Anoche se entregaron los Premios Forqué al cine español, en una gala que hacía homenaje a los musicales, celebrada en el Palacio de Congresos del Paseo de la Castellana de Madrid, dirigida por Juan Estelrich y presentada por Pablo Puyol, Alex O’Dogherty y María Blanco.

‘No habrá paz para los malvados’, de Enrique Urbizu, se llevó el premio a la mejor película y al mejor actor, Jose Coronado. Competía contra ‘Balada triste de trompeta’, de Alex de la Iglesia; ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar; ‘La voz dormida’, de Benito Zambrano, y Primos, de Daniel Sánchez Arévalo en la primera de las categorías. El intérprete pugnaba por el premio contra Javier Bardem, por ‘Biutiful’ y Luis Tosar, por ‘Mientras duermes’.

La mejor intérprete femenina fue Elena Anaya, por ‘La piel que habito’. También podrían habérselo llevado María León, por ‘La voz dormida’, y Pilar López de Ayala, por ‘Medianeras’.

Fernando Trueba, Medalla de Oro de esta edición por su labor como productor, recogió, asimismo, el galardón al mejor film de animación –en la categoría en la que también compiten los documentales– por ‘Chico & Rita’, que ha codirigido junto a Tono Errando, con ilustraciones de Javier Mariscal.

Este premio Cinematográfico fue creado en 1996 por EGEDA, la entidad de Gestión de Derechos de los productores, presidida en la actualidad por Enrique Cerezo, para honrar la memoria de su primer presidente, José María Forqué. Para estos galardones, los productores que forman la entidad escogen la que consideran mejor película de entre todas las producidas cada año –el pasado 2011 se completaron 97 largometrajes– y el mejor film de animación o documental, mientras que los premios de interpretación son votados por críticos cinematográficos que preseleccionan a los tres finalistas en una primera criba, de la que un jurado anónimo señala a la mejor actriz y al mejor actor. La película ganadora recibe 30.000 euros, además de una estatuilla creada por el escultor Víctor Ochoa. 6.000 euros y trofeo se lleva la mejor documental o de animación y 4.000 euros y trofeo cada uno de los actores ganadores.

Vía | El País.

Aunque su guionista y director, Gustavo Taretto, no declara haberla tomado como inspiración, la coproducción hispano-germano-argentina ‘Medianeras’ (2011) narra punto por punto los sucesos que acaecen en la historieta ‘Un amor de ciudad’, del italiano Luca Novelli, que Totem publicó hace unas décadas en lengua castellana.

Pilar López de Ayala y Javier Drolas son los protagonistas, casi exclusivos, de una historia de desencuentros, de un amor tan imposible como destinado a acontecer. Dos seres retraídos, maniáticos y antisociales, que son prácticamente vecinos y que nunca se hacen conscientes de cruzarse en la calle, en los establecimientos, de atisbarse por la ventana… fracasan en todos sus intentos sentimentales empedrando un camino que, sin saberlo, los está llevando al uno junto al otro.

Se cuente como se cuente, la sinopsis no elude la sensación de que podríamos encontrarnos ante un cortometraje estirado. Y, en efecto, más que una impresión, se trata de una realidad, ya que Taretto había dirigido esta misma historia en formato breve en 2005. Resquicios de la herencia “cortista” se pueden hallar en muchos momentos, cuando la película se desploma en ritmo o en interés y parece necesitar una nueva arrancada para recuperarse y capturar de nuevo nuestra complicidad. Pero la habilidad para completar los 95 minutos no puede negársele a su autor, realizador publicitario de profesión –y se nota en sus encuadres–, que introduce, en medio de la mínima anécdota argumental, multitud de ejercicios estéticos, observaciones y caprichos que funcionan de forma aislada, pero en ocasiones cobrando mayor valía que la comedia romántica de base.

Los personajes

El humor, la cercanía, la credibilidad y, por lo tanto, la empatía, están con el personaje masculino. Hipocondriaco como los seres de Woody Allen –cuya influencia no se oculta, pues las lágrimas ante ‘Manhattan’ son uno de los nexos entre los protagonistas–, agorafóbico y abandonado, Martín se aferra al Internet, que le da de comer, para encontrar todo lo que necesita, incluso el amor o la compañía. Elemento con el que no habría podido contar Novelli: la red y, dentro de ella, las redes sociales, constituye una de las claves de esta vida moderna que se coloca sobre el tapete.

El personaje de ella, sin embargo, es más vacío y, aparte de transmitirnos su obvia soledad, lo tiene más difícil para comunicar con nosotros, los espectadores. Con ella, Taretto hace un ejercicio de fetichismo, muy similar al que ella lleva a cabo con los maniquís con los que trabaja. Pilar López de Ayala –con un acento muy convincente, por lo menos escuchado desde este lado del charco– parece posar en la película, más que actuar. Su belleza perfecta, de actriz a la que no habrían rechazado directores tan exigentes en este sentido como Rohmer, y su gracilidad le sirven al director para construir cuadros, para diseñar postales. Pero, aunque se le conceda tanto tiempo y protagonismo como al hombre y aunque el punto de vista esté repartido por igual, no resulta tan cercana o creíble como él.

Los secundarios apenas existen –quizá la tercera más importante es la perrita–, cuando se les incluye es de forma episódica, para aparecer y desaparecer, simbolizando otra de las constantes de las relaciones humanas actuales en las que las amistades duran lo que dura lo que se puede extraer de ellas. Inés Efrén, Carla Peterson, Adrián Navarro, Rafael Ferro y Miguel Dedovich son, por lo tanto, destellos en un film muy lineal y carente de subtramas, como lo son habitualmente los cortos alargados. Sin ninguno de ellos, la película se podría haber contado tal cual.

La arquitectura

Después de ‘El hombre de al lado’, nos encontramos ante la segunda película argentina del año que toma a la arquitectura como protagonista. Tiene tantos elementos en común que incluso presenta la apertura ilegal de una ventana, pero su propósito y su concepto son muy diferentes. Los primeros minutos de ‘Medianeras’, dedicados en cuerpo y alma a analizar los edificios bonaerenses y lo que estos provocan en su población o lo que representan como metáfora de su comportamiento, suponen la parte más interesante del film, si bien su integración en la historia o su componente narrativo son limitados. Plano tras plano de bloques de viviendas, acompañados de una explicación en off de su funcionamiento, nos introduce en la ciudad tanto como en el conflicto particular que compartirán los dos protagonistas.

Se extraen interesantes conclusiones, extrapolables en su mayoría a los habitantes de casi cualquier urbe superpoblada. Pero la película niega al rato todo lo dicho, al achacar las razones de los desencuentros de estos dos personajes más a sus propias rarezas que a la incomunicación provocada por la vida moderna, las prisas y la rutina. El fumetto –puesta a utilizar una palabra extranjera, como sería “cómic”, me quedo al menos con la adecuada– de Novelli presentaba al hombre y a la mujer viviendo pared con pared y repitiendo cotidianamente los movimientos del otro, con un desfase –el diccionario no admite “decalaje”, que me gustaría más– suficiente para que no lleguen a cruzarse hasta que, al igual que en la versión de Taretto, un apagón los lleve a su primer encuentro. Son dos maneras de entenderlo y a cada uno le corresponderá escoger cuál es la más interesante, pero quizá la película ha perdido algunos de los juegos que permitía la vecindad y que se han trasladado en adaptaciones sí declaradas de la idea del italiano a cortometraje.

SPOILER: Curiosa la comparación de esa vida en las grandes metrópolis con los dibujos de ‘¿Dónde está Wally?’, aunque no sé si su utilización para provocar el final termina de convencerme (fin del spoiler).

Conclusión

El tráiler siguiente lo cuenta casi todo, en él está prácticamente la película entera. A quien le atraiga lo que ve ahí y quiera más, no le hace falta más que bajarse hasta la sala de exhibición. Encontrará una cinta amable, simpática y con ciertos detalles logrados. Con una estética publicitaria muy marcada, la diminuta historia sirve como excusa para disertar sobre el amor, sobre la vida en la ciudad, sobre Buenos Aires en particular y funciona, por ello, mejor como compendio de observaciones y de ejercicios desunidos que como conjunto unitario: esos monoambientes o cajas de zapatos que constituyen un inmueble podrían representar los retazos que aquí se van retratando. Me da la impresión de que ‘Medianeras’ es una de esas propuestas que a nadie puede disgustar, aunque no habrá tampoco nadie que se adhiera apasionadamente a su causa, pues más bien me temo que será de esas películas que rápidamente se olvidan.

Mi puntuación:

‘La saga Crepúsculo: Amanecer, parte 1’

Dirección: Bill Condon. País: USA. Año: 2011. Duración: 117 min. Género: Drama, fantástico, romance. Interpretación: Kristen Stewart (Bella Swan), Robert Pattinson (Edward Cullen), Taylor Lautner (Jacob Black), Dakota Fanning (Jane), Michael Sheen (Aro), Maggie Grace (Irina), Ashley Greene (Alice), Nikki Reed (Rosalie Hale), Jackson Rathbone (Jasper Hale), Billy Burke (Charlie Swan), Kellan Lutz (Emmett), Anna Kendrick (Jessica), Peter Facinelli (Dr. Carlisle Cullen), Lee Pace (Garrett), Elizabeth Reaser (Esme Cullen), Julia Jones (Leah), Jamie Campbell Bower (Cayo). Guion: Melissa Rosenberg; basado en la novela de Stephenie Meyer. Producción: Wyck Godfrey, Karen Rosenfelt y Stephenie Meyer. Música: Carter Burwell. Fotografía: Guillermo Navarro. Montaje: Virginia Katz. Diseño de producción: Richard Sherman. Vestuario: Michael Wilkinson. Distribuidora: Aurum. Estreno en USA: 18 Noviembre 2011.

Sinopsis: En este nuevo capítulo, Bella Swan y Edward Cullen tendrán que hacer frente junto a sus seres queridos a la cadena de acontecimientos ocasionados por su boda, su romántica luna de miel y el nacimiento de su primera hija, el cual trae consigo una imprevista y sorprendente consecuencia para Jacob Black.

¿Qué podemos esperar? Una nueva entrega de la saga que añada algo de emoción y al menos no resulte tan mala como las dos primeras entregas. O, en el peor de los casos, la peor entrega de la franquicia Crepúsculo.

Crítica en Blogdecine: ‘La saga Crepúsculo: Amanecer, parte 1’, si te acuestas con vampiros usa protección

‘Asesinos de élite’

Dirección: Gary McKendry. Título original: Killer elite. Países: USA y Australia. Año: 2011. Duración: 100 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Jason Statham (Danny), Robert De Niro (Hunter), Clive Owen (Spike), Yvonne Strahovski (Anne), Ben Mendelsohn (Martin), Dominic Purcell (Davies), Aden Young (Meier), Adewale Akinnuoye-Agbaje (agente). Guion: Gary McKendry y Matt Sherring, basado en la novela “The feather men”, de Ranulph Fiennes. Producción: Michael Boughen, Steve Chasman, Sigurjon Sighvatsson y Tony Winley. Música: Reinhold Heil y Johnny Klimek. Fotografía: Simon Duggan. Montaje: John Gilbert. Diseño de producción: Michelle McGahey. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en USA: 23 Septiembre 2011.

Sinopsis: Inspirada en hechos reales, “Asesinos de élite” narra la historia de Danny, uno de los más hábiles agentes de operaciones especiales. Obligado a abandonar su autoimpuesto exilio, Danny vuelve a reunir a su viejo equipo de agentes de élite para llevar a cabo una casi imposible misión de venganza: rescatar a su antiguo mentor y socio Hunter. Juntos deberán lidiar con una de las unidades militares más temidas que existen, el Servicio Aéreo Especial británico (SAS), para así neutralizar una célula de soldados renegados y a su líder Spike antes de que sus acciones provoquen una imparable crisis internacional.

¿Qué podemos esperar? Un thriller de acción con un trío protagonista de altura, pero está por ver si el resto de elementos de la película está a la altura.

Crítica en Blogdecine: Asesinos de élite en horas bajas

‘Un dios salvaje’

Dirección: Roman Polanski. Título original: Carnage. Países: Francia, Alemania, Polonia y España. Año: 2011. Duración: 79 min. Género: Comedia negra. Interpretación: Jodie Foster (Penelope Longstreet), Kate Winslet (Nancy Cowan), Christoph Waltz (Alan Cowan), John C. Reilly (Michael Longstreet), Elvis Polanski (Zachary), Eliot Berger (Ethan). Guion: Roman Polanski y Yasmina Reza; basado en la obra teatral homónima de Yasmina Reza. Producción: Saïd Ben Saïd. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Montaje: Hervé de Luze. Diseño de producción: Dean Tavoularis. Vestuario: Milena Canonero. Distribuidora: Alta Classics. Estreno en Francia: 7 Diciembre 2011.

Sinopsis: Dos niños de unos once años se enfrentan con violencia en un parque, con el resultado de unos labios hinchados y algún diente roto. Los padres de la “víctima” han invitado a su casa a los padres del “matón” para resolver el conflicto. Lo que comienza siendo una charla con bromas y frases cordiales adquiere un tinte más violento a medida que los padres van revelando sus ridículas contradicciones y grotescos prejuicios sociales.

¿Qué podemos esperar? Una gran película sobre las relaciones interpersonales en nuestra época o un intento fallido. Al menos dirige Polanski y eso siempre ofrece ciertas garantías.

‘Pánico en la granja’

Dirección y guion: Stéphane Aubier y Vincent Patar. Título original: Panique au village. Países: Bélgica, Luxemburgo y Francia. Año: 2009. Duración: 75 min. Género: Animación, comedia. Producción: Philippe Kauffmann y Vincent Tavier. Fotografía: Jan Vendenbussche. Montaje: Anne-Laure Guégan. Distribuidora: Sherlock Films. Estreno en Bélgica: 17 Junio 2009.

Sinopsis: Indio y Cowboy son especialistas en provocar catástrofes. En cuanto traman algo, se lía una buena. En esta ocasión, quieren darle una sorpresa a su inseparable amigo Caballo en el día de sus cumpleaños. ¿Qué regalo pueden hacerle? ¡Le construirán una barbacoa y celebrarán una gran fiesta con el resto de vecinos de la granja! Es una idea genial, de no ser porque los traviesos Indio y Cowboy cometen una pequeña equivocación al hacer el pedido de ladrillos, lo que estropea sus planes. Aun así, todos viven un cumpleaños inolvidable, pero no precisamente tranquilo. El enredo arrastra a Indio, Cowboy y Caballo a vivir disparatadas aventuras, y a encontrarse con peculiares y desternillantes personajes mientras recorren todo el mundo, desde las estepas nevadas hasta el mismísimo centro de la Tierra. ¡Ya nada volverá a ser como antes tras estallar el pánico en la granja!

¿Qué podemos esperar? Una cinta de animación para los más pequeños de la casa (y es que ellos también se merecen elegir la película de vez en cuando) que se estrena con mucho retraso en España. Personalmente, no me resulta una propuesta demasiado atractiva.

Crítica en Blogdecine: Sitges 09 | Séptima jornada (y II) | ‘Número 9’ y ‘Pánico en la granja’, animación muy interesante, guiones muy flojos

‘Carne cruda’

Dirección: Tirso Calero. País: España. Año: 2011. Duración: 90 min. Género: Comedia. Interpretación: Alejandro Tous, Canco Rodríguez, Fernando Albizu, Nacho Vigalondo, Susana Estrada, Ferran Gadea, Ana Asensio, Rebeca Valls, Máximo Valverde, Joan Gadea. Guion: Tirso Calero y Fernando Cámara. Producción: Óscar del Caz. Música: Javier Cámara. Fotografía: Federico Ribes. Montaje: Emma Tussell. Vestuario: Alba cuesta y Marisa Horcajada. Distribuidora: Premium Cine.

Sinopsis: En “Carne cruda” conocemos a Quico y Andrés, dos vendedores de pisos. Un fin de semana en el campo les lleva a caer en las redes de una secta de caníbales liderada por Maruja, una antigua hippie especialista en la preparación de brochetas humanas. ¿Matar o morir? Esa es la cuestión, y es que cuando la vida se pone dura, no hay nada mejor que la carne cruda.

¿Qué podemos esperar? Una mamarrachada de mucho cuidado, lo que está por ver es si será una mamarrachada simpática que perdura en el tiempo o una tomadura de pelo tal que ya nadie se acordará de ella en unos pocos días.

‘Los muertos no se tocan, nene’

Dirección: José Luis García Sánchez. País: España. Año: 2011. Duración: 90 min. Género: Comedia negra. Interpretación: Silvia Marsó (doña Luisa), Blanca Romero (Clara), Mariola Fuentes (Abelarda), Laurentino Rodríguez (don Fabián), Airas Bispo (Fabianito), Carlos Álvarez-Novoa (Mariano), Álex Angulo (Iñaki Mari), Carlos Iglesias (don pablo), Pepe Quero (Manoliño), Carlos Larrañaga (doctor Salamoya), María Galiana (doña Ramona), Javier Godino (antenista). Guion: David Trueba, Bernardo Sánchez y José Luis García Sánchez; basado en la novela homónima de Rafael Azcona. Producción: Juan Gona. Música: Antonio Meliveo. Fotografía: Federico Ribes. Montaje: Mercedes Cantero. Dirección artística: Carmen Castañón. Vestuario: María José Iglesias. Distribuidora: Aramo.

Sinopsis: La historia de “Los muertos no se tocan, nene” nos traslada al Logroño de finales de los cincuenta, donde el joven Fabianito asiste sorprendido a la organización del velatorio de su bisabuelo, ilustre ciudadano logroñés. Fabianito descubre el amor en este inoportuno momento, mientras la familia espera impaciente la llegada del alcalde. Los acontecimientos y las visitas se suceden de una forma incontrolable para la familia, visitas que generan las situaciones más cómicas e inesperadas.

¿Qué podemos esperar? Yo siempre tendré esperanzas de que sea bueno algo en lo que tenga la más mínima relación el grandísimo Rafael Azcona. En este caso no me atrevo a esperar una joya del humor negro como ‘El verdugo’, pero seguro que acabo viéndola más temprano que tarde.

‘Medianeras’

Dirección y guion: Gustavo Taretto. Países: Argentina, España y Alemania. Año: 2011. Duración: 95 min. Género: Drama. Interpretación: Pilar López de Ayala (Mariana), Javier Drolas (Martín), Inés Efrén (Ana), Carla Peterson (Marcela), Adrián Navarro (Lucas), Rafael Ferro (Rafa), Miguel Dedovich (psiquiatra). Producción: Luis Miñarro, Hernán Musaluppi, Natacha Cervi y Christoph Friedel. Música: Gabriel Vildosola. Fotografía: Leandro Martínez. Montaje: Pablo Mari y Rosario Suárez. Diseño de producción: Luciana Quartaruolo y Rome Fasce. Vestuario: Flavio Gaitán. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: “Medianeras” es la historia de Mariana, Martín y la ciudad. Los dos viven en la misma manzana, uno frente al otro, en diferentes edificios, pero no pueden encontrarse. Sus caminos se cruzan sin saber el uno del otro. Ella sube una escalera y él la baja. Él monta en un autobús y ella se apea. Coinciden en el videoclub pero les divide una estantería de películas. Se sientan en la misma fila de cine pero la sala está a oscuras. La ciudad les une y a la vez les separa.

¿Qué podemos esperar? Otra película más sobre las dificultades para encontrar a tu media naranja. Puede acabar siendo buena, mala o causar una completa indiferencia. Hay tantas películas ya que sin verlas ya soy incapaz de discernir qué tal va a estar.

‘Interferencias’

Dirección: Pablo A. Zareceansky. Título original: Interferències. País: España. Año: 2011. Género: Drama. Interpretación: María Ribera, Anna Casas, Cecilia Ligorio, Rodrigo García Olza. Guion: Albert Tola y Pablo A. Zareceansky. Producción ejecutiva: Julián Altuna, Raquel Bonell, Sonia Ros y Pablo A. Zareceansky. Música: Lucas Ariel Vallejos. Fotografía: Albert Pascual. Montaje: Regino Hernández, Mayte Hernández, Octavio Rodríguez y Jordi Puig. Dirección artística: Dídac Bono, Rafel Vives, Estel Ferrer y Xavier Aguilar. Vestuario: Ana Güell y Susana Blanco.

Sinopsis: Cecilia, Ana, María y Rodrigo forman una joven compañía teatral de reciente éxito por su descarada y transgresora puesta en escena, y por el compromiso social y político de los contenidos que muestran. Ensayando el que será su próximo estreno, una obra de denuncia sobre qué y quién mueve los hilos en la sociedad de consumo, van tomando conciencia de la dificultad de abarcar la compleja y sangrante realidad que quieren mostrar, entrando poco a poco en una crisis de identidad moral y artística que los enfrenta entre sí.

¿Qué podemos esperar? Una reflexión sobre el estado actual de las cosas en nuestro país y las tensiones que la sinceridad al respecto puede causar. De aquí saldrá una inteligente crítica o algo muy aburrido. Si tuviese que apostar mi dinero, creo que optaría por lo segundo.

‘Winx Club 3D: La aventura mágica’

Dirección y guion: Iginio Straffi. Título original: Winx Club 3D: Magic Adventure. País: Italia. Año: 2010. Duración: 87 min. Género: Animación, aventuras, familiar, fantasía. Producción: Iginio Straffi. Dirección artística: Vincenzo Nisco. Distribuidora: Flins & Pinículas. Estreno en Italia: 29 Octubre 2010.

Sinopsis: Se inician las celebraciones de comienzo del nuevo curso en la escuela de hadas Alfea y todo parece ir genial hasta que Icy, Darcy y Storme irrumpen en la fiesta. Sin Bloom, las Winx se ven obligadas a enfrentarse a las brujas, pero por desgracia no pueden evitar que roben un objeto mágico muy valioso. Mientras tanto, Bloom vive el mejor momento de su vida: ha encontrado a sus padres y Sky le ha pedido que se case con ella. Pero no todo lo que brilla es oro, ya que las brujas ancestrales aparecen para hacerles la vida imposible a Stela, Layla, Tecna, Musa, Flora y Bloom. Las Winx se verán despojadas de sus poderes y tendrán que enfrentarse a las brujas para salvar el mundo mágico.

¿Qué podemos esperar? Una película para los niños muy niños. Los adultos tengo la sensación de que miraríamos la pantalla con incredulidad si acabásemos en una sala de cine viendo esta película.

‘Gartxot’

Dirección: Asisko Urmeneta y Juanjo Elordi. País: España. Año: 2011. Duración: 85 min. Género: Animación. Guion: Asisko Urmeneta y Edorta Barruetabeña. Música: Benito Lertxundi. Distribuidora: Barton Films.

Sinopsis: El nuevo abad de Roncesvalles destierra a Gartxot, el bardo local, para quedarse con la voz prodigiosa de su hijo Mikelot y convertirlo en monje cantor. Mikelot consigue escapar del convento y canta de nuevo junto su padre, con la compañía de una niña, Xune, que también quiere ser bardo. Sus cantos se convierten en un símbolo contra la opresión. Tras varios intentos fallidos, las autoridades consiguen rodearlos y padre e hijo mueren. Pero, al mismo tiempo, nace un nuevo bardo: Xune, el mejor discípulo de Gartxot.

¿Qué podemos esperar? Nunca he sido un gran fan de las escasas películas de animación con raíces vascas que he visto y ésta no tiene pinta de que vaya a ser una excepción. La animación tampoco resulta muy atractiva. Al menos sí que parece una propuesta más interesante para el público adulto que ‘Winx Club 3D: La aventura mágica’

¿Iréis vosotros al cine a ver alguno de los estrenos de esta semana?

Cierra los ojos, cuenta hasta cinco, y verás que ha desaparecido.

Cuatro años han tenido que pasar para ver un nuevo largometraje del tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo, un cineasta que parece que se toma las cosas con mucha calma, después de darse a conocer con el cortometraje ‘Esposados’ en 1996 (nominado al Oscar) solo ha filmado tres películas, y ninguna redonda, un bagaje algo pobre para el que es considerado como uno de los mayores talentos de nuestro país. Su último trabajo es un relato que mezcla terror y drama familiar titulado ‘Intruders’, en nuestras carteleras desde este fin de semana después de ser presentado en los festivales de San Sebastián, Toronto y Sitges. En los tres hizo ruido (por los actores, sobre todo Clive Owen) pero en ninguno entusiasmó, y no es de extrañar.

Gracias al intenso entretenimiento que supuso la sorprendente ’28 semanas después’ (‘28 Weeks Later’, 2007), había muchas esperanzas puestas en el nuevo trabajo de Fresnadillo, convertido en uno de esos pocos cineastas españoles (junto a Alejandro Amenábar, Nacho Vigalondo o Rodrigo Cortés) que genera tanto interés como renombrados directores de la potente industria norteamericana (al menos entre los que sentimos pasión por el cine). Quizá por eso en las reacciones que está provocando ‘Intruders’ hay mucha decepción y, aun así, un intento por proteger al realizador tinerfeño, como si los méritos de la película fuesen suyos y los defectos irremediables o culpa de otros. Por mi parte, lo que he visto es una película fallida, una idea interesante que no se ha sabido desarrollar. ¿Con esto quiero decir que debemos olvidarnos de Fresnadillo? Ni mucho menos. Simplemente, su tercer película es un tropiezo. A ver si hay más suerte con la cuarta, más que nada porque odio aburrirme en una sala de cine.

Nicolás Casariego y Jaime Marques firman el guion de la película, que narra dos historias de forma paralela, una que sucede en Madrid y otra en Londres. Por un lado tenemos a Juan (Izán Corchero), un niño de 7 años que cada noche imagina que un terrorífico intruso, al que llama Carahueca, entra en su habitación para llevárselo; su madre, Luisa (Pilar López de Ayala), está desesperada y recurre al padre Antonio (Daniel Brühl) para intentar resolver el problema del pequeño Juan. Por otra parte, la adolescente Mia… Farrow (Ella Purnell) descubre un viejo cuento que también habla de Carahueca, un monstruo obsesionado con robar un rostro, y desde entonces empieza a verlo cada vez que se mete en la cama, escondido en su armario a la espera de que se apaguen las luces. Sus padres, John (Owen) y Sue (Carice van Houten), intentan calmarla y explicarle que solo está teniendo pesadillas. Pero una noche, después de presenciar un accidente laboral, John también empieza a ver a Carahueca…

El problema es que no hay más. Es un cúmulo de secuencias construidas en torno a la repetitiva aparición de Carahueca, construidas más o menos de la misma manera: no pasa nada que solo son pesadillas, todos a dormir, está cayendo agua del techo, ahí está el monstruo, el niño/a se asusta mucho, el monstruo se acerca más, empiezan los gritos, viene el madre o la padre, todo vuelve a la normalidad. Y así una y otra vez. Son dos historias muy simples y similares que se estiran demasiado, hasta que pierden interés. La película, que a veces parece un sucedáneo de la marca Shyamalan, no hace más que dar vueltas sobre las mismas situaciones, reincidir en los mismos elementos, repetir las mismas escenas (¿cuántas veces se repite el plano de la madre o el padre despertándose por los gritos?), tratando infructuosamente de mantener el suspense hasta que, al final, deciden revelarlo todo y completar el puzle.

En todas las historias que cobran sentido tras un giro final, hay que tener mucho cuidado evitando que el espectador se adelante a la resolución, ya sea ocultando información de manera coherente o desviando la atención de lo fundamental introduciendo elementos de distracción, mientras se van deslizando pistas sutiles, que además de aportar sentido al desenlace, haciéndolo tan asombroso como lógico, animan a repasar la película, a volver de nuevo con otra perspectiva. Lo que no se debe hacer es engañar burdamente al público con el único propósito de impactarle en los minutos finales, como pasa en ‘Intruders’, jugando de manera caprichosa con lo que son y lo que saben los personajes (en momentos determinados se vuelven contradictorios y olvidadizos) o recurriendo a trampas visuales que pierden sentido cuando se descubre la verdad (situarnos en un lugar donde se supone que hay alguien escondido, mirando, cuando realmente no hay nadie), porque la única respuesta a eso es el rechazo.

Para colmo, ya desvelado el nexo de unión de las dos tramas (se adivina rápidamente si uno se lo propone), y quedan completamente al descubierto los engaños y las incoherencias, nos calzan una explicación con la que se repite prácticamente una secuencia entera que no hacía falta volver a ver, y luego nos subrayan la explicación con diálogos, para rematar la faena con una escena-epílogo que es un absoluto disparate (punto de vista aleatorio, visualmente mediocre, emocionalmente absurda). Dicho esto, hay que ser justo y reconocer que Fresnadillo compone algunas escenas muy potentes (Carahueca colándose por la ventana), a veces arruinadas por los pobres efectos visuales, que el trabajo fotográfico y musical es impecable, y que los actores cumplen en general; destacan las interpretaciones de los chavales, mientras que Brühl patina con un personaje que no parece necesario (en especial después del magnífico cameo de Héctor Alterio). Las buenas ideas y los momentos inspirados no salvan el conjunto, pero lo hacen más llevadero, y quizá eso baste para el espectador menos exigente.

‘Intruders ’

Dirección: Juan Carlos Fresnadillo
Intérpretes: Clive Owen, Carice Van Houten, Daniel Brühl, Kerry Fox, Ella Purnell, Pilar López de Ayala.
Sinopsis: Un niño de siete años que sueña con un hombre sin rostro mientras que, en Londres, una niña explica la historia de una legendaria criatura llamada Carahueca, obsesionada con devorar niños. Cuando el padre de la niña fallece, un misterio de consecuencias inesperadas se abre.

¿Qué podemos esperar? La película de la semana, una superproducción que promete, al fin, incorporar algo de variedad al manido cuento de fantasmas que tanto nos agota, más el regreso de uno de los directores más potentes de nuestra cinematografía con un reparto espectacular.

‘ El capitán Trueno y el santo Grial ’

Dirección: Antonio Hernández.
Intérpretes: Sergio Peris Mencheta, Natasha Yarovenko, Manuel Martínez, Adrián Lamana, Gary Piquer, Ramón Langa, Asier Etxeandia.
Sinopsis: El cruzado aguerrido, conocido como el Capitán Trueno, y sus compañeros emprenden una aventura para encontrar el Santo Grial junto a sus inseparables Crispin y Goliat.

¿Qué podemos esperar? Esta superproducción aparatosa, que sustituyó tempranamente al prometedor Juanma Bajo Ulloa por Antonio Hernández, llega a las pantallas sin todo el aura de superproducción con el que se anunció: es una adaptación de un tebeo famoso entre los más mayores y también un intento por recuperar viejas glorias de la mitología pop nacional. Su interés, no obstante, es relativo.

‘ El Ilusionista ’

Título original: L’illusioniste (Francia, 2010)
Dirección: Sylvain Chomet
Sinopsis: Esta película de dibujos animados narra la amistad entre un viejo mago y una niña, con los problemas del primero para no defraudar las expectativas de su joven admiradora, que lo juzga como un ilusionista con poderes de verdad.

¿Qué podemos esperar? Ya lo ha dicho mi compañera Beatriz Maldivia, pero voy a repetir por si acaso: Chomet es un artista, sus películas de animación, admiradas por Hayao Miyazaki, son de lo mejor que puede hacer uno en esta vida. ¿Suena hiperbólico, eh? Id a verla, es una experiencia humanista y hermosa como pocas y es el guión póstumo de Jacques Tati.

‘ Crazy, stupid love ’

Dirección: Glen Ficarra, John Requa.
Intérpretes: Steve Carell, Julianne Moore, Emma Stone, Ryan Gosling.
Sinopsis: Un hombre que acaba de perder a su esposa tras un largo matrimonio conoce a un joven metrosexual que le enseñará los trucos para recuperar su masculinidad. Cuando el joven seductor se vea atrapado por sentimientos amorosos, recurrirá al divorciado.

¿Qué podemos esperar? Pese a que el tráiler siga esa moda contemporánea de destriparnos toda la película para que vayamos sobre seguro, podemos esperar más sorpresas de las indicadas en su publicidad: para empezar, este par de cineastas dirigieron la muy estimable ‘Philip Morris ¡te quiero!’ (I love you Philip Morris, 2009) y podemos encontrarnos ante algo un poco más sutil e inteligente.

‘ Nader y Simin, una separación ’

¿Qué podemos esperar? Una película que demuestra la riqueza de la filmografía iraní y que promete hacernos pensar sobre la actual situación familiar en Irán y como sus legislaciones opresivas destruyen unos climas familiares cuya armonía está en las antípodas de ese discurso religioso y teocrático que domina el país. Una película que promete hacer pensar. Mi compañero Caviaro la reseñó grácilmente.

‘ Las razones del corazón ’

Dirección: Arturo Ripstein
Intérpretes: Arcelia Ramírez, Vladimir Cruz, Plutarco Haza, Patricia Reyes Spíndola, Alejandro Suárez
Sinopsis: Emilia está harta de su vida, tanto de su marido como de sus deberes como ama de casa y madre, y su situación con su amante no parece sostenible. Empieza entonces a pensar en el suicidio.

¿Qué podemos esperar? El concepto de la cinta es ya de por sí curioso.: adaptar Madame Bovary, obra maestra de Flaubert, en clave mejicana por parte de un cineasta caracterizado por su interés por las adaptaciones literarias.

‘Son of Babylon ’

Dirección: Mohamed Al Daradji
Intérpretes: Shazada Hussein, Yasser Talib, Hussen Mohammed, Bashir Al-Majid
Sinopsis: Un niño emprende la búsqueda de su padre, un soldado arrestado por la guardia republicana de Saddam Hussein, sin entender demasiado el contexto político que rodea a estos hechos.

¿Qué podemos esperar? La muy desconocida filmografía irakí produce un título cargado de resonancias políticas con la fábula de un niño: puede ser muy interesante comprobar los primeros síntomas de dolor (nacional) en un país en las ruinas de una postguerra cuyas consecuencias tienen un alcance todavía no mesurado. La cinta se estrena con dos años de retraso.

Ya ha empezado a circular el tráiler de ‘Intruders’, lo nuevo de Juan Carlos Fresnadillo (‘Intacto’, ’28 semanas después’). La película, un thriller de terror con producción de Estados Unidos, Reino Unido y España, cuenta con un interesante plantel de actores internacionales encabezado por Clive Owen, Daniel Brühl, Ella Purnell, Pilar López de Ayala, Kerry Fox y Carice van Houten. Tiene prevista su llegada a los cines el próximo 7 de octubre, después de pasar por el festival de San Sebastián, siendo justamente el título que abrirá el certamen.

El avance dura dos minutos, así que ya sabéis, preparaos para ver una buena cantidad de escenas de la película, incluyendo sorpresas, sustos y giros argumentales. Personalmente, recomiendo ver hasta el primer minuto y diez segundos (cuando Owen se lleva el susto), se queda uno con una estupenda sensación de inquietud y curiosidad; a partir de ahí creo que ya muestran demasiado, avisados quedáis. Con guion de Nicolás Casariego y Jaime Marqués, ‘Intruders’ gira en torno a dos chicos, uno español y una inglesa, que creen que sus casas están siendo visitadas por entes sobrenaturales, que no parecen tener buenas intenciones. Parece que han vuelto a ponerse de moda los fantasmillas.

PD: Me cansa que tantas películas comiencen mostrando lo maravillosa y empalagosamente feliz que es la familia protagonista, antes de que ocurran los hechos terroríficos o dramáticos que animarán la historia.

Lo que ocurre en el tráiler que se puede ver a continuación es que Emmanuel y Philippe quieren un hijo, pero no tienen derecho a adoptar. Philippe tratará de hacerse pasar por heterosexual ante la asistente social que debe decidir si le concede el hijo, argumentando que su historia personal le obliga a permanecer soltero, pero no podrá evitar que ella adivine que es gay. En un choque fortuito, Philippe conoce a Fina, a quien invitará a cenar. Durante la cena, le propone que le haga un hijo como si nada y ella se ofende. Pero Fina está ilegalmente en el país y le cuenta a la policía que se va a casar con Philippe. Él no desmiente esa invención y, a cambio, ella acepta tener su hijo. La familia no se tomará bien ese matrimonio y menos aún Emmanuel, que se siente celoso. Las cosas se complican cuando Fina se enamora de Philippe.

Garenq declara que “lo que me gusta de este tema es la mezcla de marginalidad (la homosexualidad) y de conformismo (la familia). Me parece un cóctel muy contemporáneo que corresponde a una época en la que se han trastornado los valores familiares”. Añade que ” Hace cosa de diez años me enteré de que Manu, mi mejor amigo del instituto, que es gay (el personaje interpretado por Lambert Wilson se llama como él), se había ido de fin de semana con una pareja de lesbianas para conocerse mejor y quizá concebir y criar un hijo juntos en el futuro. Recuerdo que la idea me sorprendió y me divirtió.” Sobre el film declara que, “aparte del tema, es una película divertida, el espectador ríe y llora. Cuando se encienden las luces, el público está entusiasmado”.

Fuente | Golem.

Alberto Ammann (‘Celda 211’) será Lope de Vega en ‘Lope’, un biopic sobre dramaturgo que estará dirigido por Andrucha Waddington y cuyo rodaje comenzará a principios de 2009, con el estreno previsto para 2010.

Los protagonistas del film son Alberto Ammann, Leonor Watling, Pilar López de Ayala, Antonio de la Torre, Juan Diego, Luis Tosar, Ramón Pujol, Selton Mello, Sonia Braga, Jordi Dauder, Antonio Dechent y Héctor Colomé.

El guión original, de Jordi Gasull e Ignacio del Moral, nos sitúa en 1588 cuando Lope se ve obligado a elegir entre una relación con una mujer que le puede ayudar a dar un paso adelante en su carrera y otra que representa el amor verdadero.

Los productores son Teddy Villalba, Gasull, Edmon Roch y Waddington para Antena 3, Ikiru, El Toro Films y la productora brasileña Conspiraçao. Con un presupuesto de 12 millones de euros, ‘14’ será una de las películas españolas más caras de la historia. Supondrá un gran avance en el cine español, que parece comenzar a atreverse con grandes producciones. Para atraer espectadores de todas partes, los productores han decidido contratar actores de variadas nacionalidades. Brühl es medio catalán y habla español a la perfección.

El director brasileño Andrucha Waddington (‘Casa de areia’) ha declarado que “el guión y el tema me fascinaban: un joven que se convierte en artista. Además, está situada en la época en la que España era el centro del mundo”. A lo que Roch añade que “es una historia de amor y de aventuras totalmente contemporánea”.

Fuente | Variety.

Desde aquí animo al que se haya dedicado a buscarlas (o directamente las haya encontrado) a que las comparta con nosotros, pero yo de momento, en este primer visionado (me quedé con las ganas de algunos más), me decanto por la sencillez de un dulce paseo por Estrasburgo, de la mano de un enamorado del amor, que se dedica a contemplar mujeres como una especie de nostálgico pasatiempo.

Xavier Lafitte da vida al que en principio se supone protagonista, de una forma tan discreta, anodina e inexpresiva, que uno no tarda en comprender que los principales son otros. La ciudad, las calles, las mujeres, los pequeños detalles e incluso los propios espectadores, que tenemos la oportunidad de deleitarnos con todo eso, a un ritmo inusual en el cine de hoy en día, pausado y sorprendentemente real.

Hay mucha belleza en todo el film, empezando por el aspecto angelical de Lafitte, y siguiendo por todos esos rostros femeninos, más o menos perfectos, con melenas ondulando al viento, hombros desnudos, pezones erectos, sonrisas disimuladas y pecas estratégicas.

Momentos mágicos en que las miradas se pierden entre el recorrido del tranvía y podemos disfrutar de Estrasburgo como si estuviéramos allí, con los ruidos de la calle, la música de los violinistas, el color de las terrazas o los breves diálogos de algún transeúnte. Ningún artificio aparente, ni siquiera una banda sonora que aligere un poco algunas escenas más largas de lo políticamente correcto.

Así transcurre En la ciudad de Sylvia. Como una excursión improvisada a la que cada uno de nosotros le podemos encontrar diversas motivaciones.

Pero que nadie se asuste antes de tiempo, la película también contiene una historia. Un antes y después de aparecer “ella”, que no es la mujer que busca, pero si la que encuentra.

Ella está interpretada por Pilar López de Ayala, que incluso rodeada de tanta preciosidad, sencillamente resplandece. Ella parece ser el sentido o la excusa de una película que principalmente es una auténtica gozada para las pupilas.

Se sale del cine con esa sensación de paz y sosiego que da observar algo hermoso muy de cerca. Vacío o no eso dependerá, como todo, del cristal con que se mire.

En Blogdecine | “En la ciudad de Sylvia”: un observador observado

En 2001 José Luis Guerín dio el pelotazo con su documental ‘En construcción’ que estuvo, en mi opinión, un tanto sobrevalorado, más que por lo bien que se consideró, por lo mucho que se habló de él. Anteriormente había rodado ‘Tren de sombras’, ‘City of Life’, Innisfree’ y ‘Los motivos de Berta’. Como corresponde a un documentalista, es guionista y montador de sus trabajos, además de director. Ahora Guerín estrena una película de ficción que comparte con los documentales el gusto por la contemplación y la prolongación en el tiempo de sus planos, pero que no tiene nada de realista.

El protagonista de ‘En la ciudad de Sylvia’ observa a las jóvenes que consumen bebidas en el café de la Escuela de Arte Dramático mientras dibuja bocetos de sus rostros. Una de estas mujeres le llama la atención más que el resto y él se decide a seguirla por todo Estrasburgo. Más tarde, ambos montados en un tranvía, tendrán su primera y única conversación: ella se había percatado de que la seguía y además, no es la joven que él creía haber encontrado.

El artista que observa nos lleva consigo en esa observación y, de este modo, contemplamos con detenimiento todos los detalles que se presentan ante sus ojos. En esta película, la línea que separa el aburrimiento de la fascinación es muy fina y, si bien en instantes es la segunda sensación la que nos arrastra, no se puede evitar sentir el primero en otras ocasiones. Las escenas en las que él la persigue y ella trata de despistarlo, así como esos diálogos sobre el tranvía son más que interesantes y nos recuerdan al Eric Rohmer de ‘La mujer del aviador’.

Pero mientras ella no está dentro del cuadro y el poeta y dibujante se aísla del mundo el nivel de la película decae de manera considerable. La mayor impostura acontece cuando, sentado en el café del conservatorio, el protagonista retrata a quienes lo rodean. Todos son tan guapos y guapas, todos van tan armoniosamente ataviados, que parece que estuviésemos presenciando un eterno anuncio de Tommy Hilfiger. El estilo cercano al documental que debería dar como resultado un gran realismo se da de bruces con tanta falsedad.

La ciudad, como ya indica el título, es la tercera protagonista, formando parte de la historia, con sus peculiares personajes, como lo hacían los espacios en los films de Jacques Tati. Ese vendedor de flores que cojea, el que insiste con sus mecheros que rugen como leones, la vieja que arroja las botellas de cerveza vacías… Aquí reconocemos al Guerín que retrató el Raval de Barcelona en ‘En construcción’. Y los retazos de crítica social se le cuelan en una cinta en la que no hacen falta, como si el autor aún no hubiese podido desprenderse de ellos ni a base de plumazos. Se completa la ambientación con un excelente trabajo en las mezclas de sonido que recuerda a los monólogos interiores de ‘El cielo sobre Berlín’, quizá el mejor film de Wim Wenders.

Pilar López de Ayala, que en otras películas me ha parecido excesivamente pija, en este caso resulta perfecta para el papel pues, si no es más bella que todas las demás jóvenes del film —sí más que muchas de ellas— tiene una elegancia y una dignidad que sabe sostener en el derroche de planos que el director le dedica. Xavier Lafitte, tan guapo y poeta, me recuerda al Celadón del último film de Rohmer. Como ocurría en todos los trabajos del francés, gracias a la desmesurada belleza de sus actores y actrices, los planos largos se pueden ver sin protestas. Pero no me imagino las mismas escenas interpretadas por personas poco agraciadas.

Los escasos 83 minutos de duración se reparten de forma demasiado desigual logrando un film que puede llegar a ser grandioso en momentos y que también peca de afectado y artificial en otros. Por lo menos, su brevedad es una muestra de que Guerín sabe ceñirse a lo esencial de su premisa: la película está cristalinamente construida y se desarrolla, en la mayoría de los casos, de forma impecable. Todo un brutal contraste con la desaforada duración de su otra película “de ficción”, ‘Los motivos de Berta’, que no pasaba de ser una versión preescolar de la superior ‘El espíritu de la colmena’. Guerín nos ha contado una historia, en el fondo, “de toda la vida” y ha logrado la que es, con diferencia, su mejor película.

En Blogdecine | Trailer de ‘En la Ciudad de Sylvia’, el film español candidato al León de Oro