Una de mis costumbres semanales es la de reunirme con algún amigo (o varios), irnos a mi casa y ver una película cuando la noche ya está cerrada, los ruidos son imperceptibles y la ciudad parece dormir. Normalmente me piden que yo elija el film, que les recomiende una gran película, metiéndome en un brete impresionante pues ya sabemos que sobre gustos no hay nada escrito (que gran falacia), y que para aquellos sin la suficiente cultura cinematográfica, el elegir ciertos films puede hacer que te odien de por vida. Siempre tengo mucho cuidado cuando se trata de cine clásico, pero cuando mi colega David me pidió una película con la que quería reírse mucho, no me lo pensé dos veces: ‘Arsénico por compasión’ (‘Arsenic and Old Lace’, Frank Capra, 1944) era la respuesta.

En estos tiempos de comedias por doquier, cuanto más alocadas mejor, se ha estrenado la estimable ‘Resacón en las Vegas’ (‘The Hangover’, Todd Phillips, 2009), un soplo de aire fresco a un género cuya mayor cualidad era tomar al espectador por un imbécil integral. En una de esas charlas cinéfilas que de vez en cuando se dan por donde habito, llegamos a la conclusión que dicho film recuerda sobremanera a films alocados de los años 30 y 40, salvando las distancias. Y ‘Arsénico por compasión’ es una de las películas más alocadas de toda la historia. Pero hacer una comedia alocada no es fácil, muchos tratan de reunir un montón de gags presumiblemente graciosos, uno tras otro, sin darse cuenta de que todo tiene que tener coherencia interna.

Como muchos sabréis (y si no, tampoco pasa nada, dos padrenuestros y vía) la historia de ‘Arsénico por compasión’ es una adaptación de la obra teatral de idéntico título, escrita por Joseph Kesserling. El film se rodó a finales de 1941, tres años antes de su estreno, y la Warner se vio obligada por ley a esperar ese tiempo hasta que la obra dejase de representarse en Broadway. Para cuando eso ocurrió, la actriz principal, Priscilla Lane, había terminado su contrato con la Warner (aquellos eran tiempos en los que los actores más conocidos estaban por lo normal ligados a una determinada productora, hoy en día suele ser más habitual entre los directores).

Su historia es tan sencilla como complicada. Samuel Brewster es un conocido crítico teatral que se ha comprometido, lo cual es toda una sorpresa ya que siempre ha estado en contra del matrimonio. Antes de salir de viaje de novios hará una parada en la casa donde creció, propiedad de sus encantadoras tías solteras. La cantidad de acontecimientos que suceden entre esas cuatro paredes supone uno de los viajes más delirantes, inteligentes y agudos a través de la risa. Una risa que proviene de transformar en un bestial humor negro, situaciones nada graciosas, que encadenadas una tras otra, se disfrutan cual montaña rusa de la carcajada, teniendo como baza principal “el más difícil todavía”. Cuando parece que no se va a poder reír más, ‘Arsénico por compasión’ sube un peldaño más en su humor hasta una parte final antológica.

Frank Capra, famoso en aquel momento por películas como ‘Sucedió una noche’ (‘It Happened One Night’, 1934), ‘Horizontes perdidos’ (‘Lost Horizon’, 1937) o ‘Vive como quieras’ (‘You Can´t Take It with You’, 1938), después de tanto drama y en mitad de sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial, cambió totalmente de registro, haciendo una película que es humor puro y duro desde su primer fotograma hasta el último. Tal vez, y a lo Preston Sturges, decidió, volviendo a sus orígenes, que era preferible hacer reír a la gente, aunque su siguiente film de ficción sería ese terrorífico cuento de hadas que se da la mano con el melodrama más desesperanzador, titulado ‘¡Qué bello es vivir!’ (‘It´s a Wonderful Life’, 1946). En ‘Arsénico por compasión’ se acerca, con el filtro de la comedia, a la muerte y la locura. Nunca ambas resultaron tan divertidas como en esta película.

Josephine Hull y Jean Adair dan vida a las maravillosas tías de Mortimer, cuyas manías con el arsénico y su pasión por los hombres solitarios, son mostradas como actos de compasión hacia la gente que no tiene a nadie en el mundo. Choca de frente con la misma manía de Jonatahan Brewster, la oveja negra de la familia, que también mata a gente, pero sus instintos son más bien asesinos. Y mientras unas no se han movido de su casa, el otro ha tenido que viajar por medio país teniendo el mismo número de muertes sobre su conciencia. Este papel está interpretado por un genial Raymond Massey, de sospechoso parecido con Boris Karloff, que era quien le daba vida en la obra teatral, de ahí las bromas continuas sobre su parecido con Karloff, el cual es debido a una operación quirúrgica, en la que el doctor se dejó influenciar por una película de terror que acababa de ver (algo de lo que nos enteramos por los propios personajes). El doctor es interpretado con su habitual nervio por Peter Lorre. La muerte en manos de las tías, es algo maravilloso, casi deseable; en manos de Jonathan nadie querría estar.

La locura navega por toda la historia, desde la propia manía de las tías (que pueden ser vistas como locas, aunque no lo sean) hasta el personaje loco por antonomasia: “Teddy Roosevelt” Brewster (inspirado John Alexander), tercer hermano, que creyéndose el Presidente de los Estados Unidos, está ajeno a todo, y a pesar de sus extravagancias, alguna de las cuales provocan los momentos más hilarantes de la película (esa carga subiendo las escaleras), llega a parecer el más cuerdo de todos. El siempre magnífico Edward Everett Horton da vida al director de un manicomio, más preocupado por que no haya más Roosevelts en su centro, que por la locura en sí de un paciente.

Cary Grant es el eje central del film, la estrella absoluta cuya perfecta compenetración con todos los demás actores, le convierten en el motor de la película. Resulta curioso que el actor siempre consideró que su interpretación en ‘Arsénico por compasión’ era horrible, y la tenía por la peor de todas las películas de su carrera. Nada más lejos de la realidad, pues la vitalidad de Grant, su continuo movimiento en escena, sus impagables expresiones, todo lo que le lleva de camino a una inevitable locura, son de lo mejor de una cinta que en ningún momento da respiro al espectador. Y siempre con la mano firme de Capra, que con una arriesgada puesta en escena (algunos planos en el interior de la casa son de lo más osados), sabe mantener el tono justo y controlarlo hasta el final. Una screwball comedy que Capra aceptó por dinero, y convirtió en una obra maestra.

Alfred Hitchcock, probablemente el director de cine más popular de la historia, aunque no estaría de más hacer una especie de encuesta y comprobar si Steven Spielberg le ha robado ese “título” (creo que la cosa estaría muy reñida). Cuando se habla de él se tiende, un poco injustamente, a separar su obra en dos períodos, el británico y el americano, dándole mucha más importancia al segundo, en el cual realizó películas tan grandes como ‘Psicosis’, ‘Los Pájaros’ o ’ Vértigo’, por poner sólo tres ejemplos.

Un servidor considera también una obra maestra un film realizado en 1955 con James Stewart y Doris Day, y ganador del Oscar a la mejor canción, a la que siempre aludo en los posts de estrenos cuando me toca hacerlos, Qué será será. Dicho film es un remake lujoso, por decirlo de alguna manera, de la película que hoy nos ocupa, de igual título, y realizada en 1934, y entre cuyos actores figura el pequeño gran Peter Lorre.


‘El Hombre que Sabía Demasiado’ narra una historia de espionaje, en la que un matrimonio es avisado mediante un mensaje de que su hija ha sido raptada, y que su vida corre peligro en caso de que desvelen una importante información que han recibido recientemente de un amigo que acaba de ser asesinado.

Así pues, en base la historia es la misma que el famoso remake realizado 20 años después, aunque la forma de enfocarla de don Alfredo es bastante diferente. Por supuesto, la referencia debería ser la presente, aunque todos estaremos de acuerdo (o no) que la de 1955 es bastante superior por muchos y diferentes motivos, como el extraordinario uso del suspense o la interpretación de Stewart, incluso Doris Day estaba mejor de lo que solía estar (Day era una actriz que cuando la dirigían podía estar deslumbrante). En la versión de 1934 se va directo al grano, la película dura apenas una hora y cuarto, por lo que no hay tiempo para pararse en algunas cosas en las que sí se paró en la posterior versión.

Quizá por eso, la película tiene un ritmo perfecto, que alcanza su cenit en el estupendo y conciso clímax final. Hasta ese momento hay secuencias dignas de elogio, y por la que don Alfredo se ganó muy merecidamente todos los piropos que críticos y espectadores le hicieron a lo largo de las décadas. Baste apuntar por ejemplo, cierta visita a un dentista, momento éste de una tensión increíble en la que el espectador no sabe en ningún momento que es lo que va a suceder. Porque si habría algo que achacarle algo a esta película es que adolece de cierta previsibilidad, pero nada alarmante que impida disfrutar del film.

En cuanto a los actores, contar con Peter Lorre haciendo de villano es una garantía para cualquier película. Sin embargo, creo que aquí Lorre no está a la altura de otras interpretaciones. Su personaje, un poco increíble, está interpretado con un exceso de histrionismo, algo con lo que Lorre siempre estuvo rayando, pero en este caso es evidente que se le fue la mano. En el lado de los buenos, destacar el trabajo de Edna Best, actriz hoy totalmente olvidada, y que cumple a la perfección con su papel de heroína, marcando un antecedente en los típicos papeles femeninos de Don Alfredo (ya sabéis, su obsesión por las rubias). Excelente el detalle de guión, y que viste muy bien al personaje, de su afición por las armas.

Una película muy buena, que sin lugar a dudas, permanece entre lo mejor de Hitchcock de su etapa británica, haciendo gala ya de un perfecto equilibrio entre calidad y comercialidad. Este gran inglés sabía como hacer buen cine sin olvidarse ni un sólo momento del público en general. Pocos supieron mezclar ambos elementos con tanta sabiduría como él (Qué curioso, el nombre de Spielberg me vuelve a venir a la mente). Por si os interesa, ‘El Hombre que Sabía Demasiado’ está editada en dvd en una más que endeble edición de Divisa, algo muy raro en esta distribuidora. A ver si un día se animan a una reedición como Dios manda.

Durante la Segunda Guerra Mundial, mientras que en Europa la producción cinematográfica descendió considerablemente por razones más que evidentes, los americanos continuaron haciendo cine perfeccionándose en este maravilloso arte. Cuando EEUU entró en la Guerra, muchas de las películas que se hacían eran bélicas, de propaganda, para levantar el ánimo, y para dar a conocer al mundo en unos momentos difíciles para todos, el american way of life como el más perfecto y maravilloso modo de vida sobre el planeta Tierra.

Muchos directores famosos se sumaron a esa moda de principios de los años 40, siendo entre los más prolíficos en el tema Henry Hathaway y Raoul Walsh. Precisamente Walsh fue el director de ‘Background to Danger’, film de espionaje no demasiado trascendental, pero sí muy entretenido, que desde luego no se encuentra entre las grandes obras de Walsh, pero gracias al buen hacer de éste, tampoco se encuentra entre las peores.

‘Background to Danger’ narra una historia de espionaje en la que los alemanes intentan enemistar a países amigos mediante información falsa, y así lograr que alguno de esos países se alíe con Alemania. Los Estados Unidos envían a un espía para que recopile todos los datos posibles e intente desbaratar los planes del enemigo, pero nuestro protagonista no podrá fiarse de nadie, ya que cualquiera puede ser un espía. Este es, a groso modo, la sinopsis de la película, sobre la que no conviene desvelar más, ya que uno de los grandes aciertos del film es su suspense, bastante bien dosificado por Walsh, al ir dándonos poco a poco toda la información sobre los distintos personajes que van apareciendo en la historia. Una historia narrada en tan solo 80 minutos, de cuando no se necesitaban tres horas para contar algo como lo que aquí se cuenta.

También tenemos unos secundarios de lujo que salvan la función gracias a su excelente labor interpretativa. Por un lado Sydney Greenstreet, como el villano de la función, un agente alemán que odia a los americanos, con un orgullo muy grande. Un personaje hecho a su medida, y con el que el actor demuestra estar como pez en el agua. Como también lo está el gran, y no precisamente de tamaño, Peter Lorre, el inolvidable intérprete de ‘M’ o ‘Casablanca’, o un sinfín de películas inolvidables. Lorre interpreta a un agente ruso que nunca se sabe si está diciendo la verdad o mintiendo. Sus apariciones en pantalla no tienen desperdicio, uno de esos personajes entre simpáticos y temibles con los que nunca sabes a qué atenerte, hasta que se descubren todas las cartas del asunto, evidentemente. Dicho personaje, además da la oportunidad a Lorre para poner un acento ruso, con el que termina de redondear la composición del actor, indudablemente el mejor de todo el reparto, seguido muy de cerca por Greenstreet.

Algo que no se puede decir de George Raft, para cuyo lucimiento exclusivo se hizo la película pues era una de las estrellas de cine más famosas de la época, aunque como actor era más bien mediocre, siempre con sus poses y expresándose más bien poco. Como él es el protagonista nos cansamos de verlo durante toda la proyección, no inmutándose por absolutamente nada, y quedando en evidencia en las escenas en las que se “enfrenta” a Lorre o a Greenstreet. Brenda Marshall interpreta a la hermana de Lorre, un personaje bastante tópico, la típica comparsa femenina poco definida en el guión. También aparece en un breve pero importante papel Osa Massen, de cuya boca salen las frases más propagandísticas de la película. Unas frases que parecen metidas con calzador entre los diálogos, y que hasta pueden resultar divertidas si se miran con cierto sentido del humor.

Una película correcta que no pasó a la historia, ni lo pretendía, ya que como ésta se hacían como churros en aquellos años. Su única intención era la de levantar el ánimo del pueblo, contando una de esas historias en las que siempre ganan los buenos (los bondadosos y fuertes americanos) y pierden los malos (los horribles e inhumanos alemanes). Al menos en el medio nos hemos entretenido lo suficiente como para justificar su visionado. Por cierto, si os interesa ver la película, está únicamente disponible en formato vhs y de importación, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer.

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