Esta semana tenemos un poco de todo en la ración habitual de estrenos DVD: westerns, cine español, remasterizaciones de lujo, y alguna que otra cosilla más. Echadle un vistazo:

Los girasoles ciegos

Director: Jose Luis Cuerda.

Intérpretes: Maribel Verdú, Javier Cámara, José Ángel Egido, Raúl Arévalo, Irene Escolar, David Janer, Roger Príncep, Martín Rivas.

Sinopsis: Ourense, 1940. Cada vez que Elena cierra la puerta de casa, echa la llave de sus secretos. Su marido, Ricardo, amenazado por una despiadada persecución ideológica, lleva años escondido en el piso donde conviven con sus hijos, Elenita y Lorenzo. Salvador, un diácono desorientado tras la experiencia de luchar en el frente, llega al seminario de Ourense. Alertado por las dudas en la vocación del joven, el Rector le destina a dar clase en el colegio donde estudia Lorenzo. Creyendo viuda a Elena, Salvador se obsesiona con ella hasta poner en peligro la frágil realidad de la familia. Heridos y zarandeados por las circunstancias, los protagonistas de esta película se golpean contra un muro de represión, amores imposibles y derrotas emocionales, tras un rayo de luz que le devuelva a la vida.

Una edición interesante (con making of y secuencias no montadas, entre otros apartados) para una de las películas más vistas del cine español de la pasada temproada, a pesar de que las críticas fueron dispares, por decir algo suave. Personalmente, lo único que le veo de interesante es que en ella está una de mis actriz favoritas, Maribel Verdú.

Críticas en blogdecine:

• ‘Los girasoles ciegos’, los guionistas cojos y los espectadores muertos

Una trompeta lejana

Director: Raoul Walsh.

Intérpretes: Troy Donahue, Suzanne Pleshette, Judson Pratt, Claude Akins, William Reynolds, Diane McBain, James Gregory, Bobby Bare.

Sinopsis: Un joven recién salido de la Academia llega a su primer destino: un fuerte en Arizona con una pequeña guarnición, constantemente amenazada por el jefe indio Águila de Guerra. Al problema de instruir a los hombres se une el de que se ha enamorado de la esposa del oficial al mando del fuerte.

Se estrena uno de los westerns más interesantes de la década de los 60, y a pesar de que en su época pasó completamente desapercibida, una de las más personales y brillantes películas que filmara el gran Raoul Walsh, en su despedida del cine. Violenta y romántica, tiene una edición muy sencilla, pero merece la pena.

El hombre de Londres

Director: Bela Tarr.

Intérpretes: Miroslav Krobot, Tilda Swinton, Ági Szirtes, János Derzsi, Erika Bók, Gyula Pauer, István Lénárt, Kati Lázár, Oszkár Gáti, Erzsébet Kútvölgyi.

Sinopsis: Maloin lleva una vida sencilla y sin esperanza; apenas advierte el mundo que le rodea y ha terminado por aceptar el lento e inevitable deterioro de su existencia y el estado de profunda soledad en el que está sumido. Tras ser testigo de un asesinato su vida da un giro radical y comienza a enfrentarse a cuestiones relativas a la moral, el pecado y el castigo. Basada en la novela “L’homme de Londres” de Georges Simenon.

Sale a la venta una de las películas europeas más polémicas de los últimos tiempos, que a su paso por el Festival de Cannes dejó a no pocos espectadores perplejos, y que provocó una espantada de gran parte de la crítica. Pero también tiene sus no pocos defensores. La edición es sencilla, como todas las de la colección Fnac, anque con un comentario de 21 minutos de Antonio Weinrichter.

El Padrino, la remasterización de Coppola (metálica)

Director: Francis Ford Coppola.

Intérpretes: Al Pacino, Andy Garcia, Diane Keaton, James Caan, Lee Strasberg, Marlon Brando, Robert De Niro, Robert Duvall, Sofia Coppola, Talia Shire.

Sinopsis: Esta trilogía cuenta la historia de la familia Corleone, una organización mafiosa que extiende su poder en Estados Unidos desde el segundo tercio del siglo XX hasta prácticamente nuestros días.

Robert Harris, aclamado por anteriores trabajos espectaculares en este campo, es el encargado de esta remasterización que resulta, sin lugar a dudas, la mejor de todas las efectuadas hasta ahora para dejar como nueva esta saga imprescindible para todo cinéfilo. Ahora que estamos en pleno análisis en blogdecine de la carrera de Coppola, y de la primera de las películas en particular, es un buen momento para coger esos cincuenta y pico euros que os sobran y gastarlos en este lanzamiento.

En blogdecine:

• ‘El padrino’, cinco hijos y un padre

Una palabra tuya

Director: Ángeles González Sinde.

Intérpretes: Malena Alterio, Esperanza Pedreño, Antonio de la Torre, Juan Sanz, Esperanza Pedreño, María Alfonsa Rosso.

Sinopsis: Una Palabra Tuya es una historia que narra la vida de Rosario y Milagros, dos vidas corrientes que tras años de tropiezos, ilusión, miedo y realidades han dado forma al temor de no merecer ser felices. En compañía de Morsa, las dos amigas recorren dos trayectorias vitales: una hacia la nada más cruel, desde una actitud alegre y vitalista, y la otra hacía un futuro expectante desde una vida redimida; y en el medio el perdón. .

Una de las películas españolas que el año pasado aspiraban a captar la atención del público, pero que resultó un sonoro fracaso crítico y de público. Ahora sale en Dvd una edición bastante completa, con making of, escenas eliminadas e incluso un audiocomentario de la directora, actual Presidenta de la Academia de Cine Española.

Críticas en blogdecine:

• ‘Una palabra tuya’, interpretaciones muy sentidas para un film irregular

• ‘Una palabra tuya’, podría bastar para sanarnos

Passengers

Director: Rodrigo García.

Actores: Anne Hathaway, Patrick Wilson, Dianne Wiest, David Morse, Clea DuVall, Dianne Wiest, Andrew Wheeler, Chelah Horsdal.

Sinopsis: Un avión se estrella y tan sólo sobreviven diez personas. Claire (Anne Hathaway), una joven psicóloga, deberá ayudar a los supervivientes a superar el trauma. Pero, poco a poco, éstos empiezan a desaparecer misteriosamente. Con la ayuda de Eric, uno de los pasajeros, Claire intentará descubrir qué sucedió realmente durante el vuelo.

Una edición sencilla, con un contenido básico de filmografías y otros aspectos menores, y otra doble, con dos discos que incluyen making of y escenas eliminadas, para una película que pasó sin pena ni gloria por las carteleras de todo el mundo, a pesar de que tiene un reparto bastante interesante, y un director que al final lo más interesante que ha hecho es la estupenda serie ‘En terapia’.

Críticas en blogdecine:

• ‘Passengers’, una mezcla de géneros sin sentido

Más información | Zona DVD

Ya os he comentado anteriormente que aquí, en Granada, tenemos un estupendo cineclub que, cada martes y viernes, proyecta clásicos (la mayoría) en pantalla grande y en versión original subtitulada. El pasado martes, con motivo de un ciclo sobre el glorioso género del western, tuve la suerte de ver ‘Juntos Hasta la Muerte’, una nueva versión de la novela ‘High Sierra’, de W.R. Burnett, que Raoul Walsh realizó años más tarde de ‘El Último Refugio’ (1941). Walsh traslada la historia del cine negro al salvaje oeste y nos proporciona un impresionante, trágico y romántico drama de aventuras sobre cosas tan poco importantes como el amor, la muerte, el honor, la amistad o el destino.

‘Juntos Hasta la Muerte’ (‘Colorado Territory’, 1949) se centra en el forajido Wes McQueen, que tras escapar de prisión debe realizar un último asalto a un ferrocarril, un trabajo fácil del que se espera obtener un gran botín. Sin embargo, Wes encuentra pronto demasiados puntos oscuros en el plan y en los que le acompañarán en el atraco, con la excepción de una bella mujer de origen indio, Colorado Carson.

Discutible podría ser si el señor Raoul Walsh realiza un remake de ‘El Último Refugio’ o una nueva versión de la citada novela de Burnett. Pero este asunto realmente creo que carece de sentido, ¿qué más da? Ambas películas son maravillosas, y aunque cuentan la misma historia, tienen bastantes diferencias, lo que hace que ‘Juntos Hasta la Muerte’ sea tan interesante y fascinante como la que protagonizó uno de los mayores mitos del séptimo arte, el señor Humphrey Bogart (tan pequeño físicamente como grandioso actor).

Como ya dije cuando hablé sobre ‘Pacto Tenebroso’, resulta increíble cómo hay muchos clásicos que en apenas hora y media te cuentan una historia completísima, con abundantes giros en la trama, que nunca se detienen, llena de personajes multidimensionales, todos con algo que aportar. Walsh nos narra de todo en ‘Juntos Hasta la Muerte’. Como he señalado antes, esta película tiene tiempo para hablarnos del amor (Joel McCrea y sus dos “amores”), la muerte (me ahorro los spoilers), la amistad (la que surge entre el personaje de McCrea y el de Henry Hull) o el destino (el memorable desenlace, que recuerda un poco a cierto film de King Vidor).

Como ejemplos de esto, y para destacar momentos de esta magnífica película, cabe referirse a la escena en la que Wes McQueen, tras escapar de prisión, va a buscar a su amada y el hermano pequeño de ésta le dice “se ha ido”; lo que viene a continuación es poco menos que un puñetazo en el estómago. Más adelante, destacar también la llegada de McQueen a Todos Santos, la ciudad abandonada y casi maldita, donde ahora sólo llegan serpientes perdidas. Otra de las mejores partes de la película es la relación que se establece entre los Winslow y McQueen, quien los ayuda en todo lo que puede, pues los toma como símbolo de lo que él aspira, una vez que ya se encuentra cansado de estar al margen de la ley. Pero creo que lo más brillante de ‘Juntos Hasta la Muerte’ llega en el último tramo, del que no voy a contar nada (de hecho, espero no haber desvelado nada a quien haya leído hasta aquí sin ver el film), salvo que, al margen de cierto plano, con unas manos entrelazadas, merece ser recordada la siguiente línea de guión: “Que somos un par de imbéciles soñando en una ciudad muerta en medio del desierto algo que no ocurrirá”. Brutal.

El desierto, la ciudad abandonada, el “último refugio”, es parte fundamental de la película, como si se tratasen de otros personajes de la trama, presencias que dicen mucho del ambiente, la historia y el destino de quienes viven y mueren allí. Casi se siente el sofocante calor y se seca la boca cuando McQueen cabalga hacia el escondite de los forajidos, por no hablar de la parte final, huyendo de los “centauros de la ley”.

En ‘El Último Refugio’, los protagonistas eran Bogart, encarnando a “perro loco”, Ida Lupino y Joan Leslie. En ‘Juntos Hasta la Muerte’, esos papeles son encarnados por Joel McCrea, Virginia Mayo y Dorothy Malone. No creo que deban ser comparados, como he señalado, hay demasiadas diferencias entre las dos historias, quizá de matices, pero diferencias al fin y al cabo. Y si bien es cierto que Bogart y Lupino estén inmejorables, me niego a considerar por debajo a la pareja que forman McCrea y Mayo, aunque sólo sea por ese sueño imposible que ambos pretenden lograr ciegamente, mientras un grupo de pistoleros van a su encuentro en busca de sangre.

Y es que resulta que aquí no hay malos ni buenos. Cada uno cumple con su función/papel y trata de sobrevivir, de salir adelante lo mejor posible. Como en los mejores westerns. En todo caso, se juega a darle la vuelta a los típicos roles. Es decir, si consideramos la ley como motivo de diferenciación, hay quienes la hacen cumplir y quienes la incumplen. Pero en
‘Juntos Hasta la Muerte’ los hombres de la ley no dudan en usar la violencia, engañar y asesinar. Por esto, cuando persiguen a la pareja protagonista, uno no duda que la tragedia hará acto de presencia. El espectador no tiene dudas, se pone del lado de los bandidos, del romanticismo sin sentido ni posibilidad.

Volviendo al reparto protagonista, es cierto que McCrea puede resultar a veces un poco frío, especialmente si tenemos en mente a Bogart en ese rol similar; pero creo que todo forma parte de entender a un personaje que está cansado de todo, harto de su vida, casi sin vida. Por eso, cuando encuentra a la chica que interpreta Malone, y oye la historia del que encarna Hull, recupera cierto brillo, recupera algo de sentido. Este desarrollo del personaje, podría decirse que del desierto al cielo (aunque sea soñado), tiene su culminación en el abrir de ojos que implica la fiel mujer a la que Mayo da vida.

Si queremos encontrar defectos en ‘Juntos Hasta la Muerte’, creo que lo más reseñable es la inclusión de ciertas escenas que no aportan gran cosa y que sólo ralentizan la narración, pero realmente aburrirse en los 90 minutos que dura el espectáculo es altamente complicado. Personalmente, sólo encontré algo “absurdo” cierto mensaje que McQueen escribe en la pared, aunque imagino que sobre el papel tendría su sentido (¿quizá despistar al espectador sobre lo que viene después?).

En cualquier caso, magistral título de Raoul Walsh, un fantástico, romántico, tenso, trepidante, bellísimo y, sobre todo, triste western de antológico desenlace. Imprescindible.

• Críticas de otras películas de Raoul Walsh en Blogdecine:

‘El Arrabal’

‘El Último Refugio’

‘Background to Danger’

‘Al Rojo Vivo’

Dado que hoy se estrena entre nosotros la floja ‘Enfrentados’, la cual no conseguirá que el mejor género cinematográfico que existe vuelva a reverdecer viejos laureles, vamos con una de esas listas que no llevan a ningún lado, y a todos tanto nos gustan. Se trata de reducir a diez, como siempre, los que a mi juicio me parecen los mejores westerns que he visto. Sin más dilación, y sin orden ninguno:

• ‘El Fuera de la Ley’

Una de las mejores películas de Eastwood, su mejor western. Todas las constantes por las que fue tan alabado posteriormente ya se encontraban aquí. Personaje solitario y casi fantasmagórico, el romanticismo de la soledad, la incomprensión humana. Eastwood compone un personaje antológico, al igual que Chief Dan George. Sondra Locke se toparía aquí por primera vez con el actor favorito de Sergio Leone, y le acompañaría durante muchos años. Por supuesto, de tito Clint también hay que destacar ‘El Jinete Pálido’ (impresionante western de resonancias bíblicas), y ‘Sin Perdón’ (la película que hizo el milagro de que muchos cegatos pudieran ver).

• ‘Rio Bravo’

Es curioso que las mejores películas de Howard Hawks sean westerns, y por supuesto, ‘Rio Bravo’ el mejor de todos. Claustrofóbica donde las haya, la película fue cine mil veces imitada, siendo homenajeada de muy buena forma por Carpenter en ‘Asalto a la Comisaría del Distrito 13’. John Wayne, Dean Martin (nunca estuvo mejor) y Ricky Nelson se compenetran a la perfección, y Angie Dickinson corta la respiración. Por supuesto, de Hawks merecen destacarse ‘El Dorado’ (una especie de remake del presente film) y ‘Río Rojo’.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’

Una de las mejores películas del gran John Ford, y por consonancia una de las mejores de toda la historia, sin paliativos. Todo en ella es perfecto: sus personajes, la historia, las interpretaciones, su emotivo lirismo, y la capacidad de Ford para hacer grande lo sencillo. Por supuesto, del gran maestro hay que nombrar otras como ‘La Diligencia’ (el reconocimiento internacional de John Wayne), ‘Pasión de los Fuertes’ (en la que Victor Mature fue capaz de interpretar), ‘Centauros del Desierto’ (el mejor western de todos los tiempos para muchas personalidades del cine), ‘El Sargento Negro’ (de lo más atípico de Ford) y ‘El Gran Combate’ (el gran tributo de Ford al pueblo indio).

• ‘Duelo al Sol’

King Vidor (y más directores que se subieron al carro y luego se bajaron) pasó un infierno, al tener que aguantar los caprichos, por así decirlo, de su productor, David O. Selznick, que quiso repetir un ‘Lo Que el Viento se Llevó’ (film con el que guarda muchos parecidos). El resultado, a pesar de los pesares, es uno de los westerns más bellos jamás realizados. Incluso Jennifer Jones estaba bien (que ya es decir). Nunca un beso (la escena final es de las más famosas de todo el celuloide) se hizo esperar tanto. Llama la atención que en nuestro país jamás la hemos visto entera. La edición en dvd de los USA contiene 20 minutos más de metraje, que nuestra estúpida censura de la época se encargo de hacer desaparecer en el momento de su estreno. Haceros con esa copia, de altísima calidad en todos los aspectos, porque merece la pena.

• ‘La Muerte Tenía un Precio’

La culpable de que me guste el cine (algunos ya sabéis a quien tenéis que maldecir). De los tres spagetthi-westerns que realizó Sergio Leone con Mr. Eastwood éste es mi favorito. Inolvidable banda sonora de, como no, Ennio Morricone, y un duelo final antológico. Por supuesto ‘Por un Puñado de Dólares’, ‘El Bueno, El Feo y el Malo’, ‘Agáchate Maldito’ y sobre todo ‘Hasta Que Llegó su Hora’, merecen especial mención. Por cierto, sólo la última de ellas tiene una edición en dvd en nuestro país como Dios manda. Del resto sólo han hecho, literalmente, basura. Las ediciones de USA de esos films dejan con la boca abierta.

• ‘Pat Garrett y Billy The Kid’

Creo que la mítica historia entre Pat Garrett y Billy el Niño nunca fue tan mejor plasmada como en esta película (con permiso de la imprescindible ‘El Zurdo’ de Arthur Penn). Ni James Coburn, y sobre todo Kris Kristofferson, estuvieron mejor. El problemático Peckinpah rodó un film amargo sobre la decadencia, no exento de belleza. Bob Dylan hizo su inolvidable banda sonora, con canciones que aún hoy no dejan de sonar. Evidentemente, del señor Peckinpah también hay que nombrar ‘Duelo en la Alta Sierra’, ‘Grupo Salvaje’ (con esa parte final para la que no se tienen palabras) y ‘La Balada de Cable Hogue’.

• ‘El Árbol del Ahorcado’

Delmer Daves fue uno de los primeros directores clásicos que descubrí, y para un servidor éste es mi western favorito. Intensa historia con un Gary Cooper espléndido (como casi siempre) y un Karl Malden en su línea de malvado. El tema musical, interpretado por Marty Robbins se hizo mundialmente famoso. Es una pena que esta película no tenga ninguna edición en dvd en ninguna parte del mundo. Por supuesto de Daves hay que destacar irremediablemente ‘Jubal’, ‘La Ley del Talión’ (en la que Richard Widmark sorprendió a todo el mundo con su personaje), y como no, ‘El Tren de las 3:10’, de la que recientemente se ha hecho un remake que aquí aún no se ha estrenado.

• ‘Winchester 73’

Anthony Mann dirigió a James Stewart en un buen puñado de películas, siendo la mayoría de ellas westerns. Ésta es la primera de ellas, una increíble historia sobre un rifle que va de mano en mano mostrándonos todo un mosaico de personajes, intereses y paisajes. Los cegatos que dicen que Stewart no tenía rostro para el western no han visto esta película, como tampoco las maravillosas ‘Colorado Jim’ o ‘El Hombre de Laramie’, en las que una inaudita violencia era una protagonista más. También habría que citar ‘El Hombre del Oeste’, con Gary Cooper.

• ‘Murieron con las Botas Puestas’

Una clásica de indios y vaqueros, como decíamos cuando éramos niños. Raoul Walsh al frente, y Errol Flynn cumpliendo sus órdenes, dando vida al General Custer en la representación fílmica de una de la batallas más famosas en el lejano oeste. De Walsh habría que citar también ‘Pursued’, una de las películas que le dio una vuelta de tuerca la género, al mezclarlo con el thriller.

• ‘Raíces Profundas’

Eastwood la revisitó casi punto por punto en la antes comentada ‘El Jinete Pálido’. El grandilocuente George Stevens realizó aquí un western mucho más íntimo con resultados de sobra conocidos por todos. Jack Palance hizo un malvado para la historia y el blandengue Alan Ladd pocas veces estuvo tan bien.

Al final, nombrando, nombrando, he citado muchas más de diez, y las que faltan, pero a ésas en concreto les tengo un enorme cariño. Ahora les toca a ustedes, damas y caballeros, desenfundar sus títulos favoritos.

Es curioso como, por una película, puede cambiar totalmente tu punto de vista respecto a un actor. Debo reconocer que hasta que no vi ‘Al Rojo Vivo’, el bueno de James Cagney no acababa de convencerme, de, por decirlo de alguna forma, caerme simpático; desde entonces, no puedo dejar de admirarle. Sí, antes me había divertido su personaje de ‘Uno, Dos, Tres’, pero no llegué a creerme en ningún momento su composición en ‘Los Violentos Años 20’, por poner un ejemplo. Sin embargo, su trabajo en ‘White Heat’ me cautivó desde el principio. Es evidente que gente como Martin Scorsese o Brian De Palma se han empapado del magnífico personaje de Cagney en este film de Raoul Walsh; estamos ante un psicópata que es capaz de matar a sangre fría, sin despeinarse, para luego abrazar a su madre de la forma más tierna posible.

La sinopsis de ‘Al Rojo Vivo’ (‘White Heat’, 1949) es la siguiente: Arthur ‘Cody’ Jarrett y su banda asaltan un tren, llevándose un suculento botín y asesinando a los conductores. Poco después, la policía comienza a perseguir a Jarrett, convencidos de que él es el autor del asalto. Viendo que la escapatoria se le complica, Jarrett prepara una coartada y se entrega a la policía por un crimen menor, por el que es condenado a sólo dos años de prisión. Sin embargo, los federales saben que todo es una farsa y tratarán de tenderle una trampa: infiltrar a uno de sus agentes en prisión y que éste consiga la confesión de Jarrett.

Si bien puede decirse que la película tiene dos protagonistas, el “malo” que encarna James Cagney y el “bueno” que interpreta Edmond O’Brien, es el primero el que se adueña de la función de principio a fin. De hecho, por mucho que Jarrett sea un bastardo asesino, llegas a simpatizar con él y no quieres que el honrado poli consiga su propósito de tenderle una trampa. No se trata sólo del sólido guión de Ivan Goff y Ben Roberts, es un inmenso Cagney el que logra que queramos que se salga con la suya. Como decía antes, resulta increíble que el actor esté igual de convincente, creíble, tanto cuando aparece disparando a matar, fríamente, sin inmutarse, como cuando se muestra tan cariñoso con su amada madre (tan loca como él, dicho sea de paso). En este sentido, hay un momento glorioso justo después que nos enteremos de los problemas de salud del personaje de Cagney. Tras recuperarse, a solas con su madre, ambos se funden en un tierno abrazo. Y te olvidas que ese tío acaba de disparar en el estómago a un pobre hombre. Alucinante pero cierto.

Por supuesto, el mítico Raoul Walsh tiene también su fundamental parte de culpa. A una puesta en escena sencillamente de manual, hay que añadir un impresionante sentido del ritmo que hace que las casi dos horas se pasen volando, siempre sin despegarse de la pantalla. Walsh va subiendo y bajando la intensidad de la narración de forma perfecta, dependiendo del tono de cada situación, trepidante cuando hay acción y calmado cuando prima la intimidad. Para el recuerdo, aparte de la escena ya mencionada, queda la secuencia final, un prodigio en todos los sentidos, coronada por un momento literalmente explosivo (con esa impresionante frase dedicada a su madre). Por cierto, otro referente más, y muy claro, para el señor Quentin Tarantino y sus perros con nombres de colores, traicionados por un infiltrado.

Infiltrado que en esta obra cumbre del cine negro está interpretado por un Edmond O’Brien que realiza un estupendo trabajo. De nuevo gracias al ejemplar guión, su personaje no es unidimensional y aunque sea el típico policía que siempre va a cumplir su deber, no deja de resultar evidente que llega a sentirse unido al criminal. Otro momento memorable del gran desenlace en la fábrica de ‘Al Rojo Vivo’ es cuando O’Brien queda al descubierto y Cagney rompe a reír a carcajadas; la traición le ha destrozado y no sabe ni cómo reaccionar, todo carece ya de sentido. Del resto del reparto, destacar a las dos mujeres de Cody Jarret, Virginia Mayo y Margaret Wycherly. La primera es su chica, a la que debería amar pero que sólo es una preciada propiedad más, y la segunda es su madre, tan dura como él, y a la que ama por encima de cualquier otra cosa. De antología la reacción que tiene Cagney cuando se entera, mientras cumple condena, que ella ha muerto.

Definitivamente, ‘Al Rojo Vivo’ es un título imprescindible, para disfrutar del mejor cine negro, de la enérgica cámara de Walsh y de un mito como Cagney. Si no la tenéis aún en vuestra estantería favorita, corred a por ella, está a un precio ridículo y la edición no está nada mal, la Warner está cuidando sus clásicos.

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‘Background to Danger’, propaganda bélica de la mano de Raoul Walsh

Durante la Segunda Guerra Mundial, mientras que en Europa la producción cinematográfica descendió considerablemente por razones más que evidentes, los americanos continuaron haciendo cine perfeccionándose en este maravilloso arte. Cuando EEUU entró en la Guerra, muchas de las películas que se hacían eran bélicas, de propaganda, para levantar el ánimo, y para dar a conocer al mundo en unos momentos difíciles para todos, el american way of life como el más perfecto y maravilloso modo de vida sobre el planeta Tierra.

Muchos directores famosos se sumaron a esa moda de principios de los años 40, siendo entre los más prolíficos en el tema Henry Hathaway y Raoul Walsh. Precisamente Walsh fue el director de ‘Background to Danger’, film de espionaje no demasiado trascendental, pero sí muy entretenido, que desde luego no se encuentra entre las grandes obras de Walsh, pero gracias al buen hacer de éste, tampoco se encuentra entre las peores.

‘Background to Danger’ narra una historia de espionaje en la que los alemanes intentan enemistar a países amigos mediante información falsa, y así lograr que alguno de esos países se alíe con Alemania. Los Estados Unidos envían a un espía para que recopile todos los datos posibles e intente desbaratar los planes del enemigo, pero nuestro protagonista no podrá fiarse de nadie, ya que cualquiera puede ser un espía. Este es, a groso modo, la sinopsis de la película, sobre la que no conviene desvelar más, ya que uno de los grandes aciertos del film es su suspense, bastante bien dosificado por Walsh, al ir dándonos poco a poco toda la información sobre los distintos personajes que van apareciendo en la historia. Una historia narrada en tan solo 80 minutos, de cuando no se necesitaban tres horas para contar algo como lo que aquí se cuenta.

También tenemos unos secundarios de lujo que salvan la función gracias a su excelente labor interpretativa. Por un lado Sydney Greenstreet, como el villano de la función, un agente alemán que odia a los americanos, con un orgullo muy grande. Un personaje hecho a su medida, y con el que el actor demuestra estar como pez en el agua. Como también lo está el gran, y no precisamente de tamaño, Peter Lorre, el inolvidable intérprete de ‘M’ o ‘Casablanca’, o un sinfín de películas inolvidables. Lorre interpreta a un agente ruso que nunca se sabe si está diciendo la verdad o mintiendo. Sus apariciones en pantalla no tienen desperdicio, uno de esos personajes entre simpáticos y temibles con los que nunca sabes a qué atenerte, hasta que se descubren todas las cartas del asunto, evidentemente. Dicho personaje, además da la oportunidad a Lorre para poner un acento ruso, con el que termina de redondear la composición del actor, indudablemente el mejor de todo el reparto, seguido muy de cerca por Greenstreet.

Algo que no se puede decir de George Raft, para cuyo lucimiento exclusivo se hizo la película pues era una de las estrellas de cine más famosas de la época, aunque como actor era más bien mediocre, siempre con sus poses y expresándose más bien poco. Como él es el protagonista nos cansamos de verlo durante toda la proyección, no inmutándose por absolutamente nada, y quedando en evidencia en las escenas en las que se “enfrenta” a Lorre o a Greenstreet. Brenda Marshall interpreta a la hermana de Lorre, un personaje bastante tópico, la típica comparsa femenina poco definida en el guión. También aparece en un breve pero importante papel Osa Massen, de cuya boca salen las frases más propagandísticas de la película. Unas frases que parecen metidas con calzador entre los diálogos, y que hasta pueden resultar divertidas si se miran con cierto sentido del humor.

Una película correcta que no pasó a la historia, ni lo pretendía, ya que como ésta se hacían como churros en aquellos años. Su única intención era la de levantar el ánimo del pueblo, contando una de esas historias en las que siempre ganan los buenos (los bondadosos y fuertes americanos) y pierden los malos (los horribles e inhumanos alemanes). Al menos en el medio nos hemos entretenido lo suficiente como para justificar su visionado. Por cierto, si os interesa ver la película, está únicamente disponible en formato vhs y de importación, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer.

Más cine de Raoul Walsh en Blogdecine:

• ‘El Arrabal’, un Walsh menor
• ‘El Último Refugio’, el perro destino

Inmerso en la gozosa tarea de contentar a los amigos que piden más cine clásico en este blog, recientemente me puse a ver, en compañía inmejorable, ‘El Último Refugio’, una de tantas películas que voy comprando y apilando con la esperanza de que no se queden con el plástico puesto antes del último suspiro. El film está dirigido por Raoul Walsh y protagonizado por uno de los iconos más famosos de la Historia del Cine, el ilustre señor Humphrey Bogart. Es posible que el título de mi crítica suene un poco a coña, pero realmente el perrito que aparece en ‘El Último Refugio’ es fundamental en el desarrollo de la historia. El cariñoso destino que nos persigue. Sé que puedo sonar pesado al decir esto, pero creo que también es obligado: no podéis dejar pasar esta magnífica película. Uno no sólo disfruta el visionado, también se enriquece.

‘El Último Refugio’ (‘High Sierra’, 1941) se centra en Roy Earle, que gracias a su buena conducta, sale de la prisión antes de finalizar su condena, bajo fianza prestada por Big Mac, jefe de la banda a la que perteneció Earle. A la salida de la cárcel le espera otro miembro de la banda para informarle que Big Mac le espera en California para un nuevo golpe. Earle no puede resistirse, pese a su intención de cambiar de vida. Cruza el continente en coche, y por el camino entabla amistad con una humilde familia de granjeros, cuya nieta, Vilma, con un problema de nacimiento en un pie, conquista su corazón. Earle decidirá que el trabajo merece la pena si puede ayudar a la joven.

Hay actores y actrices, leyendas, mitos, que con poco que hagan ya consiguen que te sumerjas en el mágico y maravilloso mundo del cine. Humphrey Bogart es, sin duda, uno de ellos. Sólo con protagonizar la que para muchos es la mejor película de la Historia, ‘Casablanca’, con el final antológico en el aeropuerto, ya le bastaría, pero es que su trabajo en títulos magistrales como ‘Tener y no Tener’, ‘El Halcón Maltés’, ‘La Senda Tenebrosa’, ‘Más Dura Será la Caída’ o la que nos ocupa, no es menos brillante ni memorable.

En ‘El Último Refugio’, Bogart continúa con el rol de villano que le había estado acompañando hasta ese momento de su carrera (la mencionada obra maestra de Huston cambió esta dinámica, ya iniciada con esta obra de Walsh, donde es el absoluto protagonista), pero va mucho más allá. Roy “Mad Dog” Earle no era precisamente un personaje de “malo” corriente (que ya bordó en ‘El Bosque Petrificado’) y exigió de la estrella dar el máximo de su talento en la pantalla. Earle es un personaje lleno de matices y aunque es un criminal experimentado y sin solución, en todo momento sentimos que no es para tanto, que es un buen hombre que ha tenido mala suerte y que puede vivir en paz lo que le queda de vida. Evidentemente, el ejemplar guión de John Huston y W.R. Burnett, basado en una novela de éste último, es fundamental, pero la labor de Bogart es impagable. Si ahora uno de estos actores tan populares que tenemos en mente porque casi a diario son noticia, se marcase una interpretación como la de Bogart en ‘El Último Refugio’ se llevaría el Oscar sin discusión. Para el vídeo típico que ponen en las nominaciones, antes de dar el premio, yo pondría el momento en el que lee el periódico y descubre que le han llamado “Perro Loco”. Su furiosa reacción, contenida hasta entonces, es para romper a aplaudir. Menos mal que George Raft se equivocó.

En el reparto también destaca Ida Lupino, actriz y directora, excelente en ambas facetas, en el papel de la mujer que se enamora del tipo duro que interpreta Bogart. No lo tendrá fácil, porque Earle la compara con su anterior vida, la que le llevó a la prisión donde no concibe volver, pero su atención, su incondicional admiración y su coraje la acercarán cada vez más a él. Lupino está sencillamente perfecta y sin ser una de esas bellezas radiantes que nublaban la vista, consigue encarnar a una mujer de atractiva personalidad que atrapa la atención al instante. Sus momentos con Bogart, llenos de tensión y romanticismo, contienen algunos de los mejores diálogos de la película. En cuanto al resto de intérpretes, no quiero que se me escape, y de nuevo aunque suene a burla, al encantador perrico que sigue a Bogart a todas partes. Trabajo extraordinario el que hicieron para que el animal resultase creíble en todo momento, más aún cuando su presencia es fundamental y no un mero adorno del fondo.

Raoul Walsh aprovecha al máximo el potencial del libreto de Huston y Burnett, así como la entrega de Bogart, y gracias a su experto sentido del espectáculo y su conocimiento del género de gangsters, nos narra con elegancia una oscura historia que va progresando en intensidad constantemente, hasta llegar a un clímax impresionante, en la alta sierra del título original. En definitiva, ‘El Último Refugio’ es un ejemplar thriller dramático que contribuye a engrandecer la figura de una leyenda irrepetible. Bogart está inmenso, arrastrándonos a uno de los finales más tristes y memorables de la Historia del cine. Una compra obligada.

Raoul Walsh fue uno de los grandes del séptimo arte, se coronó en la época del cine mudo con su impresionante ‘El Ladrón de Bagdag’, y después los años 30 no fueron precisamente su mejor época, aunque realizó ‘La Gran Jornada’ (protagonizada por un John Wayne mucho antes de ‘La Diligencia’). Sin embargo no fue hasta justo antes de comenzar los 40 cuando Walsh empezó a dejarnos obras maestras inolvidables. Films como ‘Los Violentos Años 20’, ‘La Pasión Ciega’, ‘Murieron con las Botas Puestas’ u ‘Objetivo Birmania’ lo demuestran, o también ‘Al Rojo Vivo’, una de las cumbres del cine negro con esa antológica escena final de James Cagney “en la cima del mundo”.

‘El Arrabal’ pertenece a la década de los 30 y fue una de sus películas más famosas en aquellos años, aunque esto probablemente se debiera a que estaba protagonizada por Wallace Beery y Jackie Cooper, los cuales formaron pareja en cuatro films de enorme éxito, siendo los mejores los magistrales ‘Campeón’ y ‘La Isla del Tesoro’. Cooper fue uno de los actores infantiles más famosos de su generación (y un pelín insoportable, todo hay que decirlo), y es curioso como hasta finales de los 80 no dejó de trabajar, tanto de actor como de director (en series como ‘Magnum’ o ‘Mash’), incluso podéis reconocerle como Perry White en ‘Superman’ y sus secuelas. Si a esos dos actores le sumamos la presencia de George Raft, una de las estrellas de aquellos años, el éxito del film estaba asegurado.

‘El Arrabal’ narra la historia de dos hombres que rivalizan con sus brigadas de bomberos en una zona de Nueva York conocida como El Arrabal, un sitio que parece demasiado pequeño para que convivan estos dos personajes. Todo se complicará aún más cuando entre en escena una joven chica que trabjará como criada para uno de ellos, pero secretamente vivirá un romance con su competidor.

La película es un producto el servicio total y absoluto de sus tres estrellas, que por aquel entonces gozaban del favor del público. Wallace Beery, enorme hasta decir basta, casi siempre realizando el mismo tipo de papel: hombre gruñón pero de corazón noble. Quizá fuera un poco histriónico, pero se metía al público en el bolsillo con suma facilidad. Por cierto, que el actor se llevó fatla con George Raft, que aquí interpreta digamos al galán de la historia. Los dos llegaron a pelearse de verdad en alguna de las escenas de la película, y tuvieron que separarlos (cuenta le leyenda que Beery dejó sin sentido a Raft durante varios minutos). Lo curioso del asunto es que en el film se ve a leguas que la compenetración entre ambos era perfecta, logrando una química pocas veces vista. Dos antagonistas enfrentados, pero que en el fondo darían la vida el uno por el otro. A su lado, Jackie Cooper, soltnado de vez en cuando algunas lagrimillas, como era habitual en él, y resultando por momentos tanto adorable como insoportable. Y como cuarta en discorida, Fay Wray, la inolvidable novia de King Kong, tan guapa como siempre, y haciendo un personaje menos complejo.

A pesar de que el film es un total divertimento en el que es imposible aburrirse, adolece de algunos bajones de ritmo y también de algunas incongruencias argumentales que no se sabe muy bien a qué vienen. Por ejemplo, las idas y venidas del personaje de Jackie Cooper, que incomresiblemente cambia de bando un poco forzadamente. El lío que se monta con cierto muñeco cuando es fácil desmotrar qué ha pasado realmente, o ese final que nos hace pensar que nada era para tanto.

Una película correcta, hoy prácticamente olvidada, pero que demuestra que Walsh era un perfecto narrador tuviera lo que tuviera entre manos. Pocas veces me ha aburrido Walsh, aunque no firmara, como éste es el caso, una gran película.