Tras repasar los títulos más destacados (tanto para bien como para mal) que han retratado el mundo del boxeo en la gran pantalla, vamos ya con un nuevo cuestionario. El de esta semana está centrado en los finales de las películas, tal como algunos lectores habían solicitado en varias ocasiones.

En esta decimosexta encuesta podréis votar el final cinematográfico más sorprendente, el más emocionante y el más lamentable, así como dejar vuestra opinión sobre qué tipo de desenlace os satisface más. Evidentemente, en los más de cien años que tiene el cine se han filmado numerosos finales para el recuerdo, demasiados para incluirlos en este cuestionario, así que como de costumbre he añadido la opción “otro”, al final de cada pregunta, para que escribáis vuestro título favorito, en caso de no aparecer entre mis propuestas. Sin más, espero que os animéis a participar y que esto dé pie a un interesante debate. Tenéis la palabra.

Actualización: Ya terminó el plazo para votar. En breve publicaré los resultados, gracias a todos los que habéis participado.

PD: Buceando en Youtube he encontrado este vídeo, catalogado como el peor final de la historia del cine. No me parece muy discutible…

Ha sido uno de los más valorados y aclamados. Quizás porque ha trabajado para algunos de los cineastas más grandes de su siglo, desde Orson Welles a Martin Scorsese, pasando por su enorme y fundamental unión a las imágenes de Alfred Hitchcock. Y el cine de Hitchcock casi no se puede entender sin escuchar las notas que compuso Herrmann.

Pero, no podemos pasar por alto que su primera partitura para el cine es para ‘Ciudadano Kane’, la obra maestra de Orson Welles (curiosamente este año gana su único Oscar con ‘El hombre que vendió su alma’). No vamos abordar aquí un análisis de su obra, pero a pesar de ser conocido por su aportación sonora al suspense y el misterio, Herrmann prefería las composiciones románticas. Y eso se aprecia con obras maestras absolutas como ‘El fantasmas y la señora Muir’ o ‘Vértigo’. Pero vamos con la selección de las que considero las 10 mejores bandas sonoras de Bernard Herrmann.

‘Jasón y los Argonautas’

Gran película de Don Chaffrey, que siempre será recordada por dos cosas: el extraordinario trabajo de Ray Harryhausen y el score de Herrmann. El vídeo no es bueno, pero la música…

Y aquí el maravilloso preludio:

‘Ciudadano Kane’

Conoció a Welles en la CBS, donde el compositor ponía música a sus documentales radiofónicos. De su amistad, surgió el primer trabajo de Herrmann para la gran pantalla. ¿Se puede comenzar mejor?

Y aquí la famosa obertura:

‘El cabo del terror’

La famosa película de J. Lee Thompson a la que rindiera homenaje Scorsese y a la vez Elmer Bernstein, contenía una música que daba buena cuenta de su maestría con el cine de suspense. Prodigiosa.

‘Psicosis’

¿Qué podemos decir de esta música? Pocas veces unos acordes se acoplaron con semejante simbiosis a las aterradoras imágenes en el cine. Mucho mérito tiene Herrmann del éxito y la grandeza de este film. Inmortal.

‘Simbad y la princesa’

El género de aventuras también tuvo la suerte de poseer algunas de sus mejores partituras. Ésta un ejemplo sublime.

‘Con la muerte en los talones’

Como en el resto de partituras que compuso para Hitchcock resulta magistral en cada corte. Majestuosidad, emoción e inolvidable.

‘Taxi Driver’

Fue su última banda sonora y abandonó su peculiar estilo para rendirse al ritmo del jazz y ambientar el escenario urbano del film de Scorsese. Una música de Herrmann que se aleja de lo anterior pero no del habitual nivel de calidad.

‘El fantasma y la señora Muir’

La colosal cinta de Mankievicz que mezcla el fantástico con el toque romántico estuvo magistralmente apoyada en la partitura de Herrmann. Considera una de sus grandes obras maestras perteneciente a su primera etapa.

‘Marnie, la ladrona’

Nuevo film de Hitchcock con la inestimable colaboración de Herrmann. Suspense en estado puro.

‘Vértigo (De entre los muertos)’

Obra maestra incontestable del cine. Y además una de las mejores bandas sonoras de la historia y mi preferida de todas las de Herrmann. Alcanzó un momento glorioso e inspirado: una música densa, apasionante, atormentada, bella y turbia como pocas. John Williams dirige la orquesta:

Bonus Track

¿A alquien le suena este fragmento?

Para los que les haya sabido a poco, recomiendo encarecidamente el documental ‘Music for the Movies: Bernard Herrmann’ que se puede ver íntegro (por partes) en YouTube.

Y de regalo, este concierto de la filarmónica de Los Ángeles con presentación de Tom Hanks:

En Spotify | Mi selección de Bernard Herrmann

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Hoy estamos de aniversario con ‘Psicosis’, una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock y de la historia del cine. Fue estrenada en España tal día como hoy de hace 49 años (aunque su estreno oficial en los países que sufren menos retraso fue en el verano de 1960) y merece la pena recordar esta magna cinta, que por cierto contiene cierto momento por el que siempre será recordada, y que supone una de las escenas más sorprendentes que se hayan filmado nunca.

Ahora, la historia sobre la escena de la ducha en ‘Psicosis’ ha sido desvelada aportando toda la verdad en la obra ‘Girl in Alfred Hitchcock’s Shower’ de Robert Graysmith. Y lo más interesante es que Graysmith ha averiguado y puesto luz sobre todo lo que rodeó a esa famosa escena, que no ha resultado ser tan cierto todo lo que sus protagonistas, en especial Hitchcock, contaron sobre la misma.

Una escena con apenas setenta cortes de dos o tres segundos y en la que Janet Leigh sufre una sorpresa mortal, que deja a los espectadores sumidos en el más absoluto suspense. Un montaje rápido, planificado hasta el milímetro y con el apoyo fundamental en las notas estridentes y absolutamente magistrales de Bernard Herrmann.

Lo que descubre Graysmith en su obra es que Janet Leigh mintió siempre cuando afirmaba que el cuerpo desnudo que aparecía en la escena era ella en todo momento. En realidad, y gran sorpresa de este libro, es que había una doble de cuerpo. Una modelo (y stripper) de nombre Marli Renfro que apenas cobró unos 500 dólares por esta escena y que, como el autor comenta, fue portada de Playboy ese mismo año para poco después disiparse su nombre. Todo surgió cuando supo que Renfro fue asesinada por un psicópata obsesionado con ‘Psicosis’. Curiosa (y letal) coincidencia que puso sobre la pista a Graysmith que averiguó cómo el asesino de Renfro fue encontrado diez después de cometer el homicidio.

Graysmith, famoso ser el mismo que escribió la obra sobre el asesino del Zodíaco que David Fincher adaptó en su gran película ‘Zodiac’, ahonda en esta fascinante historia que se publica precisamente coincidiendo también con la proximidad del treinta aniversario de la muerte del maestro Alfred Hitchcock.

Vía | The Guardian

Mucha literatura se ha escrito del maestro del suspense, y no quiero ahondar más, pero hoy toca recordarlo de alguna forma, puesto que se cumple el aniversario de su nacimiento. Y como es complicado aportar algo nuevo a un clásico del cine como Alfred Hitchcock, tan estudiado y analizado, pues voy a mojarme y a elegir las cinco películas suyas que más me han gustado y siguen haciéndolo. Porque ese es el gran valor de los clásicos como él. Poder ver y volver a ver sus obras y siempre seguir disfrutando y sintiendo la misma sensación de emoción e intriga.

Y ya que me mojo, entre tantas películas inolvidables, pues lo hago en orden creciente. De la quinta a la primera y que más me ha fascinado y considero su obra sublime. Ni que decir tiene que son sobradamente conocidas, pero no por ello dejan de ser interesantes, ni dejar de estudiar sobre ellas, aprendiendo nuevos datos y conocer algo más a este maestro del séptimo arte (como la lección del vídeo que encabeza la entrada). Vamos a ello.

5ª.- ‘La ventana indiscreta’ (‘Rear Window’, 1954). Siendo una producción encajada en el puro entretenimiento, Sir Alfred logró alcanzar una soberbia madurez como narrador, convirtiendo una historia de vouyerismo en una verdadera metáfora, plena de suspense, con un enorme agudeza para tratar un asunto tan peliagudo, pero a la vez fascinante. Además de poder disfrutar de una de las más bellas apariciones de Grace Kelly, también logró que James Stewart brillara a gran altura, su papel de mirón y fotógrafo escayolado es uno de sus mejores trabajos. Interesante, magistral y entretenida de principio a fin. El maestro nos supo convertir en metaespectadores atrapados por su inspiración. Lo mejor: la emoción creciente conforme avanza la historia a la que nos arrastra el protagonista.

4ª.- ‘Encadenados’ (‘Notorius’, 1946). Enorme historia de amor con uno de sus más famosos macguffins. Película redonda, que volvió a demostrar que se podía aunar éxito comercial con un resultado artístico impecable. También es cierto que contó con un soberbio guión (de Ben Hecht, ahí es nada), al que supo dotar de imágenes impactantes e imborrables en la memoria del buen cinéfilo. Inolvidables tanto Cary Grant como Ingrid Bergman, que aportaron su dosis de glamour, pero sobre todo una palpable química en pantalla. Lo mejor: el apasionado beso en el balcón del hotel.

3ª.- ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960). Mítica cinta con algunas de las escenas más nombradas, imitadas y admiradas de la historia del cine. Con un presupuesto ridículo, demostró lo que es capaz de hacer sentir, utilizando a otra de sus rubias fetiche (Janet Leight), para acabar con ella de forma cruel a la mitad de la historia (en la prodigiosa escena de la ducha) y hacernos temblar en el resto del relato, en una acertada aproximación al terror y marcado un nuevo camino para el género. Inolvidable de principio a fin, siempre acompañada por una magistral partitura del genial Bernard Herrmann. Lo mejor: Norman Bates (y el fantástico trailer).

2ª.- ‘Extraños en un tren’ (‘Strangers on a train’, 1951). Contar como base la intrigante historia de Patricia Highsmith, adaptada por la mano de Raymond Chandler, es ya un material de partida que en manos de un virtuoso cineasta como Hitchcock podía y debía deparar una película interesantísima. No sólo fue así, sino que la mano del maestro supo otorgarle su particular punto de vista, su sello personal, para introducirnos en su particular universo obsesivo a través de la narración (con un fascinante arranque con montaje en paralelo). Las diferencias con la obra original son evidentes, pero a Hitchcock le gustaba planificar al detalle la película en su mente, tanto que, incluso llegó a manifestar, que le aburrían los rodajes. Pero realmente logró un inspirado trabajo, un título capital, con tintes de film noir, lleno de detalles, de planos impactantes y con una atmósfera intrigante y turbadora. Lo mejor: el inicio de la película es de manual de dirección y montaje.

1ª.- ‘Vértigo (de entre los muertos)’ (‘Vertigo’, 1958). Aquí tengo que dejar evidencia de mi debilidad, puesto que se trata de una de esas películas que siempre formarán parte de mi memoria cinematográfica y que siempre encabezaría en uno de esos listados de lo mejor de lo mejor. La obra cumbre de Alfred Hitccock, con dos de los mejores personajes que creó (aunque casi todos sus protagonistas siempre fueron magníficos), como son el atormentado Scottie (James Stewart) y la subyugante Madeleine/Judy (Kim Novak). Enorme muestra de sus verdaderas obsesiones, con un fuerte contenido sexual implícito, lleno de referencias fetichistas y turbadoras, utilizando elementos propios del género de suspense, con elementos cuidadísimos, lleno de minuciosidad en el planteamiento (incluso más si cabe que otros títulos famosos del director) que dio como fruto una obra absolutamente fascinante. Por cierto, este año cumplen 50 años de su estreno. Lo mejor: todo, desde los créditos iniciales de Saul Bass, a la banda sonora de Herrmann, o las infinitas lecturas que se pueden extraer.

Más información | Hitchcockwiki

En Blogdecine:

• Alfred Hitchcock

La revista Premiere —sobre la que nos comunicó Carlanga que había editado su último número en papel, aunque sigue existiendo por Intenet— ha publicado una lista de los 25 mejores carteles de cine de la historia.

Los cinco primeros son los que aparecen en la imagen de más arriba: en el número uno, ¿cómo no?, Saúl Bass, el genio del arte gráfico y de los títulos de crédito, con ‘Anatomía de un asesinato’ (‘Anatomy of a Murder’, 1959), de Otto Preminger. Bass, además, ha realizado secuencias, como algunas carreras de ‘Grand Prix’. Él se atribuía la planificación de la escena de la ducha de ‘Psicosis’, cosa que Hitchcock nunca admitió. Como director, también firma algunos films, entre ellos ‘Fase IV’ (‘Phase IV’, 1974).

En el segundo puesto está ‘El pecado de Nora Moran’ (‘The sin of Nora Moran’, 1933), película de Phil Goldstone que en EE. UU. se llamó ‘Voice from the Grave’, es decir, voz desde la tumba. El autor del cartel es Alberto Vargas.

El cartel que está en el número tres de la lista es del mismo autor que el primero, Saul Bass. Se trata de ‘Vértigo. De entre los muertos’, film que, como ya sabemos, dirigió Alfred Hitchcock. Más adelante, en la lista, está ‘El hombre del brazo de oro’, también de Bass.

‘El descenso de la muerte’ ‘Downhill Racer’ (1969) se clasifica en cuarto lugar. Como dicen en la Premiere, en la distribuidora tuvieron el gran valor de hacer un cartel de una película de Robert Redford sin que se le viese. Y les quedó realmente bonito. La película fue ignorada por el público, pero el cartel, diseñado por Steve Frankfurt, se convirtió en un hito para los pósters fílmicos.

El quinto cartel de los que podemos ver en la imagen es el de ‘Planeta prohibido’ (‘Forbidden Planet’, 1956). En mi opinión es más kitsch que bonito, pero también eso merece ser reseñado.

El resto de la lista seguiría así:

6. ‘Gilda’
7. ‘La calle 42’ (‘42nd Street’)
8. ‘El ataque de la mujer de 50 pies’ (‘Attack of the 50 Ft. Woman’)
9. ‘El ladrón de Bagdad’ (‘The Thief of Baghdad’)
10. ‘2001, una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey?)
11. ‘King Kong’
12. ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’)
13. ‘La quimera del oro’ (‘The Gold Rush’)
14. ‘El hombre del brazo de oro’ (‘The Man With the Golden Arm’)
15. ‘La momia’ (‘The Mummy’)
16. ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of The Lambs’)
17. ‘Contratado para matar’ (‘This Gun for Hire’)
18. ‘Desayuno con diamantes’ (‘Breakfast at Tiffany’s’)
19. ‘Los viajes de Sullivan’ (‘Sullivan’s Travels’)
20. ‘El submarino amarillo’ (‘Yellow Submarine’
21. ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary’s Baby’)
22. ‘La tentación vive arriba’ (‘The Seven Year Itch’)
23. ‘El autoestopista’ (‘The Hitch-Hiker’)
24. ‘Eva al desnudo’ (‘All About Eve’)
25. ‘El demonio de las armas‘(‘Gun Crazy’ o ‘Deadly Is the Female’ 1950)

Fuente: Premiere

Un artículo del blog Ciencia vs. Ficción comenta el libro de Beatriz Vera Poseck, ‘Imágenes de la locura’, en el que la autora explica los diferentes tipos de enfermedades mentales y cómo las ha mostrado el cine a lo largo de su historia. Como al autor del blog, me resultan muy interesantes en concreto dos síndromes que se asemejan mucho en cuanto a sus síntomas, pero que no son ni mucho menos iguales: la esquizofrenia y el trastorno de identidad disociativo, es decir, las múltiples personalidades. Algunas películas reflejan uno y otras, el otro. Existen films que los confunden o que no se “mojan” lo suficiente como para que sepamos si están tratando uno u otro.

A continuación trataré de establecer las diferencias y de dar ejemplos de películas para cada caso. Advierto, sin embargo que, ya que estas enfermedades dan pie a muchos giros de guión, éste va a ser un artículo tuneado, es decir, plagado de spoilers (y pido perdón por el pésimo chiste). En general son películas muy difundidas que casi seguro que ya conocéis, pero por si acaso, yo lo aviso. Al final de casi todos estos films, descubriremos el giro de guión que ya se ha hecho constante en las cintas que tratan ambos trastornos: era él. Giro que ya es muy difícil que nos sorprenda al haberse utilizado tantas veces y que aparece analizado en este artículo.

Esquizofrenia

La persona enferma de esquizofrenia puede sufrir alucinaciones de muchos tipos. En un caso extremo, estas visiones le llevan a ver a otras personas que no existen, a hablar con ellas y creer que están ahí. Quien sufre este problema lo que hace es “proyectar” otra u otras personalidades hacia fuera. En palabras de la autora del libro, se produce un “desdoblamiento externo”. Según tengo entendido, estas otras personalidades (que ya las ve como si existieran) son reflejo de sus anhelos frustrados, de su ira o de cualquier otro sentimiento reprimido. Como no es capaz de comportarse de determinada manera, crea a otro ser que sí lo hace. ‘Imágenes de la locura’ hace hincapié en que habitualmente los esquizofrénicos no son violentos y que tampoco se trata de psicópatas, como nos ha hecho creer el cine.

Un ejemplo que me parece que es canónico de cine que representa la esquizofrenia es ‘El club de la lucha’ (‘Fight Club’, 1999), de David Fincher, basado en la novela de Chuck Palahniuk. Hablaré más adelante con detenimiento de esta película y explicaré por qué la pongo de ejemplo de esquizofrenia, mientras Vera Poseck la sitúa en el trastorno de identidad disociativo. Otros títulos que comenta la autora en su libro como representaciones de la esquizofrenia son: ‘Spider’ (2002), de David Cronenberg; ‘Una mente maravillosa’ (‘A Beautiful Mind’, 2001), de Ron Howard, o ‘El resplandor’ (‘The Shinning’, 1980), de Stanley Kubrick; entre muchos otros.

Trastorno de identidad disociativo (TID)

La persona que sufre trastorno de identidad disociativo, en lugar de ver a otros que no existen, lo que hace es “alternar” sus personalidades. Como dice Vera Poseck, “en el TID, el desdoblamiento es interno”. Unas identidades pueden tener o no tener consciencia de las demás. Y es muy frecuente que entre ellas entren en conflicto. Es una enfermedad que no ha sido catalogada oficialmente hasta hace muy poco tiempo y que muchos achacan a los tratamientos hipnóticos de los propios psiquiatras en pacientes muy fáciles de sugestionar. A pesar de eso, el cambio es tal que cada personalidad puede tener diferentes capacidades físicas o incluso pueden no compartir achaques como el asma o las alergias. Se suele dar más en mujeres y casi todos los casos se han documentado en EE. UU.

Dos psicólogos publicaron en 1957 un libro que narraba el caso de Chris Costner Sizemore, que desarrolló hasta cuatro personalidades. Fue tal el éxito del libro, que ese mismo año se rodó ‘Las tres caras de Eva’ (‘The Three Faces of Eve’, 1957) de Nunnally Johnson. ‘Sybil’ fue un libro en 1973 y una película en 1976, que también trataban el caso real de una joven con dieciséis personalidades y de su psicóloga. Otro caso paradigmático es el de ‘El Dr. Jeckyll y Mr. Hyde’, que al parecer representaba la preocupación del propio Stevenson por sentir dos personalidades convivir en su interior.

Un buen ejemplo de TID en el audiovisual sería el capítulo 11 de la 1ª temporada de ‘A golpe de bisturí’ (‘Nip/Tuck’), titulado ‘Montana/Sassy/Justice’, como los distintos nombres de las personalidades de la paciente. En la actualidad, el cine ha tratado este trastorno para mostrarnos psicópatas y asesinos, cosa poco frecuente en estos enfermos. ‘El escondite’ (‘Hide and Seek’, 2005), de John Polson; ‘The Crowded Room’ (2006), de Joel Schumacher; ‘Session 9’ (2001), de Brad Anderson, y varios films de Brian de Palma, además de los ya mencionados, son algunos de los títulos que analiza Vera Poseck en su libro. La autora también menciona ‘Psicosis’, aunque la engloba dentro de la esquizofrenia. Más abajo comentaré detenidamente la película de Hitchcock.

Diferencias en la representación cinematográfica

En cine se podría decir que la esquizofrenia y el trastorno de identidad disociativo se distinguen en si la persona que sufre la enfermedad es interpretada por el mismo/a actor o actriz o por diferentes actores y actrices. Lo normal es que, si se trata de síndrome de múltiple personalidad, siempre sea el mismo/a actor o actriz — ayudándose a veces de disfraces y maquillaje— y en el caso de esquizofrenia sean distintos. La película ‘Identidad’ (‘Identity’, 2003), de James Mangold, sería una excepción, pues presenta la gran trampa de guión de que lo que vemos está ocurriendo dentro del cerebro del protagonista y por eso se trata de numerosos actores.

‘Psicosis’: un caso polémico

Se ha debatido mucho sobre si películas como ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960), de Alfred Hitchcock, confunden o no estos dos trastornos. Siguiendo la regla de uno o varios actores, ‘Psicosis’ debería tratar el TID. Ya que nunca vemos a Norman Bates y a su madre al mismo tiempo, se podría entender que el personaje de Anthony Perkins sufre disociación de identidad, con distintas personalidades internas que son capaces de hablar entre sí, contestarse y replicarse, porque cambian de una a otra muy rápidamente. Las personalidades múltiples pueden entrar en conflicto porque cada una quiere una cosa y, como comparten el cuerpo, o bien unas tienen que hacer lo que otra quiera, o bien llegar a un acuerdo. Ya que entran en conflicto es posible que discutan como se escucha en ‘Psicosis’.

Lo que hace que la película resulte confusa es que Norman habla a Marion (Janet Leigh) de su madre como si ésta existiera. Esto sólo se daría en los casos de esquizofrenia, en los que el enfermo pierde la conexión con la realidad y ve como reales sus alucinaciones. En el TID la conexión con la realidad no se pierde. La única explicación posible a este hecho sería que Norman, conscientemente, quisiera dar una justificación a las voces que sabe que Marion ha oído, pues sabe que padece la enfermedad. Para adaptar esta película tanto a una enfermedad como a la otra, hay que forzar mucho las suposiciones, como las que yo he dado de que las personalidades cambian ipso facto y lo de que Norman sea consciente y finja que su madre vive. El hecho de que el film sea anterior al establecimiento de la definición oficial de la enfermedad puede influir bastante en su ambigüedad.

‘El club de la lucha’: yo, pero más guapo, más fuerte y más atrevido

En ‘El club de la lucha’ (‘Fight Club’, 1999), de David Fincher, Jack (Edward Norton) ha proyectado en Taylor Durden (Brad Pitt) las características que él desearía tener o que tiene, pero que esconde. Taylor es más fuerte, más guapo y más atrevido que Jack. Entonces, Taylor no sólo actúa en su lugar, sino que también martiriza física y psicológicamente a Norton por no comportarse al 100% como le gustaría. La violencia de la cinta es la catarsis del yuppie adocenado que interpreta Norton, actor que representa a un personaje con trastorno de identidad disociativo en ‘Las dos caras de la verdad’ (‘Primal Fear’, 1996), de Gregory Hoblit.

No podemos decir con claridad si las películas son correctas o incorrectas a la hora de tratar estos temas debido a que ello depende de cómo interpretemos cada uno las imágenes y sonidos que aparecen en ellas. Por ejemplo, en ‘El club de la lucha’, Beatriz Vera Poseck entiende que Brad Pitt está mostrado como un cuerpo aparte a modo de licencia narrativa o de estrategia de Fincher y, por tanto, estamos ante un caso de TID. Pero me parece menos rebuscado ver al personaje de Pitt como una alucinación externa de Edward Norton y, entonces, claramente nos encontraríamos ante la esquizofrenia, como afirman otros entendidos. Así se cumpliría también la regla de: varios actores, esquizofrenia. Lo que dice Vera Poseck es que se trata de identidad disociada porque a veces Norton tiene que sufrir las consecuencias de lo que ha hecho Pitt mientras Jack se había transformado en Taylor Durden, sin embargo, ella misma explica que en este síndrome “las distintas personalidades se presentan por lo general como si se controlaran secuencialmente, apareciendo una detrás de la otra” y en ‘El club de la lucha’ es frecuente verlos a los dos, no solo juntos, sino incluso enfrentados.

Capítulo II | Enfermedades mentales en el cine (II): distintos tipos de amnesia.

Todo lo que necesitas es visitar PsychoStudio, una aplicación Flash en línea que, como una suerte de sistema de edición no lineal virtual, te proporciona todo lo que requieres para editar de nuevo la escena: las herramientas y los clips de vídeo.

Si Gus Van Sant lo hizo...

¿Por qué tú no puedes hacerlo?

Para mayor efectividad del déja vu, Hudec invierte horizontalmente la escena original, lo que confiere al experimento un carácter de espejo (¿espejismo?) cinemático: ambas secuencias parecen reflejos la una de la otra.

Me pregunto qué efecto habría resultado si Hudec no hubiese invertido la escena de Hitchcock. ¿Calzarían perfectamente ambas imágenes? ¿Qué pasaría si se hiciera un experimento similar, pero con todo el filme, de principio a fin?

Vía | Bitter Cinema