En la pasada edición de los Oscars, los premios de Cine más importantes del mundo, aunque en el fondo sólo le importan a los que lo ganan, Marion Cotillard se hizo con la estatuilla por su performance de Edith Piaf en ‘La Vida en Rosa’, una de esas películas que aún no he visto, algo que enmendaré con el dvd. Éramos muchos los que pensábamos que Julie Christie se llevaría el gato al agua, ya que su interpretación en la magnífica ‘Lejos de Ella’ es de las que impresionan. Competía con ellas Laura Linney, excelente actriz, no demasiado conocida por el gran público, tres veces nominada al Óscar, y otras muchas ninguneada.

‘La Familia Savages’ es una de esas películas que se estrenaron de tapadillo, y que nada tienen que hacer al lado de blockbusters o films mucho más promocionados. No importa que los de la Academia de Hollywood se fijen en ella, y la nominen en un par de categorías, es un film destinado a que lo vean pocos y que permanezca únicamente en la memoria cinéfila de los más exigentes e inquietos. ‘La Familia Savages’, en lo que va de año, es una de las mejores películas que he tenido oportunidad de ver en el transcurso de estos meses, de momento, bastantes pobres.

‘La Familia Savages’ narra la historia de dos hermanos que se reencuentran para ayudar a su padre moribundo. Dos hermanos que han estado alejados por diversos motivos de su figura paterna, y ahora tiene que reencontrase, volver a sus orígenes, con todo lo que eso supone. Enfrentarse no sólo a un pasado del que han huido, sino valorar lo que es ahora sus vidas, un tanto anodinas y llenas más bien de tristezas y fracasos.

Tamara Jenkis dirige y guioniza una película que sobre todo se apoya en dos portentosas interpretaciones, las de Laura Linney y Philip Seymour Hoffman, que dan vida a esos dos hermanos tan diferentes entre sí, y al mismo tiempo tan iguales y necesitados el uno del otro. Los dos actores se compenetran a la perfección, aunque probablemente, y esto es más del guión que de otra cosa, es la Linney quien carga con el peso de toda la historia. Su personaje, una mujer enrollada con un hombre casado que nunca dejará a su esposa, frágil, descontenta, vulnerable, y harta de la existencia que lleva, es un claro reflejo de la vida real. Sin trampa ni cartón, un personaje vivo, auténtico, de los que se palpan y llegan como ninguno al espectador.

Puede que el film sea algo reiterativo, cayendo en su parte central en la repetición, dando la sensación de que no avanza. Incluso los motivos de una posible enemistad en el pasado entre el padre y sus dos hijos, no están claros del todo, salvo por cierta escena en una representación teatral. Pero la intensidad es una de las armas de Jenkis, que apoyándose en las mencionadas interpretaciones, logra un drama sincero, duro, muy íntimo y nada convencional. Las relaciones familiares, el perdón, el olvidar todo lo malo, el luchar y nunca cansarse de ello, el reconocer la mediocridad, el superarlo, el día a día, claves que poco a poco y con tesón pueden traer la felicidad a personajes que parecen olvidados de la mano de Dios, personas normales y corrientes que se funden en la inmensa jungla de personas en la misma situación de crisis de identidad.

‘La Familia Savages’ es una estupenda película que contiene alguna que otra incómoda escena (la conversación en el bar acerca de los deseos en caso de muerte del padre, al que da vida un entregado Philip Bosco). Disfrutable de principio a fin, a pesar de este estancamiento en su parte central, finalizada además con una secuencia memorable que resume la esencia de su trama en lo que es una sutil declaración de intenciones.

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“Ser feliz es no preocuparse por serlo”. Esta es la frase que podría resumir el adverso destino que depara a los personajes de ‘Happiness’. Personajes que, en mayor o menor medida, todos trascienden al mismo nivel en cuanto a que la película es una señora historia coral, perfectamente estructurada y desarrollada.

Cuando salió este film, a pesar de su carácter independiente y su reducido presupuesto, se produjo una gran polémica a la vez que la película fue multipremiada, aplaudida y denostada a partes iguales, pero confirmó a su director y guionista, Todd Solondz, como un cineasta interesantísimo y talentoso.

El argumento gira en torno a la familia Jordan, a la que envuelve un falso aura de estabilidad económica, social y por qué no, emocional. Una falsa, digámoslo ya, felicidad que se supone inherente al estilo de vida que llevan. Trish (Cynthia Stevenson) está casada y con hijos y ha sacrificado sus sueños por llevar la encantadora y satisfactoria cotidianeidad que ahora disfruta. Su hermana Joy (Jane Adams) es una idealista sin remedio que, tras el suicidio de su ex-pareja, decide dar un giro de 180 grados a su vida, deja su trabajo de teleoperadora y se dispone a dar clases de inglés a inmigrantes. La hermana que queda, Helen (Lara Flynn Boyle), es una frívola y exitosa escritora que se siente vacía y culpable porque quiere atribuir una violación a la protagonista de su nueva novela, cuando no sabe nada acerca del tema por no haber sido ella misma violada.

Con un oscuro realismo con reminiscencias de Raymond Carver y un humor negrísimo que parece heredado por Roald Dahl, ‘Happiness’ es tan tremenda y sobrecogedora que el espectador tiene a pensar que todo es hiperbólico, exagerado, caricaturesco. Y su encanto reside precisamente en que los personajes son perfectamente plausibles. Reales. Humanos. Como tú y como yo. Se ha hablado mucho de que ‘Happiness’ es análoga a ‘American Beauty’, o a series como ‘Los Simpsons’ o ‘Matrimonio con Hijos’. Pero esta película tiene, sin duda, muchas más dosis de mala leche, cinismo y lucidez. Lo mejor es que Solondz no se ciñe a un retrato social americano, sino que su ámbito es más genérico puesto que se centra en perversiones del ser humano, temas tabú, miserias interiores… El fracaso y el desconsuelo, en definitiva.

Aunque ‘Happiness’ mantiene una admirable regularidad en su conjunto argumental, es la trama del doctor Bill Maplewood, el perfecto marido de la mencionada Trish, la que más fascina por su carácter extremadamente sobrío, el dominio del suspense por parte de Solondz y el tono exclusivamente analítico, libre de moralina, juicios o ánimo de manipulación, que relata el devenir de éste. Bill está interpretado por Dylan Baker de una forma impresionante, con una sobriedad que asombra, y unos tics de tranquila honestidad y evocación de empatía que lo aleja mucho de los clichés referidos a la psicopatía. Bill es un pederasta, como se va descubriendo a lo largo de la película. No quiere desvelarlo a su familia porque sabe que eso sería su ruina social, pero también le apena comprobar que está enfermo mentalmente y que su felicidad es imposible.

La película no está muy bien dirigida, y algunas escenas están rodadas en detrimento de la claridad de lo que realmente ocurre, con multitud de planos fijos y carencia absoluta de movimientos de cámara que se echan en falta más de una vez. No obstante, Solondz sabe de sobra cómo mantener un ritmo muy calmado y aún así entretener y mantener la atención. Estamos ante una comedia tan ácida, que el espectador tiene plena libertad para horrorizarse, sin saber si participar en la comedia propuesta con sonrisas de complicidad o llorar por la melancolía omnipresente en la historia.

El film es de los más desasosegantes que un servidor ha podido ver. Desde luego no es apta si pasas por una mala racha o estás medianamente deprimido. Solondz no deja respiro alguno. Todo son chascos uno detrás de otro. La única visión que podemos extraer es que la vida es una debacle que vaga entre la monotonía aburrida, la falta de sentido de nuestros actos, y el tormento traumático. Sin embargo, no busca, como se ha dicho, provocar por provocar. Más bien se recrea en la penumbra incluida en un relato reflexivo y estremecedor. Además, no hay paja, ni efectismos, sólo un guión de sólidas bases narrativas. Los personajes se ven rechazados y excluidos en cuanto se esfuerzan por trepar a la cima de la felicidad.

Por supuesto, estoy tardando demasiado en decir que los actores están sensacionales. Dylan Baker está para ponerle un piso, pero los demás no se quedan atrás. Destaco a Jane Adams y al posteriormente oscarizado Philip Seymour Hoffman (vecino pervertido secretamente enamorado de Helen), así como a Justin Elvin (hijo de Bill y Trish). La presencia de Ben Gazzara, que aporta tristeza con sólo una mirada, también es de agradecer.

Hay escenas que por sí solas justifican el peso entero de la película. SPOILER La primera, en la que se describe la ruptura entre Andy y Joy, es angustiosa por el paso de la impotencia del desengaño a la ira por el orgullo herido. Cuando Bill recibe una petición de consejo del padre de un amigo de su hijo, tiene una conversación minuciosa y espléndida, con el asombroso significado interno que esconde la frase: “Sí, es verdad, ya es demasiado tarde”. Además, es espectacular la escena del sandwich de atún drogado, sobretodo porque el espectador se pone sin remedio de parte del malvado, o la confesión que hace Bill a su hijo. FIN SPOILER

‘Happiness’ es tan brillante como controvertida, y evoca páginas y páginas de reflexión. Pero lo mejor es acabar e instaron a que la veais. Ya. Es muy difícil de ver, y es lógico dejar de verla a la mitad por no poder soportar más su propuesta. Pero no verla es perderse una de las mejores películas de la década de los 90. Paso a enlazar la que para mí es la mejor escena de la película, la de un sueño, que golpea por su perfecto acompañamiento de la música, que nos lleva a pensar, por sádico que esto resulte, en el verdadero concepto de felicidad.

Y, básicamente, es eso en lo que se puede resumir esta estupenda película. Supone un soplo de aire fresco, una pieza magistral con una historia sencilla de fondo, pero contada con una contundencia y una energía que tras un final antológico, uno sólo desea volver a verla.

Lumet nos cuenta la historia de dos hermanos. Uno fuerte, manipulador, calculador interpretado magistralmente (una vez más) por Philip Seymour Hoffman. Y el otro timorato, visceral, frágil encarnado por Ethan Hawke en uno de sus mejores trabajos. Unidos por la desesperación y una complicada situación económica, se ven inmersos en un plan sencillo para encontrar una salida: atracar la joyería familiar. Pero la codicia les conduce por un peligroso camino, en el que se van encontrando permanentes obstáculos, en cuyo intento de esquivar solo logran acrecentar su depravamiento como única vía de escape.

Uno de los mayores aciertos de la película es su modo narrativo. La escena del atraco es el núcleo sobre el que Lumet nos va añadiendo más información en continuos flashbacks, que nos van descubriendo nuevas perspectivas y que atrapan al espectador a un ritmo asfixiante. A cada escena atrás amplía y diversifica la historia, nos va introduciendo en el alma de los personajes y logra avanzar la narración hipnóticamente. Y es cuando sus protagonistas nos deparan escenas shakesperianas, con soberbios diálogos y profundos silencios que nos van enseñando los verdaderos y oscuros motivos de ambos hermanos, sus pecados, sus debilidades y su fatalidad convertida en lazo de unión al que intentan aferrarse.

Hoffman es un ejecutivo que se odia a sí mismo, se siente un fracasado, con importantes deudas arrastradas por una adicción a la heroína, que evidencia su incapacidad de escapar de sí mismo. Hawke es, supuestamente, el débil, la víctima, separado y con una hija a la que mantener pero sin recursos suficientes. Es otro fracasado, cuya actitud es una buena muestra de que lo asume y en sus dudas intenta buscar la salvación.

En esta tragedia familiar de tintes griegos, también tiene una destacada intervención el padre de ambos, interpretado soberbiamente por Albert Finney que lucha hasta la extenuación por solucionar todo el entuerto, lo que le lleva al filo del abismo. Marisa Tomei, como secundaria está sencillamente brillante, a pesar de que su personaje no está lo suficientemente aprovechado y que nos brinda algunas escenas de alta temperatura (¿la habrá recuperado esta cinta para el futuro?).

Lumet ha sabido sacar lo mejor de cada uno de sus actores y éstos brindan un espectacular trabajo interpretativo, destacando sobremanera Hoffman. Que, a pesar de que ya nos tiene acostumbrado a geniales trabajos, acierta con su personaje en cada aparición, en cada línea de diálogo. Su ligera obesidad, su piel sudorosa, su capacidad de transmitir dolor, irritación, frialdad lo convierte en un villano muy humano que transmite de forma sensacional el sentimiento de odio a uno mismo. Por su parte Ethan Hawke está brillante. Aparece aterrado toda la cinta, con la mandíbula tensa, trabando su forma de hablar y resulta extraordinariamente verídico. Es obvio decir que es de obligado cumplimiento ver la película en versión original para apreciar cada matiz interpretativo.

“El mundo es un mal lugar” es una de las frases esenciales que se afirman en una crucial escena y resume a la perfección el retrato del comportamiento del ser humano que Sidney Lumet nos ha dejado. Impresindible.

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Pues ahora Kaufman ha decidido dar el salto a la dirección con ‘Synechoche, New York’ contando como protagonistas a Philip Seymour Hoffman y Catherine Keener, además de Michelle Williams, Samantha Morton y Tilda Swinton. Un reparto de altura para una cinta que nos cuenta la historia de un director teatral que intenta una ambiciosa obra, creando una réplica de Nueva York en un pequeño almacén, para su representación, mientras averigua que tiene una misteriosa enfermedad grave que le irá mermando sus facultades físicas.

Aunque pudiera parecer una historia simple, al parecer, Kaufman ha desarrollado en la historia mundos visuales muy elaborados, ya habituales en sus anteriores guiones, además de que, según él mismo, la película se mueve en el género de terror. Así, al menos, nació en los primeros esbozos de la historia. Espero impaciente poder ver el resultado final, aunque aún no tiene fecha fijada para su estreno. Estaremos atentos a ver qué acogida tiene en el festival de Cannes.

Vía | Slashfilm
En Blog de Cine | ‘Synecdoche, New York’ | Philip Seymour Hoffman

“Cuando nuestros padres, que estado cuidándonos toda la vida, no pueden cuidar de sí mismos, ¿qué hacemos con ellos?” reza el eslogan del anuncio de una residencia de ancianos que sale en la película. Y me parece la premisa perfecta para lo que propone una obra muy estimable del pasado año. Esta pregunta, tan irreversible como universal, podría haberse tratado de una forma muy convencional, como esos telefilms que emite cierta cadena en la hora de sobremesa.

Por suerte, no es el caso de ‘La Familia Savages’. Un título, por cierto, mal traducido, como siempre, o se traduce como ‘Los Savages’ o ‘La Familia Savage’, pero este “quedarse a medias” resulta horroroso. La película sin duda funciona por varios motivos, unos más evidentes que otros, pero sin duda hay que ir al grano destacando la actuación de sus dos protagonistas, Wendy y Jon Savage, interpretados con lucidez por dos de los mejores actores de la actualidad. Son, respectivamente, Laura Linney y Philip Seymour Hoffman.

Resulta que dos hermanos, que no tienen un contacto muy habitual, deben volver a verse y convivir para cuidar de su padre (estupendo Philip Bosco), que tiene los primeros síntomas de demencia y su movilidad se va viendo progresivamente lastrada. La película se encarga de mostrarnos, con una honestidad tajante, todas las consecuencias que tienen para los dos hermanos esta nueva situación, tan molesta como indefinida.

El ritmo de la narración es muy lento, que no pausado, pero no permite concesiones al espectador, ya que continuamente se revelan circunstancias y hasta anécdotas sobre los obstáculos que pueden encontrar unos hijos, al tener que asimilar que su padre les necesita. Ello viene suplementado con el hecho de que su padre les abandonó y era hasta cierto punto un maltratador, provocando continuos dilemas morales sobretodo en Jon, que le sufrió más.

Jon vive en una especie de estoicismo logrado por autosugestión, gracias en cierta medida a la tendencia del dramaturgo alemán Bertolt Brecht, a quien está dedicando un libro de ensayo como profesor de universidad. Nada parece afectar a Jon, pero da la eterna sensación de que va a explotar de un momento a otro. Wendy, sin embargo, enfoca toda su frustración (es una escritora fallida que está aprovechando una beca estatal que no le corresponde) en su gato y en su planta, volcando en ellas un afecto abstracto que la aleja de la verdadera realidad. Asimismo, se ve con frecuencia con un hombre casado para satisfacer su vida sexual, aun a sabiendas de que es una relación vacía y degenerativa. Como vemos, Jon y Wendy son unos personajes riquísimos en matices, y su curioso comportamiento y evolución subsanan con creces el pulso narrativo, con el que el espectador ha de tener paciencia en muchas ocasiones.

La dirección de la cuasidebutante Tamara Jenkins es más que correcta, y el guión, escrito por ella misma, SPOILER abre una puerta de esperanza hacia el optimismo, con un final en el que los protagonistas se dan cuenta de todo lo que han aprendido, para luchar por sus propias vidas FIN SPOILER. La fotografía es igualmente decente, con una tendencia a la estética invernal y a lo gris, como complemento a lo que se está contando.

Laura Linney optó merecidamente al Oscar por ‘La Familia Savages’ por su gloriosa e inspirada actuación, aunque Hoffman podría haber sido nominado igualmente, cosa que hizo, sin embargo, por ‘La guerra de Charlie Wilson’. La película es, en resumen, un ejemplo perfecto de cómo una historia familiar, dentro de ese gastado concepto que es lo melodramático, puede ser contado de forma eficiente y original, sin tendencia a la lágrima fácil. Y lo que es más importante, teniendo muy en cuenta la inteligencia del espectador, que debe sacar sus propias conclusiones a partir de las escenas, las miradas, la combinación triste de la música de Stephen Trask y la innegable dificultad de las situaciones.

Gran película, aunque en ciertos momentos no sea fácil de ver por su radicalidad y claridad a la hora de contar problemas que no son propios a todos, ahora mismo o más adelante. En otras palabras, por su dureza.

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Este viernes 25 de abril El próximo 23 de mayo se estrena, después de varios retrasos (tan exasperantes como sorprendentes en este tipo de películas), una de las mejores obras que ha dado lugar el séptimo arte en el año 2007. El mítico Sidney Lumet, a sus casi 84 años y con un Oscar honorífico, ha hecho una película que nadie esperaba ya. En medio de un vasto conjunto de thrillers “de serie” que nos hacen tragar en la actualidad, tan previsibles como tópicos, Lumet ha tenido que volver para enseñarnos a todos cómo se hace todo.

Me encandiló con ‘12 Hombres sin Piedad’, me conmovió con ‘Network: un mundo implacable’, me entretuvo con ‘Asesinato en el Orient Express’, y ahora ha vuelto con ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ (única traducción literal posible para el título original), una portentosa historia de amor, odio, desesperación, traición y declive. Ya desde el principio se avisa en el rótulo del título (no hay créditos iniciales): “Ojalá puedas pasar media hora en el cielo antes que el diablo sepa que has muerto”, como reza un viejo brindis irlandés.

Porque en definitiva, la película combina lo mejor de ‘Atraco Perfecto’, de Stanley Kubrick, ‘Fargo’, de Joel y Ethan Coen, y ‘Un plan sencillo’, de Sam Raimi. Y afortunadamente, la que nos ocupa va más allá. Ya desde el principio notamos la frescura de un guión del debutante Kelly Masterson y el propio Lumet, que juega con una narración no lineal, permitiendo una perspectiva analítica de lo que se cuenta en favor de el desarrollo psicológico de los personajes.

Andy (Philip Seymour Hoffman) y Hank (Ethan Hawke) Hanson son dos hermanos que necesitan urgentemente dinero por razones dispares. El primero, ejecutivo de posición desahogada, ha robado dinero de la empresa para conseguir droga, y el otro, sin trabajo estable, ha de pagar cuanto antes la pensión de su hija ya que está divorciada. Podría parecer que es el segundo quien peor lo tiene, pero ciertamente, se muestra cómo los dos están exactamente en la misma situación. Uno con traje y corbata, y el otro desaliñado, pero en esencia, deben hacer algo para cambiar sus vidas.

Y se les ocurre el plan perfecto: robar la joyería de sus padres y conseguir lo justo para ir tirando. El seguro cubrirá todo y todo saldrá fácil y rápido, ya que conocen sobradamente los detalles del establecimiento. Pero la cosa sale mal, como aclaran en la segunda escena de la película. A partir de ahí, el trágico devenir de los acontecimientos se hace irreversible.

Hay tantos aspectos que funcionan en ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ que es imposible enumerarlas sin más, porque no se haría justicia a uno u otro. Para empezar, Lumet sabe muy bien que por el tipo de trama propuesta, el peso de los actores es inevitable. Y por suerte, el trabajo de Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke es sencillamente magistral. Lo de Hoffman no tiene nombre: le he visto excelente en toda película que le he visto, incluso cuando comenzaba en esto de Hollywood y era cuasidesconocido. En cuanto a Hawke, pues hace un papel muy decente a pesar de rozar permanentemente la sobreactuación, que ya es decir para él, y me vuelve a convencer tras su trabajo en ‘El señor de la guerra’.

Lo mejor es lo bien perfilados que están los dos hermanos. Andy es calmado pero visceral, y su tendencia a permanecer tranquilo ante las adversidades le juega malas pasadas en momentos puntuales, mientras que Hank se deja llevar más por el miedo y la duda, pero sus actos son coherentes y le ayudan a sobrevivir. Pero la sorpresa es la del papel de Albert Finney que, sin disimular su acento británico, encarna al padre afligido de ambos, y que si bien al principio es un personaje menor, en la segunda mitad se lleva un par de escenas y deja a todos con la boca abierta. En definitiva, un trío protagonista con una actuación impecable. Quizás falla en la parte correspondiente a la exuberante Marisa Tomei, que hace de mujer de Andy, sin aportar prácticamente nada a la trama, excepto alguna escena sexualmente explícita o su condición de contrapunto en la relación entre los hermanos.

En cuanto a la dirección o fotografía, decir que están bien es decir poco. La claridad de ideas y el alarde de experiencia se hacen presentes toda la película. Lumet hace lo que le da la gana, sabiendo cuándo tiene que usar primeros planos, cámara en mano y presumiendo en cuanto puede de esos planos típicamente Lumet. A esto se le une la perfecta música de un inspirado Carter Burwell, en mi opinión un compositor infravalorado en favor de otros con melodías más conocidas por haber compuesto para blockbusters. Los últimos veinte minutos son perfectos, subrayan la maestría que marcaba su hegemonía en toda la película, y constituye un final de categoría.

Por lo tanto, una película inmejorable en los apartados técnicos y actoral, entretenida (a pesar de su largo nudo) la que nos otorga el viejo Lumet, con una mezcla entre el thriller y la tragedia griega que sorprenderá y satisfará hasta a los más exigentes. Gracias de nuevo, Sidney.

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• ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’, mucho título para este film

Camuflada como una comedia finalmente resulta más trágica y profunda sin permitir apenas algún sutil esbozo de sonrisa en los momentos más duros. Tamara Jenkins logra un relato muy realista, lleno de mordacidad de dos hermanos que llevan vidas separadas con tintes de fracaso en lo sentimental, que se ven obligados a reunirse para hacerse cargo del padre, ahora solo y demente, del que se encontraban totalmente alejados (y no sólo espacialmente).

El padre (Philip Bosco), verdadero catalizador del relato, es trasladado a una residencia de ancianos próxima a Buffalo, lugar donde vive Jon Savage (Philip Seymour Hoffman), que acoge en su casa a su hermana Wendy (Laura Linney), para afrontar esta nueva y catártica situación para ambos. Jenkins deja todo el peso de la historia sobre sus dos protagonistas que nos van dibujando sus vidas, sentimientos y fracasos con espléndidos diálogos, pero también a través de sus miradas y sus silencios.

Jenkins no deja que la narración caiga en el fácil sentimentalismo y otorga a sus perdedores protagonistas el poder de llevar semejante drama con cierta frialdad, y evidenciando un cierto egoísmo. Huye de la lágrima y consigue arrancar alguna sonrisa de situaciones trágicas y cotidianas que van encontrando los dos hermanos.

Sobresaliente película, a la par triste y optimista, en la que sus dos protagonistas están retratados de forma sublime, y en cuyas interpretaciones consigue su mayor valor. Dos de los mejores actores de su generación que convierten a los hermanos Savage en dos espejos de la infelicidad y del fracaso que emana de la sociedad individualista actual, sin por ello dejarnos el regusto trágico.

Sabe más el Diablo por viejo que por diablo. Dicho refrán podría aplicarse perfectamente a Sidney Lumet, quien a sus 83 años demuestra estar en plena forma, y muy por encima de un montón de realizadores mucho más jóvenes que harían muy bien en repasarse la filmografía de este realizador, que proveniente de la televisión (algo que se nota bastante en la puesta en escena de sus películas), sorprendió a todo el mundo con la grande ‘12 Hombres sin Piedad’. A partir de ese mítico título, Lumet fue ofreciéndonos momentos de excelso cine, aunque de vez en cuando ha metido la pata hasta el fondo (me niego a recordar el título de aquel espanto protagonizado por Don Johnson y Rebecca De Mornay).

‘Antes que el Diablo Sepa que has Muerto’ ha sufrido cambios de título, y retrasos en su estreno. Programada para el pasado viernes, ahora resulta que no será hasta el 25 de Abril 23 de Mayo cuando la puedan disfrutar la mayoría de los españoles. Este ninguneo que está sufriendo la película en su distribución se empareja con el que sufrió en su estreno americano, donde además fue vilmente olvidada de cara a las nominaciones de los Oscars, en los que no hubiera desentonado lo más mínimo, entre otras cosas porque es bastante superior a cualquiera de los cinco títulos finalistas en la última edición de la estatuilla dorada.

‘Antes que el Diablo Sepa que has Muerto’ (‘Before The Devil Knows You´re Dead’, 2007) narra la historia de un atraco frustrado a una joyería, el cual parecía la cosa más fácil del mundo. A partir de este hecho, las consecuencias serán devastadoras para un montón de gente implicada directa e indirectamente en el suceso. Esto es lo mínimo que se debe contar sobre esta película, decir más sería desvelar las cartas de una película que va sorprendiendo según va avanzando, no porque se produzcan sorpresas de esas que uno no se espera, sino por la fuerza del relato, y la cantidad de situaciones extremas a las que son expuestas unos personajes llenos de riqueza.

Como en los grandes thrillers clásicos, la trama empieza con algo intrascendente, y poco a poco se va liando de una forma tremenda hasta llegar a uno de esos finales que se quedan grabados en la retina por derecho propio. Lumet tiene el cine en sus venas, y en el presente film realiza una inaudita mezcla de clasicismo y modernidad. Clasicismo porque él proviene de una época ya olvidada hoy día (por lo menos en las formas, algo lógico por otro lado), y modernidad porque se ve muy bien que Lumet se ha puesto al día en cuanto a formulismos estéticos y narrativos. Quizá en este punto se encuentra paradójicamente uno de los dos puntos débiles de la historia. Su narración a base de flashbacks protagonizados por cada uno de los personajes, responde tal vez a una necesidad de alguien tan veterano como Lumet de moverse en los actuales tiempos. Pero dicha estructura, sin que llegue a molestar en absoluto, era totalmente prescindible. La historia no depende de esa estructura y hubiera funcionado perfectamente de haberla rodado de forma clásica.

Lumet, cual viejo perro que sabe más que nadie, filma una de las películas más rabiosamente entretenidas vistas en mucho tiempo. Un entretenimiento que se da la mano con la oscura trama que rodea todos sus patéticos personajes, perdedores sin rumbo, a los que, lo que podría considerarse como una cruel broma del destino, termina envolviéndolos en una espiral de acontecimientos a cada cual más grave. A Lumet le acompaña un elenco de actores en verdadero estado de gracia. Ethan Hawke y Philip Seymour Hoffman interpretan a los dos hermanos, ejes centrales de la historia. Uno, un perdedor al que su sueldo apenas le llega para pasárselo a su ex-mujer y su hija, y el otro, un acomodado hombre de negocios adicto a la heroína. Dos actores compenetrados a la perfección en dos roles totalmente opuestos a pesar de su parentesco. Marisa Tomei supone el segundo punto débil de la película, pero no por el trabajo de la actriz, quien incluso nos regala un montón de escenas subidas de tono que en otro tiempo hubieran sido impensables en ella. Lo realmente débil es su personaje en sí, es el peor tratado de todos: se trata de la mujer florero de uno de ellos, que en cierto momento de la trama tiene su vital importancia para luego descuidar al personaje en sí.

Pero quien se merece todos los aplausos es otro veterano: Albert Finney, con un personaje que va cobrando relevancia según avanza la trama de la película. Uno de esos personajes caramelo que cualquier actor hubiera dado la vida por él. Un inmenso secundario con una importante misión en todo lo que acontece, tomando decisiones terribles por las consecuencias de las mismas. SPOILER. La película se cierra con Finney después de hacer algo aterrador, caminando hacia una especie de luz redentora, un falso cielo en clara contraposición con el infierno que hasta ese momento han vivido todos. FIN SPOILER. Un final perfecto, único, broche de oro para una película casi (repito, casi) perfecta. Ha tenido que venir Sidney Lumet con toda su experiencia, para ofrecernos el mejor título en lo que va de año. Que no se entere el Diablo de que pasáis de verla.

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‘Antes que el diablo sepa que has muerto’, mucho título para este film

Después de dar infinitas vueltas con el título y con las fechas de estreno, parece que el día 25 de abril se estrenará 7 de marzo, ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ (‘Before The Devil Knows You´re Dead’), el film del autor de ‘Tarde de perros’ (‘Dog Day Afternoon’), ‘Veredicto final’ (‘The Verdict’) y ‘Serpico’, entre otras, Sidney Lumet, que lo último que presentó fue ‘Declaradme culpable’ (‘Find me guilty’), un film curioso en el que Vin Diesel parecía un cruce entre DeNiro y Stallone en el papel de un mafioso que se enfrentaba a un juicio.

Con guión del propio Lumet y de Kelly Masterson, ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ cuenta con un grandioso reparto: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei y Albert Finney.

Por dios sabe qué extrañas leyes genéticas, Seymour Hoffman y Hawke son dos hermanos que conspiran para llevar a cabo el atraco perfecto: atracar la joyería de sus padres en Wetchester, Nueva York. Nada de pistolas, nada de violencia, y nada de problemas. Pero cuando su cómplice decide no cumplir las reglas del juego, las cosas no salen como esperaban.

El título original, ‘Before The Devil Knows You´re Dead’, es demasiado bueno para la película, que es muchísimo menos imaginativa y memorable de lo que éste promete. Casi se podría decir con algo de mala baba que la primera traducción española, ‘Atraco al destino’, era tan común y corriente que le pegaba mucho más al film.

Con la intención de que esta historia que ya hemos visto otras veces pareciese diferente, Lumet juega con una estructura que va hacia atrás y hacia delante en el tiempo. Esto es interesante, aunque tampoco deslumbra, pues ni es la primera vez que se hace ni favorece que la trama impacte más.

Para que comprendiésemos que los dos hermanos llevan a cabo algo tan arriesgado, los tendríamos que ver mucho más angustiados y en un film tan basado en la psicología como éste, el aspecto de las motivaciones se ha descuidado enormemente. Por ello es difícil entrar en la trama en los minutos del principio. Al cabo de un tiempo, sin embargo, cuando todo se enreda, sí que comienza a interesar de verdad. Lo malo es que esto no dura demasiado. Pero si la película hubiese sido toda como esa parte, nos encontraríamos ante un magnífico thriller de acción.

Con un reparto tan completo no se pueden pasar por alto las interpretaciones, pero incluso aunque los nombres fuesen desconocidos, la dirección de actores es la faceta de ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ en la que Lumet ha hecho un mejor trabajo. Philip Seymour Hoffman siempre es uno de los más grandes (como actor, no penséis mal) de cualquier film en el que actúa, pero en esta ocasión, merece más encomios Ethan Hawke, pues está fuera de su papel habitual dando vida a un personaje cobarde y pringado y, no obstante, resulta absolutamente creíble, magistral, diría. Albert Finney también suele ser inmenso siempre y aquí no falla. Marisa Tomei representa uno de esos personajes que podrían sobrar y, aunque la intención de incluirla es reforzar la motivación de Andy, no termina de funcionar; pero por parte de la actriz no hay ningún problema.

Es una pena porque me esperaba mucho más de ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ y salí de la sala algo decepcionada al comprobar que se trata en un film más, como tantos otros. Se podría decir que es una película correcta, con buenas interpretaciones y que no es una opción desdeñable para cuando apetezca pasar dos horitas de cine. Pero hay que admitir que no brilla en apenas ningún aspecto y por lo tanto, tampoco es como para acudir corriendo a la sala.

Es innegable el interés actual del cine estadounidense por el todavía reciente conflicto de Irak, y todo lo que de de él se derivó. Realizadores como Brian de Palma, Oliver Stone, Paul Greengrass o Paul Haggis se han subido al carro de la crítica con ese tema. No vamos ahora a desglosar las intenciones de cada uno de esos realizadores, porque lo que aquí nos importa son las buenas películas. Ahora, el irreconocible Mike Nichols se apunta con ‘La Guerra de Charlie Wilson’ en la que explora un poco los orígenes de algunas cosas, y que muchos parecen haber olvidado.

La película habla de Charlie Wilson, un congresista texano, que a principios de los 80 vendió a Afganistán armas, para que éstos se libraran de los terribles ataques que sufrían por parte de los rusos. Wilson consiguió eso, y mucho más, gracias a la inestimable ayuda de una amiga suya, y amante ocasional, Joanne Herring, una de las millonarias más importantes de Texas, y de abierto carácter anticomunista. Y también de Gust Avrakotos, agente de la CIA sin un sólo pelo en la lengua.

El gran problema de ‘La Guerra de Charlie Wilson’ es su director. El señor Mike Nichols parece haberse perdido irremediablemente. De los tiempos de sus primeras películas, como ‘¿Quién Teme a Viriginia Woolf?’, o ‘El Graduado’ (probablemente su film más famoso) ya casi no queda nada. Un servidor siempre defenderá películas firmadas por él como ‘Armas de Mujer’, que nos descubrió la vena cómica de Harrison Ford y el lado perverso de Sigourney Weaver, y sobre todo ‘Lobo’, film menospreciado injustamente y que proponía una revisión del mito del hombre lobo muy peculiar y original. Pero luego era capaz de torturarnos con ladrillos como ‘Postales Desde el Filo’, ‘A Propósito de Henry’ o ‘Closer’ (una de las películas más estúpidas y engañosas jamás hechas). La serie ‘Angels in America’ que obtuvo importantes premios tiene cosas interesantes, pero se perdía en su propia envoltura de trascendencia.

‘La Guerra de Charlie Wilson’ adolece de lo mismo de sus peores películas, diálogos y más diálogos recitados sin ton ni son, aunque por momentos el director es capaz de dotarlos de algo de ritmo, como en la excelente secuencia en la que Wilson se encuentra por primera vez con Avrakotos, instante lleno de humor en el que se llega a hablar hasta de tres cosas distintas. Lamentablemente la película no alcanza más la cima como en ese momento. Y aunque Nichols es el maestro de ceremonias, todo lo bueno de ‘La Guerra de Charlie Wilson’ debe agradecerse a la increíble labor de todo su reparto, especialmente ese monstruo escénico que es Philip Seymour Hoffman, cuya primera aparición en escena es antológica. Con él es con quien mejor se lo pasa el espectador, y su reciente nominación a los Oscars fue más que merecida, aunque la categoría de actor secundario ya tenía ganador desde antes de celebrarse la ceremonia.

A su lado, en el papel principal, un perfecto Tom Hanks, excelentemente caracterizado haciendo gala de una madurez interpretativa que pocos actores de su generación han sido capaces de repetir. Y es que Hanks ya no es el protagonista de comedias tontorronas, y eso se nota. Su composición del senador Wilson es de lo mejor del film, compenetrándose a la perfección con una actriz con la que no había trabajado con anterioridad, la infravalorada Julia Roberts, quien realiza una de sus mejores interpretaciones, aunque sabe a poco dadas sus escasas apariciones en pantalla. También hay que destacar la especie de cameo que realiza Emily Blunt, quien deja con la boca abierta, y el trabajo de Amy Adams como la mano derecha del personaje central, personaje lleno de matices muy bien perfilados por Adams (sus silencios y miradas dicen más que sus palabras).

Pero Nichols no hace interesante el trabajo de Aaron Sorkin, que adapta el libro de George Crile. Como decía Hanks en unas declaraciones, el material era bueno para un documental y razón no le faltaba. ‘Primary Colors’ también era una film político y ahí Nichols sí supo hacerlo lo suficientemente interesante. Lo que cuenta ‘La Guerra de Charlie Wilson’ no tiene ningún interés, y sus valores cinematográficos no van más allá de las excelente interpretaciones de todo su reparto. Puede que sí interese a muchos el saber ciertas cosas del pasado de Afganistán, pero la forma de Nichols de mostrárnoslo termina por hacernos caer en el aburrimiento, y que nos dé igual, por lo menos a mí, lo que sucede en la película. Es el problema que le veo a muchos de los films con temas políticos. Que hay que tener mano de maestro para hacerlos interesantes. Tres ejemplos de ello: ‘El Último Hurra’ de John Ford, ‘Tempestad sobre Washington’ de Otto Preminger, o ‘Trece Días’ de Roger Donaldson, película ésta última injustamente infravalorada, haciendo muy interesante un tema que a priori no lo era, gracias a una labor de dirección y montaje absolutamente prodigiosa, algo que no tiene ‘La Guerra de Charlie Wilson’.

En fin, que menos palabras en plan metralleta, algo que nada tiene que ver con diálogos fluidos y bien escritos, y más buen cine, como Nichols (nunca una gran director) sabía hacer. Una floja película, que incluso llega a ser cutre como en las escasas escenas de acción que hay (esos helicópteros derribados claman al cielo, nunca mejor dicho). Otra más que sumar al decepcionante inicio del 2008. Y aún quedan 10 meses…

En Blogdecine:

• ‘La guerra de Charlie Wilson’, patriotismo norteamericano

‘La guerra de Charlie Wilson’ (‘Charlie Wilson´s War’) se estrenará el día 22 de febrero. Está dirigida por Mike Nichols y protagonizada por Tom Hanks, Julia Roberts y Philip Seymour Hoffman. El guión de Aaron Sorkin se basa en el libro de George Crile ‘Charlie Wilson’s War: The Extraordinary Story of the Largest Covert Operation in History’ (La guerra de Charlie Wilson: la extraordinaria historia de la mayor operación encubierta de la historia), que a su vez relata hechos reales. Nos cuenta cómo el congresista Wilson, animado por las ideas anticomunistas extremas de su amiga Joanne Herring, recaudó dinero para entregar armas de forma encubierta a los afganos y que así estos luchasen contra los soviéticos sin que se supiese que habían tenido ayuda estadounidense.

Tom Hanks declaraba que el libro sería buen material para un documental, pero que para convertirlo en película de ficción, habría que añadirle algo de chispa. Indudablemente lo han conseguido en un guión al que le sobran atributos y cuya mayor audacia está en no tomarse en serio ni a sí mismo, ni la historia relatada, ni muchísimo menos a sus personajes. Ese acercamiento ligero, lleno de humor, que presenta ‘La guerra de Charlie Wilson’ se consigue gracias a unos protagonistas que tienen casi más defectos que virtudes, si los juzgamos desde el punto de vista desde el que se suele presentar a los héroes en las películas, más concretamente norteamericanas.

Nada de esto sería posible si las interpretaciones de sus actores principales no fuesen tan geniales como lo son. Es normal que ocurra así cuando se halla en el reparto Philip Seymour Hoffman. De hecho, cuando está presente en alguna escena, “vampiriza” a los demás, aunque su personaje sea el que menos relevancia tenga en el debate. Su participación, es menor en importancia y minutos de presencia en pantalla que la de Hanks. Y lo sorprendente es que incluso este hombre, tan dado a los gestos faciales y el histrionismo, nos ofrece una actuación diferente a sus trabajos habituales que logra que su claro protagonismo sea un punto a favor y no en contra de la película. Tom Hanks crea un personaje mucho más maduro y complejo de lo que suele ofrecer y con su cambio incluso físico –¿peluca? ¿más años?— se le puede ver con otros ojos. Julia Roberts está correcta y sorprende por su acento sureño, pero no destaca como ellos dos. No es poco decir que le pueda sostener el pulso a Hoffman cuando sus personajes se enfrentan y, gracias a su aspecto, supone un completo acierto de reparto.

Si nos centramos en el tema tratado, es muy interesante ver cómo se podían conseguir las cosas sólo con algo de esfuerzo y casi sin que las autoridades llegasen a darse cuenta. Por ello, aunque ‘La guerra de Charlie Wilson’ esté repleta de frases patrióticas –que quizá están incluidas con sarcasmo, no lo sé— en realidad hay una enorme crítica a la manera de llevar la política exterior del país y al funcionamiento interno de órganos como la CIA o a la falta de criterio y atención a la hora de distribuir los presupuestos de Estado. O más que interesante, quizá es aterrador.

Supongo que debería dar igual estar en un bando o en otro de los contendientes de la Guerra Fría para identificarse con los objetivos de los protagonistas, ya que éstos están bien presentados. Y también es verdad que no se ha vuelto por completo a ese patriotismo desaforado y no cuestionado que tenían los films estadounidenses en aquella época y que podía revolver el estómago. Patriotismo que, afortunadamente, el cine ha perdido con los años, pues hoy en día, la política exterior se cuestiona mucho más y hasta ellos se han dado cuenta de que no todo es blanco y negro. En ‘La guerra de Charlie Wilson’, gracias a esa ausencia de maniqueísmo en los personajes que comentaba al principio, seguimos sin estar en un film carente de matices, pero lo que sí se presenta sin dejar lugar a la duda es quiénes eran los buenos en aquella guerra que en teoría no se estaba luchando, como hacían las películas de los ‘80. Si piensan que sus productos se consumen en todo el mundo y no sólo en su país, quizá podrían rebajar el tono enardecido de algunos diálogos para resultar menos evidentes. Aunque ya decía que quizá todo eso esté lleno de sarcasmo, es difícil decirlo. Sé que el contenido político no hace que un film sea mejor o peor, pero nadie me negará que puede entorpecer el disfrute para algunos espectadores. Y, por otro lado, nunca fue buen cine presentar las cosas de manera obvia.

En definitiva, dejando aparte algunos momentos de declaraciones patrióticas difíciles de aguantar, ‘La guerra de Charlie Wilson’ es una película ejecutada de manera notable, que presenta un buen retrato de personajes, diálogos hábilmente escritos y ritmados, así como unas interpretaciones grandiosas. Su tono desenfadado permite la inclusión de mucho humor y convierte su visionado en una diversión.

La historia de ‘Vanikoro’ se centra en un viaje de exploración científica por el Pacífico llevada a cabo por el francés Jean-François de Galaup, conde de La Pérouse, en 1788. Sus dos buques, el Astrolabe y la Boussole, desaparecieron mientras navegaban por las Islas Salomón. Más tarde se descubrió que ambas embarcaciones se estrellaron en la isla de Vanikoro, al norte de Vanuatu (el martes estuve allí de picnic, un sitio precioso). La mayor parte de los tripulantes resultó víctima de un grupo de nativos caníbales; mientras que algunos de los supervivientes construyeron una balsa y escaparon, pero jamás se supo nada más de ellos. Por último, otros dos náufragos permanieron en la isla durante treinta años. Suponemos, con gran astucia, que ésos serán los papeles que deberían interpretar Mortensen y Hoffman. Ya veremos.

Vía | DarkHorizons

Los premios que entrega la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood a lo mejor del 2007, se presentan en esta edición con la particularidad de incluir siete películas nominadas en la categoría de Mejor Película Dramática.

Como era de esperar tras su éxito en Cannes, Javier Bardem ha sido nominado como Mejor Actor Secundario por su papel de asesino en No Country for Old Men. Cate Blanchett y Philip Seymour Hoffman optan ambos al Globo de Oro por partida doble, y Clint Eastwood nos sorprende con dos candidaturas, la de Mejor Banda Sonora y la de Mejor Canción por Grace is Gone.

Shakira acompaña al veterano director en esta segunda categoria como compositora, junto a Antonio Pinto, del tema principal de El amor en los tiempos del Colera.

Señoras y señores, la antesala de los Oscars abre sus puertas. A continuación, con todos ustedes, la lista de nominados a los Globos de Oro 2008:

Mejor Película Dramática:

American Gangster
Atonement
Promesas del Este
The Great Debaters
Michael Clayton
No Country for Old Men
There Will be Blood

Mejor Actriz en Drama:

Cate Blanchett – Elizabeth: La edad de oro
Julie Christie – Away From Her
Jodie Foster – The Brave One
Angelina Jolie – A Mighty Heart
Keira Knightley – Atonement

Mejor Actor en Drama:

George Clooney – Michael Clayton
Daniel Day-Lewis – There Will be Blood
James McAvoy – Atonement
Viggo Mortensen – Eastern Promises
Denzel Washington – American Gangster

Mejor Comedia o Musical:

Across the Universe
Charlie Wilson’s War
Hairspray
Juno
Sweeney Todd

Mejor Actriz de Comedia o Musical:

Amy Adams – Encantada
Nikki Blonsky – Hairspray
Helena Bonham Carter – Sweeney Tood
Marion Cotillard – La Vie en Rose
Ellen Page – Juno

Mejor Actor de Comedia o Musical:

Johnny Depp – Sweeney Todd
Ryan Gosling – Lars and the Real Girl
Tom Hanks – Charlie Wilson’s War
Philip Seymour Hoffman – The Savages
John C. Reilly – Walk Hard: The Dewey Cox Story

Mejor Película de Animación:

Bee Movie
Ratatouille
The Simpsons Movie

Mejor Película en Lengua Extranjera:

4 meses, 3 semanas y dos días (Rumania)
The Diving Bell and The Butterfly (Francia y USA)
The Kite Runner (USA)
Deseo, peligro (Taiwan)
Persépolis (Francia)

Mejor Actriz Secundaria:
Cate Blanchett – I’m not There
Julia Roberts – Charlie Wilson’s War
Saoirse Ronan – Atonement
Amy Ryan – Gone Baby Gone
Tilda Swinton – Michael Clayton

Mejor Actor Secundario:

Casey Affleck – El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford
Javier Bardem – No Country for Old Men
Philip Seymour Hoffman – Charlie Wilson’s War
John Travolta – Hairspray
Tom Wilkinson – Michael Clayton

Mejor Director:

Tim Burton – Sweeney Todd
Ethan Coen & Joel Coen – No Country for Old Men
Julian Schnabel – The Diving Bell and The Butterfly
Ridley Scott – American Gangster
Joe Wright – Atonement

Mejor Guionista:

Diablo Cody – Juno
Ethan Coen & Joel Coen – No Country for Old Men
Christopher Hampton – Atonement
Ronald Harwood – The Diving Bell and Butterfly
Aaron Sorkin – Chalie Wilson’s War

Mejor Banda Sonora:

Michael Brook, Kaki King, Eddie Vedder – Into The Wild
Clint Eastwood – Grace is Gone
Alberto Iglesias – The Kite Runner
Dario Marianelli – Atonement
Howard Shore – Promesas del Este

Mejor Canción:

Despedida – El amor en los tiempos del Cólera (Música: Shakira, Antonio Pinto, Letra: Shakira)
Grace is Gone – Grace is Gone (Música: Clint Eastwood, Letra: Carole Bayer Sager)
Guaranteed – Into the Wild (Música y letra: Eddie Vedder)
That’s How you Know – Encantada – (Música y letra: Alan Menken)
Walk Hard – Walk Hard: The Dewey Cox Story (Música y letra: Marshall Crenshaw, John C. Reilly, Judd Apatow, Kasdan)

Lista completa de nominados en HFPA News

El próximo 15 de Febrero llegará a nuestras pantallas ‘La Guerra de Charlie Wilson’, la nueva película de Mike Nichols, que desde la fallida ‘Closer’ no había dirigido nada. Ahora para la ocasión ha contado con un trío de lujo: Tom Hanks en una de esas interpretaciones que huelen a nominación, Julia Roberts en una de esas interpretaciones que huelen a nominación, y Philip Seymour Hoffman en una… acabad vosotros la frase que ya sabéis lo que viene.

La película narra la historia de Charlie Wilson, un congresista tejano que después de superar un escándalo que lo unía a las drogas y el alcohol (y por supuesto compañía femenina), logró convertirse en la década de los 80, en el supervisor de una de las operaciones más importantes de la CIA: la de suministrar a los afganos armas para luchar contra los soviéticos. En fin, viniendo de Nichols, o es algo interesante como ‘Primary Colors’, o es el coñazo del año. El trailer no hace albergar demasiadas esperanzas.

‘La Guerra de Charlie Wilson’ (trailer, Quicktime – Flash)

Vía | The Movie Box – Impawards

Habíamos visto el trailer y ahora vemos dos carteles de ‘Before The Devil Knows You´re Dead’, interesantísimo drama que ha dirigido Sidney Lumet. El reparto protagonista está encabezado por Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei y Albert Finney. La historia de ‘Before The Devil Knows You´re Dead’ gira en torno a dos hermanos que organizan el robo de la joyería de sus propios padres, pero el plan no resulta tan perfecto como estaba previsto. La película se estrena en España el 11 de enero de 2008.

Vía | ImpAwards

Trailer largo y sin censura. Para bien (¿te suena Marisa Tomei?) y para mal (¿quieres saberlo todo antes de ir a ver la película?). Aquí tenemos el trailer de lo nuevo de Sidney Lumet, que lleva por título ‘Before the Devil Knows You´re Dead’.

La historia gira en torno a dos hermanos, interpretados por los excelentes Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke, que organizan el robo de la joyería de sus padres; como de costumbre, el plan no tendrá los resultados esperados. En el reparto también figuran Albert Finney, Rosemary Harris, Aleksa Palladino y Alex Emanuel. El estreno en España está fijado para el próximo 11 de enero de 2008. Aquí uno que no se la va perder.

La obra teatral ‘Doubt’, de John Patrick Shanley, ha sido galardonada con el Premio Pullitzer y con un Tony. Su propio autor la va a llevar al cine y quiere contar con la también multipremiada Meryl Streep y el recientemente oscarizado Philip Seymour Hoffman, para que la protagonicen.

La historia se sitúa en un colegio católico del Bronx en 1964, donde la directora, una monja estricta y disciplinaria, que por supuesto, interpretará Meryl Streep, acusa a un cura que se lleva bien con todo el mundo (Hoffman), de… ¿les costará mucho imaginárselo?... pedofilia.

Ya empieza a cansar el tema del abuso de menores, que se ha tratado en tantas películas recientes, como por ejemplo ‘Alta sociedad’ (‘Chromophobia’) o ‘Juegos secretos’ (‘Little Children’). Así que no sé si esta adaptación tendrá otro interés que no sea ése, además de los grandes actores que la van a interpretar, pues de otra forma, sería lo de siempre.

La obra, de un solo acto, todavía se interpreta en Broadway y Roman Polanski se supone que va a ser el director cuando llegue a París. Este último dato resulta curioso porque el abuso de menores que le valió el exilio a Roman Polanski.

El rodaje tendría que empezar en Nueva York el 1 de diciembre. Antes de eso, Streep habría terminado ‘Mamma Mia’. La actriz ha finalizado recientemente ‘Rendition’ y ‘Lions For Lambs’.

Philip Seymour Hoffman, conocido por la obra maestra ‘Happiness’ y por ‘Capote’, entre otras películas, está finalizando ‘Synedoche, New York’, de Charlie Kaufman. Además, está unido a los proyectos ‘Before The Devil Knows You’re Dead’ y ‘Charlie Wilson’s War’, de Mike Nichols, con Tom Hanks y Julia Roberts.

Fuente: Variety.

La película está dirigida por Tamara Jenkins y protagonizada por Philip Seymour Hoffman (que parece muy cuidadoso a la hora de seleccionar sus proyectos tras el Oscar por ‘Truman Capote’), Laura Linney, Peter Friedman y Philip Bosco. De forma más o menos acertada, ya se ha comparado al film con la exitosa ‘Pequeña Miss Sunshine’, y es que la particularísima familia de la furgoneta defectuosa ha calado mucho en el público.

‘The Savages’ se estrena el próximo mes de septiembre (en Estados Unidos).

‘The Savages’ | Trailer (WindowsMedia)

Vía | Tierra de Cinéfagos

En ella se narra como un autor teatral piensa que se está muriendo, y pone todo su empeño en relizar una réplica a tamaño real de la ciudad de New York dentro de un almacén, para utilizarla en su última obra. El reparto de la película está compuesto por Philip Seymour Hofman (autor teatral), Catherine Keener (su primera mujer), Michelle Williams (su segunda mujer), Samantha Morton (su amante), y Tilda Swinton (la mejor amiga del personaje de Keener).

Vía | Production Weekly

Ethan Hawke, Albert Finney y Marisa Tomei serán los protagonistas de la película que cuenta cómo dos hermanos planean un robo en la joyería de sus padres. Pero, como es inevitable en este tipo de delitos, las cosas resultan fatal, tanto como para que se produzcan asesinatos y nadie sale sano y salvo, ni siquiera una de las esposas de los hermanos (Tomei).

Al mismo tiempo, el actor Ethan Hawke tiene su propio proyecto, la adaptación de su novela‘ The Hottest State’. De nuevo traduzco sin que en España hayan dado título: ‘El estado más caliente’, evidentemente como juego de palabras. La protagonizaría Michelle Williams (de ‘Brokeback Mountain’) y el rodaje comenzaría en enero. Hawke ya había dirigido un film con Rosario Dawson (‘Sin City’), en 2001, titulado ‘Chelsea Walls’. ‘El estado más caliente’ trata sobre dos jóvenes neoyorquinos aspirantes a actores que se enfrentan a cuestiones sobre su propia identidad y sobre las emociones que les quedan demasiado grandes.