El mundo del cine no para por mucho que hoy sea el día elegido para anunciar los ganadores de los Globos de oro 2013, y lo mejor de todo es que no es necesariamente para hablar de nuevos proyectos, sino para dar nueva información sobre otros que llevan años sin terminar de salir adelante. Me refiero a ‘The Winter Queen‘, adaptación del libro de título homónimo de Boris Akunin, ya que se ha confirmado el fichaje de Anjelica Huston y David Thewlis para la misma.

Lo último que habíamos sabido por aquí sobre ‘The Winter Queen’ fue que el rodaje de la misma se aplazó con motivo del embarazado de Milla Jovovich. El problema es que eso fue hace más de cinco años, tiempo que ha servido para que Paul Verhoeven abandonara su idea de dirigirla, tarea que ha recaído finalmente en el realizador – y actor- ruso Fedor Bonderchuk, mientras que Jovovich se ha mantenido como la principal constante de este problemático proyecto.

El libro de Akunin ha sido adaptado para la ocasión por Gerard Soeteman, otro legado de la etapa en la que Verhoeven iba a dirigirla, ya que escribió cintas suyas como ‘El libro negro‘ (‘Zwartboek’, 2006) o ‘Los señores del acero‘ (‘Flesh+Blood’, 1985). La historia que nos contará ‘The Winter Queen’ es la siguiente: Los hijos de varios millonarios están apareciendo muertos en la Rusia de 1886. Todo indica que son meros suicidos, pero su excesiva acumulación lleva al detective Erast Fandorin a investigar una compleja trama que busca la dominación mundial. ¿Lo sacarán adelante como una especie de James Bond pero en ruso y con ambientación de época o una mezcla más tradicional de drama y thriller? El rodaje comenzará esta próxima primavera, por lo que no tardaremos en tener más noticias al respecto.

Vía | Coming Soon

Menuda noticia. El controvertido cineasta Paul Verhoeven, al que debemos títulos como ‘Delicias turcas’, ‘Instinto básico’ o ‘Showgirls’, está preparando su propia versión de la historia de Jesucristo. Y por si esto fuera poco, cabe apuntar que el holandés va a contar con la colaboración en el guion de otro profesional aficionado a explotar el lado más visceral del ser humano, el canadiense Roger Avary (‘Killing Zoe’, ‘Pulp Fiction’, ‘Las reglas del juego’). La polémica que rodeó a ‘La pasión de Cristo’, de Mel Gibson, se puede quedar corta si este proyecto sale adelante tal y como desea Verhoeven, cuyo último estreno fue la estupenda ‘El libro negro’ (2006).

Al parecer, el veterano realizador lleva décadas trabajando en este proyecto, que se propone desbaratar todos los milagros narrados en la Biblia para presentar una versión más realista y humana de Jesús de Nazaret. Es decir, Jesús sería un simple mortal, un profeta radical cuyas influyentes ideas sirvieron de base para la creación y la extensión del cristianismo. Y claro, en su nacimiento no tendría cabida ningún elemento fantástico (ejem, una virgen embarazada…); al contrario, se produciría tras la violación de su madre por parte de un soldado romano. Que es más o menos lo que pasaba en ‘La vida de Brian’, la desternillante película de los Monty Phyton. Pero en manos de Verhoeven puede ser explosivo.

Por eso no ha tenido que ser fácil conseguir financiación para esta futura película, que va a producir Chris Hanley (‘Las vírgenes suicidas’, ‘American Psycho’, ‘El demonio bajo la piel’). De momento no tiene fecha de inicio de rodaje ni de estreno. Tampoco hay nombres para el reparto aunque sería divertido que el director de ‘Desafío total’ (‘Total Recall’) volviera a reunirse con Arnold Schwarzenegger, ahora que el actor ha vuelto al negocio.

Es curioso cómo en este 2012 se están poniendo en marcha varios proyectos basados en cuentos bíblicos. Darren Aronofsky nos contará su versión del relato sobre el Arca de Noé, Mel Gibson quiere hacer una película sobre Judas Macabeo, mientras que Ridley Scott y Steven Spielberg están interesados en narrar desde diferentes enfoques la historia de Moisés. Personalmente lo tengo muy claro, el trabajo que más me interesa es el que tiene entre manos Verhoeven. ¿Y a vosotros?

Vía | Deadline

La reciente publicación en Blogdecine del que en teoría será el tráiler final de la nueva versión cinematográfica de Conan (el más famoso de los muchos personajes creados por la fértil imaginación del malogrado Robert Erwin Howard), deja pocas esperanzas (aunque alguna queda) de que en agosto llegue un buen espectáculo de aventura y de sano salvajismo. Personalmente, y no creo ser el único, viendo esas imágenes me sobreviene un antojo irresistible de ver una buena película de rudas, bestiales y físicas aventuras, muy alejadas de lo que hoy está en boga: un edulcoramiento del cine de aventuras convertido en un videojuego epidérmico para niños (y eso que hay videojuegos que son obras de arte, como la segunda y la tercera parte de ‘Assassins Creed’). Ya hablé en su momento, cuando tuve otro antojo, de la estupenda ‘El guerrero nº 13’ (‘The 13th Warrior’, John McTiernan, 1999) y hoy toca hablar de otra que también te deja satisfecho y te redime a partes iguales, porque es un divertimento magnífico a través de una buena historia de espadachines, guerreros y valientes perdedores.

A menudo pienso que si un director que está empezando quiere inspirarse con una película hecha con verdaderas agallas, ‘Los señores del acero’ (‘Flesh+Blood’, Paul Verhoeven, 1985) es perfecta para eso. Manidas expresiones como descarnada, brutal, cruel, feroz, bárbara, ultraviolenta, escabrosa, adquieren una nueva dimensión cuando se aplican a la película número ocho del cineasta holandés. Verhoeven es uno de los artistas europeos con más huevos de las últimas décadas, capaz de filmar secuencias (en sus mejores películas, las más completas) que otros directores de fuste y prestigio no se atreverían ni en sueños, de plantear dilemas morales y filosóficos no a través de la palabra o el diálogo, sino a través de imágenes muy ásperas y casi ignominiosas, que dejan a gran parte del cine supuestamente duro, violento y oscuro a la altura de una película Disney, y con una fabulosa música de Basil Poledouris, un compositor que ha sabido capturar las esencias más bárbaras gracias a su formidable sensibilidad y poderío sinfónico. Sin ser una película perfecta, ni mucho menos, ‘Los señores del acero’ no defrauda a quien busca acción e intensidad en una pantalla.

Hay quien dice que el cine de acción y aventura no necesita de un buen guión ni de unos buenos actores, que basta con una realización dinámica y una buena atmósfera, buenas escenas de acción, tiros, combates y golpes. Por supuesto, no estoy nada de acuerdo con esta apreciación. Una película de aventuras necesita de un buen guión y de un reparto ajustado tanto como cualquier otra, y ‘Los señores del acero’ es buena prueba de ello. Verhoeven y Gerard Soeteman escribieron un guión muy inteligente con tres personajes memorables, enmarcada en un contexto histórico muy definido y detallado (que no se erige en una exhibición de elementos históricos, sino que sirve más bien como capricho estético), en una trama sencilla pero muy eficaz, que aunque avanza con un par de arritmias se sostiene gracias a la fuerza de los personajes y al brío de Verhoeven en la puesta en escena, que sigue las andanzas de sus criaturas con vehemencia y compasión (sólo los grandes directores son capaces de ello, creo…) y que reincide en algunos de los temas que hasta la fecha había explorado en anteriores títulos, y que en un futuro seguiría explorando con singular lucidez.

Ni dios ni amo

Martin, un apuesto Rutger Hauer en su última colaboración con su amigo Verhoeven, es uno más de los antihéroes del cineasta, que como el Gerard Reve de ‘El cuarto hombre’ (‘De vierde man’, 1983), el Erik lanshof de ‘Eric, oficial de la reina’ (‘Soldaat van Oranje’, 1977), el Nick Curran de ‘Instinto básico’ (‘Basic Instinct’, 1992), o el Ludwig Müntze de ‘El libro negro’ (‘Zwartboek’, 2006), se construye sobre su virilidad y se destruye por elegir mal sus compañías sexuales. Su sensualidad rivaliza con su violencia y amoralidad, en un mundo que le ha dado la espalda y al que él da la espalda, convencido de que puede sobrevivir según sus propias reglas, después de perder la fe en el hombre, el ejército, Dios y la sociedad. Reconvertido en un mercenario y un ladrón, Martin encarna el cinismo y la depravación que, para Verhoeven, representan la única libertad posible. Viajando, robando y masacrando como líder de su grupo por una devastada Europa occidental (probablemente Italia, aunque nunca se nombra) de 1501, en la que la ignorancia, la superstición, la sed de poder y la depravación hacen sombra al fulgor del Renacimiento.

Pero Rutger Hauer no está solo, pues la gran (y desaprovechada) Jennifer Jason Leigh borda su papel de dama reconvertida en aventurera, capaz de adaptarse con total naturalidad a una nueva vida de pillaje y violencia, al lado de su nuevo amante Martin. La magnífica secuencia en que los compañeros de Martin van a violarla, interrumpidos porque el líder quiere tomarla para sí, y que termina con él violado por ella, no solamente está muy bien filmada, sino que rebosa morbo y degeneración por todos sus poros. Algunos vieron un machismo inherente en la mirada hacia Agnes, pero a mi entender esta secuencia, y el devenir de la relación de Agnes y Martin, demuestra lo contrario: la supremacía mental y amoral de la mujer frente al hombre, rendido a las habilidades sexuales de su compañera, transformado en un ser más primario aún, que teme perder su objeto de deseo frente al rival, interpretado con gran solidez por el también apuesto Tom Burlinson, cuyo Steven es como el reflejo en el espejo de Martin: un individuo cuya ambición y gelidez se oponen a la búsqueda de anarquía y el placer del segundo.

Así que de nuevo tenemos la historia de una mujer dividida entre dos hombres, que les utilizará como mejor le convenga, manejando los tiempos y los deseos de ambos con total maestría, llevándoles siempre a donde ella quiere (impagable la secuencia bajo los dos ahorcados putrefactos…), desembocando todo en una orgía sanguinaria, bestial, cuyo ambiguo final (que por supuesto, no desvelaré) y desesperado tono de derrota, deja al espectador exhausto de tanta furia. Coproducción española/norteamericana, filmada en espléndidos paisajes de Belmonte, Cáceres, Cuenca y Ávila, con estilizada aunque muy realista fotografía de Jan de Bont (sí, el futuro director de ‘Speed: Máxima potencia’ (‘Speed’, 1994) y otras), con un muy ajustado diseño de producción del gran Félix Murcia, que supo aprovechar cada centavo invertido en la película. Pero títulos como este, tan sinceros y sanguinarios, hay pocos, pese a sus desequilibrios. De vez en cuando viene bien recordar que el mundo no es más que una roca asolada por guerras y odios, y que el regocijo de la aventura, la pura supervivencia y la sensualidad, es muchas veces lo único que queda.

Conclusión y momento favorito

Una película netamente verhoeveniana, con momentos magníficos, y otros algo más pedestres, que sin duda el gran director holandés habría pulido en su añorado y nunca cristalizado proyecto de las Cruzadas. Mi momento favorito, sin duda, la secuencia final. Pocas miradas se han filmado así en los años ochenta. Sin ser ninguna obra maestra, ‘Los señores del acero’ merece, y mucho, verse con deleite casi malsano.

A Paul Verhoeven lo que siempre le ha interesado, según sus propias declaraciones, es la Historia. La Sci-fi, que sería el ejercicio opuesto a la Historia, porque significa mirar hacia el supuesto futuro en lugar de mirar hacia el supuesto pasado, le aburre hasta la médula. No deja de ser irónico en un director que ha filmado cuatro películas de ficción científica de las seis que ha hecho en Hollywood. La más impresionante de todas ellas, seguramente, ‘Robocop’ (id, 1987), que es su primera película íntegramente norteamericana, aunque ya había dirigido una hablada en inglés, la aventura medieval ‘Los señores del acero’ (‘Flesh+Blood’, 1985), una coproducción entre España, Holanda y Estados Unidos que fue su última película de época. La última hasta que volvió a su país natal y filmó la magistral ‘El libro negro’ (‘Zwartboek’, 2006), resarciéndose seguramente de no haber podido hacer ninguna película parecida en Estados Unidos, por mucho que algunos cinéfilos le agradezcamos el coraje que demostró en algunos proyectos.

Coraje ilimitado en el caso de ‘Robocop’, película de gran presupuesto y de grandes ambiciones comerciales que se erige en verdadero cine de autor. Cine con muchos efectos especiales, mucha acción y un gran deseo de impresionar y divertir al espectador, y que, sin embargo, es una de las más grandes películas norteamericanas de los ochenta. Como los grandes maestros de cuatro o cinco décadas atrás, que habían emigrado de Europa huyendo del nazismo o simplemente buscando mayores oportunidades en sus carreras, Verhoeven llegó a Hollywood, cogió un proyecto ajeno, que en un principio se sintió reacio a dirigir, y talló una joya que a día de hoy se mantiene tan joven y tan escalofriante como el día que se estrenó. Porque debajo de todo su aparato de gran espectáculo, de su condición de cine industrial, late uno de los filmes más escalofriantes, espeluznantes y estremecedores que ha dado el cine americano en las últimas décadas. Una extenuante peripecia emocional imposible de olvidar.

Los escombros del futuro

Cuentan que la principal inspiración, a la hora de diseñar el personaje y escribir el guión, le vino a Edward Neumeier después de ver la proverbial ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982), pero también de personajes de cómic como el Rom de la Marvel, al que añadió unas gotas de sabor manga y otras de gore. Sea como fuere, ‘Robocop’ nos traslada en un distópico y no muy lejano futuro de la ciudad de Detroit, en la que las calles son testigo diarios de tiroteos y matanzas, con los policías incapaces de mantener el orden civil, y con las grandes multinacionales pugnando por conseguir el control de la seguridad ciudadana. En muchos sentidos, ‘Robocop’ es un western con rascacielos de neón, y con un personaje central resucitado en busca de una venganza que, al mismo tiempo, le devuelva su mutilada humanidad. Pero debajo de todo ello obtenemos una salvaje parábola de un mundo que es el nuestro, y que se derrumba bajo la corrupción y la tecnología mal empleada.

El sustrato social que nos describe esta película nos estremece porque nos recuerda poderosamente al nuestro. Como con ‘Hijos de los hombres’ (‘Children of Men’, Alfonso Cuarón, 2006), sospechamos que los telediarios que machaconamente salen en la película (y que han sido copiados en infinidad de filmes posteriores) terminarán siendo los nuestros, y que el salvaje paisaje urbano en el que los mercenarios y los asesinos campan a sus anchas, terminará también siendo el nuestro. Verhoeven nos pinta un futuro más que incómodo, y lo hace dibujando una metrópoli muy parecida a cualquiera de las grandes actuales, sin forzar la imaginería futurista, salvo en los asépticos y gélidos edificios corporativos, cuyo lujo revela con mayor nitidez la corrupción y la miseria moral que habita en ellos. La excelente fotografía de Jost Vacano se encarga de crear un mundo sin apenas colorido, en el que lo metálico, ya sea impoluto u oxidado, es lo preponderante, rodeado de luces duras y frías, como en un eterno otoño, con la luz del sol casi desterrada.

El notable diseño de producción de William Sandell (‘Master & Commander’, ‘Pequeños guerreros’), junto a la dirección artística de Gayle Simon, es en gran parte responsable de que aún siendo una película de ciencia ficción de los años ochenta, no haya quedado casi anticuada, y de que visualmente mantenga prácticamente intacta toda su fuerza y su impacto. La sencillez de los decorados y la creatividad a la hora de hacerlos verosímiles, son un ejemplo de escenografía de gran calidad. Se trataba de hacer creíbles todo tipo de espacios: edificios inmensos y opulentos, tiendas de barrio, callejones arquetípicos, fábricas abandonadas, laberintos de autopistas, bloques siniestros de oficinas, el luminoso e idealizado hogar para siempre perdido… Pero todo ello no habría valido de nada sin un diseño de sonido poco menos que magistral, que nos hace sentir esos escombros futuros de forma aún mayor. Stephen Flick y John Pospisil se llevaron un Oscar especial por el montaje de sonido. No es para menos.

Los dolorosos recuerdos del monstruo

Aún hoy día, acostumbrados a títulos sangrientos, sorprenden el pasmoso salvajismo y la violencia gráfica de esta película, que comienza con la brutal muerte de un alto ejecutivo, acribillado por un enorme prototipo de droide en mal funcionamiento, hasta quedar reducido a poco menos que pulpa gelatinosa, y continúa con el sádico mutilamiento del policía James Murphy por parte de la que probablemente sea la panda de bandidos más abyecta y cruel que se ha visto en muchos años de cine. La gran mayoría de estas secuencias salvajes desaparecieron del montaje para Estados Unidos, después de recibir varias calificaciones x que comprometían su distribución en gran manera. Pero estas imágenes de muerte y desesperación, al contrario que en la muy inferior ‘Desafío total’ (‘Total Recall’, 1990) existen para mostrar una realidad escalofriante, y no para divertir al espectador con miembros y órganos destrozados en un producto palomitero. Sentimos una compasión inmensa por Murphy, una especie de mártir al que primero mutilan y luego utilizan para convertirlo en una suerte de super-policía invencible. Interpretado por el gran Peter Weller, este actor sabe dotar de una gran humanidad y nobleza a su personaje.

En un mundo en el que lo que importan son los beneficios económicos derivados de la necesidad de seguridad ciudadana, todo vale. Nos sentimos impotentes y arrasados viendo cómo cogen los despojos de Murphy a mayor gloria del estado de bienestar, del orden, de la autoridad. Se impone el fascismo sobre la frágil y mísera condición humana, que implora que la defiendan contra la barbarie, e importa poco que quizá Bob Morton (interpretado por Miguel Ferrer) tenga buenas intenciones además de intereses comerciales. El detonador, la chispa que encenderá la humanidad perdida de la máquina de orden y seguridad que ahora es James Murphy, será su antigua compañera (la maravillosa Nancy Allen), y poco a poco irá recordando, como un monstruo de Frankenstein hecho de pedazos y de remembranzas, lo que le hicieron, lo que perdió. La desgarradora secuencia en la que visita su antigua casa es aún más dolorosa por sus planos subjetivos, y por la verdad y la vida que se desprende de ellos.

Verhoeven filma con igual destreza y maestría los desoladores recuerdos y los momentos de fraternidad y amistad de la compañera, que las impresionantes secuencias de acción. Muchas de ellas, como el asalto a la fortaleza de los bandidos, el rescate de la muchacha, el tiroteo en la autopista, o la emboscada final, beben de las esencias más puras del western, en las que un pistolero solitario (que además desenfunda y vuelve a enfundar a la vieja usanza) se enfrenta a sus enemigos y sale victorioso aunque malherido. Todas estas secuencias están planificadas y montadas por un maestro del cine de acción, y duele verlas, al contrario de tanto producto trivial del género. Los actores que dan vida a los nauseabundos enemigos de Murphy, son un rosario de rostros inigualable: el genial Ronny Cox, que da vida al icono supremo de super-ejecutivo sin escrúpulos; el no menos genial Kurtwood Smith, jefe inhumano de los bandidos; Paul McCrane, Ray Wise... Sin ellos el climax final no hubiera sido tan desolador y tan potente. Una conclusión que pese a su apariencia de final feliz deja un poso de amargura innegable. ¿Qué será ahora de James Murphy?

Grandísimo cine

Lo decía el mismo Verhoeven: de sus seis películas en Estados Unidos, tres son formidables (‘Robocop’, ‘Instinto Básico’ y ‘Staship Troopers’), y las otros tres muy inferiores. No estoy por llevarle la contraria. En el caso de ‘Robocop’, su lúcida reflexión acerca de las ciudades del futuro y de las grandes multinacionales, su representación de la piedad y la ternura por parte de la compañera policía frente a la crueldad y la insensatez del mundo, el prodigioso maquillaje de Rob Bottin (que alcanza su cumbre una vez Murphy se quita el casco y la piel de su cara cubre la parte metálica de su cráneo…), la imponente música de Basil Poledouris, las sensacionales secuencias de acción, su crítica social y su desolador final hacen de ella una obra absolutamente redonda e incontestablemente maestra.

“Es alucinante lo que el maquillaje y la cirujía pueden conseguir…”

- Cristal Connors (Gina Gershon)

He de confesar que Paul Verhoeven es uno de los directores europeos (o al menos, de procedencia europea) que más admiro en la actualidad, y que mas he admirado durante bastante tiempo, lo que no es impedimento para valorar sus películas con la máxima honradez posible. En otras palabras, si se equivoca, o dirige una porquería, no tengo ningún problema en aceptarlo y decirlo. No creo profesar ese tipo de fanatismo hacia ningún director, de esos que impiden encontrar fallos en su filmografía, y por supuesto no lo profeso hacia Verhoeven, por mucho que creo que es uno de los cineastas más valientes y transgresores de los últimos cuarenta años. Tal como suena. Pero lo transgresor y lo valiente no es incompatible con la grosería, horterada, la chiquillada. Hablando en plata: no es incompatible con la estupidez, y pocas películas (y probablemente muy pocas norteamericanas) se han hecho más estúpidas que ‘Showgirls’ (id, 1995).

Era de justicia escribir sobre ella después de haber escrito aquí sobre varias películas del cineasta holandés en Hollywood, un par de ellas realmente magistrales. Y no es cuestión de buscar, como algunos lectores a lo mejor piensan, un consenso ni una polémica. Quizá porque la polémica sería considerar a esta estupidez de película una gran película. Si lo pensara, lo diría. Si algo me he ganado, creo yo, es la fama de decir lo que pienso, aún a costa de que me crucifiquen. Pero estoy muy seguro que nadie en su sano juicio puede considerar una gran película a esta historia de una aspirante a bailarina que se mete a stripper porque no encuentra nada mejor que hacer, lo que deriva en una serie de peripecias a cual más absurda y disparatada, con la única intención de, en teoría, divertirnos y ponernos calientes, cuando en realidad lo único que consigue es aburrirnos a lo bestia y preguntarnos si realmente la vida es tan boba como nos la pintan en esta película.

Algunos años después de que ‘Showgirls’ fuera despedazada por la crítica y supusiera el más importante batacazo de su carrera (batacazo del que nunca se recuperará en Estados Unidos), Verhoeven declararía lo siguiente: “Era una película de strippers y Las Vegas, ¿qué esperaban que hiciera?”. Nada que objetar a la argumentación del cineasta, salvo que un tipo de su talento podría haber hecho mucho, mucho más, con una película de strippers en Las Vegas. No, por supuesto, con ese guión lamentable, firmado, por sorprendente que parezca, por el mismo hombre que había firmado esa joya de ‘Instinto Básico’ (‘Basic Instinct’, 1992), Joe Eszterhas, uno de los guionistas que más y mejor se han vendido en Hollywood, haciéndose millonario con un solo libreto magistral y con media docena de libretos que podrían haber escrito estudiantes de primer año de guión de la ECAM...en diciembre. La primera equivocación de Verhoeven fue pensar que con ese guión podría filmar un relato medianamente digno. Qué extraño es el cine, semejante error entre ‘Instinto básico’ y ‘Starship Troopers’ (id, 1997). Supongo que hasta los grandes pierden el norte de vez en cuando.

Para terminar de rematar el asunto, a poco que uno preste atención se encuentra ante un remedo de la estupenda película de Joseph Leo Mankiewicz ‘Eva al desnudo’ (‘All About Eve’, 1950) en la que una aspirante termina robándole el cetro a su supuesta ídolo teatral, primero logrando trabajar como su asistente, luego haciéndose amiga suya y finalmente sustituyéndola. Algo, o bastante de eso hay aquí, pero muy mal desarrollado, ya que Verhoeven tiene los redaños de insinuar una atracción sexual entre ambas bailarinas, la estrella y la aspirante, pero sólo de manera tangencial y culminada con un beso más casto imposible. Además, la rivalidad entre ambas está basada en diálogos y situaciones absolutamente ridículos, en una boba y muy mal escrita competencia por el personaje de un Kyle MacLachlan, que está verdaderamente horrible (y que nadie se explica cómo puede ser el objeto de deseo de estas dos mujeres), mientras el director trata de construir un relato supuestamente erótico.

Elizabeth Berkley, que había conocido cierta fama por la sere de televisión ‘Salvados por la campana’ (‘Saved by the Bell’, 1989-93), es una actriz de talento muy limitado, y de sensualidad aparente pero tosca. Es muy posible que Verhoeven la eligiera por esa tosquedad que desprende, pero es que en ningún momento su aventura deja de importarnos un bledo, más aún porque sus decisiones y sus actitudes son propias, a veces, de una retrasada mental. No tengo ninguna duda de que el propósito de Verhoeven era reirse de todo y de todos, más aún de sí mismo y de su película, lo que me parece muy loable. Pero lo ha hecho en otras ocasiones con mucha mayor inspiración, de una forma mucho más divertida y con guiones mejores. Por ejemplo, con ‘Starship Troopers’, que es una bufonada maravillosa, con un personaje central, Johnny Rico, que rozaba la imbelicidad supina, pero cuya aventura, curiosamente, lograba importarnos e involucrarnos. Y, sobre todo, era una película divertida e ingeniosa.

Lo más destacable de la película (y malo si esto ha de ser lo más destacable de una película), es la excelente fotografía de Jost Vacano, un habitual en la filmografía del director holandés, del que es buen amigo, y que consigue transmitir con gran fuerza e ironía la luz y el ambiente horteras de Las Vegas. La puesta en escena de Verhoeven es tan enérgica y fluida como siempre, pero está al servicio de la nada absoluta. No existe ni siquiera una secuencia reseñable, ni por planificación, ni por interpretación, ni por ideas de guión, ni por simple gamberrada. La circularidad del relato, con Nomi marchándose de la ciudad y encontrándose con el mismo conductor que la trajo hasta ahí y que la robó, es la puntilla final a una historia bochornosa.

Conclusión

El fracaso de la película fue más de índole crítico que taquillero, aunque también. Clasificada para adultos (NC-17 en Estados Unidos), era casi imposible un éxito masivo. Lo peor fueron las trece candidaturas y los siete premios Razzie, un record hasta entonces, y los varapalos de la crítica. De hecho, es la película con esa clasificación más taquillera de la historia de Estados Unidos, llegando a recaudar la mitad de su presupuesto en cines, y más de cien milones en el mercado de VHS y DVD. Es decir, el suicidio de Verhoeven, autoimpuesto, fue solamente el de su prestigio. Tanto es así que sólo filmó dos películas más en Hollywood, con resultados desiguales.

“Soy de Buenos Aires, ¡y digo que les aniquilemos a todos!”

-Johnny Rico

Dos años después del desastre de ‘Showgirls’, Verhoeven regresó al género que le había dado estabilidad en Estados Unidos, el de la ficción científica, llevando a la pantalla la adaptación de Edward Neumeier (que recordemos, había escrito el formidable guión de ‘Robocop’) de la famosa novela de Robert A. Heinlein ‘Tropas del espacio’. Un presupuesto elevado para una nueva película de acción y aventuras, pero Verhoeven se guardaba un as en la manga, ya que su nueva película iba a resultar una sátira feroz que poco o nada tenía que ver con el espíritu de la novela original.

Cuando se estrenó la película muchos se quedaron mudos (sobre todo, imagino, los productores de la misma), ante el despliegue de imaginación, pero también de mala uva reconcentrada, que despide esta película. Pocas veces se ha visto en el cine una superproducción tan cara y tan cuidada destinada a poner patas arriba las constantes del género, tanto sci-fi como bélico, un filme que funciona como una perfecta parábola de cualquier guerra del siglo XX, y que no deja títere con cabeza. Muchos creyeron que la cosa iba en serio, y denostaron la película. Al parecer, no tenían la inteligencia suficiente para comprender que no hay que tomarla en serio.

¿De verdad los productores pensaban que Verhoeven sería fiel a la novela original? En ese caso, una de dos, o son unos reaccionarios peligrosos o no se habían leído el texto de Heinlein. La novela está fenomenalmente escrita, pues Heinlein es un novelista de primera fila, pero el fondo y la forma son absolutamente fascistas. Es decir, justifican de manera aplastante la guerra, la invasión y la destrucción sin piedad del enemigo. Verhoeven, si por algo se ha caracterizado, no es precisamente por una ideología conservadora, por mucho que algunos miopes se empeñen. Pero al estreno en España aún recuerdo ciertas críticas que tildaban al filme y al director de fascistas. No soy amigo de incluir definiciones, pero una sátira es una composición poética u otro escrito cuyo objeto es censurar acremente o poner en ridículo a alguien o algo. Y esto lo hace de manera evidente el filme de Verhoeven.

La guerra como forma de vida

Un gran Casper Van Dien (actor que prometía mucho y que últimamente parece desaparecido) da vida a un pijo enamorado de una bruja que se mete en una guerra salvaje para impresionarla. Poco más o menos este es el punto de partida de una sátira delirante que dispara todo lo que se mueve, y para empezar el cine de adolescentes rubios y guapos y ricos y sus dramas estúpidos con sus chicas monas y cursis. El guión es inteligentísimo y Verhoeven no deja escapar ni uno solo de sus detalles, si no que los explicita en una puesta en escena elegante y transparente. Y de manera completamente natural pasamos de un universo de instituto a un universo bélico perfectamente coherente.

Verhoeven usa un género que desprecia, la sci-fi, para pasar de un tipo despreciable de representación cinematográfica a otra. Y es mérito que, a pesar de ello, las secuencias bélicas estén tan increíblemente bien filmadas. Porque Verhoeven es un directorazo, y lo demuestra con un sentido del ritmo reservado a muy pocos. La secuencia del primer desembarco de tropas en el planeta enemigo, que termina en una masacre, está a la altura de las grandes del género. Es un subidón de adrenalina (gracias también a la sensacional música del sinpar, y ya fallecido, Basil Poledouris) indescriptible, en una secuencia que podría haber filmado el Spielberg más inspirado.

Pero todas las secuencias de acción o suspense tienen ese nivel, con lo cual se establecen dos niveles plenamente complementarios y gozosos, el de la sátira y el de la aventura, y Verhoeven se mueve por cada uno de ellos con soltura y tremenda facilidad, excepto ya en la parte final, en la que parece que su mirada y su tono se contaminan del espíritu bélico del relato y pierde, de forma extraña, el tono satírico. Es como si, de alguna manera, se hubiera olvidado de lo que está contando, aunque le redime ese fantástico final en el que los entrañables soldados humanos celebran que el cerebro enemigo “tiene miedo”.

Y entre bloque y bloque, veremos unos desvergonzados clips informativos que son la cumbre del gamberrismo verhoeveniano, y que no comprendo cómo muchos espectadores pueden tomarse en serio. Pero ver a unos niños coger cartuchos de balas de la mano de un soldado como si fueran golosinas, o viéndoles “participar” de la aniquilación del enemigo pisoteando cucarachas (recordemos cómo los altos mandos llamaban cucarachas al vietcong), es asistir a una violenta crítica al belicismo estadounidense (y por ende del resto del mundo), y a una despiadada descripción del risible ser humano. No hay compasión, pero sí muchísima diversión y muchísima épica.

Formidable película, muy superior a ‘Desafío total’, por ejemplo, por mucho que esta sea defendida con uñas y dientes por los aficionados, con la que Verhoeven podría haber cerrado su periplo estadounidense de forma casi inmejorable, en lugar de hacer con una película tan irregular como ‘El hombre sin sombra’.

Paul Verhoeven en Blogdecine:

• ‘Instinto Básico’, un thriller magistral
• ‘Desafío total’, endeble relato de ficción científica
• ‘El Libro Negro’, Verhoeven regresando con fuerza

• ‘El Libro Negro’, Verhoeven vuelve a lo grande con un intenso film de espionaje

“¿Alguna vez has follado con un mutante?”

-Benny

Después del éxito rotundo, del acierto pleno, que supuso la arriesgada (más de lo que parece) ‘Robocop’, que era una escalofriante reescritura del mito de la criatura de Frankenstein en un entorno futurista, Verhoeven pudo acceder a un proyecto que durante varios años se disputaron algunos importantes cineastas, y que se convertiría, en el momento de su estreno, en la película más cara de la historia. Una superproducción con la estrella más taquillera del mundo como protagonista, que buscaba repetir, o mejorar el éxito de ‘Robocop’, aunque finalmente quedó muy por debajo de aquélla, pese a estar inspirada en un relato de un escritor, que no me tiembla la picota el escribirlo, tan poco interesante para mí pero en teoría tan maravilloso como Philip K. Dick.

‘Desafío total’, realizada con todo el poderío de la industria norteamericana, con una música legendaria, grandiosa casi, del gran Jerry Goldsmith, goza de un cierto prestigio entre los aficionados al género y los cinéfilos en general, prestigio con el que nunca me he sentido identificado, pues siendo una película bien hecha, divertida y con momentos intensos, me parece muy por debajo de lo que podría conseguir el director. Ya lo decía el propio Verhoeven: “en Hollywood he hecho tres películas bastante buenas, y son ‘Robocop’, ‘Instinto Básico’ y ‘Starship Troopers’‘; el resto son muy inferiores”, y no es cuestión de llevarle la contraria. Creo que tiene toda la razón.

Unas vacaciones movidas en el planeta rojo

La película posee una serie de ramificaciones, o al menos atisbos de ramificaciones, realmente muy interesantes, pero que quedan en nada a la media hora de metraje. Muy buenas ideas aplastadas por un espíritu palomitero y trivial que podría haberse desarrollado, como han hecho muchas buenas películas, en paralelo a las reflexiones de la más pura estirpe de ficción científica. Y creo que parte de culpa la tiene el propio actor protagonista, un Arnie bastante sólido en su papel, pero que en ningún momento puede establecer una conexión emocional con el espectador, porque su drama le resbala, siendo un personaje invencible y a menudo despiadado, que le pega un tiro a su mujer y suelta un chiste para rematarlo. Parece ser que con la excusa de que es el Arnie, tenemos que tragarnos todo lo que nos quieran meter. Y con lo fácil que era hacer las cosas bien, porque Quaid es un proletario pringao que quiere una vida que jamás podrá tener, y una agencia le permite una pequeña aventura con la que desquitarse de su gris existencia.

Este punto de partida, en manos de guionistas más esforzados que Ronald Shusett, Dan O’Bannon (ambos responsables del libreto de ‘Alien’, nada menos) o Gary Goldman, que trabajaron al alimón en la escritura, podría haber dado de si muchísimas más posibilidades de las desarrolladas en la pantalla. Hay algo trágico en Quaid, en cómo desprecia a una mujer así (Sharon Stone en plan salvaje), en cómo busca desesperadamente una salida, aunque sea falsa, y en cómo todo se vuelve contra él. Había posibilidades ahí de hacer a un personaje muy complejo, y a una serie de situaciones kafkianas y tremendamente psicológicas, que quedan en jugueteo de tebeo barato de aventuras, cuando esto daba para ser una grandiosa aventura de ficción científica en la que nada es lo que parece.

La película está bastante bien hecha, con un ritmo que no decae en ningún momento, y ha envejecido relativamente bien, dadas las circunstancias. Y las circunstancias son que dado su carácter de película de gran presupuesto, sólo el diseño de producción de William Sandell, tan retrofuturista como envolvente y hasta freudiano, impiden que esta serie B con infulas de gran espectáculo se sostenga hoy día. Pero Verhoeven, por suerte, lo entendió a la perfección, cogió ese simplista libreto de espionaje en Marte y le otorgó su capacidad para la atmósfera y su intensidad expresiva, dirigiendo a los actores de manera muy eficaz, destacando entre todos ellos, como no podía ser de otra manera, el brutal Michael Ironside, que aunque corriendo le falta estilo (por decir algo, ejem) basta una mirada trepanadora de las suyas para meter mal rollo a la secuencia como el que respira.

Hay mucha acción en este ‘Desafío total’, aunque a menudo exagerada y sin sentido, como la persecución en el metro en la que bastan dos ejemplos: 1. Arnie atraviesa un detector de armas, una especie de cristal con Rayos X, y saltan las alarmas. Como la policía entra por un lado y los que le quieren liquidar se acercan por el otro…voilá, atraviesa el cristal (por supuesto sin hacerse un rasguño), y aún podemos a la policía, si tenemos el ojo veloz, quedarse quieta sin hacer nada. 2. En las escaleras del metro, Arnie las sube, pero arriba le esperan tres tipos armados, mientras Ironside y su compañero suben tras él. Se organiza una carnicería salvaje, con disparos que mutilan; Arnie, incluso, se hace con un escudo humano, prácticamente descuartizado y, milagrosamente, sale ileso.

Pero también hay alguna secuencia brillante, aunque no muchas, como la del recuerdo inducido por el mutante Kuato (que es cierto que es clavado a cierto importante político catalán…), con genial música de Godlsmith, en la que Quaid regresa al pasado y rememora sus conocimientos sobre la arquitectura alienígena que puede crear una atmósfera, el “cielo azul”, en Marte. Pero el conjunto es demasiado banal, demasiado lineal, sin demasiadas sorpresas (¡en un filme de espías desmemoriados!), con una violencia que parece de chiste de lo bestial que es. Verhoeven es un director brillante, que puede, y ha llegado a hacer, cosas mucho más importantes que esta, sin ir más lejos, ‘Instinto básico’. Esta película de ficción científica, un género que Verhoeven en verdad detesta, está bien hecha, divierte y es frenética, pero está por debajo de él.

Post Data obligatorio

Fijándose un poco, si somos malvados, esta película termina mal. No es sólo que la aventura de Quaid es todo lo que él pidió en la Agencia Recuerdo Total, sino que, si nos fijamos, antes de sufrir un embolismo esquizoide, el que le injerta el recuerdo dice “¡wow!, cielo azul en Marte!”, y la chica que él pide para correrse una aventura es la propia Melina, cuya cara aparece en el ordenador. Si realmente no es un sueño, si realmente, tal como le dice el doctor, está atrapado en su sueño, todo tiene coherencia. Es imposible, de otra forma, que ese tipo sepa que habrá cielo azul en Marte. Besa a la chica, se acaba el sueño, y está lobotomizado.

Paul Verhoeven en Blogdecine:

• ‘Instinto Básico’, un thriller magistral

“¿Qué debería haber dicho? ‘¡Eh, chicos, no soy gay, pero me follé a la sospechosa!’”

- Dra. Beth Garner

Hay directores-autores, que sólo salen de su casa a dirigir las películas que llevan dentro, y que mueven los proyectos en base a su nombre, su astucia, su dinero o sus contactos. Por ejemplo, David Lynch. Hay directores mercenarios, que se esperan en su casa a que les lluevan las ofertas, y entonces deciden qué producto llevar a cabo. Por ejemplo, Ridley Scott. Y luego hay directores que ni una cosa ni la otra. Ni están en su casa esperando, ni sólo se dedican a firmar proyectos personales, pero que, sin embargo, terminan firmando proyectos muy personales escritos y urdidos por otros, que ellos llevan a su terreno de una forma casi milagrosa. Este es el caso de Paul Verhoeven, holandés que se afincó en EEUU a finales de los ochenta (ahora ha regresado al viejo continente a enfrentarse a la recta final de su carrera), y que es responsable de una de las carreras más apasionantes de un extranjero en Hollywood, y seguramente el director holandés más estimulante de la historia.

¿Cómo Joe Eszterhas (que cobró una millonada por el libreto) escribió un relato con tantas abundantes y nítidas conexiones con aquella joya morbosa titulada ‘El cuarto hombre’ dirigida por Verhoeven con habilidad de alquimista? Es probable que la tuviera en mente, pero el guión no fue escrito pensando en que la haría Verhoeven, sino en que podría hacerlo cualquiera. Por supuesto que fue en él en quien primero pensaron, pero entre ambas se establece una unidad, no solo temática, sino sobre todo narrativa, que no se observaba desde los tiempos en los que los grandes autores del Hollywood clásico compraban, o encargaban, los guiones que mejor se adecuaban a su particular universo. ‘Instinto Básico’ creó una absurda polémica durante su rodaje y en el momento de su estreno (polémica de la que se beneficiaron, listos son ellos, los colectivos de gays y lesbianas de EEUU), lo que sumado a su éxito en taquilla y a su aura de sexualmente explícita, originó el prejuicio de que era un producto de marketing sin nada dentro. Nada más lejos de la verdad.

Porque ‘Instinto Básico’ es un thriller (ya que está por encima del suspense, en una formulación de la monstruosidad del asesinato como objeto a estudio) magistral, que en ningún momento, pese a lo truculento de su trama, adolece de falta de elegancia, sino que es un derroche de ella; que cuenta una enrevesada trama criminal y lo hace con una sencillez y una claridad admirables; que se la juega en cada giro argumental, pero que a pesar de tambalearse en el vacío, nunca llega a caer. La mejor película, con mucho, dirigida por Verhoeven en EEUU, y su más redonda obra junto a ‘El cuarto hombre’.

La coartada perfecta

Joe Eszterhas se ganaba la vida muy bien en Hollywood, y se había labrado una reputación de guionista sólido y comercial, con los libretos de ‘La caja de música’ o ‘Flashdance’. Era algo así como un todoterreno, pero con ambición de convertirse en algo importante. Este es, con toda probabilidad, su trabajo más logrado. Después aún logró embolsarse buenas cantidades de dinero por sus escrituras para ‘Sliver’ o ‘Jade’ (dos películas mediocres, por cierto), pero nunca más regresó con algo tan brillante. En su historia hay mucho sexo, mucha violencia, relaciones homosexuales, celos, locura, asesinatos, investigaciones, literatura, sangre. Una trama de la que resultaba muy difícil extraer una película equilibrada. Y Verhoeven lo logró como si fuera fácil.

Unos elegantes títulos de crédito dan lugar a una escena de sexo que es toda una coreografía de la muerte en el momento del orgasmo. De manera muy habilidosa, no vemos el rostro de la asesina, oculto por su pelo rubio. Hay morbo pero también una palpitante sensualidad en esa secuencia…rota en mil pedazos por el estallido de una violencia salvaje: el picahielos clavándose en la cara de la víctima, y después perforándole varias veces el cuerpo. Desde el mismo inicio, Verhoeven nos sitúa en una atmósfera hiperviolenta y casi despiadada, con ese grupo de policías riéndose en la escena del crimen por la abundancia de esperma rociado en las sábanas (“se corrió antes de que lo corrieran” bromea uno). Nick Curran (un buen, sólido Michael Douglas) y su colega Gus (el excelente intérprete George Dzundza) son los encargados del caso, y visitarán a la novia del rockero asesinado, una tal Catherine Tramell.

Con el gran operador (luego director de ficciones muy pobres) Jan de Bont de aliado, Verhoeven crea planos de gran densidad formal y pericia técnica, como ese en el que observamos un plano general de San Francisco, que panoramiza en descenso y que se encuentra primero con la mansión de Tramell y luego con los dos policías acercándose casi como dos hormigas. O justo el siguiente a ese, en el que observa a ambos agentes subidos a la plataforma circular de entrada, y realizando un movimiento también circular en torno a ellos. Esto es una producción con todo el poderío de Hollywood, pero también con gran gusto en cuanto a los ambientes y los personajes. De un vistazo nos hacemos a la idea de las personalidades de Curran o Gus, pero también de Roxy (la novia de Catherine, a la que da vida una también sensual Leilani Sarelle), la psicóloga Beth Garner (la estupenda y siempre guapa Jeanne Tripplehorn), y sobre todo el complejo y fascinante personaje de Sharon Stone, mucho más difícil de interpretar de lo que parece para no caer en el exceso o la parodia.

Sin más dilación, y a parte de conocer algo del pasado turbulento de Curran, se nos da a conocer la ingeniosísima coartada de Tramell. Al haber escrito un libro en el que ya se escenificaba con ritual y detalle exacto el asesinato por el que la acusan, no hay muchas posibilidades de encausarla sin pruebas directas, teniendo en cuenta además su fortuna. Sin móvil, y con la coartada del libro, finalmente es la sospechosa número uno, pero esto llevará a Curran a una aventura peligrosa e intensísima, y a una relación tempestuosa, que es, al menos para quien esto escribe, una cumbre del género.

Rasgos de estilo: suspensión de incredulidad

Sin duda la obra maestra que representa en sí misma la música de Jerry Goldsmith, sube varios enteros a la puesta en escena de Verhoeven. Pero eso no le quita méritos a un trabajo brillante, con varias secuencias antológicas. Por ejemplo la del famoso interrogatorio, en el que la mayoría de espectadores (yo a veces también) sólo se fijan en el famoso cruce de piernas (mil veces parodiado). Ya cuando van a buscar a Tramell, Verhoeven cierra la secuencia con ese plano elegantísimo que presenta a los tres de espaldas caminando hacia la puerta. Pero la secuencia en sí ya comienza con un cruce de planos que es como una danza entre los actores, todo ello bajo un ambiente de luces azules muy elaborado. Toda ella es verdaderamente una lección de planificación soberbia.

Con grandes angulares, con contrapicados en los que a menudo se ven los techos (tal como dicta el género), el interrogatorio está dividido entre partes sutilmente diferenciadas entre sí, y que constituye un ritual de deseo hacia algo (aparente: la verdad del caso, oculto: la propia Tramell) no satisfecho. Rodeada de hombres, es Tramell (una soberbia Stone) la que controla la situación en todo momento. Empieza con la broma del tabaco, y con el velocísimo juego de primeros planos que comienza con el ¿mató usted a Johnnie Boz? pasamos a la segunda parte del interrogatorio, que tiene al cruce de piernas como protagonista absoluto. Es la parte más larga, en la que se establece una relación entre Curran y Trammell. La tercera parte comienza con un corte brusco de montaje, un movimiento en travelling de retroceso hasta coger la escena en plano general y un cambio en el tema musical.

La formidable secuencia de la persecución también es digna de un maestro en la realización de películas, que comienza con un plano aéreo desde un helicóptero y con un montaje perfecto alterna planos generales y cortos, desde una cámara lapa en el lateral del coche, hasta otra pegada al frontal del mismo y rozando el asfalto. Una escena que tardó varias semanas en rodarse y que también cuenta con presentación, nudo intenso y desenlace, que es el segundo coitus interruptus. El mismo juego de seducción, pero esta vez explícito, ocurre en la secuencia de la discoteca, y finalmente obtiene como recompensa el largamente ansiado e interrumpido orgasmo.

Pero también hay suspense, y hay pasión devoradora, y un crescendo imparable, como si fuera una predestinación, en esta historia que se van rizando y complicando, pero de la que Verhoeven jamás pierde el control, centrándose sobre todo en sus actores y en su cámara, siempre a la altura de la mirada humana, sin aspavientos, sin énfasis, con una secuencia muy contenida pero muy astuta, adentrándose por los meandros de una ciudad que late sexo por los cuatro costados, como San Francisco, a la que erige un monumento. El sexo como una adicción al peligro, al dolor de la posible pérdida futura, compensada por el placer del presente. El crimen como la otra cara de la moneda, como el complemento perfecto a la pasión, con el que sublimarla o simplemente acallarla para siempre…

Quien crea que en el cine, las películas se suceden como por azar, no sólo dentro de la trayectoria de un director sino también en la cinematografía mundial, en mi opinión está profundamente equivocado. Pero mucha gente cree eso: que las películas se hacen como churros, sin orden ni concierto, y que salen del interior de la creatividad de sus responsables sin una necesidad o razón aparente. Nada más lejos. No es casual, por tanto, que con tan poco tiempo de diferencia se hayan realizado y dirigido dos películas tan similares en muchos aspectos (aunque también diferentes en muchos otros), como ‘El libro negro’ y ‘Deseo | Peligro’.

El caso es fascinante, y provoca una reflexión cinéfila de primer orden. Que dos directores tan dispares, en apariencia, como el holandés Paul Verhoeven y el taiwanés Ang Lee, vean cómo sus sensiblidades se rozan, e incluso se solapen, en estas dos estupendas películas, puede ayudarnos, no sólo a aprovechar la ocasión para ver en qué se diferencian sus personalidades y por qué, sino también a observar cómo se desenvuelven ambos con un material tan similar. Echemos un vistazo a estas dos películas disponibles en Dvd. Y tranquilos que no vamos a desvelar nada que no se sepa.

Ambas películas tratan acerca de una mujer en peligro, pero al contrario que las heroínas de, por ejemplo, Polanski, estas dos bellas muchachas se juegan la vida por su propia voluntad, conociendo sus (muchas limitaciones) y lo que les depara (la tortura y la muerte) en caso de que sus pesquisas terminen en fracaso. Son dos mujeres jóvenes, encarnadas por las entregadísimas y muy atractivas Carice van Houten y Wei Tang (que rondaban los treinta cuando las protagonizaron), las cuales están perfectas en sus respectivos papeles de espías amateurs que tienen que lidiar con unas circunstancias que a menudo las superan.

Y las superan porque, tanto una como otra tienen como objetivo, en la Holanda ocupada de la segunda guerra mundial como en la China ocupada de la segunda guerra sino-japonesa (ambas tuvieron lugar durante prácticamente los mismos años), a un hombre importante del bando contrario con el que acabarán sintiéndose irremediablemente unidas, para bien y para mal, con lo que la inicial misión de espionaje comienza a volverse contra ellas, debiendo elegir de manera improrrogable entre el deber y el amor, sacrificando mucho de lo que han estado persiguiendo durante muchos años de esfuerzo y mentiras, y descubriendo por el camino falsas amistades, y nuevos y sorprendentes rasgos de la propia personalidad.

Venía Ang Lee de firmar una de las obras de arte más importantes de lo que llevamos de siglo, la inolvidable, conmocionadora, ‘Brokeback Mountain’, que le hizo ganar el León de Oro, codiciado premio supremo de la Mostra de Venecia. Y repitió con esta película de la que ahora hablamos, para sorpresa de todos. Sin embargo, ‘Deseo | Peligro’ no alcanza ni por asomo el nivel de aquella (¿podrá el gran Ang Lee regalarnos otra película similar en el futuro?), pues la peripecia de la protagonista adolece de arritmias graves que terminan por desconectarnos indebidamente, por alejarnos de su tragedia personal.

Todo lo contrario que la aventura de Rachel Stein/Ellis de Vries, que llega todo lo lejos que tiene que llegar, y se erige en una de las más importantes historias femeninas contadas en la vieja Europa en muchos años de cine. Pues este personaje mártir y doliente llega al final de un viaje tortuoso con todas las de la ley, y no pierde en ningún momento el rumbo, perfectamente guiado por Paul Verhoeven, que aunque nunca ha hecho nada de la altura estética de ‘Brokeback Mountain’, aquí firma una obra en la que roza la maestría. Como Ang Lee, fue un extranjero que triunfó en Hollywood, y que luego regresó a su tierra natal para contar una historia de su país. El gran director holandés se ha redimido con esta salvaje, pero al mismo tiempo elegante historia de traidores, en la que despliega su sabiduría narrativa acumulada, y en la que logra un crudo y veraz retrato de su país y de las consecuencias de la guerra.

No es casual, como decíamos, que dos directores tan dispares, trabajando en países tan alejados el uno del otro, firmen películas tan parecidas, en las cuales el sexo está tan presente, tan crudo y tan gráfico, y donde las relaciones de pareja son siempre motivo para el engaño, el secreto y nunca para el sosiego y la confianza. A algunos no se nos escapa que de las graves consecuencias de las cruentas guerras de mediados de siglo provienen los cismas de la sociedad actual. Es decir, que de aquellos polvos provienen estos lodos. sumidos como estamos en la peor crisis (y sólo percibimos la punta del iceberg) social, creativa, espiritual, emocional, que se recuerda….No, no hablaba de la económica, la que inventan los mismos que provocan guerras mundiales.

Así, Verhoeven y Lee vuelven su mirada hacia el más terrible acto de insensatez humana, la guerra. Y lo hacen con la mirada dolorida, pero con la plenitud de los que dominan a la perfeccion los entresijos de su oficio. Porque si bien Lee no repite la maestría de su anterior película, si da una lección magistral de dirección de actores, y sí sabe apretar el acelerador cuando es conveniente y ofrecer un recital de tensión y de miradas y diálogos magníficos. Su reparto sabe responder a sus demandas, y obtenemos así una buena materia prima con lo que explotar el material de la historia. Lástima que esa historia no acabe de florecer como sería deseable.

Se lamenta uno, viendo cómo estas elegantes y sensuales mujeres pierden el tiempo, el talento y la juventud, de esas vidas tan desaprovechadas. Y se lamenta uno porque sabe que el mundo siempre ha sido así para las jóvenes nobles y bonitas. Sobre todo aquellas a las que el ritmo de la historia marca de forma tan inmisericorde. Verhoeven tiene menos piedad que Lee con su criatura. El primero no se cansa de inflingir dolor a su rubia muchacha, mientras que el segundo ofrece a su joven luchadora alguna que otra posiblidad de escape.

Ahí quedaron estas dos nobles películas, una prácticamente magistral, la otra con momentos magníficos. Existen más casos de paralelismos en la cinematografía global, que van más allá de los juegos de Hollywood de exprimir una idea en varias películas similares. ¿Alguien tiene algún caso que le haya entusiasmado?

En Blogdecine:

• ‘El Libro Negro’, Verhoeven vuelve a lo grande con un intenso film de espionaje.

• ‘El Libro Negro’, Verhoeven regresando con fuerza.

• ‘Deseo, Peligro’, Ang Lee con aroma de clásico.

• ‘Deseo, Peligro’, Ang Lee y el cine americano.

Una mujer bella, sensual, atractiva, inteligente y peligrosamente manipuladora que logra desquiciar a los que le rodean, en especial al género masculino, que no puede si no rendirse ante su presencia, como así hace el detective Nick Curran. Al igual que emana fascinación a sus antagonistas con su sola mirada, es capaz de hacer sentir al espectador que está invetiblamente atrapado por las redes de su maquiavélica pero atrayente conjura con el mal.

Partiendo de un guión algo tramposo y, por momentos, previsible pero a la vez tremendamente eficaz de Joe Eszterhas, Verhoeven construye un thriller redondo, con un ritmo endiablado y en el que su protagonista, la inolvidable Catherine Tramell logra que todas las miradas y pesquisas policiales se centren ella. De su interpretación se encargó una soberbia Sharon Stone, que logra desprender un magnetismo único en cada aparición y, en especial, en las escenas más tórridas, donde da rienda suelta a sus armas de seducción al servicio de sus ocultos y oscuros intereses criminales.

Pocas veces ver a una bomba sexual en plena acción ha provocado mayor tensión, en una acumulación de sentimientos de emoción, excitación y miedo. Catherine Tramell exhibe un dominio del arte de la seducción, pero también de agudas dosis de psicología en cada diálogo, logrando la mencionada manipulación del detective Curran y del resto de detectives, que acaban subyugados por su atrevida y explícita sensualidad.

Tramell no necesita más que mirar a los ojos y con un simple gesto se posiciona como dominante de cada una de las situaciones. La más conocida escena me sirve de claro ejemplo. Ese interrogatorio pepretrado por la plana mayor del departamento de policía, que pondría en un brete a más de un avezado asesino, acaba convirtiéndose en un despliegue hipnótico de Tramell, con el más famoso cruce de piernas de la historia del cine.

Una mujer fatal, ambigua, sugerente, capaz de seducir y estar varios pasos por delante de sus víctimas, capaz de manejar un picahielos sin asustar y capaz de manejar un diálogo para desnudarte psicológicamente.

Tramell protagoniza algunas memorables escenas. Casi cada una de sus apariciones son para recordar, pero me quedaría especialmente con el arranque de la película. Con una escena simple, pero muy bien realizada, aparte de su excelente fotografía y la inspirada banda sonora (del gran Jerry Goldsmith), nos pone a tono. Enseña todas la cartas y resume, en unos explícitos (y censurados en EEUU) minutos lo que nos va a deparar la historia. Precisamente, ese juego ambiguo de no reconocer a su protagonista femenina es uno de los principales atractivos y será, a la postre, la clave de toda la historia. ¿Quién esa rubia peligrosa? No se puede empezar mejor.

Y también, como no, ese famoso interrogatorio, quizás demasiado conocido y parodiado hasta la extenuación, pero que cuando la vi por primera vez (repetí en cine y numerosas ocasiones en VHS), logró cautivarme, amén de elevar aún más la cálida temperatura de la cinta, logrando que me acabara rindiendo ante el poderío intelectual y hábil de Tramell para manejar a ese puñado de detectives, supuestamente efectivos, pero claros ejemplos de la debilidad masculina a merced de una belleza inteligente.

Por último, ese baile de seducción que se marca Catherine en la discoteca ante la mirada fascinada de Curran. Roces, juegos lésbicos en la rítmica y atrapante atmósfera de la sala de baile, maravillosamente rodada y editada. Asistimos, nuevamente, al alarde de las poderosas armas de Tramell. En esta ocasión, sin intercambio de frases, sino de miradas lascivas, que hacen bueno el título de la cinta. Verdadero estímulo de los instintos más básicos.

Con el alto aprecio que me quedó de Tramell, es una lástima, ver para lo que quedó en la prescindible y desfasada secuela, mero vehículo de exhibición de una más madura Sharon Stone, pero sin un ápice del magnetismo desprendido en la obra de Verhoeven de 1992.

Otros de mis villanos favoritos:

• Mis villanos favoritos: The Terminator (‘Terminator’)

• Mis villanos favoritos: Annie Wilkes (‘Misery’)