En mi personal concepción del cine, tiendo a clasificar las películas que veo (y veo las que considero importantes, no me hace falta ver la mayoría de las películas que se estrenan para saber que no merecen la pena) según los directores. Y al igual que en un libro de arte renacentista de finales del siglo XV y principios del XVI, en el que se nombraban a los grandes escultores o pintores, y después a los menos grandes pero también importantes, y finalmente a los simplemente dignos de mención, ignorando a todos los demás, imagino un libro de arte cinematográfico (que nunca escribiré...) en el que se nombra a los colosos de finales del siglo XX y principios del XXI, después a grandes directores, y finalmente a directores valiosos pero no grandes, cada uno contribuyendo al desarrollo del arte del cine con su estilo particular y con el talento, la fuerza y la originalidad que llevan dentro. En el último de estos grupos podría situar a gente valiosa como David Fincher, en el segundo a gente grande como John Carpenter o Clint Eastwood, y en el primero a colosos como Francis Ford Coppola, Zhang Yimou, Terrence Malick, Roman Polanski, Martin Scorsese y desde luego a Paul Thomas Anderson.

Su tercer largometraje, tras el rotundo éxito de la tremebunda ‘Boogie Nights’ (id, 1997), que a golpe de talento le situó en la órbita de los directores más importantes de su generación, rivalizando además con los más célebres de la generación del New Hollywood, a quienes tanto ama y tanto debe, llegó cuando su creador contaba, tan solo, con veintinueve años. Y siendo ‘Magnolia’ (id, 1999) no solamente la mejor película norteamericana del año en que vio la luz, sino probablemente una de las más bellas, profundas, enigmáticas, singulares y poderosas películas norteamericanas en muchas décadas, empezamos a hacernos una idea de lo que Anderson consiguió siendo todavía tan joven. Existen pocos placeres comparables a escribir sobre las películas de nuestra vida (y el único superior es volver a verlas), porque haciéndolo no solamente se les rinde homenaje y veneración, sobre todo uno aspira a contribuir en algo a que universalmente sean reconocidas entre lo más hermoso y emocionante que se puede ver en una pantalla, y así uno pueda formar parte de ellas, aunque sólo sea dejando por escrito la propia, e infinita, admiración.

Lo verdaderamente grandioso parece tocado por una serie de milagros entrelazados, que en realidad son lo que un gran poeta definió una vez como “obligar a la naturaleza, casi al universo, a plegarse a tu talento”. Que finalizando el siglo, un siglo marcado por el cine, en un año que además trajo películas tan importantes como ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, M. Night Shyamalan), ‘Hoy empieza todo’ (‘Ça commence aujourd’hui’, Bertrand Tavernier), ‘American Beauty’ (id, Sam Mendes), ‘Una historia verdadera’ (‘The Straight Story’, David Lynch), ‘El club de la lucha’ (‘Fight Club’, David Fincher), aparezca ‘Magnolia’ situándose por encima de todas ellas es, de por sí, una hazaña asombrosa. Y se sitúa por encima no por unas pocas, sino por muchas razones, que incluyen uno de los mejores guiones narrativos que se han escrito jamás, uno de los más asombrosos repartos de intérpretes en estado de gracia que posiblemente nadie haya disfrutado en una pantalla, una de las puestas en escena más audaces y valientes a las que cualquier realizador pueda aspirar, y una de las historias más ricas en matices y personajes, y más originales en desarrollo y ejecución, que imaginar quepa. Vamos por partes, pero vamos a por ella ¿os parece?

Un concurso televisivo, una docena de vidas cruzadas

‘Magnolia’ narra unas pocas horas de vida de una serie de personajes que, sin saberlo, están profunda e inevitablemente ligados en sus, a veces trágicos, a menudo patéticos, destinos. Pero antes de zambullirse en ese relato, obtenemos un prólogo en el que se nos cuentan tres increíbles casualidades, narradas por Ricky Jay (que también encarnará al director del crucial concurso televisivo, no por capricho), casualidades que nada tienen que ver, temáticamente, con la historia que se nos va a contar, pero que establecen el tono moral y cómicamente trágico (o trágicamente cómico) de ‘Magnolia’. No pueden tomarse de otra forma la historia de tres asesinos cuyos apellidos, unidos, formaban el nombre de la calle donde vivía su víctima; la del homicidio disfrazado de salvamento por parte de un piloto de hidroavión contra el submarinista/crupier que le dejó sin blanca; o la del adolescente que quería suicidarse y terminó muriendo por homicidio asistido gracias a las peleas de sus padres. Sólo es el principio. Con el enérgico ‘One’ de Aimee Mann arrancando a toda potencia, llega el primer momento magistral de la película: la presentación de todos y cada uno de los personajes principales. Presentación presidida por un dinamismo visual que envidiaría el propio Scorsese, con una precisión a la hora de definir a los personajes gracias a un golpe de vista que ni Elia Kazan sería capaz de igualar, y con una ironía y un descaro adolescente que convierten al vivo ingenio de Billy Wilder en un talento casi corriente.

Seguiremos al presentador de un mítico concurso televisivo que acaba de enterarse de que se está muriendo, a un exaltado seminarista que ayuda a los hombres a follarse a cualquier mujer que deseen por muy difícil que les parezca, a un policía lleno de buenas intenciones pero solitario y lleno también de complejos, a un moribundo al que le quedan pocas horas de vida, a la atractiva y caótica esposa de ese moribundo que debe afrontar el hecho de que va a perderle de forma inminente, al enfermero compasivo de ese moribundo, a un chaval que es la estrella del concurso televisivo antes nombrado y cuyo padre es un tipo despreciable, a un antiguo concursante de ese mismo programa y ahora hombre maduro cuya vida es gris y solitaria y cuyas inclinaciones sexuales le llenan de dudas y de sufrimiento, y finalmente a la hija del presentador del concurso cuya miserable existencia sólo se ve alterada por el consumo desenfrenado de drogas y el sexo con desconocidos. Ya ‘Boogie Nights’ se erigía en un relato coral realmente notable y lleno de vida, pero aquí Anderson llega más allá, enriqueciendo y dignificando mucho más a sus caracteres. Y, lo que es más importante, construyendo un laberíntico collage en el que la ordenación y la suma de los acontecimientos nos conduce, inexorablemente, hacia la salida de ese laberinto: una salida que no por imprevisible es menos conmovedora e inolvidable, pues, como si de un demiurgo se tratara, teje una plausible predestinación con tanta destreza que nos parece normal que una rana en caída libre impida que un hombre se suicide de un disparo.

P. T. Anderson, que asistió un solo día a la escuela de cine y se largó de allí porque se aburría mortalmente (exactamente lo mismo que tendríamos que haber hecho muchos con según qué escuelas de cine…), alguien a quien por tanto se puede considerar un autodidacta ejemplar, desempeñó numerosas funciones en la industria televisiva y cinematográfica antes de dirigir su famoso primer corto y de convertirse en cineasta. Uno de esas funciones fue la de asistente de dirección en un concurso televisivo muy parecido al de ‘Magnolia’. Y una vez confirmado el éxito de crítica y público de ‘Boogie Nights’, Anderson tuvo libertad para hacer la película que él quisiera, y se encerró durante meses, alejándose de la vorágine de todo lo que estaba significando su segunda película, a escribir el que sería, según sus propias palabras, “uno de los cinco mejores guiones de todos los tiempos”. Afirmación apasionada e inocente que así debe ser tomada, más que como un acto de prepotencia, pues Anderson ama a todos y cada uno de sus imperfectos personajes, y ama el cine más allá de todo lo concecible, y ama su condición de cineasta y la posibilidad de escribir y dirigir el cine que lleva dentro, pues ‘Magnolia’ es la confluencia de una serie de talentos enormes y de una época de plena y feliz creatividad.

Perdónate, sálvame

Decir que Tom Cruise está formidable como Frank T. J. Mackey sería faltar a la verdad. Cruise está en el papel de su vida. Nunca se le vio mejor, ni antes ni después de este personaje. En ningún momento existe el menor fingimiento en su trabajo, viviendo la escena al límite. Hay un momento en que, con su máscara de tipo duro resquebrajándose, la cámara aguanta con él durante varios minutos sin cortar el plano, en primer término, y en los ojos abismales de Cruise, en su energía de actor de raza, vemos a un gigante de la interpretación. Su viaje, el del hijo que ha de perdonar a un padre lamentable, es el tema principal de la obra de Anderson: la orfandad, la paternidad como algo monstruoso pero digno de la oportunidad del perdón. Cruise pasa absolutamente por todos los estados de ánimo imaginables: la exaltación, la confianza, la furia, la duda, el arrepentimiento, la culpa, el odio, el amor como única salida. Pero sería injusto no citar a todos los actores, pues todos ellos están como jamás estuvieron. ¡Qué precioso homenaje al gran Jason Robards, que moriría precisamente de cáncer de pulmón como su personaje en la película! Qué patético el personaje de William H. Macy (uno de los habituales de la “troupe” de Anderson), escuchando continuamente y no por casualidad ‘Dreams’ de Gabrielle, quien sabes que jamás podrá conseguir unos sueños irreales pero que ha de perdonarse sus muchos errores, como los de todos los personajes de la película.

Porque más que el tema del perdón del otro, creo que ‘Magnolia’ va sobre perdonarse a uno mismo (algo mucho más difícil, complicado y doloroso…) y sobre ser capaces de pedirle a otros que nos entiendan y que nos acepten en nuestra deforme humanidad. Así, Linda Partridge (una impresionante Julianne Moore, la actriz predilecta de Anderson, cuya secuencia de la farmacia me pone los pelos de punta) sufre una bestial culpabilidad por haberle sido infiel a su marido, ignorante de que él le ha sido infiel a ella también muchas veces, pero que a pesar de todo sigue amándola tanto como ella sigue amándole a él ahora que se está muriendo. Así, Claudia Wilson Gator (magnífica Melora Walters) es incapaz de perdonar a su padre presentador de concurso por unos malos tratos infantiles más que probables, pero menos capaz aún de perdonarse a sí misma el no respetarse y no quererse como debería, llevando una vida oscura y triste. Pero tampoco su padre es capaz de perdonarse y por eso quizá esté sufriendo un cáncer mortal. Y aunque el chaval concursante es capaz de perdonar una y otra vez al estúpido de su padre, esto le vale de poco porque no va a conseguir que le quiera y respete como merece, así que no le queda más remedio que perdonarse a sí mismo su debilidad y sus sentimientos.

Anderson emplea el concurso como una excusa, como un núcleo a partir del cual se ramifican las experiencias de todas sus criaturas. Y, a diferencia del siempre sobrevalorado Robert Altman en ‘Vidas cruzadas’ (‘Short Cuts’, 1993), película que compartía a Julianne Moore, no se pone por encima de ellas, no las juzga, sino que las comprende y les perdona siempre, aunque a veces esto es realmente difícil. Por ejemplo, Anderson se alinea claramente con Claudia (el plano final de la película es buena prueba de ello), pero no necesariamente comparte su forma de hacer las cosas, ya que no se priva de mostrarla como una chica incapaz de llevar bien su propia vida o de relacionarse con los demás. Pero es en los individuos realmente despreciables cuando Anderson echa el resto. Me refiero al padre de Claudia, Jimmy Gator, interpretado de manera majestuosa por Philip Baker Hall, sobre el que pesa la sombra del abuso infantil (además de sus reiteradas infidelidades a su mujer), y que protagoniza un momento sublime, durante el concurso, derrumbándose definitivamente por la culpa y la pena. No menos sublime es el perdón casi póstumo de Frank a su padre, pese a lo mucho que sufrió por su culpa, con Cruise rompiendo a llorar entre espasmos de odio y furia. Todo esto es indicio de un director de actores superdotado, algo confirmado en sus películas posteriores, capaz de ensamblar con pasmosa facilidad un reparto tan extenso, y de extraer de ellos momentos irrepetibles.

El concurso, por tanto, estallará en docenas de piezas que, como satélites, se comunicarán unos con otros durante tres horas y diez minutos (¡nada menos!) que se hacen cortos. Anderson, en complicidad absoluta con el operador de todas sus películas, Robert Elswit, mueve la cámara sin parar un momento, y cuando por fin se detiene, el tiempo se dilata y se comprime a su antojo. Travellings laterales, de acercamiento, de alejamiento, frontales, quebrados…que se combinan con planos muy serenos, muy estáticos, en los que se percibe cada respiración. Y nada de esto da sensación de arbitrariedad o de capricho (aunque aún se perciben algunos ramalazos del cine indie norteamericano de primeros noventa, con esos interludios que nos informan de la humedad del aire y la probabilidad de lluvia…de ranas), ni en ningún momento deviene en desequilibrio formal. Muy al contrario, asombra la elegancia y la pertinencia de cada decisión formal de Anderson, con una dirección de fotografía magistral de Elswitt, en ineludible aspect ratio 2.35:1, en formato anamórfico de 35 mm en Panavisión. El resultado es una imagen impecable que también cuenta con un prólogo filmado con cámara Pathe de 1909, y con el resto del metraje con grano finísimo y gran colorido y contraste de luz. Basta observar las imágenes que acompañan este texto para hacerse una idea de la perfección alcanzada por Elswit y Anderson.

El relato llega al paroxismo absoluto y Anderson no tiene miedo de introducir una escena netamente musical, con todos sus personajes principales cantando ‘Wise Up’, de nuevo de Aimee Mann, que perfectamente podrían estar escuchando y tarareando gracias a una radio y a una emisora común. Por supuesto, la letra de la canción habla sobre muchos de los temas de la película, como la necesaria madurez emocional, enfrentarse a los miedos, dejar atrás un pasado que, como dice Donnie, siempre vuelve a machacarnos en los peores momentos. Y ya, una vez terminado este homenaje al cine musical, Anderson deja libre su imaginación y propone la famosa lluvia de ranas, a la que tanta gente ha buscado un innecesario significado, más allá de la casualidad suprema, y de la necesidad de Anderson de subir aún más la intensidad, con la despedida silenciosa de Frank a su padre, el precio que debe pagar Donnie por su crimen, o la mirada alucinada de un niño solitario que parece apreciar cosas que nadie puede. De un plumazo, Anderson funde cine surrealista, con musical, con cine indie, con melodramático, con trágico, sin olvidar el guiño a ‘2001, una odisea del espacio’ (‘2001, A Space Odyssey’, Stanley Kubrick, 1968), guiño este último que no creo que sea la única razón por la que Alberto Abuín, por ejemplo, compañero y coordinador de Blogdecine, admira esta película sin límites y la considera una de las mejores de los 90, o por la que ganara, por aclamación, el Oso de Oro del Festival de Berlín. Pero más allá de premios, o de recaudaciones (en Estados Unidos ni siquiera cubrió gastos…), ‘Magnolia’ convoca lo mejor de nosotros mismos y convierte al cine en algo mucho más verdadero e imprescindible de lo que es a menudo.

Conclusiones e imagen favorita

Con casi total seguridad, el techo de la carrera de Anderson, al menos de momento. Pero parece muy difícil que en un futuro vuelva a repetir algo de este calibre. Con su talento, no me parece descabellado esperarlo, pero ‘Magnolia’ se mantiene de momento como su obra magna, dentro de una carrera extraordinaria. Como son nueve películas en una, y cada una de ellas podría haber dado un largometraje independiente de gran potencia, me es muy difícil elegir una sola imagen, pero el rostro desencajado de Cruise en el lecho de muerte de su padre es algo indescriptible.

Que después de dos de las mejores películas de la historia del cine norteamericano, ‘Boogie Nights’ (id, 1997) y ‘Magnolia’ (id, 1999), Anderson se niegue a continuar por el mismo camino, y se embarque en un proyecto tan extraño y refrescante como ‘Punch-Drunk Love’ (que me perdone el lector si no utilizo su abominable título español, aún peor que ‘Pozos de ambición’...), es la certificación de los enormes huevos de este cineasta. Este (aparente) paso atrás, es la negativa de Anderson de dormirse en los laureles de prestigio de sus dos excepcionales relatos corales, y la confirmación de que es capaz de lanzarse al suicidio de un nuevo comienzo estético, en el que todavía perviven algunos inconfundibles sellos de identidad de su cine anterior, mientras que en gran parte parece la obra de un nuevo cineasta, recién salido de la escuela de cine. O mejor dicho, como un niño que olvidase todo lo aprendido, cogiera una cámara, y escribiera una historia con imágenes.

Se ha dicho de todo acerca de esta película: inclasificable, insólita comedia romántica, boba, genial, impredecible, aburrida, extravagente, surrealista, incluso dadaísta… Puede que tenga algo de todo eso, no lo sé. Pero yo añadiría la palabra que mejor le cuadra, bajo mi punto de vista: libérrima. Tras el homenaje al entrañable y desaparecido mundo del porno californiano de los años setenta, y a la interconexión universal del ser humano de sus dos anteriores trabajos, Anderson se centra ahora en la soledad de un carácter casi insoportable, un individuo que muy pocos harían el protagonista de su historia, y en la intensa e incontrolable relación que surge con una misteriosa mujer, que quizá sea la única que se ha fijado en él en décadas… De ahí surge una de las aventuras de la imaginación más barrocas y complejas de analizar de los últimos años, probablemente la más incomprendida de su director, que sin embargo, de forma casi enigmática, preparaba el terreno para su posterior, y genial, ‘There Will Be Blood’ (id, 2007).

Lo cierto es que en su historia pueden encontrarse ecos de títulos no muy lejanos como ‘Mejor…imposible’ (‘As Good as It Gets’, James L. Brooks, 1998), así como puede considerarse un cierto preámbulo para el laberinto narrativo de ‘Olvídate de mí’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, 2004), con la que comparte compositor musical, el a veces fabuloso Jon Brion. Pero en verdad no se encuentran equivalentes, al menos nítidos, en el cine reciente, y basta la secuencia de apertura para constatar este hecho: un individuo perennemente vestido de azul (nuestro protagonista, Barry Egan, interpretado por el casi siempre recalcitrante Adam Sandler) mantiene una absurda conversación telefónica, luego sale de su lugar de trabajo (una fría nave industrial) y presencia un accidente automolístico, seguido por el chocante abandono de un armonio en mitad de la calle, justo delante de él. Nada más empezar, Anderson fija perfectamente el terreno en el que vamos a movernos, que nadie se lleve a engaño.

Quizá por eso las referencias a lo surrealista o a lo dadaísta no andan muy desencaminadas, aunque quizá sería injusto limitarse a ellas. La mirada libre y desprejuiciada del niño travieso Anderson no juzga, pues solamente muestra, unos acontecimientos no tan singulares como parece a primera vista, aunque condicionados por una puesta en escena algo más sobria de lo que suele ser habitual en él. Pero también: sólo en apariencia, pues gracias a ella Anderson puede mostrar en imágenes los sentimientos y las emociones de su personaje, tan ambivalentes y alteradas que se corría el riesgo de una caída en lo retórico o en lo superficial. Pero esa caída nunca ocurre, ya que el cineasta, una vez más, es capaz de desplegar una gran comprensión y sobre todo compasión por sus criaturas, por muy imperfectas que estas sean. Su cámara adquiere en algunas secuencias los rasgos nerviosos de otras películas suyas, pero está más atemperada, más serena. Sin embargo, su magistral uso del sonido y el espacio, contribuyen a una sensación de aplastamiento y agobio realmente admirables.

Porque si en la futura ‘There Will be Blood’ la mujer parece casi proscrita, aquí la mujer, la mayoría de ellas, son mostradas en su vertiente más dañina, exceptuando la tolerante y luminosa presencia de Lena (la maravillosa Emily Watson, muy alejada también de lo que suelen ofrecerle…). La obsesión de Anderson por el dolor que provoca la figura paterna, aquí se ve sustituida por el vampirismo de las siete (!) hermanas de Barry, las cuales le ningunean (sospechamos que desde la infancia), le menosprecian y le anulan constantemente, creando en él un sentimiento de inferioridad patológico, y una notable incapacidad para relacionarse con los demás. De ahí la importancia del misterioso armonio, que supongo que significara algo distinto para cada cual: desde la oportunidad de Barry de expresar algo de sí mismo, o un objeto infantil que confirma su quebradizo interior, pasando por un poético y surrealista cambio en la gris vida del protagonista. Barry luchará por olvidar un pasado que niega su misma identidad, y gracias a Lena comenzará a encontrar la fuerza y la dignidad de su interior.

Durante buena parte de la película no sabemos si reir, o llorar, o todo lo contrario. Y cuando ya nos ha quedado claro que no vamos a saberlo ni al final, es más sencillo ir entrando en esta curiosa búsqueda de los complejos resortes emocionales de Barry, y dejarse llevar por el absoluto encanto, y a veces la sordidez, con los que Anderson es capaz de contar su historia, con un magistral empleo del sonido diegético como expresión distorsionada de los sentimientos de Barry, y del color (impagables y cruciales los extraños intertítulos…sin título) como una sinfonía silenciosa que poco a poco va adecuando el estado de ánimo del espectador. La excelente fotografía de Robert Elswitt, capaz de alternar los interiores deficientemente iluminados con los exteriores exuberantes de Hawái, así como el minimalista y psicológico diseño de producción de William Arnold, que en nada desmerece el soberbio trabajo que ya hizo en ‘Magnolia’.

Conclusión y secuencia favorita

Compleja y arriesgada película, que obtuvo el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes, y que muchos seguidores de Anderson no aprecian quizá como se merece. Desde luego, no es fácil de ver, ni es especialmente atractiva, ni es muy agradable salvo en algunos momentos, pero creo que merece mucho la pena. Mi secuencia favorita es, precisamente, todo el bloque de Hawai, que es como una bocanada de aire fresco en la película, y gracias al cual comprendemos un poquito más a ese carácter tan estrafalario, siempre vestido de azul

Algunos dicen que el cine se está muriendo. Puede que sea cierto. Tampoco me importa demasiado, porque de vez en cuando aparece un tipo del talento incontenible, de puro descaro adolescente, de Paul Thomas Anderson y hace una monstruosidad como ‘There Will Be Blood’ (2007), y vuelvo a creer que el cine es algo más que quinientas o seiscientas películas al año (que se estrenen…) cortadas todas por el mismo patrón, y vuelvo a creer que el arte es posible en el siglo XXI, como radiografía despiadada del alma y como tenebrosa descripción del devenir de este desgraciado mundo. Y cuando un tipo como Anderson tiene el coraje de emprender un camino tan lóbrego, y de recorrerlo hasta el final, sin la menor concesión al pobre espectador, vuelvo a creer que el genio artístico es posible, que los colosos de antaño aún disponen de un descendiente a su altura, y que el cine vale para algo más que para entretener los fines de semana.

Si el cine es arte, y muchas veces estoy poco seguro de ello, lo es por tipos como Anderson y por películas como ‘There Will Be Blood’. Hablamos de un tipo que con 27 años hacía ‘Boogie Nights’ (id, 1997), y con 29 hacía ‘Magnolia’ (id, 1999) y se llevaba el Oso de Oro en Berlín. En otras palabras: bajo mi punto de vista negar a Anderson es negar el cine. Cinco años después de la sorprendente e incomprendida ‘Punch-Drunk Love’ (id, 2002), volvía con este extraño, épico y metafísico drama, tan físico como abstracto, que no gira en torno a la perversidad o la avaricia, como muchos han dicho, más bien lo hace alrededor de las únicas chispas de humanidad y amor de un ser tan abyecto y demencial como Daniel Plainview, en otra antológica interpretación del que es, probablemente, el mejor actor vivo, y en un descenso hacia una malignidad como creo que jamás se ha visto en una pantalla de cine.

“Veo lo peor en la gente. No me hace falta ver más allá para conseguir lo que necesito. He construido mis odios a lo largo de los años, poco a poco, Henry…tenerte aquí me da un soplo de aire. No puedo continuar haciendo esto por mí mismo, con esta…gente…”

- Daniel Plainview

La soledad del monstruo

El argumento aparente de este filme es tremendamente sencillo: un experto buscador de petróleo, que luego irá perfeccionando la forma de extraerlo, irá construyendo un vasto imperio petrolífero a lo largo de treinta años, y en la obtención de ese imperio no dudará en hacer lo que haga falta para vencer a todos sus competidores y para alejarse de un mundo que odia con todas sus fuerzas, hasta quedarse completamente solo. Como un tren imparable, pasará por encima de cualquier cosa, especialmente sobre sus propios sentimientos. Daniel Plainview, en su ceñuda aspereza, en sus modales torvos, no es sin embargo un ser carente de sentimientos. Su vida en la película queda marcada por su relación con tres personajes fundamentales: con su hijo, con su hermano y con el cura Eli Sunday. La hazaña más importante de Anderson es la de embarcarse en la observación directa de un tipo tan infame, otorgándole todo protagonismo, narrando con una capacidad de abstracción y de fascinación que no empaña en nada su extraña, casi enajenada compasión por Plainview.

En la pantalla, la presencia femenina queda desterrada casi por completo, salvo la hija de los Sunday y alguna anciana que observamos en la iglesia. Si ‘Punch-Drunk Love’ era casi un relato sobre el vampirismo de las mujeres, ‘There Will Be Blood’ directamente las ignora. Nada sabemos de la verdadera madre de H.W. (así como no sabemos qué esconden esas siglas…), y Daniel se vuelve casi demoníaco cuando le preguntan por ella. De nuevo, el tema principal en el cine de Anderson reaparece aquí, con más fuerza que nunca: la orfandad y la figura del padre como una energía destructiva. El guión sólo está basado muy tangencialmente en la novela ‘Oil!’, de Upton Sinclair, y su resultado final poco tiene que ver. En realidad es una novela de Paul Thomas Anderson, que llevada a la pantalla por él mismo congrega toda la sabiduría y los logros de su cine anterior, hasta convertirse en un director completamente nuevo.

Habiendo adoptado en secreto al bebé de su compañero muerto, ya de niño se referirá a él como su socio, y la relación entre ambos será el corazón del filme. Por mucho que Daniel nos parezca un arribista sin salvación, siente amor por su falso hijo, y se siente terriblemente culpable por el accidente que le deja sordo, y por tener que abandonarle para que otros cuiden de él. Es decir: Plainview ama y sufre, a su manera. Y si le hace daño a su hijo, y es tremendamente cruel al final, lo hace seguramente por un enorme sufrimiento que, según él, le justifica. El bellísimo inserto en el que un anciano Daniel baja por las escaleras y recuerda (o simplemente Anderson recuerda) un momento de felicidad con su hijo de muchos años atrás, es la plena demostración de ese sufrimiento. Otra cosa muy distinta es lo que siente por Eli (un Paul Dano magnífico), un hipócrita sacerdote que tratará de enfrentarse y de humillar a Daniel constantemente. Su rivalidad es algo más que la rivalidad luz-oscuridad, pues si Daniel es la oscuridad, Eli es un mequetrefe, un falso profeta, aún peor que él, pues esconde una codicia semejante envuelta en graves palabras religiosas.

Daniel por fin se sentirá un poco más comprendido cuando llegue su hermano Henry (un excelente Kevin J. O’Connor, siempre un gran secundario con una admirable carrera a sus espaldas), a quien él considera como una parte de él, al tener su misma sangre. Pero cuando descubra que le ha mentido, y que no es realmenten su hermano, a la ira que le produce volver a quedarse solo, se une la culpabilidad de que él también es un falso padre con H.W., y es tremendamente poético que le entierre en un agujero en la tierra que supura petróleo. De hecho, este es un filme eminentemente poético, antes que narrativo: la primera imagen de Daniel es en un pozo oscuro golpeando la roca con su pico, y la extraordinaria música de Jonny Greenwood (mítico guitarrista de Radiohead) sugiere algo diabólico que nace de la tierra, que vive en ella. Cuando sufre una caída que casi lo mata, su agónico “¡no!” es un regreso de la muerte, como si por algún pacto se hubiera hecho inmortal.

Anderson lo filma todo sin prisas, con un soberbio sentido de la atmósfera, más preocupado por investigar el corazón de sus personajes, que por ofrecer una narración entretenida. A pesar de eso, el dinamismo de la puesta en escena, la amplitud de la mirada y la observación de Anderson, son muy notables. Los planos muy largos, las tomas elaboradas, la audacia y belleza de sus secuencias, le certifican como uno de los más profundos y exquisitos directores vivos. Empleando un scope extremo (un aspect ratio de 2.39:1), en perfecta connivencia con su habitual operador Robert Elswitt, extraen una enorme fuerza expresiva de los escenarios naturales de California y Texas, y no me parece descabellado intuir no sólo una gran influencia del trabajo de Néstor Almendros para ‘Días del cielo’ (‘Days of Heaven’, Terrence Malick, 1978), también una enorme influencia del propio Malick, del que probablemente sea el alumno más aventajado.

El diseño de producción, además, es obra del casi legendario Jack Fisk, que en cuarenta años de carrera ha hecho una docena de películas, entre las que se cuentan todas las de Malick, unas pocas de Lynch y algún remake desastroso. Su recreación de finales del siglo XIX y primeras tres décadas del XX es un prodigio de documentación histórica, de verismo, de detallismo, y debió haber ganado el Oscar mucho antes que el ‘Sweeney Todd’ de Tim Burton. Basándose en documentos y fotografías de la época, en numerosa bibliografía y en artistas de aquel entonces, Fisk da vida con su talento a este post-western, que es una crónica de la desaparición de las grandes praderas, de la sustitución de la naturaleza por bosques de metal y grandes mansiones, de cómo el petróleo ha cambiado la faz del mundo y la sociedad del hombre. Y lo hace sin gigantismos (su presupuesto es realmente irrisorio, comparado con otras películas importantes actuales), insinuando más que retratando.

Conclusión a una lírica obra de arte

Decir que ‘There Will Be Blood’ es única es quedarse corto, quizá. Aquel año compitió en los Oscar, y de ocho premios sólo se alzó con dos (mejor actor para Day-Lewis y mejor dirección de fotografía), mientras que la triunfadora fue la insulsa ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, Joel y Ethan Coen), pero como suele suceder con estos premios, poco importa. De hecho, el Oscar ya es poca cosa, y lo hubiera sido para Anderson, que de cinco nominaciones, tiene cero premios, y sigue siendo un director esencial del cine norteamericano. No resulta nada fácil acercarse a las afiladas imágenes de este filme imperecedero, al que se acercarán, estoy seguro de ello, generaciones futuras de cinéfilos, fascinados por su atroz verdad.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘There Will Be Blood. Pozos de ambición’, todo es excesivo (por Beatriz Maldivia)

• ‘There Will Be Blood (Pozos de Ambición)’, la maldición del oro negro (por Juan Luis Caviaro)

• ‘There Will Be Blood’, la avaricia de Paul Thomas Anderson (por Alberto Abuín)

Paul Thomas Anderson tiene nuevo proyecto entre manos. Y esto es una gran noticia, te haya parecido ‘There Will Be Blood’ una obra maestra o un sólido tostón. Dos años después de la película con Daniel Day-Lewis, Anderson, que entre otras cosas nos descubrió que Adam Sandler es capaz de interpretar un personaje serio, está a punto de terminar el guión de su nuevo trabajo, un drama que por ahora tiene el título provisional de ‘The Master’. Al parecer, la película costará en torno a 35 millones de dólares y estará producida por Universal Pictures.

Pero hay otra fantástica noticia en torno a este proyecto y es que la historia estará protagonizada por Philip Seymour Hoffman, sin duda, uno de los mejores actores del planeta; será la quinta película en la que trabaje a las órdenes de Anderson. En esta ocasión, Hoffman interpretará a un carismático líder que en la años 50 crea una organización religiosa que va captando fieles rápidamente. La trama principal de la película se centrará en la relación entre “el maestro” y Freddie, su mano derecha, un joven de unos 20 años que hasta ese momento no sabía qué hacer con su vida. Con el tiempo, el poder de la organización se hará cada vez mayor, y entonces el muchacho comenzará a cuestionar sus valores y sus fines.

Según P.T. Anderson, su película no pretende ser un ataque directo contra la Iglesia de la Cienciología o los Mormones, sino que tiene como propósito explorar la necesidad de la gente de tener fe en un poder superior, así como la línea que separa las creencias de las religiones. Pinta genial.

PD: ¿Cuál es la mejor película de PT Anderson?

Vía | Empire

De entre las muchas parajodas que se pueden desprender del oficio cinematográfico, destaca, por encima incluso del binomio actor-director o del operador-director artístico, el de guionista y director, debido sobre todo, pienso yo, al desconocimiento o simple desdén del público hacia la razón de ser del guión como impulso, a veces una excusa, para hacer realidad un proyecto. El guión, por supuesto, no es más que una estructura en constante mutación, que nunca debería, bajo mi punto de vista, tomarse como un trabajo acabado. Pero como semilla u origen de una película, hay guiones y Guiones, y hay Directores y directores.

Ahora bien, no es lo mismo un director-guionista, que un director que no escribe sus guiones y que recibe propuestas de guionistas o de productores importantes de la industria. La gran mayoría del público fagocitador de películas no tiene ganas ni interés ninguno en encontrar las diferencias, sensibles, entre unos y otros. Pero esas diferencias condicionan, y de qué forma, el resultado final, y de ellas se derivan una serie de paradojas sobre las que resulta muy interesante reflexionar. Otro día hablaremos de la difícil relación entre los directores de fotografía y los directores artísticos, hoy nos centraremos en hablar del guión, y sus relaciones con la industria y el espectador.

Yo creo que hay cuatro tipos de directores:

1. Los directores-guionistas: autores absolutos del guión.

2. Los directores-coguionistas: que participan en la elaboración del guión, con un gran porcentaje de autoría sobre el mismo.

3. Los directores escritores no acreditados: que aunque no son considerados guionistas, ni por ellos mismos, lo cierto es que durante el rodaje o en preproducción aportan numerosas ideas o soluciones cruciales para el resultado final.

4. Los directores que no escriben: y que simplemente se dedican a dirigir guiones o proyectos ajenos, es decir, mercenarios a sueldo.

Supongo que los que me lean con cierta regularidad se imaginarán qué grupo es el que más respeto. Por supuesto que en cada uno de estos grupos hay directores legendarios que se han ganado a pulso esa leyenda, pero no creo que sea lo mismo estar en uno que en otro. Aunque hay matices, por supuesto. Si hablamos del grupo 3, ese en el que los directores no van de guionistas pero participan activamente en el guión, hay nombres ilustres como los de John Ford o Ernst Lubitsch, auténticos emblemas de ese grupo. Con su sola personalidad, además, atraían historias, o compraban los derechos de las mismas, y con guionistas con los que se sentían a gusto hablaban de temas que les eran muy propios.

El gran Ford, que en sus mejores tiempos tenía un gran margen de maniobra y era capaz de elegir las historias sobre las que hablaba, no necesitaba firmar los guiones para sentirse más autor. El gran Lubitsch escribía argumentos y luego instaba a escritores a hacer el trabajo sucio mientras él pulía con su deslumbrante ingenio cualquier detalle en el rodaje. Pero en general se suele considerar, sobre todo en los últimos tiempos, más autor a un director que escribe sus propios guiones, esa es la primera parajoda. Y yo creo que ocurre esto porque lo que más abunda son los directores del cuarto grupo, que simplemente filman historias muy diferentes entre sí. Aunque algunos de estos, como Ridley Scott, son considerados autores. Vaya usted a saber por qué.

Otra paradoja: hay directores que escriben sus propios guiones, en solitario (grupo 1), y o bien su labor de dirección es muy superior a su labor como guionista, con lo que muchos nos preguntamos por qué no intentan trabajar con alguien en sus guiones o delegar ese trabajo completamente en otros; o bien lo contrario, son mucho mejores guionistas que directores, y nos preguntamos por qué se echan a perder tan buenos guiones suyos. Un ejemplo muy bueno del primer grupo es Almodóvar, que ha evolucionado ostensiblemente como realizador, pero que sigue firmando unos guiones con defectos muy grandes que un guionista de fuste no se permitiría. Y un ejemplo del segundo es Lawrence Kasdan, un excelente guionista y un soso director.

Más paradojas: a menudo oigo la idiotez de que un director, sobre todo uno novel, no tiene derecho a escribir su propio guión, mientras un guionista de talento probado tiene todo el derecho a intentar sentarse en la silla de dirección. Es una afirmación que nunca jamás he comprendido. Por supuesto que si uno tiene la oportunidad de dirigir una película, puede intentarlo, pero muy pocos guionistas ilustres (sólo me viene a la cabeza Billy Wilder), han pasado a la dirección con éxito, en general han pasado por la experiencia sin pena ni gloria, provocando total indiferencia. Creo firmemente que o se valora demasiado al guión, o demasiado poco.

Pero, y ya para ir terminando con el asunto, no comprendo cómo se puede valorar de la misma manera a una película que, como proyecto, se hace realidad gracias a la tenacidad del director que escribe su propio guión y que lucha por hacerlo realidad, que a un proyecto cuyo director ha recibido por correo el libreto y que accede a dirigirlo con el proyecto ya en marcha. Además, creo que, salvo grandes artistas como los ya mencionados, el director ha de ser el autor del guión, en solitario, en compañía o de tapadillo (grupos 1, 2, 3), de lo contrario se origina una contradicción insuperable entre los intereses del guionista (a fin de cuentas, un artista también con sus temas y estilo) y los del director.

No en vano los más grandes cineastas, bajo mi punto de vista, del cine actual son o bien del grupo 1 (James Cameron, Terrence Malick, Paul Thomas Anderson) o del 2 (Zhang Yimou, Víctor Erice, Roman Polanski). Y el que quizá es el más grande vivo, Francis Ford Coppola, tiene en sus mejores películas aquellas que ha escrito solo o en compañía. Pero así seguimos, valorando lo mismo a directores mercenarios que, por ejemplo, a uno de los más grandes de la historia, James Cameron, que escribe en solitario proyectos grandiosos, los produce, busca la inversión y se encarga de la puesta en escena. Igualito que Scott, Zack Snyder, Ron Howard y otros, vamos, equiparables.

No sé qué pensará el lector, pero las cosas caen por su propio peso, creo yo.

El pasado viernes fue un día de estrenos fuertes en España. De una vez nos llegó lo último de dos de los mejores directores actuales, ‘Sweeney Todd’, de Tim Burton, y ‘There Will be Blood’, de Paul Thomas Anderson. De la primera ya di mi opinión hace un par de días y ahora paso a la segunda. Con 8 nominaciones a los Oscar (incluyendo mejor película, director y actor principal), lo nuevo de P.T. Anderson, con el gran Daniel Day-Lewis al frente del reparto, prometía ser una de las mejores películas del año. Así me lo pareció, y así lo dije, cuando vi su primer trailer. Sin embargo, como pasó con la del barbero asesino, el producto final no ha llegado al nivel de las (altísimas) expectativas. No es esa obra maestra que esperaba; “sólo” es una buena película, interesante, con momentos brillantes y otros muy prescindibles.

Basada en ‘Oil!’, la novela de Upton Sinclair, ‘There Will Be Blood: Pozos de Ambición’ gira en torno a Daniel Plainview, un prospector de Texas de comienzos del siglo XX, en los primeros años del negocio del petróleo. Un magnate hecho a sí mismo que va acompañado de su hijo adoptivo, H.W. en busca de nuevos territorios donde obtener el preciado oro negro. Un misterioso joven, que luego resulta ser el líder de una secta religiosa, le pondrá sobre la pista de Little Boston, un pueblo con abundante petróleo aún por extraer…

La película comienza de forma muy significativa, con un plano de un paisaje desértico, unas montañas, y un extracto musical que va subiendo de intensidad, encogiendo el corazón. Automáticamente, me vino a la mente la idea de que el lugar estaba a punto de presenciar algo oscuro, tenebroso, diabólico. Da la impresión de que hay algo que nos amenaza y que está a punto de explotar (explotará, por supuesto). A continuación, se nos muestra al protagonista, a Daniel (Day-Lewis) Plainview, trabajando obsesivamente, excavando en el suelo. Su esfuerzo dará resultado y encontrará un yacimiento de petróleo. Con un grupo de trabajadores termina su primer pozo productivo. El comienzo de un negocio y de una fortuna. Malditos ambos.

Y es que si algo me queda tras ver ‘There Will be Blood’ es la inquietante sensación que me duró durante casi todo el extenso metraje, de que ese petróleo, ese oro negro, es una maldición que corrompe al que lo desea con todo su alma, transformando al ser humano en un ser artificial, un adicto a ese negro producto del fondo de la tierra. La interpretación de Daniel Day-Lewis, la fotografía (maravillosa) de Robert Elswit, y como he señalado, la composición musical de Jonny Greenwood, orquestados por la mano de Thomas Anderson, forman una aterradora visión del lado oscuro de un hombre que sólo vive para enriquecerse y para odiar a los demás. Definitivamente, la película consigue transmitir la idea de un infierno desatado, de un aplastante y tentador poder que destroza el alma de los hombres.

En este sentido, destaca por méritos propios un impresionante Daniel Day-Lewis, al que parece que van a dar todos los premios existentes por su trabajo en este film. No creo que se los merezca, a lo largo del año hemos visto interpretaciones excepcionales que están siendo injustamente olvidadas por el efecto recencia (lo último que ves, te parece más importante; lo que viste hace tiempo pierde valor). Day-Lewis se mete en la piel del despreciable (pero fascinante) magnate Plainview y nos ofrece una composición perfecta. En su rostro se dibujan todo tipo de expresiones y emociones, pero especialmente le domina el espíritu del personaje: Plainview no soporta nada, odia a todos, sólo quiere triunfar con sus propias ideas y aislarse, vivir solo. Como muestra de la falta de humanidad del personaje, citar dos momentos relacionados con su hijo; el primero es cuando lo abandona para reírse por la suerte de haber encontrado un gran pozo de petróleo, de haber triunfado; el segundo acontece cuando vuelve a ver a unos empresarios en un restaurante y no soporta la idea de que estén ahí delante de él sonriendo y charlando animadamente.

Es cierto que hay un problema con el personaje hacia el final de la película. Day-Lewis exagera mucho en su interpetación y hay momentos en los que parece que estemos viendo una comedia absurda. Sin embargo, creo que no existe otra opción. Plainview está donde quería estar pero su alma está podrida a causa de ese oro negro maldito. Nada tiene sentido y esto tiene que mostrarse de alguna forma. Como lo hace el actor creo que es totalmente válido; llama la atención, desde luego, pero es que el personaje está fuera de sí, ha dejado atrás toda su humanidad para convertirse definitivamente en una sombra monstruosa.

Pero que este grandísimo actor esté tan bien no es de extrañar. Lo que sí sorprende es el fantástico trabajo del joven Paul Dano, nombre al que todos asociamos (normal, su carrera acaba de empezar) con la refrescante ‘Pequeña Miss Sunshine’ (‘Juno’ ha ocupado el puesto de este film en los Oscar). Dano tiene delante a uno de los mejores actores del planeta, con un personaje que le viene como anillo al dedo, y no sólo resiste el duelo, sino que logra, por momentos, que nos fijemos más en él. El personaje de Dano, ese odioso predicador con ansias de poder, de alma tan sucia como la del magnate, es uno de los grandes aciertos de ‘There Will be Blood’. Resulta escandaloso que los miembros de la Academia no hayan premiado al joven actor con una nominación, se la merece tanto como Day-Lewis.

Del resto del reparto, mencionar brevemente el (buen) trabajo de dos actores que tienen menos relevancia de la que, a priori, parece que debieran tener. Me refiero al jovencísimo Dillon Freasier (su personaje va de menos a más) y a Kevin J. O’Connor (no se aprovecha del todo su presencia, ralentizando el relato). El primero interpreta al hijo (adoptado) de Daniel Plainview y el segundo al (falso) hermano de éste. No es casualidad que ambos personajes no sean realmente lo que pretenden ser y comiencen siendo fundamentales en la vida del protagonista, que los necesita para seguir con su vida tal como la quiere vivir, para acabar de forma totalmente opuesta; Plainview llega a la conclusión de que está solo, que nadie puede estar a su altura y que nadie merece su confianza.

‘There Will Be Blood. Pozos de Ambición’ se nos queda como una fascinante pero también fallida propuesta; con un arranque brillante, un desarrollo con altibajos, donde el espectador puede sentirse pegado a la pantalla tan fácilmente como descubrirse sentado en el sillón mirando con indiferencia, aburrido; y un desenlace muy irregular, tan genial como ridículo. P.T. Anderson logra parte de su cometido, gracias sobre todo a los dos actores principales, lo envuelve todo de forma preciosa, pero se deja llevar, abusa del metraje, y no consigue centrar el relato, escapándosele de las manos. No están justificados en absoluto esos 158 minutos, para nada. Hay un buen puñado de secuencias excesivamente lentas, donde se puede cortar y ganar mucho en agilidad narrativa.

Una buena película que da la impresión que no ha ofrecido todo el potencial que llevaba dentro. Desde luego, lo de los Oscar de este año es de traca. Como están haciendo dos de mis compañeros, daré mi particular punto de vista sobre la ceremonia de los premios más lujosos e importantes del séptimo arte, donde, irónicamente, el mejor cine parece que no tiene lugar.

• Otras críticas de la película en Blogdecine:

‘There Will Be Blood. Pozos de ambición’, todo es excesivo (por Beatriz Maldivia)

‘There Will Be Blood’, la avaricia de Paul Thomas Anderson (por Alberto Abuín)

Cuenta Paul Thomas Anderson, genial director con serios problemas de egocentrismo, que antes de enfrascarse en el rodaje de ‘There Will Be Blood’, se estuvo viendo durante todas las noches ‘El Tesoro de Sierra Madre’, la excelente película de John Huston, en la que el personaje al que dio vida un inmenso Humphrey Bogart guarda evidentes paralelismos con el que interpreta Daniel Day-Lewis en la presente película. Una película que está obteniendo unas críticas extraordinarias y ocho nominaciones a los Oscars en la edición que se celebra el próximo domingo.

No me canso de leer por ahí que el film es una mezcla de ‘Gigante’ y ‘Ciudadano Kane’, y lo cierto es que elementos comunes con esas películas las contiene esta mastodóntica obra de Anderson. Pero las hay más con el film de Huston, y también con la obra maestra de Erich Von Stroheim, ‘Avaricia’, de la cual el joven realizador ha parecido apropiarse del título para consumo personal y mostrarnos todo lo que él siente por el cine. El resultado podría considerarse elogioso, si no fuera por un pequeño detalle, y que era una de las máximas de directores como Billy Wilder: No aburrirás.

‘There Will Be Blood’ narra la historia de Daniel Plainview, un minero pobre que a principios del siglo XX se convirtió en todo un magnate del petróleo. En Little Boston, una comunidad organizada en cierta medida por la Iglesia, comandada por un predicador avaricioso y tramposo, se sospecha que bajo la tierra hay un mar de petróleo esperando a que alguien con agallas lo extraiga. Plainview, más su hijo, se dirigirán hacia allí para aprovecharse de la situación. Pero cuanto más petróleo extraen, más corruptos se vuelven todos. Una historia con tintes bíblicos nada disimulados, aunque más que hablar de Dios, hablan del Diablo, de la maldad que existe en las personas, las fuertes y las débiles.

Pero da igual lo que Anderson nos cuenta, y que supongo también narra la novela en la que está basada (‘Oil’), si Anderson lo hace para él solo, para su propio disfrute, en una operación más o menos parecida a la de su anterior película, ‘Punch-Drunk Love’. ‘There Will Be Blood’ empieza inmejorablemente, unos diez o quince minutos sin diálogo alguno, con una sobriedad en su puesta en escena difícil de ver en estos días. Una mezcla de cine clásico, concretamente mudo, y modernidad, única, que merece el más vigoroso de los aplausos, porque nos hace sentir como pocas veces lo hemos hecho en el cine reciente: de maravilla y con la sensación de que asistiremos en las próximas dos horas a cine de altura.

Y eso es lo que ocurre en la primera hora más o menos, para luego volverse absolutamente tediosa, reiterativa, y con una tendencia al exceso, sobre todo en lo que respecta a la interpretación de Daniel Day-Lewis, que no es que se pase tres pueblos en su composición, se pasa tres países el tío, en un papel que parece una extensión del que realizó en la infravalorada ‘Gangs of New York’ en la que sí estaba perfecto. Puede que como su personaje va cayendo cada vez más en una espiral de corrupción e inhumanidad, el actor acompañe dicho descenso con una exageración interpretativa de las que hacen historia. No hay más que ver la secuencia final del film, que tiene lugar en la bolera personal del personaje; éste anda encorvado poniendo más caretas que Jim Carrey en una de sus payasadas, pero resulta excesivo a todas luces, desaprovechando así una de las premisas más interesantes del guión: el enfrentamiento titánico entre los personajes de Plainview y el predicador, dos hombres de distintos métodos pero con un mismo interés, son codiciosos, sólo piensan en sí mismo, odian a todo el mundo, y en cierto modo, ambos se necesitan. Creo que Paul Dano le gana la partida, por así decirlo a Day-Lewis, y me extraña muchísimo que si éste último esté nominado al Oscar, Dano no lo esté porque se lo merece mucho más que el actor de origen londinense. Aún así, creo que Day-Lewis tiene las de ganar con respecto a sus compañeros de nominación.

Paul Thomas Anderson ha hecho una película para él solito, se ha olvidado del público, y ha tenido la osadía de aburrir a las piedras con un film de impecable factura (por ejemplo el uso de la música es extraordinario) pero de nulo interés. Todo técnicamente en ella es perfecto, pero la historia no termina de enganchar, con lo que ésta se termina resintiendo en pos de una envoltura de marcado carácter pretencioso. Con esto, un servidor ya ha cumplido con las cinco nominada a mejor película, y sinceramente no recuerdo un año más endeble que éste desde 1982, que es desde cuando yo sigo los premios más famosos del celuloide. Mientras tanto, volveré a recrearme con esa absoluta obra maestra que es ‘Magnolia’ en la que todo funcionaba a la perfección.

En Blogdecine:

• ‘There Will Be Blood. Pozos de ambición’, todo es excesivo

Aquí en Blogdecine queremos, como todos los años, premiar a aquellos que más atinen en su personal apuesta por los ganadores en las principales categorías. Así pues, en el link de abajo tenéis un cuestionario para rellenarlo, y aquellos que consigan el máximo de aciertos obtendrán el siguiente lote de películas en dvd (en caso de empate, se repartirá entre los ganadores)

• ‘Blade Runner’
• ‘Infiltrados’
• ‘Diamante de Sangre’
• ‘Cowboy de Medianoche’
• ‘Más Extraño que la Ficción’
• ‘La Soledad’

Tenéis hasta las 12 de la noche del día 24 de Febrero para votar, y tened en cuenta que las votaciones tenéis que hacerlas en el cuestionario. Las realizadas en los comentarios no tendrán validez. Suerte y que la suerte os acompañe, pequeños padawans.

Quiniela de los Oscars (VOTA AQUÍ)

El día 15 se estrena ‘There Will Be Blood. Pozos de ambición’, la adaptación de Paul Thomas Anderson de la novela ‘Oil!’ (¡petróleo!), de Upton Sinclair. La película nos habla de Daniel Plainview, un magnate del petróleo hecho a sí mismo que se dirige con su hijo H. W. (Dillon Freasier) a Little Boston, un pueblo del Oeste sobre el que le han dado el soplo de que en el subsuelo encontrará oro negro. En la localidad se topará con el sacerdote Eli Sunday (Paul Dano), que le pondrá dificultades.

El comienzo de ‘Pozos de ambición’ es sumamente interesante y está llevado con gran acierto en el tono, de manera lenta, pero que mantiene la atención. La narración de los comienzos de Plainview como petrolero, la llegada al pueblo, el hallazgo del petróleo, la construcción del pozo… contituye material suficiente para crear una película. El retrato de un personaje hecho a sí mismo, que es ambicioso, pero –al menos hasta ese momento— no es mala persona merece nuestra atención y se puede ver con interés.

Sin embargo, como ocurría en la otra película desmesurada y que a su autor se le fue de las manos que interpretó Daniel Day-Lewis, ‘Gangs of New York’, Anderson continúa contándonos mucho más cuando el film ya podría haberse acabado. El lastre que acarrea por adaptar la novela es el exceso en cuanto a material y la ausencia de una línea argumental única de la que ya hablaba Aristóteles. Paul Thomas Anderson tiene, al hacer esta película, pozos de ambición y, por ello, sus pretensiones se quedan muy por encima de sus resultados.

Desde los primeros momentos, Paul Dano, en el papel del predicador, se marca unos numeritos tan exagerados que una no sabe si hay que reírse, aunque supone que no por el enfoque grave hacia todo lo demás. Pero a esas alturas, la interpretación de Dano es lo único que se sale de tono. Más adelante, Daniel Day-Lewis quiere no ser menos y decide sobreactuar también. Como ya demostró en ‘Magnolia’, dirigir a sus intérpretes para que se excedan es lo que mejor sabe hacer Anderson, así que Day-Lewis se arranca a chillar, moverse y destrozar atrezzo como un descosido en escenas largas sin necesidad y que no se sabe muy bien a cuento de qué vienen. ¿Qué tendrá de malo algo de sobriedad, de comedimiento?

Por supuesto, como siempre digo, esto es sólo mi opinión. Parece que lo que yo considero sobreactuar, para muchos otros es interpretación merecedora de premios, pues Day-Lewis ha ganado el BAFTA al mejor actor principal y está nominado al Oscar, que no me extrañaría que se llevase.

Los demás actores sí hacen un buen trabajo y por ello, sigue habiendo destellos de cine de calidad incluso aunque avance el film más allá de lo que habría sido necesario.

Se dice que en la película los valores como el amor, la esperanza, la comunidad, las creencias e incluso la unión entre un padre y un hijo se tambalearán a medida que el pozo comienza a dar su fruto y aparecen la corrupción, la ambición y la decepción. No percibo nada de esto. En realidad, si envía al hijo a la ciudad es por su bien. La corrupción que demuestra no es mayor que la de cualquier otro despiadado empresario mostrado en una película y los valores de la comunidad no parecen romperse, más bien el petrolero va en contra de un cura que engaña a los ciudadanos. Así que, además de excederse en todos los aspectos, Anderson no ha sido capaz de transmitir lo que quería… o al menos a mí no me lo ha sabido hacer llegar.

Resumiendo: una película larguísima, pretenciosa y, sobre todo, sobreactuada. Es decir, excesiva en todo. Salvaría el primer tercio, mientras ‘Pozos de ambición’ está centrada en una historia y todo está tratado con sobriedad.

En Blogdecine | Noticias sobre ‘Pozos de ambición’.

Mejor película:

• ‘Juno’
• ‘Michael Clayton’
• ‘Pozos de Ambición’
• ‘No es País Para Viejos’
• ‘Expiación: Más Allá de la Pasión’

Mejor director:

• Julian Schnabel (‘La Escafandra y la Mariposa’)
• Jason Reitman (‘Juno’)
• Tony Gilroy (‘Michael Clayton’)
• Joel Coen y Ethan Coen (‘No es País ara Viejos’)
• Paul Thomas Anderson (‘Pozos de Ambición’)

Mejor actor:

• George Clooney, por ‘Michael Clayton’
• Daniel Day-Lewis, por ‘Pozos de Ambición’
• Johnny Depp, por ‘Sweeney Todd’
• Tommy Lee Jones, por ‘En el Valle de Elah’
• Viggo Mortensen, por ‘Promesas del Este’

Mejor actriz:

• Cate Blanchett, por ‘Elizabeth: La Eddad de Oro’
• Julie Christie, por ‘Lejos de Ella’
• Marion Cotillard, por ‘La Vida en Rosa’
• Laura Linney, por ‘The Savages’
• Ellen Page, por ‘Juno’

Mejor guión original:

• ‘Juno’, Written by Diablo Cody
• ‘Lars and the Real Girl’, Written by Nancy Oliver
• ‘Michael Clayton’, Written by Tony Gilroy
• ‘Ratatouille’, Screenplay by Brad Bird, Story by Jan Pinkava, Jim Capobianco, Brad Bird
• ‘The Savages’, Written by Tamara Jenkins

Mejor guión adaptado:

• ‘Expiación’, Screenplay by Christopher Hampton
• ‘Lejos de Ella’, Written by Sarah Polley
• ‘La Escafandra y la mariposa’, Screenplay by Ronald Harwood
• ‘No es País Para Viejos’, Written for the screen by Joel Coen & Ethan Coen
• ‘Pozos de Ambición’, Written for the screen by Paul Thomas Anderson

Mejor actor secundario:

• Casey Affleck, por ‘El Asesinato de jesse James por el Cobarde Robert Ford’
• Javier Bardem, por ‘No es País Para Viejos’
• Philip Seymour Hoffman, por ‘La Guerra de Charlie Wilson’
• Hal Holbrook, por ‘Hacia Rutas Salvajes’
• Tom Wilkinson, por ‘Michael Clayton’

Mejor actriz secundaria:

• Cate Blanchett, por ‘I’m Not There’
• Ruby Dee, por ‘American Gangster’
• Saoirse Ronan, por ‘xpiación: Más Allá de la Pasión’
• Amy Ryan, por ‘Adiós Pequeña Adiós’
• Tilda Swinton, por ‘Michael Clayton’

Mejor película de lengua extranjera:

• ‘Beaufort’ (Israel)
• ‘Los falsificadores’ (‘Die Fälscher’) (Austria)
• ‘Katyń’ (Polonia)
• ‘Mongol’ (Kazakhstan)
• ‘12’ (Rusia)

Mejor película de animación:

• ‘Ratatouille’
• ‘Persépolis’
• ‘Locos por el Surf’

El resto de nominaciones en la página de la Academia.