No sucede solamente en el cine, también en libros o discos. Pero vayamos al tema que nos ocupa aquí, que son las películas. Estos sorprendentes detectores de Narcisos los encuentran por todas partes. ¡Uno termina agobiado! Tim Burton es un egomaníaco. Quentin Tarantino ha entrado en franca decadencia por su ego. El problema de Lena Dunham es su ego. ¿Y el de Judd Apatow? También la soberbia y el exceso de autoestima. No es un problema estadounidense, lo juro. En España, Pedro Almodóvar y Nacho Vigalondo reciben acusaciones de ese tipo con precisión parecida a la de quien es capaz de alertar la llegada de la alergia en plena primavera.

¿En qué se parecen estos directores? Sin ingenuidad, lo digo, en muy poco. Tenemos a directores que hacen de su independencia económica una de sus conquistas y razones de ser, a nuevos cineastas con escuetas filmografías y a consagrados y confortables miembros del cine más comercial de los grandes estudios. ¿Cual es entonces el patrón que aplican estos iluminados?

Hace ya más de medio siglo, la crítica de cine cambió para siempre. Nos gusta pensar que no, que las cosas siempre fueron bien o siempre fueron sencillas, que las ciudades y el progreso no las provocan circunstancias y personas concretas sino que llegan “por sí mismas”. Supongo que acabo de mentir. Quizás sea más justo decir: nos gusta no pensar en las cosas como resultado de voluntades y preferimos no pensar, darlo por sentado. A lo cómodo se acostumbra uno con facilidad.

Bien. Manny Farber primero, aunque desde un desconocimiento y alcance reducido, y sobre todas las cosas, André Bazin y Cahiers Du Cinema después, junto a teóricos como Andrew Sarris, cambiaron la manera en que se veían películas. Las películas eran entonces simple entretenimiento y quien no me crea, que vaya a su biblioteca más cercana a leer las reseñas de James Agee.

En ellas se habla de la historia, de los personajes, de los actores y del entretenimiento ofrecido. Nada más era el cine, un ocio y como ocio se evaluaba.: con rigor esquemático y sin esfuerzo alguno. Los franceses cambiaron esto y excitaron al mundo para siempre. Dijeron: esperad. Este tal Orson Welles es un estilo por encima de todo. El director es un artista. El director no es un empleado más de un ocio. Y así nació la política de autores, que fue la que nos permitió imaginar la personalidad de un director a partir de unas constantes temáticas, de estilo. Esto no existía antes, insisto, que la memoria a veces es demasiado selectiva para mi gusto.

Entonces, hemos llegado al punto de evitar, por supuesto, el mercado. Así que en un marco en el que, teóricamente, es la “personalidad” lo que importa, sabremos discernir si una película nos gusta o no, es mejor o peor, según el grado “patológico” que el director haya puesto en ella. Es ridículo, por supuesto.: muchos grandes directores firmaron obras maestras por encargo. ¿Qué sabemos nosotros de la vida privada de la gente? Nada. Uno debería tener esa higiene presente al hablar de los demás y atribuirle excesos de soberbia o definirlo como un vulgar créido.

Pero siempre es preferible pensar así a imaginar. Imaginar que, tal vez, la necesidad comercial que impone el cine, de un éxito puede mermar a personas o puede estimular el conformismo. Que a veces no es conformismo sino la propia naturaleza de la creatividad que necesita fracasar para poder dar con aciertos. Que vivimos con una falta de diálogo crítico que corona o ignora películas sin términos medios, sin discusiones excitantes, sin devolver la película a la vida, que es la que sucede en las palabras que se dicen al terminar.

Pero eso no nos permite señalar con el dedo al cineasta henchido de ego.

Y, claro está, nos impide creer esa vieja ficción del mundo en el que vivimos: que el público es soberano.

Pero pocas veces se ha tomado la palabra de una manera tan hermosa y estratégica como sucede en ‘Kill Bill vol. 2’ (id, 2004) en la que se cierra una saga en cuyo comienzo solamente brillaba la voz (breve y distanciada del rostro) de Bill a la vez que su nombre. En la primera entrega, ‘Kill Bill vol. 1’ (id, 2003) el personaje existía como mito.

Pero esto no sucedía en la segunda y hay muchas razones para ello. Se ha apuntado el tradicionalmente monólogo de Superman como una razón por la cual Tarantino pretendía dar relieve a la palabra (hablada) en su película. Pero yo creo que hay una radicalización de lo que se supone el hablar aquí y es algo que ya ensayó en la que no ha dejado de ser su mejor película, ‘Jackie Brown’ (id, 1997).

En aquella película, las conversaciones surgían siempre en dos niveles. El de amenaza, con el personaje de Ordell (Samuel L. Jackson) apareciendo en escena para parecer una inmutable pero altamente palpable máquina de matar, o el del amor, con la ternura en forma de un amor maduro, imposible y doloroso (Robert Forster).

La renuncia y la clase social iban unidos. Pero en la conclusión de su saga de venganza, que transcurre en un mundo deliberadamente inconcreto, la madre (Uma Thurman) antes conocida como La Novia encuentra a su amante y lo hace con todas sus arrugas. Todo el diálogo final es una toma de palabra para el que sabe que va a morir. No existe la explotación (que tantas veces se repite en sus dos últimas y facilonas películas) de una tensión previa a una explosión de violencia entre dos partes.

Cuando Bill (David Carradine) encuentra a la que antaño fue su amante, encuentra también las palabras adecuadas. De ahí el monólogo de Superman, brillante y largo. Pero de ahí también el diálogo en el que Tarantino deja entrever que los personajes se entendían perfectamente, sabían escucharse, pero no pueden evitar hacerse daño. Es una manera, hiperbólica pero también tremendamente humana, de dotar a la palabra de su poder para expresar, dilatar y construir.

Por eso, al revés que cualquier gladiador, Bill pide la palabra para morir. Para echarse a caminar en sus últimos, hermosos pasos. Y toda la conversación transcurre plácidamente sentado. Pocos cineastas recientes han atisbado con inspiración las posibilidades de la palabra como predecesora del acto dramático: en aquella rara y preciosa película, que contenía artes marciales y melancolía a partes iguales, Tarantino consiguió su cierre más triste, más intimista y más emocionante.

Nos acercamos al tramo más interesante de la gala de los Oscar. Ya hay ganadores en los apartados de mejor guion. Quentin Tarantino ha ganado la estatuilla por escribir ‘Django desencadenado’ (‘Django Unchained’, 2012) y Chris Terrio por adaptar a la gran pantalla la historia de ‘Argo’ (2012). Cada vez hay menos dudas de que el film de Ben Affleck va a ser el triunfador de la noche…

Os recuerdo que Tarantino competía por el premio al mejor guion original junto a Michael Haneke por ‘Amor’ (2012), John Gatins por ‘El vuelo’ (‘Flight’, 2012), Wes Anderson y Roman Coppola por ‘Moonrise Kingdom’ (2012) y Mark Boal por ‘La noche más oscura’ (‘Zero Dark Thirty’, 2012). En cuanto a Terrio, tenía como rivales a Lucy Alibar y Benh Zeitlin por ‘Bestias del sur salvaje’ (‘Beasts of the Southern Wild’, 2012), David Magee por ‘La vida de Pi’ (‘Life of Pi’, 2012), Tony Kushner por ‘Lincoln’ (2012) y David O. Russell por ‘El lado bueno de las cosas’ (‘Silver Linings Playbook’, 2012).

¿Estáis de acuerdo en que ‘Django’ y ‘Argo’ son las películas mejor escritas de 2012?

Tres años después de que los judíos ajustaran cuentas con los nazis en ‘Malditos bastardos’ (‘Inglourious Basterds’, 2009), Quentin Tarantino propone en su nuevo trabajo, ‘Django desencadenado’ (‘Django Unchained’, 2012), una venganza contra la esclavitud y el racismo de los Estados Unidos de 1858, dos años antes de que estallara la Guerra Civil —cuyo desenlace aparece reflejado en ‘Lincoln’ (Steven Spielberg, 2012), casualmente estrenada en España el mismo día que el film que nos ocupa—.

‘Django desencadenado’ es además el primer y esperado western de Tarantino. Debido a la influencia del género en sus anteriores películas, plagadas de pistoleros, y su gusto por los tensos “Mexican standoff” que acaban resueltos en sangrientos tiroteos, solo era cuestión de tiempo que el realizador estadounidense decidiera aportar su visión del western —si bien él prefiere referirse a su película como un “southern”—. Para ello, como era de esperar, toma como principal referente el subgénero, el “spaghetti western”, los trabajos de Sergio Leone o Sergio Corbucci en lugar del enfoque más clásico de John Ford o Howard Hawks, si bien la huella de estos realizadores es inevitable en cualquier western —de hecho, ‘Río Bravo’ (H. Hawks, 1959) es una de las películas favoritas de Tarantino, y a pesar de haber declarado que odia a Ford, en ‘Malditos bastardos’ imitó uno de los planos más característicos de ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, 1956)—.

Aunque el ejecutor de esta nueva venganza es un esclavo, Django (Jamie Foxx, que comparte un divertido encuentro con Franco Nero, el Django de Corbucci), el protagonista de la primera secuencia tras los títulos de crédito es un peculiar dentista alemán, el doctor King Schultz (Christoph Waltz), a quien Tarantino parece haber rescatado del universo de ‘El gran silencio’ (‘Il grande silenzio’, S. Corbucci, 1968). Y es que en realidad Schultz es un cazarrecompensas que se cruza en el camino de Django. El alemán compra, libera y entrena al esclavo a cambio de su colaboración. Con el tiempo y tras varios trabajos juntos, se forja una relación de amistad y Schultz decide ayudar a Django en una complicada misión.

El objetivo es encontrar y liberar a Broomhilda von Shaft (Kerry Washington), la esposa de Django. El conflicto es que la esclava está en “Candyland”, la plantación del cruel Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), conocido por su afición a las peleas de esclavos. El plan es fingir interés por adquirir a uno de los mejores luchadores de Candie para llegar hasta Broomhilda. Y el resultado es… bueno, como podéis imaginar viniendo de Tarantino, algo sangriento. La historia puede sonar sencilla pero el cineasta emplea 165 minutos en contarla. La primera hora apenas se nota, se disfruta la presentación y la relación entre Schultz y Django, pero desde que se inicia la marcha a la mansión de Candie la película comienza a tambalearse, a alternar momentos intensos e hilarantes —la aparición de Stephen (Samuel L. Jackson)— con otros repetitivos y poco inspirados —el engaño de la recompensa—.

La última media hora es claramente la parte más floja de ‘Django desencadenado’, con el castigo frustrado —el Tarantino de los 90 habría hecho algo memorable ahí—, la prescindible salida de “Candyland” acompañada de otro cameo “estelar” —no desvelo de quién pero queda fatal—… No es un problema de metraje o de puesta en escena —la cámara siempre está donde tiene que estar—, y desde luego no de interpretaciones —el reparto está sensacional, destacando otra vez Waltz—, lo que no termina de funcionar del todo es el guion. Por un lado, por la necesidad de Tarantino de alargar las conversaciones, a menudo interrumpiéndolas con detalles irrelevantes, imagino que buscando naturalidad o comicidad. Normalmente sus diálogos atrapan, pero a veces no son tan ingeniosos, y desconectas, descubres que la película está parada.

Por otro lado, a partir de la primera hora se va diluyendo el papel de Waltz para dar más importancia a Foxx, y el primero encarna un personaje mucho más interesante que el segundo. La interpretación es fundamental, y el austriaco es un portento, pero el estadounidense tampoco lo hace mal, cumple con lo que le han dado, una especie de superhéroe negro, que no es precisamente el personaje más carismático escrito por Tarantino. Por suerte, los puntos fuertes y los numerosos grandes momentos de ‘Django desencadenado’ compensan con creces sus flaquezas. La entrada de Schultz, la muerte del sheriff o la discusión sobre las máscaras del Ku Klux Klan son las escenas que recordaremos de esta película excesiva, hilarante, hermosa y violenta.

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‘Django desencadenado’, Tarantino embriagado

Que Quentin Tarantino se acercarse de lleno al género del western era cuestión de tiempo. El mencionado género es el más utilizado por el realizador en sus films; baste comprobar sus homenajes al cine de Sergio Leone en concreto y la utilización de ciertos elementos del cine de vaqueros en su cine, al que casi podríamos ya considerar como un género en sí mismo, algo que jamás le he negado a un director que salvo excepciones no suele gustarme. Y a pesar de mis reticencias con un director cuyas películas se ven peligrosamente dañadas por el paso del tiempo, salvo quizá la muy entretenida ‘Malditos bastardos’ (‘Inglourious Basterds’, 2009) —eh, tú, el del fondo, no saques el cuchillo ni hables en un idioma inventado, es sólo mi opinión—, me acerqué a ‘Django desencadenado’ (‘Django Unchained’, 2012) con más ilusión que otras por el simple hecho de pertenecer al género de géneros.

Cabe decir que aunque la película lleve el nombre de Django en su título, poco o nada tiene que ver la película con el pequeño clásico de Sergio Corbucci de 1966, más allá de pertenecer al mismo género o de contar en una aparición especial con Franco Nero a modo de sentido homenaje al citado film. Ni siquiera sus tramas se parecen, así que ver el film italiano o no, más allá del disfrute que eso conlleva, no influye en el visionado de la nueva obra de Tarantino. No es un remake, y como el mismo director aclaró el nombre de Django se ha utilizado infinidad de veces en spaguetti westerns del montón que trataban de aprovecharse del tirón comercial del film de Corbucci. En el caso de Tarantino es simplemente un ejercicio de nostalgia.

(From here to the end, Spoilers) ‘Django desencadenado’ no posee una complicada trama, hasta diría que es el film de su director más simple en ese aspecto. En base se trata de la misma línea narrativa que tantos y tantos westerns, la historia de una venganza. La unión entre el Dr. King Schultz (Christoph Waltz) y el esclavo Django (Jamie Foxx), primero por bienes comunes y más tarde como original sociedad de cazarrecompensas que culmina con la venganza personal de Django por haber sido separado de su mujer Broomhilda (Kerry Washington), también esclava. Una breve premisa que se alarga durante más de dos horas y media, el principal problema de la película. 168 minutos es algo exagerado, y en su tramo final Tarantino pierde totalmente los papeles, como si no supiera qué hacer con su película.

Una vez más el director, ganador de un inesperado Globo de Oro por el guión —hazaña que probablemente no repita en los Oscars— alarga inecesariamente muchas de las situaciones de la película. Señal inequívoca de su estilo dirán algunos, amor desmesurado por sus historias digo yo —en realidad ambas cosas—, pero nadie puede negar esta vez que Tarantino se ha excedido sin control y bajo mi punto de vista ha cometido un error muy grave en el clímax del film —en uno de los tres o cuatro que tiene—, no terminar la película en la parte protagonizada por un inmenso, brillante, espectacular, y no nominado, Leonardo DiCaprio, quien compone, sin miedo a exagerar, uno de los mejores personajes de su carrera y también uno de los mejores del universo Tarantino. Calvin Candie es un villano que eleva el film hasta lo más alto, como también lo hace Christoph Waltz.

Pero a pesar de lo estirado que está el film en muchos de sus pasajes —todo el protagonizado por un entregado Don Johnson, y donde no pinta nada Jonah Hill, sobra por completo a pesar de la enorme burla que realiza sobre el Ku Klus Klan—, ‘Django desencadenado’ es muy disfrutable en sus puntos altos. Por ejemplo, tras el inicio en el que suena la mítica canción de Luis Bacalov, la presentación del personaje central y el Dr. King Schultz es un ejemplo claro de cómo dar inicio a un film y que este agarre al espectador. A partir de ese instante tan poderoso y divertido —y en el que el brillante trabajo de Robert Richardson se hace notar por encima del resto— el film va cuesta abajo hasta un desenlace muy, muy loco y descabellado que parece salido de la peor serie B. ¿Intencionado? de acuerdo, pero a mí me aburre sobremanera. Por no hablar de esos latigazos al cine de Peckinpah, e incluso el giallo, mixtura sorprendente por audaz. Demasiado audaz, demasiada pose.

Las referencias al género de géneros son inumerables como cabría esperar, pero más allá de que el film pertenezca al género cinematográfico por excelencia, es sobre todo “un film de Tarantino” con todo lo que ello supone. Diálogos infinitos, verborrea a veces sobrante, y estallidos de violencia a veces justificados, a veces no. Me sobra por completo todo lo relacionado con los luchadores mandingo —aunque lleve el eco de cierto film olvidado de Richard Fleischer, y curiosamente no uno de los mejores del brillante director—, y una media hora final, donde hace acto de presencia el mismo Tarantino demostrando que lo suyo no es interpretar —aunque está muy lejos de la memez cometida en la infumable ‘Sukiyaki Western Django’ (id, Takashi Miike, 2007)— y que a mi juicio estropea toda la tensión acumulada en la parte de DiCaprio. De nuevo Tarantino haciendo films por bloques, pero esta vez el equilibrio no lo encuentra por ningún lado.

De la banda sonora, algo que el director cuida mucho en sus trabajos, mejor ni hablar; y no lo digo por las lógicas incursiones de temas de Bacalov o Ennio Morricone, así como un tema de la gloriosa banda sonora de Jerry Goldsmith para ‘Bajo el fuego’ (‘Under Fire’, Roger Spottiswoode, 1983), sino más bien por ciertos temas anacrónicos hasta decir basta, en cuya utilización queda patente una realidad bien clara: Quentin Tarantino hace la película que le viene en gana.

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Quentin Tarantino es un director que levanta pasiones, tanto para bien como para mal. Es cierto que son mucho más ruidosos los seguidores acérrimos que defienden prácticamente todo lo que haga, pero sus detractores también aprovechan cualquier ocasión para hacerse oír. Como en – casi- todo, la posición intermedia es la más cercana a la realidad, ya que Tarantino comenzó su carrera de forma fulgurante, pero el siglo XXI ha estado asociado a una notable irregularidad por su parte, capaz de lo mejor y lo peor incluso dentro de una misma obra, por lo que el escepticismo se ha convertido en algo imprescindible cuando estrena una nueva película. Esta política personal ha sido clave para poder disfrutar de ‘Django desencadenado’ (‘Django Unchained’, 2012) pese a sus evidentes limitaciones.

Al igual que el nazismo en ‘Malditos bastardos’ (‘Inglorious Basterds’, 2009), la esclavitud es un aspecto incidental en ‘Django desencadenado’, algo de esperar ya que hay varios paralelismos entre ambas películas, en las que se rehúye la posibilidad de convertirse en un cronista histórico como ha hecho Paul Thomas Anderson en sus dos últimas películas, pues las inquietudes de Tarantino están muy lejos de eso. Esto punto posibilita que ambas rocen lo magistral en su secuencia inicial – aunque conviene destacar el agradable homenaje directo a ‘Django’ (Sergio Corbucci, 1966) durante los créditos iniciales-, siendo la presencia de un inmenso Christoph Waltz básica para conseguirlo, pero aquí echando de mano de un maravillosa socarronería que contrasta con la sutil vileza que le permitió llevarse un Oscar para casa. La diferencia básica es que Tarantino ya perfila aquí el peculiar tono que luego llevará al extremo con desigual fortuna.

Era obvio que esperar un western dentro de cualquiera de sus formas – el spaghetti italiano en este caso- en el sentido tradicional de la palabra de Quentin Tarantino es perfectamente equiparable a tener fe en que se pongan a llover billetes de 500 euros, ya que la inmersión en el género se limita a utilizar a su manera los molestos zooms característicos del cine italiano de los años 60 y 70, una lacra en al menos el 99% de los casos, pero que aquí no llegan a molestar. Y es que ‘Django desencadenado’ es una película de Tarantino que adopta los modos del género para pervertirlos del mismo modo que lo hizo con las cintas bélicas en ‘Malditos bastardos’. ¿Tiene eso algo de malo? Para nada salvo que seas un purista que reniega de los cambios, pero éstos no son siempre para bien.

Es un tanto injusto señalar directamente a Jamie Foxx, pero el mayor problema de la película es que confía demasiado en la efectividad de su reparto cuando Django tiene muy poco gancho. ¿Por qué lo de que es injusto culpar a Foxx? Pues porque no es que haga una mala interpretación ni nada por el estilo, pero sí que sorprende que la misma persona dos secundarios carismáticos y que iluminan la pantalla con su mera presencia tuviese tan poco tino para conseguir cualquier implicación emocional del espectador con la venganza personal de un protagonista que sólo produce indiferencia. Cierto que le reserva alguna frase cortante y las necesidades argumentales le fuerzan a tener que fingir ser quien no es – aunque Samuel L. Jackson se lo come con patatas en esa vertiente odiosa-, siendo entonces cuando resulta más atractivo, pero su cruzada personal para recuperar a su esposa le da absolutamente igual al espectador. De hecho, el déspota y caricaturesco dueño de ella tiene mucho más interés, y no es únicamente por la presencia de un estupendo Leonardo DiCaprio que se lo pasa en grande dando vida a Calvin Candie.

La violencia es un factor clave en ‘Django desencadenado’, ya que hay muchos más homicidios que en un slasher al uso, pero no deja de ser un adorno muy llamativo en la odisea de Django para recuperar a su mujer. Eso no quiere decir que Tarantino no tenga tiempo para justificarla – el primer asesinato por encargo del protagonista-, regodearse en ella – el abundante uso del gore- o estilizarla – el uso de la cámara lenta durante el gran tiroteo-, pero también la muestra en su forma más cruda – la pelea de mandingos que sirve para introducir en la acción a DiCaprio-, ya que su principal interés no es ser un elemento llamativo para conectar con cierto tipo de público, sino una forma de dificultar la tarea del protagonista.

Lo que falla es la propia estructura de la película, donde Tarantino da rienda suelta a sus excesos, siendo incapaz de contener el excesivo metraje de ‘Django desencadenado’. Son tres las partes en las que se podría dividir la película: El adiestramiento de Django, la infiltración en la plantación de Candie y el despiporre final para ver si la historia tendrá un final feliz o no. No tengo grandes pegas con las dos primeras, ya que los personajes y las actuaciones de Waltz y DiCaprio te mantienen tan enganchado y destellos ocasionales de ingenio por parte de Tarantino – la discusión entre los miembros del Ku Kux Klan, la primera aparición de Samuel L. Jackson o la inclusión por primera vez de temas musicales realizados ex profeso para la película- que uno pasa totalmente por alto el irregular ritmo con el que se desarrolla la acción. Lo más curioso es que es al apostar por el completo desenfreno en sus últimos 40 minutos – con cameo del propio director- cuando el interés decae y uno es más consciente de las limitaciones de la propuesta: Redundante, alargada y excesivamente dependiente del encanto de factores ajenos a su insulsa trama central.

Ya en ‘Malditos bastardos’ había desigualdades evidentes, pero la brillantez de varias secuencias y el buen trabajo de su reparto la convertían en un gran divertimento, misma categoría en la que hay que situar a un ‘Django desencadenado’ que está al menos un escalón por debajo del anterior trabajo de Tarantino por su escaso tino a la hora de construir un trama central que enganche al espectador. Con todo, un disfrutable entretenimiento ni que sea por la mera presencia de Christoph Waltz y Leonardo DiCaprio.

Podéis consultar también la poco halagadora opinión de Pablo.

‘Django desencadenado’

Título original, nacionalidad, año: ‘Django unchained’, EE. UU., 2012.

Dirigida por: Quentin Tarantino.

Interpretada por: Jamie Foxx (Django), Leonardo DiCaprio (Calvin Candie), Christoph Waltz (Dr. King Schultz), Samuel L. Jackson (Stephen), Kerry Washington (Brommhilda), Walton Goggins (Billy Crash), Dennis Christopher (Leonide Moguy), Don Johnson (Big Daddy), James Remar, James Russo, Amber Tamblyn, Jonah Hill, Zoe Bell, Michael Parks.

Sinopsis: La historia de “Django desencadenado” está ambientada en el Sur de los Estados Unidos, dos años antes de estallar la Guerra Civil, el Dr. King Schultz en un cazarrecompensas de origen alemán que sigue la pista de unos asesinos: los hermanos Brittle. Para lograr su objetivo busca la ayuda de un esclavo llamado Django (Jamie Foxx). El poco ortodoxo Schultz se hace con Django bajo la promesa de dejarlo en libertad una vez que hayan capturado a los Brittle, vivos o muertos. El éxito que obtienen en su cometido hace que Schultz libere a Django, pero ambos deciden no separarse y seguir juntos su camino. Django perfecciona su destreza como cazador con un único objetivo: encontrar y rescatar a Broomhilda, la esposa que perdió hace tiempo en el mercado de esclavos. La búsqueda de Django y Schultz finalmente los lleva hasta Calvin Candie, propietario de la infame plantación Candyland. Bajo falsos pretextos Django y Schultz exploran las instalaciones y despiertan las sospechas de Stephen, el esclavo de confianza de Candie.

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Crítica en Blogdecine: ‘Django desencadenado’, prueba de muerte

‘Lincoln’

Nacionalidad, año: EE. UU., 2012.

Dirigida por: Steven Spielberg.

Interpretada por: Daniel Day-Lewis (Abraham Lincoln), Tommy Lee Jones (Thaddeus Stevens), Sally Field (Mary Todd Lincoln), Joseph Gordon-Levitt (Robert Lincoln), David Strathairn (William H. Seward), Tim Blake Nelson (Richard Schell), James Spader, Lee Pace, Jackie Earle Haley, David Oyelowo, Jared Harris (general Ulysses Grant).

Sinopsis: ‘Lincoln’ se centra en los tumultuosos últimos meses en ejercicio del decimosexto presidente de los Estados Unidos. En una nación dividida por la guerra y en la que soplan fuertes vientos de cambio, Abraham Lincoln emprende un conjunto de acciones con el objetivo de acabar con la guerra, unir al país y abolir la esclavitud. Con la talla moral y la fuerte determinación para lograr todo ello, las decisiones adoptadas por Lincoln en un momento tan crítico cambiarán el destino de las generaciones venideras.

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Qué podemos esperar: Una recreación a lo grande de una época histórica caracterizada por algo que ahora nos suena tan lejano como imposible: políticos íntegros que tratan de mejorar su país y de hacer algo positivo por la población, especialmente por los más desfavorecidos.

‘Nameless gangster’

Título original, nacionalidad, año: ‘Bumchoiwaui junjaeng’, Corea del Sur, 2012.

Dirigida por: Yoon Jong-bin.

Interpretada por: Choi Min-sik, Ha Jung-woo, Jo Jin-woong, Ma Dong-suk, Gwak Do-won.

Sinopsis: En 1982 Ik-hyun (Choi Min-sik) es un funcionario de aduanas corrupto que está a punto de ser despedido. Decidido a dar un último gran golpe, al intentar vender una bolsa llena de heroína termina aliado con uno de los jefes mafiosos más importantes de Busan, Hyung-bae (Ha Jung-woo). Ik-hyun se gana la confianza de Hyung-bae de inmediato gracias a su imparable verborrea, y así la fuerza de uno y las habilidades del otro permitirán a ambos convertirse en los amos de Busan. Pero al llegar los años 90, el gobierno anuncia la guerra abierta contra el crimen organizado, y es entonces cuando empiezan a aparecer grietas en su relación. La guerra abierta por el poder absoluto ha comenzado.

Qué podemos esperar: Del cine surcoreano siempre espero cosas buenas. Me encanta esa cinematografía. Lo que espero es que este ejemplar de su género de gángsters esté a la altura de otras que les conocemos.

‘Tabú’

Nacionalidad, año: Portugal, 2012

Dirigida por: Miguel Gomes.

Interpretada por: Ana Moreira, Carloto Cotta, Henrique Espírito Santo, Isabel Muñoz Cardoso, Ivo Müller, Laura Soveral, Manuel Mesquita, Teresa Madruga.

Sinopsis: Viaja del Portugal de hoy al África colonial a través de la historia de una temperamental señora, su doncella de Cabo Verde y un vecino de su mismo bloque lisboeta. Cuando la anciana muere, los otros dos descubren un episodio de su pasado.

Qué podemos esperar: Se ha descrito como un cuento de amor, aventuras y crimen ocurrido en lo más profundo de África y se ha comparado con la visión de los mares del sur de Murnau.

‘Moscati, el médico de los pobres’

Título original, nacionalidad, año: ‘Giuseppe Moscati: L’amore che guarisce’, Italia, 2007.

Dirigida por: Giacomo Campiotti.

Interpretada por: Giuseppe Fiorello (Giuseppe Moscati), Kasia Smutniak (Elena), Ettore Bassi (Giorgio), Carmine Borrino (Umberto), Paola Casella (Cloe), Giorgio Colangeli (De Lillo), Marco Gambino, Emanuela Grimalda.

Sinopsis: Nápoles, inicios del siglo XX. Giuseppe Moscati es un médico con brillante futuro que consigue plaza en uno de los mejores hospitales de la región: “el hospital de los incurables”. Moscati dedicará toda su vida al cuidado y atención de los enfermos, en especial de los más pobres. En su camino se cruzará la joven aristócrata Elena, que hará replantearse a Giuseppe su futuro. Su fama en lo personal y en lo profesional hizo de Giuseppe Moscati una de las personas más queridas en Nápoles.

Qué podemos esperar: Al parecer, se trata de una miniserie de la RAI, que nos llega adaptada a versión largometraje. Lo cierto es que no la vería ni en la tele, no creo que me acerque al cine por ella.

‘El corazón del roble’

Nacionalidad, año: España, 2012.

Dirigida por: Ricardo Ramón y Ángel Izquierdo.

Sinopsis: En ‘El corazón del roble’, extraños acontecimientos están cambiando el clima en la colina del dragón. La caída brusca de las temperaturas ha sumido la tierra en el frío y la oscuridad. El bosque se muere y Robin, el pequeño Elfo, guardián del bosque, suplica a los dioses ayuda para combatir el mal que amenaza con destruir la vida.

Qué podemos esperar: La animación española está en una buena posición frente a competidores de otras partes del mundo dentro del mismo formato. Eso no quiere decir que todo lo que se haga en este sentido tenga una elevada calidad. La que nos ocupa parece, por el contrario, una propuesta de directo a DVD con un estreno técnico.

Menudo inicio de año estamos teniendo los aficionados al cine. Durante el mes de enero, en las carteleras españolas podremos encontrar las nuevas películas de Kathryn Bigelow, Paul Thomas Anderson, Michael Haneke, Steven Spielberg y Quentin Tarantino, entre otros. Aunque también nos llega ‘Lincoln’ (2012), la película con más nominaciones a los Oscar, el estreno del próximo viernes que más me interesa es ‘Django desencadenado’ (‘Django Unchained’, 2012).

Y es que un servidor, aunque no disfrutara con la sobrevalorada ‘Malditos bastardos’ (‘Inglourious Basterds’, 2009), tiene el póster de ‘Pulp Fiction’ (1994) en su habitación y considera a Tarantino uno de los diez mejores cineastas norteamericanos de las últimas tres décadas. Muy pocos resisten la comparación si hablamos de puesta en escena, ritmo y dirección de actores, pero la lista se queda aún más corta si solo tenemos en cuenta los que escriben sus propios guiones. Intentadlo, es más difícil de lo que parece juntar diálogos en cien páginas y que no parezca que solo está hablando vuestro alter ego. Desde hace años —creo que desde ‘Kill Bill, Vol. 1’ (2003)— comenzó a generarse un gran interés por ver de qué sería capaz Tarantino si realizara un western. En unos días saldremos de dudas.

La historia de ‘Django desencadenado’

Django —nombre que hace referencia al famoso spaghetti western de Sergio Corbucci, ‘Django’ (1966)— es un esclavo cuyo brutal pasado le lleva con el cazarrecompensas alemán, el Dr. King Schultz. Ambos emprenden la búsqueda y captura de los delincuentes más buscados del Sur, que los guiará hacia Calvin Candie, el dueño de “Candyland”, un lugar donde los esclavos son preparados para luchar unos contra otros por diversión, allí Django y Schultz levantan la sospecha de Stephen. Durante su viaje se verán obligados a escoger entre la independencia y la solidaridad, el sacrificio y la supervivencia…

El director

Escenas violentas brutales e imaginativas, conversaciones ingeniosas plagadas de referencias culturales y palabras malsonantes, brillante y a menudo sorprendente acompañamiento musical, homenajes a toda clase de trabajos cinematográficos y televisivos, interpretaciones inmejorables y rescate de viejas leyendas de la pequeña y la gran pantalla. Son algunas de las características más reconocibles del cine de Quentin Tarantino, uno de los directores más populares del planeta desde que el jurado del festival de Cannes le premiara con una polémica Palma de Oro por su segundo largometraje, ‘Pulp Fiction’, título que también le proporcionó un Oscar al mejor guion original —compartido con Roger Avary— y una nominación a la mejor dirección. Posteriormente fue candidato a la estatuilla por ‘Malditos bastardos’ en las mismas dos categorías y puede lograr nuevamente al premio por haber escrito ‘Django desencadenado’, un western sureño del que comenzó a revelar detalles en 2007.

Dejando a un lado la incompleta ‘My Best Friend´s Birthday’ (1987), la carrera como director de Quentin Tarantino comenzó en hace once veintiún años con ‘Reservoir Dogs’, y ya desde su ópera prima comenzaron las acusaciones de plagio por incluir ideas o escenas de algunas de sus películas favoritas, lo que otros llaman homenajes de un apasionado cinéfilo —el film más mencionado en aquel debate fue ‘City on Fire’ (‘Lung fu fong wan’, 1987) de Ringo Lam—. Tras el éxito de ‘Pulp Fiction’ llegó su segmento para ‘Four Rooms’ (1995) y dos años más tarde su esperadísimo tercer largometraje, ‘Jackie Brown’ (1997), que dejó descolocados a muchos de sus fans. Los volvería a cautivar años más tarde con su siguiente trabajo, las dos mitades de ‘Kill Bill’ (2003-2004), de la que aún se dice que habrá una tercera entrega.

Luego llegó el fallido intento de recuperar la experiencia ‘Grindhouse’ (2007) junto a su amigo Robert Rodriguez; su parte para este inusual producto, ‘Death Proof’, volvió a dividir radicalmente a sus seguidores. En 2009, Tarantino regresó a Cannes con ‘Malditos bastardos’ y más de uno quiso creer que hablaba a través del personaje de Brad Pitt cuando éste decía directamente a la cámara (o sea, al público): “Creo que ésta podría ser mi obra maestra“. Durante la promoción de ‘Django desencadenado’, el cineasta reveló que su próximo proyecto podría ser ‘Killer Crow’, un spin-off de ‘Malditos bastardos’ que en cierto modo formaría una trilogía con ésa y ‘Django desencadenado’.

El reparto

Para el papel protagonista, se sabe que Quentin Tarantino quería en primer lugar a Will Smith, pero no llegaron a ponerse de acuerdo y el realizador barajó entonces otras opciones. Idris Elba, Chris Tucker, Terrence Howard, M.K. Williams y Tyrese Gibson pudieron ser Django pero quien convenció al director de ‘Reservoir Dogs’ fue Jamie Foxx, del que dijo esto: “Él era el cowboy. Sin considerar que tiene su propio caballo, exactamente el mismo que sale en la película, él es de Texas, entiende al personaje. Entiende lo que se siente al ser considerado “el otro”.

Foxx —cuyo verdadero nombre es Eric Marlon Bishop— alcanzó la cima de su carrera en 2005, con el Oscar al mejor actor protagonista por ‘Ray’ (2004) y la nominación como mejor actor de reparto por ‘Collateral’ (2004). Otros títulos destacables de su carrera son ‘Un domingo cualquiera’ (‘Any Given Sunday’, 1999), su primer papel importante a las órdenes de Oliver Stone, y ‘El solita’ (‘The Soloist’, 2009), más por su interpretación que por la calidad del film. Este año participará en el rodaje de ‘The Amazing Spider-Man 2’ para dar vida a Electro, el nuevo enemigo de Peter Parker.

Desde que se anunció el nuevo proyecto de Tarantino comenzó a circular por Internet todo tipo de rumores sobre el posible reparto. La lista de candidatos o posibles fichajes —Joseph Gordon-Levitt, Kurt Russell, Kevin Costner, Sacha Baron Cohen…— llegó a ser casi más extensa que la del reparto definitivo del film. Uno de los primeros nombres que se anunciaron y que afortunadamente acabó confirmándose fue el de Christoph Waltz, el único actor de ‘Django desencadenado’ que ha sido nominado a un Oscar. Como sabéis, el intérprete de origen austriaco —al que hemos podido ver en ‘The Green Hornet’ (2011) o ‘Un dios salvaje’ (‘Carnage’, 2011)— ya ganó la preciada estatuilla por el inolvidable villano que compuso en ‘Malditos bastardos’, un papel que en un principio estaba destinado a Leonardo DiCaprio.

La estrella estadounidense —que ha optado al Oscar en tres ocasiones, la última por ‘Diamante de sangre’ (‘Blood Diamond’, 2006)— debió lamentar no haber trabajado con Tarantino y no quiso volver a dejar pasar la oportunidad de ser el villano en su siguiente película; desafortunadamente para DiCaprio —cuyo próximo estreno le reúne con Martin Scorsese, ‘The Wolf of Wall Street’—, esta vez el despreciable personaje concebido por Tarantino no ha sido un imán para los premios. Del resto del elenco cabe destacar los nombres de Samuel L. Jackson —habitual del director, sobresale su trabajo en ‘Pulp Fiction’ y ‘Jackie Brown’—, Kerry Washington —‘Ray’, ‘El último rey de Escocia’ (‘The Last King of Scotland’, 2006)—, Jonah Hill —‘Moneyball’ (2011), ‘Infiltrados en clase’ (‘21 Jump Street’, 2012)—, Bruce Dern —‘Naves misteriosas’ (‘Silent Running’, 1972), ‘Driver’ (1978)—, Don Johnson —‘Dos duros sobre ruedas’ (‘Harley Davidson and the Marlboro Man’, 1991), ‘Machete’ (2010)— y Franco Nero, el Django original.

La polémica

En este tiempo de absurda y peligrosa corrección política en el cine, en el que los brutales asesinatos son preferibles a los desnudos, se recortan escenas por coincidir casualmente con crímenes reales o una película puede ser tachada de hacer apología de la tortura por revelar prácticas auténticas, no causa ya sorpresa que cierta palabra pueda generar controversia en Estados Unidos. Se trata de “nigger“, que podríamos traducir como “negrata”. Spike Lee ya acusó previamente a Tarantino de abusar del término en ‘Jackie Brown’ pero con el estreno de ‘Django desencadenado’ la polémica ha vuelto a salir a la superficie. El director, acusado de racista, respondió que es una simple cuestión de contexto, en la época y el lugar donde transcurre la historia era habitual oír “nigger”. También podría haber añadido que ninguno de los actores negros de la película se sintieron ofendidos…

Lee no se ha dado por vencido y ha vuelto a la carga contra Tarantino diciendo que no va a ver su último film porque si lo hiciera estaría faltando al respeto a sus antepasados. A través de su cuenta en Twitter aclaró que la esclavitud en Estados Unidos “no fue un spaghetti western de Sergio Leone, fue un holocausto“. Foxx contestó al realizador de la siguiente manera: “Si quieres aprender algo, ve a ver un documental“.

Los vídeos de ‘Django desencadenado’

• Teaser tráiler (en inglés con subtítulos):

• Primer tráiler español:

• Tráiler definitivo (en inglés con subtítulos):

• Tráiler definitivo en español:

• Spot de televisión (en español):

• Escenas del rodaje (en inglés):

• Entrevistas al director y los actores principales (en inglés):

• Tarantino está harto de hablar sobre la violencia en el cine (en inglés subtitulado):

Los carteles de la película

Crítica en Blogdecine

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No era difícil. Podía el pesimismo apoderarse de lo más interesante del cineasta Quentin Tarantino, pero no era difícil. Y es que ‘Django desencadenado’ (Django Unchained, 2012) es la prueba de que el antaño brillantísimo cineasta, el mismo que pavimentó solito una generación de cinéfilos dislocando convenciones y demostrando una inventiva sin igual, ha caído presa de la indulgencia y ha firmado una película que pasa por lo que se supone que es una película de Tarantino: incoherente, hablada (En ocasiones, demasiado hablada) y con un par de secuencias brillantes que parecen redimir un conjunto irredimible.

Y es que ¿tomaría alguien en serio a este pretencioso western, largo, excesivo, de más de dos horas y media para contar otra vez la clásica historia de venganza, con histerismo tarantiniano, si no estuviera el alabado cineasta entre los nombres? Es muy posible que no. Ahora, pasemos a explicar por qué la película falla.

Como la tosca ‘Malditos bastardos’ (Inglourious Basterds, 2009), prueba inequívoca de la decadencia de Tarantino, la película pretende revestir un Holocausto de una venganza de una minoría étnica. Si allí era una judía enfadada con Hitler, aquí es un hombre de color enfadado con los esclavistas. Ni el asesinato y opresión de esclavos está resuelto factual y políticamente en Estados Unidos, ni el asunto de los campos de concentración ha encontrado una versión oficiosa de los hechos, pero, sin embargo, Tarantino estima que un gesto subversivo es convertirlo en entretenimiento y hacer de sus villanos algo divertido.

Tengo bastantes reservas morales contra esa idea, al menos en el contexto de esta cultura. Pero seamos generosos con los apasionados defensores de tan mentecata propuesta que fingen querer leer la película al nivel de una parodia (cuando no lo es) y se amparan en la libertad (de expresión) para no lidiar con las consecuencias de lo que propone su objeto de culto: como película amoral, el film bélico de Tarantino carece de interés una vez termina la primera y brillantísima secuencia en la que usa su retórica para reescribir a Monte Hellman y John Ford y presenta de manera magnífica al villano, dilatando el clímax a través de un juego de equívocos verbales en dos idiomas.

A partir de ahí, la película repite con tozudez esquemática la misma idea: los personajes se reúnen, hablan en muchas lenguas y la cosa termina explosionando hasta que, finalmente, el film termina con dos groserías que pasaron por subversivas y un montón de referencias indulgentes y pereza estructural, compositiva y dramática.

Su western, empieza, desde luego mejor. Se remite en el título a los spaghettis de Sergio Corbucci, que eran violentos, breves y absolutamente contundentes. La trama hace más de una referencia a la infravalorada y magistral ‘Mandingo’ (id, 1975) una película de Richard Fleischer que retrata con crudeza la relación de deseo y dominación que se establece en un sistema totalmente opresivo.

Trazando una amistad inverosímil, aceptando que un esclavo podía aprender a leer (cuando eran analfabetos y sufrían sus consecuencias), Tarantino traslada la acción a la amistad entre sus dos protagonistas. Se toma su tiempo la película para construir su amistad, y el film discurre, aún con cauces demasiado largos, como buen entretenimiento, en otro tono al acostumbrado de sus películas.

Entonces aparecen en escena el villano, memorablemente interpretado por Leonardo DiCaprio y su sirviente, encarnado por un no menos inspirado Samuel L. Jackson. La película tiene la habilidad de confrontar al esclavo liberado con el esclavo partícipe y orgulloso del sistema monstruoso que lo engendra. Tarantino dirige sus mejores secuencias en el tramo medio: el asesinato y la extorsión de dos esclavos son expresados con una violencia cruda, directa, sin su habitual tono excesivo.

Pero empiezan los problemas, con prontitud. Una vez Tarantino decide eliminar a sus personajes más interesantes de escena, se hace evidente su incoherencia estética: cuando muestra a personas oprimidas, su violencia causa repulsa; en cambio, cuando mueren los “villanos” es divertida, grandiosa. Y, por supuesto, dilata, en cadáveres y situaciones forzadas, absolutamente increíbles, la venganza, la enésima venganza, hasta el punto de terminarla con una escena casposa, digna de una película barata e inconcebiblemente celebrada por la crítica.

¿Qué problemas tiene eso? Tenemos que creer en un mundo cuya verosimilitud se pierde por sus problemas tonales, severos. Tenemos, encima, que mostrar preocupación dramática por el peor personaje protagonista que ha escrito Tarantino: de Django sabemos que quiere recuperar a su bella esposa. Solamente cuando la banda sonora (por vez primera con temas originales) nos deja escuchar la hermosa canción Freedom hay emoción y empatía por su causa.

Una vez Freedom termina, estamos ante otro arquetipo, un invencible-mata-hombres-blancos y no ante un personaje de carne y hueso. De hecho, con su carisma y sadismo, el villano parece tranquilo y más inteligente que los otros personajes protagonistas. Y con su feroz empeño en proteger un sistema cruel porque cree en una idea rígida del destino y del orden social, el mayordomo encarnado por Jackson tiene más relieve.

Esto, sin duda, es un fracaso de Tarantino. Esta película está lejos de ser la mejor suya y confirma su decadencia. La dirección, con idiotas y excesivos zooms setenteros, no ayuda, está poco inspirada, no crea una sensación de unidad. Sus virtudes como narrador, con otra vez largos diálogos previos a la tensión, parecen haberse diluido. ¿Dónde se ha metido aquel cineasta inventivo que usaba estructuras no lineales como en sus mejores y primeras películas?

Y para el tratamiento de raza y clase, cualquier escena de la magnífica y subestimada ‘Jackie Brown’ (id, 1997) dice más sobre la condición afroamericana que esta película que necesita recurrir a la caricatura para prolongar su incoherente mezcolanza de venganzas, pastiche de spaghetti y pretendida reivindicación racial. Por supuesto, contiene todos los tics de Tarantino para que sus más indolentes fans rindan pleitesía irracional a su ídolo.

Pero el cineasta sorprendente, creativo y emocionante ha desaparecido, me temo que para dar paso a una versión de sí mismo destinada a complacer a sus seguidores más acríticos y a ensombrecer a los que un día vieron en su talento brillante algo más que algo divertido o sencillamente molón.: una muestra genuina de talento cinematográfico, un islote singular que cruzaba géneros y se postulaba como un Scorsese cruzado con Fuller para una generación novísima, forjada en los videoclubs y la televisión.

Queda algo de ese cineasta en las mentadas dos secuencias y en las ya celebradas interpretaciones. Pero su propuesta exige fieles, adeptos, fans y no críticos y creativos espectadores. Su cine, pues, ha perdido frescura, talento, emoción y capacidad de sorpresa. Para todo lo demás, sadismo con toques homosexuales, venganza hiper-sádica carente de experiencia humana y de consecuencias de algún tipo, esta el film que nos ocupa, pálido, mediocre y escasamente imaginativo.

Cercanas las nominaciones a los Oscars, y antes la entrega de los Globos de Oro, el film que más parece sacar provecho en la taquilla es el de Quentin Tarantino, ‘Django desencadenado’ (‘Django Unchained’, 2012), que a todo el mundo está maravillando. El entretenido film de Peter Jackson, que hasta ahora lideraba la taquilla, se ha visto desplazado por este, y también por un nuevo remake, recomienzo o como lo quieran llamar, cocido en el siempre original Hollywood.

‘La matanza de Texas 3D’ (‘Texas Chainsaw 3D’, John Luessenhop, 2012) es una puesta al día del clásico dirigido por Tobe Hooper en 1974 y que tanto influyó en el cine de terror posterior. Han sido varios los intentos, uno incluso por parte del propio Hooper, de repetir la maestría del film original, y dudo mucho que en esta ocasión lo hayan logrado. Todo parece indicar que está destinada a explotar el invento de las tres dimensiones, y si tiene éxito —y por lo que se ve sí— continuar con una saga. De momento las críticas destrozan la película, y el público votante en la IMDb aprueba el film sin más.

Logra colarse en el top ten la nueva película de Gus Van Sant, un drama titulado ‘Promise Land’, escrito e interpretado por Matt Damon y John Krasinski. Una de esas historias en las que un comercial de una gran empresa encuentra sus raíces y se da cuenta de que hay cosas más importantes que la falsa comodidad de la modernidad. Tanto crítica como público votante dan su aprobado.

Vía | IMDb