una película completamente autónoma…con un personaje ya conocido por todos.

Hay una gran audacia formal, un gran amor por el cine, y una confianza enorme en las propias posibilidades fílmicas, a la hora de enfrentarse a un proyecto de estas características, ya que por mucho que Scorsese quisiera evitar expresiones como remake o secuela, las comparaciones iban a ser inevitables. ‘El buscavidas’ es uno de los filmes capitales del cine americano de los años sesenta, y un título mítico dentro de la dilatada y fascinante carrera de Newman. ‘El color del dinero’ parte desde la inferioridad estética y, sin embargo, se erige en un poderoso retrato de la ambición, el peso del pasado, la redención, el reencontrarse con uno mismo. Un relato áspero, acerado, poco complaciente con el espectador, que indaga de manera incisiva en la personalidad de un sujeto a menudo despreciable o moralmente ambiguo, cuya lucha interior por averiguar quién diablos fue una vez es una de las peripecias más emocionantes del cine americano de los años ochenta. De modo que esta extraña ‘road movie’ es de obligado visionado para todos los scorsesianos, y también para los que no lo son.

Reelaborando el mito

Ahora puede parecer quizá sorprendente, pero la Fox no quería a Tom Cruise como compañero de viaje de Newman, lo que unido a su insatisfacción respecto a los cambios del guión, y lo que significaban de alteración del proyecto inicial, terminaron por apearse del mismo, con lo que a punto estuvo de suceder algo parecido a lo que sufrió Scorsese con ‘La última tentación de Cristo’. Suerte que la Touchstone salió enseguida al rescate y el rodaje pudo comenzar. Todavía no se había estrenado ‘Top Gun: ídolos del aire’ (‘Top Gun’, Tony Scott, 1986) y algunos dudaban de la capacidad de Cruise de participar en un filme importante. No así Scorsese, que nunca tuvo dudas de que era el idóneo para el importante personaje de Vincent Lauria. El tercer vértice de ese triángulo lo ocupó la gran actriz, que en la última década apenas ha hecho cine, Mary Elizabeth Mastrantonio, para el astuto y manipulador personaje de Carmen. Por apenas trece millones de dólares, y después de tan solo cuarenta y nueve días de rodaje, el filme pasó a manos de la montadora Thelma Schoonmaker. Buena parte del mérito fue del operador Michael Ballhaus, garantía de calidad y rapidez, y de la nueva esposa de Scorsese, Bárbara De Fina, que llevaría a cabo labores de producción por primera vez (la primera de muchas) en la carrera de su ahora ex-marido.

Ballhaus y Scorsese se propusieron un estilo visual marcadamente distanciado de la sensacional fotografía que Eugen Schüfftan había creado para la película de Rossen. Eso sí, en primer lugar Scorsese había pensado en usar también el blanco y negro, opción luego descartada porque de ese modo el rompimiento con la película de 1961 era total. En muchos sentidos, el trabajo de Ballhaus es opuesto al de Schüfftan: escasa profundidad de campo en momentos clave, proliferación de teleobjetivos, movimientos de cámara veloces y vertiginosos, abundancia de grano. Todo eso sumado a una paleta de colores muy limitada, para dar una sensación otoñal y melancólica permanente, que contrasta, de manera premeditada, con el colorido de las bolas de billar. Pero es que la puesta en escena de Scorsese, vigorosa, dinámica hasta el paroxismo, está muy alejada de la serenidad y de los espacios y ritmos escénicos de Rossen. Para Scorsese la mesa de billar es para Felson, lo que el ring para Jake LaMotta, un espacio de emociones dinámicas incontenibles, y se entrega a ello con fervor, haciendo pedazos la dramaturgia clásica para adentrarse con mayor furia en el alma de sus criaturas.

Se trataba de acercarse de nuevo a la figura de un Eddie Felson que había sufrido, y de qué manera, las consecuencias de la primera película y del paso del tiempo. Y si en ‘El buscavidas’ era el viaje de un perdedor en busca de su propia autoestima y respeto por sí mismo, en ‘El color del dinero’ se iniciaba una nueva búsqueda, pero esta vez para encontrar la pasión y la vitalidad perdidas. E incluso algo mucho más profundo: aquella persona que un día fuimos y que los avatares y el paso del tiempo nos hiicieron olvidar por completo. De hecho, al principio de la historia Felson es un tipo muy parecido a Bert Gordon (George C. Scott), y sin ningún interés real por nada que no sea el whiskey (para beberlo y venderlo). Se limita a enseñar a sus pupilos a ganar el máximo dinero posible en apuestas propias, aunque eso signifique empezar perdiendo muchas partidas de billar. El acontecimiento que hace virar ciento ochenta grados la vida de Felson es el encontronazo (sólo así se puede definir la secuencia) con Vincent Lauria, un muchacho chuleta y algo atolondrado con unas dotes excepcionales para el billar. Se siente identificado con ese muchacho, como si recuperase parte de lo que un día él fue, y juntos, con la compañía de la novia de él, parten en un viaje de negocios (aparente) y autoconocimiento (velado).

Creo que Tom Cruise está muy bien como el discípulo aventajado, aunque capaz de cometer muchas estupideces, de Felson. Por supuesto que esta es la película de Paul Newman, pero la leyenda tenía la suficiente experiencia como para saber que sin buenos aliados, la propia interpretación queda insuficiente, y aquí Cruise y Mastrantonio cumplen con creces, sin diferencias de nivel apreciables. Es una pena que Cruise haya optado por un camino mucho más trillado y convencional en su carrera, que sin duda le ha reportado mucha fama y dinero, pero que ha echado a perder un gran talento como el suyo, salvo en escasas excepciones. Scorsese los dirige muy bien a todos, y cuentan que llegó a lograr una gran complicidad con Newman, el cual está muy sobrio y contenido durante todo el metraje, en perfecta consonancia con la cascada emocional de su atormentado interior. Así, mientras Vincent Lauria se va transformando un poco en el cínico Felson, Felson ejecuta un viaje inverso, empieza a despreciar el dinero (sensacional la declaración de intenciones reproducida arriba del todo) y a darse cuenta de que necesita otra cosa para estar en paz consigo mismo.

Los mejores trabajos de Scorsese, los más emocionantes también, son aquellos en los que el gran realizador despliega todo su poderío visual, su energía en la puesta en escena, para apoyar, sugerir, mostrar, describir o potenciar los sentimientos, las emociones y las ideas de sus personajes. En otras palabras, unos movimientos de cámara, alejamientos y acercamientos veloces, ralentizaciones de la imagen, siempre al servicio de lo que quiere contar, y no a la inversa. Si Scorsese es el gran director que muchos veneramos, es porque es uno de los que más se ha esforzado en desarrollar la puesta en escena como herramienta narrativa, más que como una cuarta pared a la manera del teatro. Con él la cámara deviene un ser vivo e inquieto, y sus posibilidades expresivas se acrecientan. Cierto que no lo consigue siempre, ni con la misma coherencia, pero ‘El color del dinero’ es uno de los exponentes más importantes de esta idea. Cineasta de la mirada y de la compasión (los grandes cineastas creo que lo son), aquí da una clase magistral de dirección al servicio de una historia ajena.

Conclusión

El relativo éxito de ‘El color del dinero’, además del Oscar que le proporcionó a Paul Newman, sumado al también relativo, pero significativo en su trayectoria, éxito de ‘After Hours’, fueron mucho más importantes para su futura carrera de lo que a veces se ha dicho. Después de varios desastres económicos, o simplemente proyectos de nula repercusión en taquilla, y del fracaso a la hora de levantar el proyecto de Cristo, Scorsese necesitaba afianzarse en la industria, demostrar y demostrarse que podía encargarse de proyectos ajenos manteniendo su propia parcela creativa y su estilo de autor, y logrando una recaudación aceptable. No me cabe duda de que fueron cruciales para que, por fin, lograse llevar a cabo ‘La última tentación de Cristo’ (‘The Last Temptation of Christ’, 1988), de la que hablaremos en unos días.

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A menudo hablamos en Blogdecine, tanto los redactores como nuestros comentaristas, sobre las diferencias entre cine comercial y cine de autor, y sobre la necesidad de que el segundo prevalezca sobre el primero en cuanto a coraje y riesgo. Pero una cosa no quita la otra, y el cine comercial ha ofrecido hitos importantísimos desde el invento de este soporte audiovisual, demostrando que lo comercial puede y debe ser universal, y que el talento no está reñido con ello, y que lo excepcional tampoco. Y maravillas irrepetibles como ‘El golpe’ son buena prueba de ello.

Hoy día, claro, su director, George Roy Hill, es un hombre olvidado por los cinéfilos, o casi. Tampoco es cuestión de convertir a cada director olvidado en un genio universal por el mero hecho de haber dirigido un par de películas maravillosas (en su caso, la otra sería la melancólica ‘Dos hombres y un destino’), pero no hay duda del inmenso talento narrativo de Hill, y de su pasión por contar historias más grandes que la vida, no olvidándose jamás del carácter mortal y a menudo miserable de sus personajes.

‘El golpe’ iba a ser un filme de timadores de bajo presupuesto, y su guionista, David S. Ward, tenía intención de dirigirla. Sin embargo, con un guión de tal perfección (basado muy libremente en la novela ‘The Big Con’, de David W. Maurer) era imposible pasar desapercibido para grandes nombres de la industria, y Hill se empeñó con el proyecto y la maquinaria de Hollywood (la única capaz de levantar algo tan hermoso) se puso en funcionamiento. Para algunos, iba a ser el reencuentro comercial de dos actores que ya habían triunfado en el mencionado western ‘Dos hombres y un destino’. El resto es leyenda.

La gran depresión, a ritmo de Scott Joplin

La primera secuencia es uno de los muchos momentos absolutamente magistrales de la película. Una cola de indigentes se ve desmentida por el paso vivaz y sobrado de un tipo con traje y mocasines. En realidad, es un correo de la mafia, cuya responsabilidad consiste en transportar dinero negro (obtenido en tugurios ilegales) a su dueño. El tipo se ve asaltado por unos timadores que consiguen arrebatárselo sin que se de cuenta (y con un truco que no vamos a desvelar aquí). Los timadores son, por supuesto, Johnny Hooker (un Redford de 37 años que interpreta sin dificultad a un personaje una década más joven) y Luther Coleman (excelente Robert Earl Jones, sí, el padre de James Earl Jones…). Ambos no saben dónde se meten, y la venganza del dueño de ese dinero será terrible.

De este modo, la imagen de Luther, y su ausencia, marcan la película. Él es el motivo de la contra-venganza de Hooker, dispuesto a saltarse varios cursos (o varias ligas) para aprender a timar a lo grande y arruinar al asesino de su mentor. Contacta con otro mentor, el inefable y encantador Henry Gondorff (un Paul Newman de casi 48 años, que se entrega con pasión a un personaje bastante secundario, aunque quizá con las mejores escenas y diálogos) y ambos, maestro y pupilo, inician una de las aventuras más recordadas en los últimos 40 años de cine.

Es justo decir que los temas musicales de Scott Joplin (retocados por el gran Marvin Hamlisch) en realidad son completamente anacrónicos respecto a la trama y su marco histórico. Nos encontramos a mediados de la década de los 30, y la música Ragtime de Joplin es, por lo menos, dos décadas más antigua. Pero aceptamos esta trampa musical porque los temas (todos ellos) van como anillo al dedo con la historia. Les otorga a las imágenes su carácter al mismo tiempo juguetón y melancólico, y reviste el conjunto de una gran elegancia. Aunque al conjunto, precisamente lo que no le falta, es elegancia.

Los decorados y la dirección artística de Henry Bumstead y James W. Payne, así como el diseño de vestuario de la legendaria Edith Head, logran el milagro de crear un mundo ya desaparecido hasta el más nimio detalle, alcanzando así una hazaña mil veces alabada y que ha servido de referencia a tantos diseñadores. Decir que esta recreación de los años 30 es magistral sería faltar a la verdad: sencillamente es un prodigio de la imaginación, el trabajo y el talento. Tugurios, salones, hoteles, bares, hostales, calles, trenes, andenes, vehículos, despachos, casas de apuestas, trajes, abrigos, sombreros, iluminación. Una verdadera gozada.

Por otro lado, la labor del director de fotografía, el no menos legendario Robert Surtees (que obtuvo nada menos que dieciséis nominaciones a los Oscar, de las cuales se alzó tres veces con la dorada estatuilla, aunque no por esta película) es asombrosa por contenida, sobria y capaz de ofrecer un aspecto en sereno equilibrio entre lo clásico y lo moderno. Empleó una relación de imagen de 1.85:1 y lentes esféricas de Panavision, con propensión a primar los tonos marrones o amarillentos, en un estilo de tratar el cine de época que llegaría a su máxima expresión (y manierismo) en la obra maestra de Francis Ford Coppola ‘El padrino, parte II’, un año después.

Cine sobre el cine

En realidad, ‘El golpe’ es una película sobre el prodigio de la mentira del cine, sobre el modo en que el cine juega con nuestra incredulidad y construye una realidad aparente y completamente autónoma y llena de vida. En ese sentido, nosotros estamos en una situación más cercana a la del despiadado Doyle Lonnegan (un impresionante Robert Shaw, dos años antes de dar vida al genial Quint de ‘Tiburón’) que a la de Hooker o Gondorff. A fin de cuentas, aunque tenemos más información que el mafioso, el guionista y el director se complacen en metérnosla doblada con el tema del FBI (y que no se lleve nadie las manos a la cabeza, porque continúo sin desvelar nada).

Es decir, que el guión es de una perfección tan inusitada, que cuenta una mentira dentro de otra mentira, nos hace sentir privilegiados de conocer ambas mentiras, pero en el corazón de esa mentira reside otra (aunque no sería justo hablar de mentiras, quizá sí lo sería de falsas apariencias) que redondea de manera fabulosa la relación entre Gondorff y Hooker. En medio de todo ello, somos testigos de la fabricación de esa apariencia. Es extraordinario ver cómo se maquillan, cómo eligen la ropa, cómo construyen el decorado de la casa de apuestas. En realidad, es un falso ‘making of’ de la película.

Pero, y por si todo esto fuera poco, ‘El golpe’ propone una mitificación y un poético homenaje al pasado. Hay una preciosa secuencia que confirma lo que estoy diciendo: la noche antes de la culminación de la estafa, Hooker camina solo por las calles, como un alma en pena, yendo a parar a la cama de alguien que no es lo que parece. Suena la música de Joplin. Por encima de las apariencias, las recreaciones, los juegos y las aventuras, Hill desborda con su compasiva mirada sobre un tiempo y sus gentes. De pronto, la estafa nos importa poco, pues un existencialismo feroz preside toda la secuencia, como si Hill fuera consciente del vacío de Hooker, de su soledad, de su necesidad de emociones fuertes para dar sentido a una vida que carece de ella.

“¿Te gustaría disculparte? Prueba de nuevo…”

-John Rooney

No me cansaré de lamentar en ésta página que muchos aficionados al cine no sepan discernir, por lo que parece, un término medio entre una obra maestra (qué manido está ya el concepto, y qué pocos parecen comprenderlo) y una basura, cuando en realidad hay muchos términos medios. En lugar de una pirámide ancha, donde las obras mediocres ocuparían la base, tenemos sólo base (malos filmes) o cúspide (buenísimos filmes). No creo que sea la forma más interesante de analizar y reflexionar sobre las películas que vemos. ‘Camino a la perdición’ no estaría en la base, pero tampoco en la cúspide de esa pirámide. Ocuparía un puesto intermedio.

Muchos claman la genialidad de este largometraje, como uno de los más hermosos de la fecunda tradición del cine negro. Yo no diría tanto, habría que ponerla en su justo lugar. Es sin duda una película de una factura impecable, que se ve más que bien, divierte y crea tensión, pero no puede situarse a la altura de mitos del cine negro como ‘Laura’, ‘Retorno al pasado’ o ‘Perdición’. Ni siquiera de una más reciente como ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller’s Crossing’, por favor). Sus indudables virtudes no logran soslayar su predecibilidad y su esquematismo, y sus maravillosos actores (casi todos) no logran trascender una puesta en escena excesivamente aséptica.

Vamos por partes. Antes que nada, advertir que el título original no se traduciría como ‘Camino a la perdición’, sino como ‘Camino a Perdición’, que es el pueblecito de destino de los dos Michael Sullivan. En inglés juegan con el doble sentido del título, pero claro, España no es un país precisamente dado a las sutilezas. Y la perdición a la que alude el título viene originada por una rivalidad entre el hijo de un poderoso mafioso irlandés y el hombre preferido de este. Una tragedia de gran oscuridad a la que precisamente le falta un poco más de eso, de oscuridad, y un guión (basado en la novela gráfica de Max Allan Collins, que tampoco era ninguna maravilla) incapaz de sorprender en ningún momento.

El clan de los irlandeses

Toda la historia es un recuerdo, o un flash-back, del crío protagonista (un buen Tyler Hoechlin, que no ha hecho nada desde entonces) acerca de los acontecimientos que terminaron con la vida de su padre, un temido matón a sueldo cuyo jefe (un alucinante Paul Newman) era casi un padre para él. Es, en realidad, la historia de dos padres y sus hijos, y una bella parábola sobre la eterna dificultad de comunicarse con las personas a las que más nos parecemos y a las que más queremos. Y comienza muy bien, con la fiesta por el funeral de un socio del clan, en la que nos presentarán a todos los personajes y en la que iremos comprendiendo la complicada madeja que mueve a todos ellos hacia un destino sangriento y desolador.

Imposible no recordar las secuencias iniciales de cualquier parte de ‘El Padrino’, aunque Sam Mendes, que venía de ganar el Oscar con la excelente ‘American Beauty’, sabe desmarcarse de Coppola con habilidad y buen tino. Hay en su puesta en escena humildad y contención, y una cierta melancolía de un mundo irreal que en cualquier momento puede desmoronarse. Ya desde esa secuencia se percibe el fenomenal trabajo de Conrad L. Hall, aunque también algo tendente al preciosismo injustificado, como en ese exageradamente bello plano del cigarrillo humeante.

También se hace evidente que el fuerte de Mendes es, sin duda, la dirección de actores. El más grande de todos ellos, cómo no, un Paul Newman en estado de gracia, que con cerca de 77 años no tenía nada que demostrar a nadie, y que está sencillamente perfecto. Su personaje resulta encantador y artero al mismo tiempo, entrañable y temible, tierno y tenebroso. En comparación, Tom Hanks firma un trabajo muy sólido pero poco creíble. No hay manera de imaginarse a este buen chico americano como un impasible asesino irlandés, aunque su caracterización es meritoria.

A la blandenguería de Hanks se opone un Daniel Craig magnífico, que demuestra lo buen actor que siempre ha sido, con esos ojos azules como agujas que se clavan en su interlocutor. Un bombón de personaje el suyo, como también lo es el personaje de un sorprendente Jude Law (el ogro de este cuento de hadas), que se olvida por una vez de hacerse el divo y se afea para componer a un asesino memorable. Lástima que su personaje sea, simplemente, una excusa argumental para darle más tensión al viaje, y no tenga más presencia, y también es lástima que no exista enfrentamiento final entre ambos “hijos”, sino simplemente una ejecución.

Pero ya desde que en el funeral se dibuja la futura línea dramática, y esa es la mejor secuencia de la película, nos encontramos con un argumento que podemos anticipar a cada segundo. El espectador sabe, incluso mucho antes que el crío, que va a espiar las actividades de su padre, y que el psicópata de Craig va a tomarlo como excusa, y que Michael Sullivan va a quedarse solo en su cruzada. Todo está contado con precisión, y el terrible asesinato de la mujer de Sullivan (inolvidable Jennifer Jason Leigh) tiene momentos excelentes, como el descubrimiento de los cadáveres por parte del niño, y el tenso reflejo en el espejo del asesino.

Sin embargo, el relato se vuelve renqueante a partir de ese momento, con altibajos clarísimos, y en los que lo más interesante es la relación de los Sullivan, abandonados a su suerte. El intento de Michael Sullivan padre por demostrar a John Rooney que su hijo Connor, además de asesino despiadado, le está engañando con sus cuentas, da lugar a un bloque sin interés, al que le falta vuelo dramático, sólo punteado por la implacable persecución del fotógrafo. Sabe a muy poco. Y la reconciliación entre padre e hijo parece ya otra película. El regreso final de Hanks, con su venganza terrible, también está forzadísimo.

Una de las secuencias más autocomplacientes que se recuerdan, ese tiroteo bajo la lluvia, aunque eso sí, magníficamente ejecutado, con un travelling lateral en cámara lenta, sin apenas cortes, y una sensacional fotografía de Hall. Es el climax de la película, con la posterior muerte del hijo, y ciertamente sabe a poco. Como sabe a muy poco la conclusión, tremendamente previsible, con el fotógrafo de Law esperándole en la casa de la playa. Por supuesto el hijo no dispara, sino que es el padre moribundo el que remata a Law. Así el asesino Sullivan puede morir tranquilo: su hijo no es como él, o por lo menos ha aprendido la lección. Otra gran historia americana, por tanto, en la que los malos son buenos, y todos aprenden una lección, y los malvados son castigados.

Conclusión

Mucho menos arrojada, mucho más académica que ‘American Beauty’, ‘Camino a la perdición’ es una película con un acabado perfecto y varias secuencias estupendas que, sin embargo, no consiguen levantar el conjunto a la excelencia. Mendes dirige con sabiduría, pero sin pasión. Sin riesgo no hay gloria. Muy lejos de la “obra maestra” que tantos admiran.

“Claro que te emborrachaste. Tenías la mejor excusa en el mundo para perder. No hay ningún problema si pierdes con una buena excusa. Ganar, puede ser una gran carga. Puedes soltar esa carga cuando tienes una excusa. Lo único que tienes que hacer es aprender a sentir pena por tí mismo. Uno de los más populares deportes de interior: sentir pena por uno mismo. Deporte disfrutado por todos, especialmente los perdedores natos.”

- Bert Gordon

Este demoledor discurso, que es un mazazo de verdad incontestable, despiadado, demoledor, lo pronuncia un personaje fascinante, al que da vida el gran George C. Scott, un tipejo despreciable y ruin hasta extremos inimaginables, que se alimenta del talento y de la pasión de otros. Sin duda, hay muchos individuos abyectos como él en el mundo, que utilizan sin escrúpulos a cualquier pringao que nazca con un don, con el único objetivo de hacer dinero. Aquí, Gordon saca tajada, porque puede, y le da mucho dinero, primero del Gordo de Minnesota (inolvidable Jackie Gleason), y luego de Eddie Felson, al que llaman “el rápido”.

Sin duda, una de las películas más turbias, moralmente, y más sórdidas, visualmente, de toda la historia del cine americano. Su director, Robert Rossen, había sufrido el desprecio de sus colegas de profesión, por haberse ablandado y haber “dado algunos nombres”, en la infame caza de brujas orquestada por el demente senador McCarthy. Y en 1960 había regresado a su país, después de autoexiliarse a Europa. ‘El buscavidas’ sería su penúltima película como director. Y nunca estuvo tan descarnado, tan verdadero, tan impresionante. ‘El buscavidas’ cabalga junto a ‘The Searchers’, ‘El apartamento’ o ‘Sed de mal’.

En realidad, Eddie quiere vencer al que, en teoría, es el mejor del país. El Gordo. Seguramente no lo sea a un nivel profesional. Pero hay prestigios que en los bajos fondos tienen más valor que en la burguesa vida real. Y ese es uno de ellos, pues sus credenciales se acuñan con sangre y navajazos. Algo parecido a este duelo intentó hacer Curtis Hanson en la estimable ’8 millas’, con un primer duelo fallido, y la preparación para el segundo, que dura toda la película. Pero no llegó a esto ni por asomo, porque la tragedia de Eddie es, siempre, él mismo, y Paul Newman, interpretándole, logra una de esos milagros que se llaman belleza.

Creer en uno mismo

Es decir, estamos en una historia que va sobre creer en uno mismo. Pero además de eso, sobre amarse a uno mismo, que viene a ser idéntica cosa. Y a Felson eso no se le da muy bien, precisamente. El título original, ‘The Hustler’, no puede ser más estimulante. Aunque el español tampoco le viene mal a esta historia. Por muy buen jugador de billar que sea, Eddie se siente un perdedor, un deshecho, y eso nadie lo puede remediar, aunque el extraño ángel redentor personificado en la menuda figura de Sarah Packard (trágica Piper Laurie) lo intente una y otra vez, inasequible al desaliento.

Porque esto, en el fondo, es un relato mitológico. Por el alma de Felson pugnarán su despiadado “socio” (su dueño, con la correa de espinas bien apretada), el siniestro Bert Gordon, y la extrañamente dulce, extraviada y generosa Sarah, mientras él se debate entre uno y otro, y acaba perdiéndolo todo. Aunque, por supuesto, a Eddie siempre le restará una cosa para recompensar a su dignidad: vencer de una santa vez al Gordo de Minnesota. Pero como en todo relato trágico, lo importante no es que le venza, sino el camino que tiene que recorrer para darse cuenta de que puede hacerlo.

Dos partidas muy diferentes entre sí, aunque ambas duren varias horas, y manejen miles de dólares. Pero lo importante nunca fue el dinero, aunque Bert Gordon, que es el dueño de ambos, no se de cuenta. La mesa de billar como escenario mismo, en el que las pasiones y las redenciones tienen lugar y se fusionan, para dar sentido a una vida que, fuera de ese cuadrado, no tiene sentido ninguno. El billar no como lienzo, sino como marco de la expiación, de la culpa, de la fraternidad, de la miseria humanas.

Un estilo sobrio y conmovedor

Si Rossen hubiera podido desarrollar una carrera más fluida y más libre, seguramente su nombre ahora estaría al lado de Billy Wilder y Howard Hawks, por ejemplo. Pero ya no importa. Importa hablar de que ‘El buscavidas’ sí poseía una mirada libérrima y desesperanzada. La de un hombre que ya lo había vivido todo, y al que solo le quedaba un escalón más en su vida, el de la muerte, que escenificó en la lírica ‘Lilith’.

En ‘The Hustler’ Rossen se introduce con valentía estremecedora, brutal, en la vida de un hombre sin pasado y sin futuro, que vive el presente como puede, y que, según sus propias palabras, “no reconocería el amor ni aunque se cruzase con él en la calle”. Y lo hace apoyado en una memorable música Jazz de Kenyon Hopkins, que le otorga un acompasado ritmo, casi ligero, a la historia, con un profundo contraste con lo que está contando. Y, claro, la fotografía de Eugene Shuftan, cuyo blanco y negro tantos han querido imitar, y la dirección artística de Harry Horner, nos trasladan a un mundo sin esperanza, frío y descorazonador, con interior espesos, que se pueden cortar a cuchillo.

Rossen filma con unos encuadres de una precisión asombrosa, logrando una profundidad de campo pocas veces vista antes de 1961, pero imprescindible para poder contar las aristas emocionales de esta historia, y el desasogiego y la tensión de un jugador de billar y de un buscavidas. Hay algo teatral en su puesta en escena, pero algo que le beneficia: entregar a sus actores el protagonismo absoluto de la puesta en escena, en lugar de intentar asombrarnos con ella. La sobriedad es la norma, en la conquista de una conmoción para el espectador, que se nos sirve por la dolorosa verdad de las cosas que nos cuenta.

‘X-Men Quadrilogy’

Aunque ya se han lanzado varias versiones de los mutantes, ahora podemos hacernos con este pack completo que contiene todos los títulos juntos. Es decir, tenemos ‘X-Men’, ‘X-Men 2’, ‘X-Men 3: La decisión final’ y la más reciente ‘X-Men Orígenes: Lobezno’. Disponibles tanto en DVD como en Blu-Ray y con un llamativo estuche metálico acorde con la recopilación. No está mal el precio si antes no compramos algún título suelto de la saga o si queremos hacer un regalo a algún fan de los X-Men, ya que ronda los 32 euros en DVD y los 75 euros en Blu-Ray. Aunque me temo que no será la última edición de la saga y por ello muchos la obviaran. Con razón.

Críticas en Blogdecine:

• ‘X-Men orígenes: Lobezno’, la peor cara de Hollywood

• ‘X-Men orígenes: Lobezno’, simplificando

‘Coco: De la rebeldía a la Leyenda de Chanel’

Esta biopic de Coco Chanel protagonizada por Audrey Tautou pasó sin hacer demasiado ruido por la cartelera (cierto que la película es bastante insulsa, lo que ayudó a ello), así que ahora en la versión doméstica tenemos una ocasión ideal para recuperarla o bien, si queremos darle una segunda oportunidad. La versión lanzada por Warner incluye algún contenido extra que se agradece, como es un documental, el making off y comentarios de la directora y escritora Anne Fontaine.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Coco: De la rebeldía a la leyenda de Chanel’, el cigarro mágico

‘Noche en el Museo’ (Pack 1 y 2)

La exitosa primera entrega de la cinta protagonizada por Ben Stiller dio para una segunda parte y ahora, para su más acérrimos fans se lanza esta edición con las dos películas en un sólo pack. Comedia con abundantes (y excelentes) efectos especiales para ver en familia, sobre todo en compañía de los más peques. La historia es bien conocida: Larry trabaja como vigilante nocturno en el Museo y al caer la noche todas las criaturas de la exposición cobran vida. Una aventura llena de personajes, momentos cómicos y mucha acción. A pesar del varapalo de la crítica, fueron muy taquilleras y recaudaron bastante dinero. No sé si esta edición en DVD estará a la altura, pero al menos resulta atractiva una edición con las dos películas juntas.

‘Lawrence de Arabia’ (Edición Especial)

Un clásico imprescindible. Una película épica, asombrosa, con grandes interpretaciones (Peter O’Toole, Alec Guiness, Anthony Quinn, Omar Sharif,...), un dirección magistral a cargo de David Lean y una música inolvidable de Maurice Jarre. Todo ello presentado en una edición especial en estuche metálico y acompañado, en sus dos discos, de interesante material adicional (cómo se hizo, tráiler original, conversación con Steven Spielberg,...). Lo cierto es que se trata de una edición muy bien cuidada que los más cinéfilos sabrán apreciar, aunque ya salió una hace años, esta resulta muy interesante. Y, además, se trata de una película que hay que ver periódicamente, aunque por su extensión requiere de la tranquilidad y el tiempo para sumergirse en esta apasionante historia.

‘Dragonball Evolution’

La esperada película basada en la serie Bola de Dragón fue un título muy esperado por muchos en cines. Mucho se habló de ella, aunque el resultado parece que logró más decepciones que alegrías. En cualquier caso, para los que se quieran recrear con esta cinta de acción protagonizada por Goku, pueden hacerlo con esta edición doméstica, que viene acompañada de contenido adicional, para complementar a la película: desde comentarios, a escenas eliminadas, además de tomas falsas y el cómo se hizo.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Dragonball Evolution’, un desastre

‘Crepúsculo’ (Edición Especial Twilighter)

Si todavía hay alguien que no ha visto ‘Crepúsculo’ o no la adquirido en DVD, ahora tiene una nueva ocasión, aprovechando su nuevo apogeo con la siguiente entrega de la saga a punto de llegar a las carteleras. Esta edición contiene nada menos que 3 discos, un nuevo packaging, 4 postales oficiales y un poster exclusivo de ‘Luna nueva’, además de una entrada para verla en cines (ojo que es edición limitada). Vamos que no le falta de nada y, ciertamente, es buen gancho para los más incondicionales de Bella Swan y Edward Cullen (por 37 euros). Aunque se han vendido muchas copias, con varias ediciones, parece que lo traer una entrada para ver ‘Luna nueva’ seguro que hace morder el anzuelo a muchos.

Cofre Paul Newman

Warner lanza varios cofres metálicos y destacamos este dedicado al gran Paul Newman. Contiene nada menos que siete discos a un precio que ronda los 40 euros. Podemos disfrutar de algunos de los mejores trabajos del mítico actor, y destaco la selección realizada en esta edición en DVD, porque incluye títulos muy interesantes: ‘El Cáliz de Plata’, ‘Para Ella Un Sólo Hombre’, ‘Cuatro Confesiones’, ‘El Día del Fin del Mundo’, ‘Dulce Pájaro de Juventud’, ‘El Coloso en Llamas’ y ‘Raquel, Raquel’. No son los que más prestigio le dieran, pero bien merecen un hueco en su excelente filmografía. Muy hetereogénea, pero atractiva recopilación. Otros cofres especiales son: Doris Day, Alfred Hitchcock, John Wayne, Natalie Wood, Ingrid Bergman, Sinatra o Tarzán.

Vía | Zona DVD

Adiós. Era lo que nos faltaba. Si ya eran pocos los remakes que no vemos con buenos ojos, ahora nos amenazan con una nueva versión de ‘Dos hombres y un destino’, sin más, uno de los mejores westerns de toda la historia del cine, y por ende, una de las mejores películas jamás filmadas. George Roy Hill, que sólo volvió a estar tan inspirado en ‘El golpe’, dirigió a Robert Redford y Paul Newman en este mítico film, que conocerá una nueva visión con Tom Cruise y John Travolta recogiendo el testigo. ¿Dónde puedo esconderme?

Cruise ama el film original desde que lo vio a la edad de 8 años, y siempre soñó con la idea de hacer un remake. Incluso se comenta que el propio Paul Newman dio su bendición al proyecto poco antes de morir. Cruise interpretaría a Sundance (en el original Robert Redford) y Travolta a Butch Cassidy. Repito, para los que aún tenéis la boca abierta y el corazón está a punto de jugaros una mala pasada: Tom Cruise interpretará a Sundance Kid (esto no nos preocupa demasiado) y John Travolta (sí, el John Travolta de siempre) dará vida a Butch Cassidy.

Y ahora me retiro a mis aposentos a seguir fumando marihuana para olvidarme de este mundo cruel, porque en un oscuro futuro veremos el remake de ‘Dos hombres y un destino’. Supongo que la titularán ‘Dos iluminados y un destino’. Y no me pidáis que explique el chiste, por favor.

Vía | Worstpreviews

‘La conspiración del pánico’

Director: D.J. Caruso

Intérpretes: Shia LaBeouf, Michelle Monaghan, Michael Chiklis, Ethan Embry, Rosario Dawson, Anthony Mackie, Billy Bob Thorton, Anthony Azizi

Película de acción, bastante mejor de lo esperado, sobre todo gracias a una espectacularidad bien entendida y a una total falta de pretensiones, aún cuando pretenden homenajear a cierto mítico film de Sci-Fi. Se editan dos ediciones, una para pobres y otra para ricos, que es la que interesa. El famoso disco de extras trae un final alternativo (dentro de nada todas las películas tendrán varios finales para explotar el mercado al máximo), documentales del rodaje y curiosidades varias. Servidor no se la comprará porque ya le llegó con verla en el cine.

Críticas en Blogdecine:

• ‘La conspiración del pánico’, de Spielberg a Michael Bay

• ‘La Conspiración del Pánico’, el loco atentado de la hermana de HAL

‘Hermanos por pelotas’

Director: Adam McKay

Interpretes: Will Ferrell, John C. Reilly, Mary Steenburguen, Richard Jenkins, Adam Scott, Kathryn Hahn, Andrea Savage, Lurie Poston, Elizabeth Yozamp

John C. Reilly suele ser excusa suficiente para ver cualquier película, y más aún si está acompañado de Steenburguen o Jenkins. Pero la sola presencia de Will Ferrell me produce urticaria. No la he visto en su estreno en cine, ni creo que la disfrute ahora que se edita en DVD, es muy probable que no me pierda nada. La edición viene acompañada de unos pocos extras con comentarios de algunos de los actores y el director; escenas eliminadas y un documental.

Críticas en Blogdecine:

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• ‘Hermanos por pelotas’ (‘Step Brothers’), una buena idea desaprovechada

‘The Punisher (El castigador)’ – Versión extendida

Director: Jonathan Hensleigh

Intérpretes: Thomas Jane, John Travolta, A. Russell Andrews, Omar Avila, James Carpinello, Mark Collie, Russ Comegys, Antoni Corone, Rick Elmhurst, Ben Foster

Oportunista edición con un montón de extras de esta película que, personalmente me parece una de las peores adaptaciones que se han hecho jamás de un personaje de cómic. Jane es demasiado blando para el papel, y Travolta resulta demasiado paródico. La violencia es descafeinada, y de la trama mejor no hablar a no ser que queramos romper a reír. Entre los numerosos extras podemos encontrarnos con varios reportajes sobre el rodaje de la película, una escena eliminada, y una galería de portadas del cómic. Vamos, para perder el tiempo.

‘Una conejita en el campus’

Director: ¿A quién le importa?

Intérpretes: Anna Faris, Colin Hanks, Emma Stone, Kat Dennings, Hugh M. Hefner, Christopher McDonald, Beverly D´Angelo, Katharine McPhee, Rumer Willis

Una comedia en la que se narra la historia de una expulsada de la mansión Playboy que terminará cambiando las vidas de un grupo de chicas universitarias poco integradas socialmente. Ya me imagino las artimañas que utilizará para lograrlo. Escenas eliminadas, un vídeo musical y poco más en los extras. ¿Alguien va a comprar esta película? Ni siquiera mi compañera Beatriz, tan amante de la comedia moderna como es, se ha dignado a hablar de ella en el blog en caso de que la hubiera visto, que no me extrañaría nada.

‘Atrapado en un pirado’

Director: Brian Robbins

Intérpretes: Eddie Murphy, Scott Caan, Elizabeth Banks, Gabrielle Union, Pat Kilbane, Mike O´Malley, Judah Friedlander, Kevin Hart

Esta vez, Murpphy da vida nada más y nada menos que a una nave alineígena (así, como suena) que llega a nuestro planeta buscando la solución para salvar el suyo. Entre nosotros enseguida se enamorará de una mujer, y tendrá que lidiar con sus sentimientos y toda la tripulación que lleva en su interior. Delirante. La edición contiene varios extras, como un final alternativo, documentales de rodaje, escenas eliminadas, tomas falsas, etc. Repito la pregunta de la película anterior: ¿Alguien va a comprarla?

‘El nido vacío’

Director: Daniel Burman

Intérpretes: Oscar Martínez, Cecilia Roth, Carlos Bermejo, Inés Efron, Eugenia Capizzano, Omar Núñez, Jean Pierre Noher, Ron Richter

Película intimista sobre un escritor en crisis, que prefiere esconderse de los problemas que afrontarlos, y prácticamente le disgusta todo lo que le rodea. Interesante a ratos, y bastante pretenciosa en otros, resulta ejemplar la manera de concluirla y poco más. Eso sí, las interpretaciones son de primer orden. El DVD viene con los típicos extras, o sea, poca cosa.

Crítica en Blogdecine:

• ‘El nido vacío’, inteligente retrato psicológico de un hombre en crisis

‘El premio’

Director: Mark Robson

Intérpretes: Paul Newman, Edward G. Robinson, Diane Baker, Elke Sommer, Sergio Fantoni, Kevin McCarthy, Gérad Oury, Sacha Pitoëff

Ejemplar thriller de suspense en el que Newman da vid a un ganador del premio Nobel que, observando un raro comportamiento entre sus colegas en Suecia, decidirá por su cuenta investigar una serie de extraños acontecimientos, descubirendo cosas inesperadas. El por lo general, correcto Robson, demuestra aquí un dominio narrativo inusitado, que le acerca al mismísimo Hitchocock. De hecho, si nos dijeran que la película está firmada por Don Alfredo, todos nos lo creeríamos. Se trata de una ecición especial de coleccionistas, pero de momento no se tiene información al respecto, a no ser que la única diferencia que haya con la anterior edición (editada hace apenas unas semanas) sea la de que ésta trae subtítulos en castellano para que los amantes del verdadero cine podamos disfrutarla.

‘Lars y una chica de verdad’

Director: Craig Gillespie

Intérpretes: Ryan Gosling, Emily Mortimer

Ingeniosa comedia que habla sobre la incomunicación y el aceptar a loas demás tal y como son. por momento se vuelve algo repetitiva, e incluso tiene algún bajón de ritmo, pero es una de las propuestas más originales vista en los últimos años. El DVD al parecer viene pelado de extras. Pues muy mal, podrían haber editado una de esas “para coleccionistas” con una muñeca hinchable de regalo. Lo que iban a vender.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Lars y una chica de verdad’, qué pedazo de freak
• ‘Lars y una chica de verdad’, brillante alegoría sobre la soledad

• ‘Lars y una Chica de Verdad’, incomunicación

‘Los limoneros’

Director: Eran Riklis

Intérpretes: Hiam Abbass, Ali Suliman, Danny Leshman, Doron Tavory, Rona Lipaz-Michael, Amnon Wolf, Amos Lavi, Linon Banares, Makram Khoury

Película que tuvo un sonado éxito de público en el pasado Festival de Berlín, que cuenta una historia con el eterno conflicto palestino-israelí de fondo. Una mujer palestina se enfrenta el ministro de Defensa isaraelí, pues su casa linda con su campo de limoneros, los cuales son considerados una amenaza para la vida familiar del ministro y ordenan que los talen. La mujer pondrá todo su empeño en impedirlo. El DVD viene con muy pocos extras.

‘Recuerda’

Director: Alfred Hitchcock

Intérpretes: Ingrid Bergman, Gregory Peck, Michael Chekhov, Leo G. Carroll, John Emery, Steven Geray, Paul Harvey, Donald Curtis

Reedición de una de las obras maestras de Alfred Hitchcock, en cuya concepción trabajó el mismísimo Dalí. Un acercamiento del maestro del suspense al psicoanálisis que despierta tanto rechazo como fascinación. Servidor se encuentra entre los segundos. Peck da vida al nuevo director de un centro psiquiátrico con problema de amnesia y un gran complejo de culpabilidad. Una doctora le ayudará a desenmarañar el enigma de su mente. Imprescindible.

Más información | Zona DVD

Nada, que aquí estamos otra vez, sentados frente al ordenador y hablando otra vez de ‘Vicky Cristina Barcelona’, la que por el momento es la última película estrenada en cines de Woody Allen, ese genio neoyorquino que nunca debió pensar en hacer cine en este país (lo siento, como fiel y terrible fan suyo, no soporto que se rebajara al nivel de esta cosa que transcurre en territorio español). Es el DVD de la semana, en todo caso, aunque también hay otros títulos que sin duda harán temblar vuestras carteras. Vamos a echar un vistazo a las novedades más significativas.

• ‘Vicky Cristina Barcelona’

Así es, a partir de esta semana, los que lo pasaron bien con este caro publirreportaje firmado por Woody Allen podéis adquirirlo en DVD y llevarlo a casa, donde, si el reproductor quiere, podréis volver a revivir las hermosas postales de Barcelona y Oviedo, la cargante voz en off y los ligeros líos amorosos que protagonizan Scarlett Johansson, Javier Bardem, Rebecca Hall y Penélope Cruz, quien parece que se va a llevar un Oscar por su interpretación (en mi opinión, un premio exagerado, pero es verdad que su aparición en pantalla mejora el aburrido conjunto). Si vais a la tienda, encontraréis dos ediciones, una simple, con fichas y selección de fotos (chorrada donde las haya), y otra llamada “especial” por incluir un CD con la banda sonora, donde por supuesto está incluido ese horrendo tema perpetrado por Giulia y los Tellarini.

Críticas en Blogdecine:

‘Vicky Cristina Barcelona’, un Woody irregular

Vicky Cristina Barcelona ¿Woody?

‘Vicky Cristina Barcelona’, las dos americanas y el amor

• ‘JCVD’

Jean-Claude Van Damme se rebela, se desmitifica y sorprende, en definitiva, protagonizando este interesante drama/thriller con abundantes referencias a su vida personal y profesional, a su imagen de estrella del cine de acción. Una película demasiado artificiosa que no aprovecha todo su potencial, pero que en todo caso funciona, aunque sólo sea como entretenimiento o curiosidad en torno a la figura del actor belga. El DVD, en caso de que pienses comprarlo, trae dos discos con abundante y jugoso material extra, desde audio-comentarios del director a escenas eliminadas. Una compra imprescindible para los fans de Van Damme, si es que no sienten que su ídolo les ha traicionado (que puede ser).

Críticas en Blogdecine:

‘JCVD’, un cóctel mal agitado

JCVD, la confesión de Van Damme

• ‘Expediente Anwar’

Gavin Hood quiere instalarse en Hollywood tras tocar el cielo con ‘Tsotsi’, ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y nos ofrece este thriller que critica la polémica política estadounidense con los inmigrantes árabes tras el 11-S. El miedo mueve a las autoridades a detener a cualquier sospechoso de terrorista, y la ley les permite retenerlo hasta que confiese lo que ellos deseen. Sin embargo, y a pesar de un reparto más que llamativo (Jake Gyllenhaal, Reese Witherspoon, Alan Arkin, Peter Sarsgaard y Meryl Streep), el film carece de fuerza, está lleno de tópicos y no queda en la retina, si bien se deja ver, definitivamente no es una mala película. El DVD viene cargadito de contenido extra: audio-comentario del director, escenas eliminadas, trailer y making of, entre otras cosas.

Crítica en Blogdecine:

‘Expediente Anwar’, superficial denuncia

• ‘Hace mucho que te quiero’

Drama al servicio de la estupenda actriz Kristin Scott Thomas, a la que desgraciadamente no vemos muy a menudo, por cuyo trabajo fue nominada al Globo de Oro (se lo arrebató la arrolladora Kate Winslet). La película, que pasó fugazmente por nuestras carteleras, está dirigida por Philippe Claudel y nos cuenta la historia de una mujer que sale en libertad después de pasar quince años en la cárcel y se queda a vivir con su hermana menor, lo que provocará todo tipo de conflictos, originados por secretos y rencores del pasado. El DVD viene con extras interesantes, como una entrevista al director y secuencias inéditas.

• Colección Paul Newman

Con motivo del fallecimiento de la gran estrella, aún reciente en nuestra memoria, sale a la venta una serie de títulos que sin duda resultarán de interés para todos los aficionados al cine, especialmente los que más siguieron la trayectoria del actor, uno de los más queridos y admirados de toda la Historia del cine. Las películas son: ‘Cuatro confesiones’, ‘El cáliz de fuego’, ‘El día del fin del mundo’, ‘El juez de la horca’, ‘La ciudad frente a mí’, ‘Los indeseables’, ‘Para ella un solo hombre’ y ‘Raquel, Raquel’ (debut de Newman como director).

Otros títulos interesantes que salen a la venta son ‘Nostalgia’ de Andrei Tarkovsky, y ‘Ginger & Fred’ de Federico Fellini. De ambas tenéis dos ediciones, una simple y una especial, con tres discos en el caso de la película de Fellini y dos en la de Tarkovsky. Por último, destacar que también pueden adquirirse, desde esta semana, las magníficas ediciones especiales de dos clásicos como ‘El fantasma de la ópera’ de Rupert Julian, y ‘Cyrano de Bergerac’ de Augusto Genina.

Pd: Se me había pasado que también sale a la venta ‘Wanted (Se busca)’; tenéis tres ediciones, una simple, una especial, con dos discos, y una para coleccionistas, con dos discos, postales, un film clip y un libreto.

Vía | ZonaDVD