La mala fama del cine español entre un amplio sector del público es algo que resulta innegable. No importa que varias de las mejores películas del año pasado saliesen de nuestro país, ni tampoco que no pocos directores tengan que emigrar para poder acometer proyectos de suficiente envergadura, siendo entonces cuando gozan del favor de esa parte del público que seguramente cuchicheará en el cine sobre si no hubiese sido mejor meterse a ver otra película cuando lean el nombre del director en los créditos iniciales. Eso sí, parte de razón no les falta, ya que en España predominan dos tipos de producciones: Los dramas sobre temática social y las comedias que tienden a ser una mera derivación del humor que triunfa en determinadas teleseries (¿Y quién va a pagar por ver un clon a menudo mal hecho de lo que puede ver gratis en televisión cada semana?). Pobres ejes sobre los que vertebrar una industria tan importante como la cinematográfica.

El estreno hace unos años de ‘Spanish movie’ vino a llenar un hueco en la cinematografía española: El cine de parodias. Entrar a valorar la calidad de la propuesta ya es algo que depende sobremanera de lo gracioso que cada uno encontrase la sucesión de gags que aparecían en pantalla, pero es indudable que era un producto muy superior a la abrumadora mayoría de cintas americanas con la apostilla de ‘movie’ que fueron surgiendo tras la llegada de ‘Scary movie’. Además, fue un notable éxito económico, pero se quedó como un pequeño islote que nadie quiso (o pudo) continuar. ¿Tan difícil era hacer una secuela o parodiar algo alejado de nuestro cine? Por dar ideas, alguien debería hacer algún día un ‘Hitchcock movie’, pero tomando más como base el humor de ‘Un cadáver a los postres’ (aún hoy la mejor película paródica de la historia) que en lo que ha acabado degenerando este subgénero.

Además, ‘Spanish movie’ supuso el debut en la dirección de Javier Ruiz Caldera, el cual parece ser que no se dejó tentar por la hipotética idea de un ‘Spanish movie 2’ (aunque no sé si ese proyecto tan siquiera llegó a existir) y aprovechó su éxito para sacar adelante otro rara avis en nuestro cine: Una cinta que toma como base las producciones adolescentes de John Hughes de los años 80, pero acercándolas a lo español, es decir, rellenar otro hueco en el cine que se hace en nuestro país. Sólo por eso ya se merece un aplauso, pero no por ello hay que lanzar las campanas al vuelo y hablar de una nueva genialidad de nuestro cine, algo muy habitual a poco que una cinta española destaque un poco. La cuestión es, ¿está ‘Promoción fantasma’ a la altura de su prometedora propuesta inicial?

El problema (y también la fuente de sus mayores aciertos) realmente grave de ‘Spanish movie’ era la irregularidad del guión firmado por Paco Cabezas, el cual combinaba algunas bromas geniales como otros apuntes que rozaban la vergüenza ajena. Era de esperar que con el cambio de guionista se consiguiese un resultado más homogéneo, y lo cierto es que ese es uno de los principales puntos fuertes de ‘Promoción fantasma’. Es de esperar que muchos temáis que la película se limite a canibalizar a sus referentes y que los homenajes en realidad sean poco menos que un plago encubierto, pero ese es un miedo que no se justifica. Y es que Cristóbal Garrido y Adolfo Valor han conseguido equilibrar el homenaje a John Hughes (y a otras películas que no mencionaré por eso del factor sorpresa) con la necesidad de crear algo con identidad propia.

Eso sí, por el camino se cometen algunos excesos que ocasionalmente consiguen su objetivo de provocar la risa del espectador, pero en otros rozan un mal gusto que hiere a una propuesta que, sin ser brillante, es muy disfrutable. Son esas situaciones en las que más se deja ver el país de origen de la película, y es que el humor español ha tendido, con honrosas excepciones, a una mezcla entre el mal gusto y lo excesivo en los últimos tiempos. En cambio, cuando el guión confía más en sus referentes americanos se consigue un humor más blanco, quizá menos proclive a la carcajada, pero más atemporal y que se puede seguir disfrutando por igual sin necesidad de estar esclavizados por la sorpresa inicial, algo de lo que tiende a depender mucho el humor basado en los excesos.

Por su parte, la puesta en escena de Ruiz Caldera se centra en potenciar las virtudes del libreto, siendo especialmente inspirada la escena inicial en la cual se combina la nostalgia ochentera con el humor, y al mismo tiempo es una estupenda introducción para dar a conocer al espectador el hecho de que nuestro protagonista puede ver a los muertos. En el resto del metraje, la labor de dirección funciona mejor cuando hacen acto de presencia los homenajes o los apuntes que retrotraen al espectador a épocas pasadas. En lo demás, su labor oscila entre la corrección y la sensación de que otros muchos directores podrían igualar lo que él hace.

Uno de las claves de la función era encontrar unos actores que se adecuase al tono del relato, y es ahí donde es muy de agradecer la elección de Raúl Arévalo para encabezar el reparto, ya que él ya había demostrado su capacidad para conseguir un secundario memorable en ‘Primos’, y aquí le toca demostrar tanto que sabe ser la cabeza visible de una película, como que su comicidad también se puede encauzar de una forma más desapercibida. Y es que su Modesto es un hombre apocado que vive obsesionado con el hecho de que ser capaz de ver a los muertos es una enfermedad que le ha destrozado la vida, y por ello está constantemente bajo los efectos de una medicación que le impide desarrollar con normalidad su trabajo como profesor. Sin embargo, la oportunidad de ayudar a alguien, y al mismo tiempo descubrir un amor que le ha sido esquivo permiten que su carácter introvertido quede ligeramente atrás. El director de ‘Promoción fantasma’ comentó que querían crear en él un equivalente español a Michael J. Fox, y eso es algo que no se termina de ver en pantalla, pero sí que surge un híbrido que resulta cercano al espectador, tiene encanto y sostiene perfectamente el peso que tiene que soportar. Arévalo da así un paso más en su necesario ascenso para convertirse en una de las principales estrellas del cine español.

Otra de las claves era la capacidad para encontrar entre los rostros jóvenes de nuestro cine a cinco personas que encajasen en los estereotipos ochenteros que representan los cinco fantasmas: Macarrilla, ligón (éste es el que tiene un componente americano más marcado, en especial por su vestimenta, la cual parece propia del típico capitán del equipo de fútbol que tanto se ha visto en el cine), fiestero, empollona y la chica algo ligera de cascos (y embarazada ya en su adolescencia). Para ello se ha optado por fichar a actores más conocidos por sus apariciones televisivas como Alex Maruny, Jaime Olías, Javier Bódalo, Anna Castillo y Andrea Duro. Sería injusto destacar tanto para bien como mal a alguno de ellos, ya que todos tendemos a identificarnos más con un rol u otro según lo que cada uno fue en el instituto, pero los cinco salvan bien la papeleta, teniendo todos su particular momento de gloria.

La guinda del pastel la ponen los secundarios, los cuales funcionan a modo de contrapunto cada uno en una materia distinta: Carlos Areces el padre resabido que pone constantes trabas a la directora, Joaquín Reyes el terapeuta excéntrico, Silvia Abril la chalada secretaria del instituto, etc. Todos aportan su granito de arena para redondear un poco más el resultado final. Si acaso conviene apuntar que la trama de amor fantasmal protagonizada por Aura Garrido (que ya era el eslabón más débil en la estupenda miniserie ‘Crematorio’) no termina de cuajar, ya que se entremezclan momentos inspirados con otros en los que estás deseando que pasen a otra cosa. A cambio, es de agradecer que Alexandra Jiménez vaya asentando poco a poco su carrera cinematográfica, ya que su peculiar directora de colegio adicta a comer guarrerías transmite una proximidad que hace entender al espectador el motivo del desafío que acepta el protagonista.

En definitiva, ‘Promoción fantasma’ es una comedia de instituto que no cae en el error habitual de querer trasladar el humor habitual de las teleseries españolas, sino que opta por tomar como referente las producciones de John Hughes de los años ochenta, a las cuales referencia sin cortarse lo más mínimo. Posible plagio dirán algunos, pero lo cierto es que es prácticamente imposible innovar dentro del cine, con lo cual sólo nos queda hacer una combinación de elementos ya vistos. La cuestión es hacerlo bien o mal, y ‘Promoción fantasma’ está, con algunos peros, dentro del primer grupo. Vamos, un simpático divertimento.

Ya tenemos con nosotros al 2012, un año que espero que sea mejor que el anterior para todos nosotros, no porque haya sido particularmente malo (al menos no en mi caso), sino porque siempre hay que aspirar a ir a mejor. Sin embargo, esta es una página en la que hablar sobre cine y ya va siendo hora de hacer una valoración de todas esas películas que se estrenaron en España a lo largo de 2011. Eso sí, ante todo espero evitar una polémica como la surgida el último día del año pasado con el post en el que os invitaba a elegir cuál os parecía que había sido la peor película de 2011, así que he optado por empezar el año hablándoos de las que considero que son las mejores películas de 2011.

Obviamente, os encontráis ante una selección personal e intransferible, ya que no creo que mi palabra sea ley y éstas sean las diez mejores películas de 2011 de forma irrefutable. Eso sí, lo que tengo claro es que 2011 ha sido un año en el que ninguna película haya logrado apasionarme tanto como títulos de años previos, ya que ni siquiera la que consigue alzarse con el primer puesto no logra llegar a una valoración individual de sobresaliente. No por ello me parece que 2011 haya sido un mal año para el cine, pero sí que es cierto que al final lo que realmente perdura es lo que amas u odias de forma apasionada.

Sé que es un poco trampa hacer esta mención, pero ya que pongo yo los límites del post aprovecho para deciros simplemente los títulos que formarían parte de mi segundo top 10 del año (vamos, del puesto 11 al 20 de mi particular ranking de 2011): La boda de mi mejor amiga, El origen del planeta de los simios, Mientras duermes, Un dios salvaje, Drive, 127 horas, X-Men: Primera generación, Super 8, Red y Midnight in Paris. Ahora os invito a conocer las que yo considero que son las diez mejores películas de 2011.

10. ‘Primos’

‘Primos’ es un ejemplo de película española que hecha hace un tiempo hubiese dejado un balance desastroso. Eso sí, hubiésemos tenido muchos desnudos femeninos (algo queda de eso tal y como podéis ver en la imagen) y una cantidad de chistes de mal gusto que rebasaría holgadamente los límites de lo políticamente correcto. Afortunadamente, eso no sucede en el caso de ‘Primos’, ya que Daniel Sánchez Arévalo crea una película donde lo que predomina es intentar dejar con buen cuerpo al espectador. Quizá haya quien le acuse de venderse a lo comercial o quien crea que sus ideas se están agotando, pero ‘Primos’ es el tipo de comedia que debería hacerse en nuestro país: Entretenida, cercana, entrañable y con un buen trabajo del reparto, en especial un Raúl Arévalo que está excelso.

Críticas en Blogdecine:

‘Primos’, comedia veraniega

‘Primos’, o cómo salvar un guión penoso

9. ‘Rango’

2011 no ha sido un año especialmente para el cine de animación, ya que ni siquiera Pixar, que suele ser una apuesta segura de genialidad, ha estado a la altura de lo que pudimos ver en años anteriores. Y es que es cierto que han llegado títulos como la alabada ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’, pero yo no me encuentro entre los amantes del penúltimo trabajo de Spielberg y disfruté mucho más con ‘Rango’, el arriesgado homenaje animado que Gore Verbinski ha hecho al spaghetti western. Una prodigiosa animación que realmente te transmitía la sensación de estar en un paraje desértico, un protagonista carismático (un acierto la elección de Johnny Depp para ponerle voz), personajes secundarios con buenos diseños, y una historia sencilla (y con quizá algún tópico de más), pero bien desarrollada y en la que no faltan situaciones más pensadas para el público adulto forman parte de la carta de presentación de esta muy recomendable película.

Crítica en Blogdecine:

‘Rango’, por un puñado de agua

8. ‘Misión Imposible – Protocolo Fantasma’ (‘Mission Impossible: Ghost Protocol’)

Hace ya unas semanas que os hablé de la cuarta entrega de la saga ‘Misión Imposible’ y os comenté que me había parecido la mejor de todas. Seguro que muchos pensaron que, al ser un mero blockbuster, con eso no le daría para entrar en esta lista, pero se equivocaban. Una de las grandes virtudes que tiene el cine es su capacidad para evadirnos de la realidad y ofrecernos entretenimiento durante un par de horas, y esa es la gran virtud de ‘Misión Imposible – Protocolo Fantasma’. Sé que hay gente con otras aspiraciones a la hora de ver una película, pero veo ilógico restar méritos a una película consciente de ser menor, pero que explota sus virtudes al máximo: Brad Bird, aunque algo impersonal, demuestra saber rodar de maravilla las escenas de acción y la historia tiene suficiente interés para unos personajes que oscilan entre el derroche de carisma de Tom Cruise y la evidente efictividad de los demás. ¿Le falta profundidad? Sin duda, pero nadie debería restringir el tipo de películas que puede disfrutar y ‘Misión Imposible – Protocolo Fantasma’ es el mejor divertimento que nos han dado las majors hollywoodienses en 2011.

Críticas en Blogdecine:

‘Misión Imposible – Protocolo Fantasma’, la mejor de la saga

‘Misión Imposible: Protocolo Fantasma’, el espía que surgió del alboroto

7. ‘El topo’ (‘Tinker, tailor, soldier, spy’)

De ‘El topo’ también os hablé largo y tendido hace unos días explicando mis motivos para estar encantado con esta película que recupera al mejor Gary Oldman. La cinta es una acertada combinación de la frialdad que ya había demostrado su director en ‘Déjame entrar’ con un suspense que evita las grandilocuencias, pero consigue escenas estupendas como en la que Benedict Cumberbatch tiene que robar unos documentos. Además, todos los actores bordan sus papeles y la película, si bien descuida un tanto la empatía con el espectador (aunque creo que la trama protagonizada por Tom Hardy lo compensa), la historia tiene suficiente interés para que un gran reparto y un cuidado trabajo de puesta en escena la eleven como una de las mejores películas del año.

Críticas en Blogdecine:

‘El topo’, el lado humano de los espías

‘El topo’, pinto pinto gorgorito

6. ‘La piel que habito’

Nunca he sido uno de esos seguidores incondicionales del cine de Pedro Almodóvar, pero tampoco de esas personas que odian con pasión su cine. No, yo siempre me he ubicado en un termino medio que me hacía disfrutar mucho con ‘Todo sobre mi madre’ y despreciar completamente ‘Matador’, quizá la película del realizador manchego con la que más puntos en común tiene ‘La piel que habito’. Sin embargo, Almodóvar ha hecho esta vez una película fascinante que respeta ciertos aspectos recurrentes de su vida a la vez que es un salto al vacío sin red. ‘La piel que habito’ es una película enfermiza pero apasionante que puede verse como una especie de entrenamiento de Almodóvar antes de rodar su primera película en inglés, ya que también es su cinta con una menor presencia de la españolidad en la misma. Además, el trabajo de los actores brilla sobremanera, aunque es una pena que un intérprete de tanto talento como Eduard Fernández tenga que ocuparse de un papel tan minúsculo. Por cierto, aquí podéis conseguir un pequeño audio en el que el propio Almodóvar realiza una breve presentación de la película.

Críticas en Blogdecine:

Festival de Cannes 2011: ‘La piel que habito’, enfermiza obsesión

‘La piel que habito’, hasta dónde puede llegar el amor de un loco

‘La piel que habito’, la ley del deseo

5. ‘Win Win (Ganamos todos)’ (‘Win Win’)

Todos los años nos llegan un montón de películas americanas cuyo nivel promedio suele oscilar entre el suspenso alto y el notable bajo, pero siempre suele haber uno o dos títulos que destacan de forma especialmente positiva. Luego se da el caso de que no siempre existe unanimidad respecto a las películas que más llaman la atención, pero en mi caso no tengo problemas en decir que ‘Win Win (Ganamos todos)’ es la mejor película independiente americana de 2011. Su mensaje es igual de manipulador que en la mayoría de estos casos, pero esa cinta que transmite bienestar y te permite reconciliarte con la vida. Además, todos los actores, destacando (como suele ser habitual) Paul Giamatti, están estupendos en personajes que transmiten humanidad y no la falsedad pretendidamente realista con la que uno suele encontrarse en casos así. El guión de Thomas McCarthy es otro de los puntos fuertes de la función (sólo flojea un poco en el tramo final), aunque he de reconocer que ciñéndonos a su labor de puesta en escena ‘Win Win (Ganamos todos)’ es la propuesta menos interesante de su carrera.

Críticas en Blogdecine:

‘Win Win (Ganamos todos)’, buena gente en crisis

‘Win Win (Ganamos todos)’, los combates cotidianos

4. ‘No controles’

‘No controles’ es un ejemplo perfecto de que estar en sintonía con un tipo de humor te puede hacer amar una película y recomendársela a todos tus amigos o querer defenestrarla y matar a todos los responsables. En mi caso, me encanta el tipo de humor que Borja Cobeaga imprime a sus películas, y si bien ‘Pagafantas’ era una apuesta más arriesgada y con mayor potencial (el tramo final estropeaba un poco la película), ‘No controles’ es una película más redonda y madura. Además, Juan Carlitros (sublime Julián López) quizá sea el mejor personaje del año, pero lo que es seguro es que es el más gracioso. Por su parte, la trama sentimental que vertebra la historia logró que me importase lo que les pasase a los dos protagonistas, y no faltaron otros alicientes como un Secun de la Rosa que jamás me había hecho tanta gracia como su personaje en ‘No controles’ (grandiosa la escena de los ladrillos) o que hasta disfrutase con la presencia de Miguel Ángel Muñoz, un actor por el que no siento especial simpatía.

Crítica en Blogdecine:

‘No controles’, amor y humor en un cóctel mal mezclado

3. ‘Valor de ley’ (‘True grit’)

No deja de ser una pena tener que incluir a ‘Valor de ley’ en la lista de mejores películas de 2011 cuando es una película del 2010 que compitió por los Oscars para películas de ese año. Sin embargo, en España se estreno en el 2011 y me es imposible no mencionar una película tan brillante como la que realizaron Joel y Ethan Coen. Creo que incluso los que no terminaron muy entusiasmados con la película alabaron el nivel técnico de la misma, ya que a nivel de ambientación, vestuario, puesta en escena y otros aspectos es una obra prácticamente impecable. Y esa solidez también se replica en el trabajo de los actores, con la agradable sorpresa de Hailee Steinfeld (no suelo ser muy fan de los niños actores), la gran revelación de la película. Quizá le faltase algo de riesgo a la hora de desarrollar la historia y, a nivel personal, el epílogo no me termina de convencer, pero ‘Valor de ley’ es un notable ejemplo de película interesante, consistente y muy bien hecha.

Críticas en Blogdecine:

Berlinale 2011: ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), grandiosa aventura

‘Valor de ley’ (‘True Grit’), rehaciendo una adaptación

‘Valor de ley (True grit)’, realización brillante, pero carente de emociones

2. ‘Crazy, Stupid, Love’

El subgénero de las comedias románticas es el que más ha maltratado Hollywood junto al cine de acción, y es normal, ya que el amor es una constante en la gran mayoría de las películas. El problema viene cuando nos ofrecen un montón de películas que toman el pelo al espectador y únicamente sirven para calmar el monstruo interior que tienen algunas personas y que les hace necesitar ver productos de ese calibre. Sin embargo, de vez en cuando surgen pequeños oasis y Hollywood nos regala alguna comedia romántica bien hecha que renueva nuestra esperanza en este tipo de obras. ‘Crazy, Stupid, Love’ ha sido el pequeño milagro que nos ha llegado este 2011, y encima ha sido uno especialmente memorable. El segundo trabajo tras la cámara de Glenn Ficarra y John Requa consigue eso que parece tan fácil que es transmitir credibilidad, crear unos personajes que consigan la empatía del espectador (el estupendo trabajo de todo el reparto también ayuda mucho) y, sobre todo, conseguir el delicado equilibrio entre comedia y romanticismo que requería la historia. Hay quien ha criticado mucho el desenlace, pero no seré yo el que lo haga.

Críticas en Blogdecine:

‘Crazy, Stupid, Love’, la estúpida locura del amor

‘Crazy, Stupid, Love’, lo de siempre como nunca

1. ‘Secuestrados’

‘Secuestrados’ es una película contundente que busca provocar una determinada reacción el espectador. En su capacidad para conseguirlo reside que uno ame la película o pueda llegar a detestarla. Yo me sitúo entre los entusiasmados con el segundo largometraje de Miguel Ángel Vivas tras la muy discreta ‘Reflejos’. Es cierto que la situación que presenta dista mucho de ser original (las semejanzas a nivel argumental con ‘Funny games’ son notables, pero luego siguen caminos bien diferentes), pero el brillante resultado final compensa ese pequeño detalle. Brillante a nivel técnico (el uso de los planos secuencia es ejemplar y fomenta que el espectador se introduzca más en la historia al no haber cortes tramposos para crear suspense gratuito), con un muy buen trabajo de los actores (Manuela Vellés borda su papel, pero el resto no desmerece para nada con la salvedad del actor que interpreta a su novio, la única fragilidad de la función) y un clima in crescendo de suspense que me mantuvo pegado a la butaca. ¿Algo exagerado el desenlace? Pues sí, pero a mí no me molestó lo más mínimo.

Crítica en Blogdecine:

Sitges 2010 | ‘The Ward’ (John Carpenter) y ‘Secuestrados’ (Miguel Ángel Vivas)

¿Y cuáles creéis vosotros que son las diez mejores películas estrenadas en 2011? ¿Se da la tremenda casualidad de que alguno de vosotros tenga, aunque sea en posiciones diferentes, las mismas películas que yo en su lista?

PD: Como llevo poco tiempo colaborando con Blogdecine hay muchas películas de la lista que no he podido comentar de forma más extensa, así que he elegido una (no diré cual por aquello de la sorpresa) para volver a verla con tal fin. Sin embargo, si veo que tenéis especial interés en que comente otra de la lista, no tendré problemas en cambiar de película a comentar o escribir sobre ambas.

Desde que vi ‘Azuloscurocasinegro’ (2006) considero a Daniel Sánchez Arévalo una de las jóvenes y potentes promesas dentro de nuestro siempre denostado cine. Cinco años y dos películas después, comprobamos que la sombra de su ópera prima es demasiado larga y aunque a Arévalo aún le quedan muchas cosas por decir debido a su edad, de momento no es capaz de superar la película por la que más premios y felicitaciones ha recibido. Si nos adentramos un poco en sus tres films, vemos que la mayor virtud del realizador madrileño es la puesta en escena —la principal y más importante herramienta narrativa en el Cine—, y su punto flaco, precisamente los guiones. Es el lastre con el que debe cargar a la hora de hacer cine, y creo que Arévalo haría mejor en dejar que otro escriba el guión, mientras él se centra en lo que mejor sabe hacer, dirigir.

‘Primos’ es su tercera película como director, y tal vez sea una de las pruebas más patentes que existen en la actualidad de que un mal guión puede ser subsanado por una inteligente puesta en escena y convertirse en una película mínimamente buena. ‘Primos’ contiene uno de los guiones más penosos que el cine español es capaz de ofrecernos, y ya es decir. Sin embargo, me parece también una película que está muy por encima de la media de lo que por aquí somos capaces de hacer. Apartándose de lo hecho anteriormente, Arévalo nos regala una comedia pura y dura, tal vez demasiado bienintencionada, con unos personajes que se hacen querer, y sobre todo con el ojo puesto en el público, ése al que cada día es más difícil sorprender, o tal vez todo lo contrario. En cualquier caso ‘Primos’ ofrece diversión de la sana, y ya es bastante.

El delirante prólogo enseguida nos pone en situación. Diego (Quim Gutiérrez) ha sido plantado por su novia en el altar. Tras una breve explicación a los invitados, y de paso al espectador, de por qué se ha llegado a esa situación, el humillado novio se queda en la iglesia con sus dos primos, Julián (Raúl Arévalo) y José Miguel (Adrián Lastra), llorando sus penas. Armándose de valor deciden volver a su pueblo natal en busca del primer amor de Diego, Martina (Inma Cuesta). Además de dejar claras las distintas personalidades de los tres primos, el film engancha al espectador con esa premisa, que suena a rebeldía, a locura, deseamos que lo hagan. Así pues, y con ecos, intencionados o no, de películas como ‘Airbag’ (Juanma Bajo Ulloa, 1997) o la más reciente ‘Resacón en las Vegas’ (‘The Hangover’, Todd Phillips, 2009), los primos —atención al doble significado del título— emprenden una aventura muy típica en la comedia estadounidense, de la cual ‘Primos’ no puede, ni debe, esconder su influencia.

A partir de ese brutal, arriesgado y divertido inicio lo lógico es que el film continuase con el mismo tono; pero nada iguala, y mucho menos supera el arranque. Sin complicarse demasiado la vida, Arévalo firma de lejos su peor guión, narrando una historia que avanza a trompicones, basando su efecto en secuencias aisladas débilmente unidas. Situación tras situación, alguna más cómica que otra, e incluso forzadas —la actuación a lo Back Street Boys, de verdadera vergüenza ajena, a pesar de lo bienintencionada que quiere ser— se amontonan continuamente sin que exista progresión dramática ni evolución en los personajes. Ni siquiera la premisa con la que da comienzo el film —el abandono de Diego el día de su boda— está bien aprovechada cuando la novia a la fuga hace acto de presencia en el pueblo. El conflicto, lógico, coherente, el guión prácticamente lo pide a gritos, simplemente no existe. Y así con todas las situaciones problemáticas que los tres primos se encuentran en un viaje que les ayudará a descubrirse a sí mismos. Arévalo las resuelve de un plumazo y con demasiada facilidad.

Si a eso sumamos que Quim Gutiérrez ha cambiado mucho desde ‘Azuloscurocasinegro’, y no precisamente a mejor, o que los personajes femeninos están prácticamente de adorno —el de Clara Lago no sólo está desaprovechado, sino que hasta parece una trampa de guión de las gordas—, pues el desastre estaría servido. Sin embargo, hay algo en ‘Primos’ que hace que no metamos esta película en el saco del olvido y es hablando en plata, su buen rollo. Arévalo, por primera vez en su filmografía se ha enrollado con el público, con todo lo bueno y lo malo que eso tiene. Las desventuras de los tres primos en un pueblecito encantador, que bien podría ser el nuestro, el que todos tuvimos alguna vez, está llena de lugares que hurgan en nuestros recuerdos de juventud o infancia. Los vecinos de Comillas fueron alguna vez los nuestros, sus alegrías y tristezas las nuestras, al igual que sus derrotas y sus victorias. El regreso de los tres “aventureros” es como nuestro querer volver a ese lugar en el que siempre nos sentimos bien, a gusto, y los problemas no los parecían tanto.

Arévalo deja en manos de sus intérpretes casi todo el peso del film. Dejando a un lado a Gutiérrez, Clara Lago o Inma Cuesta, cuyos defectos provienen más del guión que de sus interpretaciones en sí, los reyes de la función son Antonio de la Torre —grandísimo homenaje a los cinéfilos, con un punto de parodia totalmente equilibrado, lo más conseguido de la cinta—, Raúl Arévalo —con su bribón de eterno buen corazón quisiéramos irnos de fiesta todos—, y Adrián Lastra, que carga con el personaje más arriesgado de todos, un hipocondríaco controlado por su mujer. Es curiosamente a través de ellos donde ‘Primos’ se hace querer, por así decirlo. Sus historias de reconciliación y saber decir no, hablan en cierto modo del saber estar entre aquellos a los que queremos o significan algo, de la actitud ante el mundo y las adversidades, aunque suenen a tan poca cosa como aquí. Lo cierto es que si Daniel Sánchez Arévalo tuviera esa facilidad tan pasmosa para solucionar problemas como refleja en el guión de ‘Primos’, lo querría siempre a mi lado.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Primos’, comedia veraniega

Comentaba el otro día que no había visto ‘Primos’, de Daniel Sánchez Arévalo, cuando se estrenó en cines el 4 de febrero, y que debía ponerme al día con ella. Y lo cierto es que me ha parecido mucho más adecuado ver en esta época estival una película que transcurre durante un verano playero en el que tres primos acuden a Comillas, su ciudad de vacaciones de la infancia, para buscar a la primera chica con la que se acostó uno de ellos, que acaba de ser abandonado días antes de su boda.

La película tiene un arranque muy poderoso. La situación es un excelente punto de partida para narrar una historia y la forma en la que se presenta el plante en el altar es humorística y fresca. No sé si estaría entre las intenciones del autor emular a ‘Resacón en Las Vegas’ o quizá a otros films similares, al formar una cuadrilla de personajes peculiares e incluso con sus taras, al plantear a varios hombres de viaje desenfrenado en fechas cercanas a una boda… pero algo de reminiscencia se puede encontrar.

Sánchez Arévalo halla en la dirección de actores su mayor fuerte, además de contar con sus viejos conocidos, de los que sabe exactamente lo que puede extraer y para quienes escribe personajes idóneos. Los intérpretes están creíbles y graciosos. Raúl Arévalo lleva el peso de la comedia y es el motor de la acción. Se unirá a su interpretación natural y costumbrista Antonio de la Torre cuando aparezca.

El retrato de los personajes sería el otro punto logrado de ‘Primos’, pues nos encontramos a seres realistas, pero no trillados ni tópicos. Quim Gutiérrez, como suele pasar con los protagonistas, cuenta con el personaje de menos aristas y, por lo tanto, menor interés, pero no es totalmente plano, como lo son algunos otros principales. Adrián Lastra encarna bien su papel, pero sufre el “lastre” de que cuenta con el rol menos divertido y que más rápidamente puede cansar. Si esto fuese ‘Resacón en Las Vegas’, a él se lo habrían dejado desmayado en alguna parte desde el minuto uno.

Ausencia de conflicto

Otro aspecto refrescante de ‘Primos’ reside en la forma de ser y de expresarse de su protagonista. Sin darles rodeos a las cosas, sin esperar a que sea el momento adecuado para decirlas, él va soltando verdades de manera muy directa. Esto produce un efecto bastante intenso, pues no estamos acostumbrados a que los personajes vayan tan al grano. Por esta forma de ser, a los primos no les cuesta trabajo convencerlo de acudir a Comillas a buscar a un antiguo amor. Gracias a eso, la película arranca con energía.

Pero tiene como consecuencia negativa que todo lo que la película podría ir planteando a lo largo de su desarrollo, ya está dicho y hecho en los primeros minutos. Una vez llegan a la ciudad costera, no les cuesta encontrar a la chica que buscaban –qué casualidad que habite en lo que era la casa familiar de ellos— y nadie pone obstáculos. Hasta la aparición de la que iba a casarse con él, Nuria Gago, no se plantea conflicto alguno y la resolución no solo se hace previsible, sino que no hay siquiera tensión o curiosidad para ver la forma en la que se desarrolla.

A esta facilidad sumamos que el personaje de Martina, Inma Cuesta, ha permanecido, como si supiese que tenía que esperar allí, sin una vida, sin un padre para su hijo… y eso no la ha amargado o ha agriado su carácter. Ella será receptiva, simpática, estará dispuesta siempre. Su constante beneplácito ante las propuestas de él no solo es poco verosímil, sino que aumenta esa ausencia de conflicto. Más que un personaje es un instrumento, incluido dentro de la película por conveniencia, para facilitar todo lo que tiene que ocurrir y ayudar al protagonista a vivir la experiencia por la que necesita pasar.

Sánchez Arévalo, excelente y premiado cortometrajista, arrastra una forma de rodar, de elegir los tamaños de planos y las transiciones entre éstos del formato corto, que no lucen en absoluto en el largometraje.

Comedia emotiva

Por supuesto, todas estas consideraciones sobre credibilidad, personajes, conflicto, la forma en la que está realizada… serían nimias si la película ofreciese lo que principalmente debe ofrecer una comedia: humor. La pena es que, a partir del momento en el que llegan a la costa y encuentran a Martina, el aspecto cómico deja casi por completo de existir. A partir de ahí, poco hay para contar y las tres tramas de los tres protagonistas se desligan para dar pie a unas cuantas escenas cotidianas y veraniegas –con sus escenas playeras y sus postales de Comillas– de poca consistencia.

Desde que la narración se asienta y parece perder comba, además de dejar de hacer gracia, cobra un tono emotivo, que más que buscar la risa está intentando provocar la lagrimita o resultar profundo con cada comentario, con cada reflexión. La amistad del personaje de Lastra con el niño igual de problemático que él conformará la trama más convencional. Y la inclusión del personaje de Clara Lago servirá para poner el punto dramático y social que terminen de alejar a esta comedia del gamberrismo. Todos los elementos tradicionales lacrimógenos que criticamos en el cine norteamericano aparecen aquí.

En resumen

El trailer me hizo esperar una comedia descerebrada y trepidante, similar a la ya mencionada, cuando lo que contenía la cinta era un amable relato familiar, que utiliza sin miedo ardides para conmover y elementos clásicos y consabidos. La diferencia entre los esperado y lo encontrado es sin duda la culpable de mi decepción ante un film que, para quienes ya supiesen lo que se iban a encontrar o para quienes en realidad lo prefieran, será redondo. El avance ya me hacía temer que todo el humor estaría en el arranque y así ha sido, pero con un descenso mucho más agudo del anticipado. ‘Primos’ tiene algunos momentos bastante logrados, unas grandes interpretaciones y cierto desenfado en su arranque. De ahí en adelante va hacia abajo, pero quizás los primeros minutos para muchos hacen que valga la pena.

Mi puntuación:

‘Enredados’

Título original: ‘Tangled’. Dirección: Byron Howard y Nathan Greno. País: USA. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Animación, aventuras, comedia, familiar, fantasía, musical. Doblaje original: Mandy Moore (Rapunzel), Zachary Levi (Flynn Rider), Donna Murphy (Gothel), Brad Garrett (matón con garfio), Ron Perlman (hermano Stabbington), Jeffrey Tambor (matón con nariz grande). Guión: Dan Fogelman, basado en el cuento de los hermanos Grimm. Producción: Roy Conli. Música: Alan Menken. Montaje: Tim Mertens. Diseño de producción: Douglas Rogers. Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. Estreno en USA: 24 Noviembre 2010. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: ‘Enredados’ es una comedia musical llena de acción (y pelo, mucho pelo) sobre una chica llamada Rapunzel que tiene una melena de 21 metros de largo. Ella es una princesa que fue robada a sus padres cuando era un bebé y encerrada en una torre. Ahora es ya una adolescente muy imaginativa y decidida que consigue escapar de su encierro con la ayuda de un bandido encantador, Flynn. Este dúo se verá embarcado en una divertida huida llena de aventura, emoción y humor.

¿Qué podemos esperar? Seguramente, un producto muy entretenido, pero en serio, ese tipo de sinopsis son realmente difíciles de leer. ¿Cuántos cigarros de intenso fresón azucarado habrá consumido su autor/a? No quiero ni pensarlo. Pero bueno, es Disney, esa casa que se forra a costa de la inocencia infantil, y que normalmente distribuye cosas de un mínimo de calidad. Será el éxito de la semana, y seguramente de todo el mes.

‘The Fighter’

Dirección: David O. Russell. País: USA. Año: 2010. Duración: 115 min. Género: Drama. Interpretación: Mark Wahlberg (Micky Ward), Christian Bale (Dicky Eklund), Amy Adams (Charlene Fleming), Melissa Leo (Alice Ward), Jack McGee (George Ward). Guión: Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson; basado en un argumento de Keith Dorrington, Paul Tamasy y Eric Johnson. Producción: David Hoberman, Todd Lieberman, Ryan Kavanaugh, Mark Wahlberg, Dorothy Aufiero y Paul Tamasy. Música: Michael Brook. Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Montaje: Pamela Martin. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Mark Bridges. Distribuidora: TriPictures. Estreno en USA: 17 Diciembre 2010.

Sinopsis: Inspirada en una increíble historia real, ‘The fighter’ nos cuenta la áspera pero a la vez cariñosamente humorística historia del regreso de un héroe del boxeo poco común: Micky Ward “El Irlandés”, y de su hermanastro, Dicky Eklund, quienes tuvieron que enfrentarse como contrincantes antes de unirse en una dura pelea para ganar un importante campeonato y fortalecer sus lazos familiares.

¿Qué podemos esperar? Un drama que aspira a 7 Oscars (mejor película, director, actor de reparto, actriz de reparto…) es algo que no nos podemos perder. Incluso cuando vaya del enésimo boxeador que supera todas las adversidades posibles para ganar un campeonato. Seguramente ya la hemos visto, pero hay que tener un poco de fe, y por lo menos, tenemos la seguridad de que al menos tres de los actores (Bale, Leo, Adams) realizan estupendos trabajos.

‘127 horas’

Título original: ’127 hours’. Dirección: Danny Boyle. Países: USA y Reino Unido. Año: 2010. Duración: 96 min. Género: Drama. Interpretación: James Franco (Aron Ralston), Amber Tamblyn (Megan), Kate Mara (Kristi), Clémence Poésy (Rana), Kate Burton (madre de Aron), Lizzy Caplan (Sonja). Guión: Danny Boyle y Simon Beaufoy; basada en el libro “Between a rock and a hard place”, de Aron Ralston. Producción: Christian Colson, Danny Boyle y John Smithson. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Anthony Dod Mantle y Enrique Chediak. Montaje: Jon Harris. Diseño de producción y vestuario: Suttirat Larlarb. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 12 Noviembre 2010. No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Es la verdadera historia del alpinista Aron Ralston, una extraordinaria aventura de supervivencia donde el protagonista debe salvarse a sí mismo después de quedarse con un brazo inmovilizado por el desprendimiento de una roca en un cañón aislado de Utah. Durante los próximos cinco días, Ralston examina su vida y sobrevive a las adversidades para descubrir finalmente que tiene el coraje y los medios suficientes para liberarse a sí mismo.

Crítica en Blogdecine:

‘127 horas’, filigrana pornográfica de Danny Boyle

‘La trampa del mal’

Título original: ‘Devil’. Dirección: John Erick Dowdle. País: USA. Año: 2010. Duración: 82 min. Género: Terror. Interpretación: Geoffrey Arend (comercial), Bojana Novakovic (mujer joven), Chris Messina (detective Bowden), Logan Marshall-Green (mecánico), Jenny O’Hara (mujer madura), Caroline Dhavernas (Elsa), Bokeem Woodbine (guardia), Jacob Vargas (Ramírez), Matt Craven (Lustig). Guión: Brian Nelson; basado en un argumento de M. Night Shyamalan. Producción: M. Night Shyamalan y Sam Mercer. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Tak Fujimoto. Montaje: Elliot Greenberg. Diseño de producción: Martin Whist. Vestuario: Erin Benach. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en USA: 17 Septiembre 2010. No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: Cinco extraños empiezan el día con la rutina habitual. Van a un edificio de oficinas, entran en un ascensor y se ven obligados a compartir un espacio reducido con desconocidos. Nadie mira a nadie, sólo estarán juntos unos momentos. Pero lo que hasta ahora parece un hecho casual, no tiene nada de coincidencia. El ascensor se detiene, el destino acaba de llamar. Lenta y metódicamente, los cinco extraños pasan de estar en una situación molesta a sentirse impotentes y sufrir el terror más profundo. A cada uno de ellos le empiezan a ocurrir cosas terribles y la sospecha pasa de uno a otro, ¿quién es el culpable de todo esto? Ninguno se imagina lo que van a descubrir… ‘La trampa del mal’ es la primera entrega de The Night Chronicles, una serie de historias de terror concebidas por M. Night Shyamalan.

Crítica en Blogdecine:

‘La trampa del mal’, creo en Shyamalan cuando dirige él

‘Primos’

Dirección y guion: Daniel Sánchez Arévalo. País: España. Año: 2011. Duración: 97 min. Género: Comedia. Interpretación: Quim Gutiérrez (Diego), Raúl Arévalo (Julián), Adrián Lastra (Miguel), Inma Cuesta (Martina), Antonio de la Torre (Bachi), Clara Lago (Clara), Nuria Gago (Yolanda), Alicia Rubio (Toña), Marcos Ruiz (Dani). Producción: Fernando Bovaira y José Antonio Félez. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Montaje: David Pinillos. Dirección artística: Curru Garabal y Satur Idarreta. Vestuario: Fernando García. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: A Diego le ha dejado su novia plantado en el altar. Sus primos, Julián y José Miguel, deciden llevárselo a las fiestas del pueblo donde veraneaban de pequeños. Un fin de semana de juerga para olvidar, y sobre todo intentar recuperar a su amor de adolescencia, Martina. A grandes males, grandes borracheras. Un plan infalible, ¿no?

¿Qué podemos esperar? Una comedia entre lo gamberro y lo romántico, que su realizador ha confesado que está inspirada en ‘Resacón en Las Vegas’ (‘The Hangover’). Tal como está el panorama, tanto en el género (dominado por los golpes, los chistes fáciles y lo escatológico) como en lo que respecta a nuestro cine (hundido en taquilla, enloquecido por la Ley Sinde), deseo que esto valga la pena, que Arévalo haya estado inspirado, y sea un éxito.

‘Huevo’

Título original: ‘Yumurta’. Dirección y guión: Semih Kaplanoğlu. País: Turquía. Año: 2007. Duración: 97 min. Género: Drama. Interpretación: Nejat Işler (Yusuf), Saadet Işil Aksoy (Ayla), Ufuk Bayraktar (Haluk), Tülin Özen, Gülςin Santircioğlu (Gül), Kaan Karabacak. Producción: Semih Kaplanoğlu. Fotografía: Özgür Eken. Montaje: Semih Kaplanoğlu, Ayhan Ergürsel y Suzan Hande Güneri. Dirección artística: Naz Erayda. Distribuidora: Golem. Estreno en Turquía: 9 Noviembre 2007.

Sinopsis: Al morir su madre, y después de años de ausencia, el poeta Yusuf regresa a la ciudad donde creció. Una joven llamada Ayla le espera en una casa medio derruida. Yusuf no estaba enterado de que una prima lejana llevaba cinco años viviendo con su madre. La presencia de Ayla le ayuda a canalizar, en parte, las emociones provocadas por la muerte de su madre. Pero ¿podrá Yusuf enfrentarse al sentimiento de culpabilidad que le invade después del entierro? Los objetos, los muebles de la casa materna, la cotidianidad, el ritmo sosegado de la provincia, los rincones llenos de recuerdos, la ciudad misma, todo lo que Yusuf quiso dejar atrás hace años, de pronto le parece maravilloso. El día que debe regresar a Estambul, Ayla le pide a Yusuf que realice el sacrificio que su madre no pudo llevar a cabo antes de morir.

¿Qué podemos esperar? Primera parte de la trilogía de Yusuf que culminó con ‘Miel’ (‘Bal’), estrenada hace una semana en nuestro país. No os alarméis, aunque lo lógico es verlas por orden, y la mayoría de nuestros distribuidores no están acostumbrados a respetar el cine, en este caso no creo que importe haber visto ‘Miel’ antes que ‘Huevo’, ya que el turco Kaplanoglu ideó una trilogía que va de la madurez a la infancia. No creo que tenga la oportunidad de ver ninguna de las tres películas en los cines (ahora mismo resido en Cartagena y es raro que lleguen cosas de este tipo), pero le daré una oportunidad en cuanto salga en DVD, parece un relato fascinante.

‘Leche’

Título original: ‘Süt’. Dirección y guión: Semih Kaplanoğlu. Países: Turquía, Francia, Alemania. Año: 2008. Duración: 102 min. Género: Drama. Interpretación: Melih Selςuk (Yusuf), Başak Köklükaya (Zehra), Riza Akin (Ali Hoca), Saadet Işil Aksoy (Semra), Alev Uςarer (Kemal), Serif Erol (jefe de estación), Orςun Köksal (Alpay), Sahra Özdag. Producción: Semih Kaplanoğlu y Orςun Köksal. Fotografía: Özgur Eken. Montaje: François Quiqueré. Dirección artística: Naz Erayda. Distribuidora: Golem. Estreno en Turquía: 2 Enero 2009.

Sinopsis: Yusuf acaba de graduarse en el instituto y su futuro en una pequeña ciudad de provincias es incierto. Su mayor pasión es escribir poesía, y ha empezado a publicar algunos poemas en revistas literarias. De momento, sigue trabajando en la lechería que regenta su madre viuda, cuyo futuro tampoco está muy claro. Hasta ahora, la madre de Yusuf había volcado todas las atenciones en su hijo único. Zehra aún es joven y guapa, y tiene una discreta relación amorosa con el jefe de estación de la ciudad. El hecho de que su madre tenga un amante y de que le hayan declarado no apto para hacer el servicio militar, debido a una enfermedad que padeció de niño, hace que Yusuf tenga aún más ganas de dar el salto a la vida adulta. ¿Podrá el joven Yusuf con los cambios que sacudirán su tranquila vida?

¿Qué podemos esperar? La segunda parte de la mencionada trilogía. Lo razonable habría sido estrenarla mucho antes, o en todo caso esperar a la semana que viene, a que unos pocos hayan visto ‘Huevo’. Pero no. A los de Golem les da igual, las lanzan y se acabó, a ver si cae algo.

‘La vida sublime’

Dirección: Daniel V. Villamediana. País: España. Año: 2011. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Víctor Vázquez, Minke Wang, Emiliana Minguela, Álvaro Arroba, Pepe Grosso, Fernando de la Fuente. Guión: Víctor Vázquez y Daniel V. Villamediana. Producción: Israel Diego Aragón y Jorge Raquejo. Música: Alejandro Castillo. Fotografía: Fabio Bobbio y Daniel Belza. Montaje: Fabio Bobbio y Daniel V. Villamediana.

Sinopsis: Cuenta la historia de Víctor, quien encuentra la pasión vital que estaba buscando en la figura de su abuelo, el Cuco, y en un viaje que éste hizo al sur de España a comienzos de los años cuarenta y que ha permanecido como un misterio familiar. El sur y el abuelo se convierten en objeto de fascinación, un espacio donde rescribir la memoria familiar para poder inmortalizar al Cuco. El periplo de Víctor deviene un personal homenaje a la generación perdida del franquismo que no pudo realizar sus sueños. Una búsqueda del mito y de lo sublime. Una película sobre fronteras, entre el norte y el sur, la imaginación y la realidad, presente y pasado, abuelos y nietos, España y América, la lucidez y la locura…

¿Qué podemos esperar? Segundo trabajo del vallisoletano Villamediana (‘El toro azul’), seguramente un relato interesante sobre un pasado que aún sigue muy presente, envuelto en un producto que llegará a cuatro salas y verán cuatro gatos. ¿Merece la pena el gasto de un estreno en cine? Ah, bueno, la subvención, claro. En fin, mucha suerte a los responsables y los escasos espectadores.

Vía | Labutaca

Si se conjugan dos relatos acaecidos en distintas épocas suele ser para extraer un paralelismo en el que los hechos de uno resuenan en los del otro, aportándoles un nuevo significado, y viceversa. Al mismo tiempo o como otra opción, el recurso puede servir para demostrar que nada ha cambiado, a pesar del paso de los siglos, o que los cambios no han sido suficientes. ‘También la lluvia’, el último film de Icíar Bollaín, que cuenta con un guion del reconocido Paul Laverty, explota todas estas posibilidades.

Para llegar a extraer todos esos alcances, la película necesita plantear numerosos elementos que, cuando por fin se hayan conjugado, compondrán una poderosa historia que, más allá de las claras y logradas intenciones de protesta social, contendrá un profundo conflicto humano de gran interés. Con todo ello quiero decir que ‘También la lluvia’ tarda bastante en arrancar, pero que, cuando lo hace y, más adelante, en su tramo final, resulta muy efectiva emotivamente, sin por ello perder la capacidad crítica.

Esta mezcla de dos relatos, el del desembarco de Cristóbal Colón y el del equipo de rodaje que recrea el descubrimiento, además de propiciar ese resonar de significaciones, permite un estudio metalingüístico del estado del cine y de las complicaciones que surgen durante una filmación, que quizá no estaba entre las intenciones del guionista, pero que queda muy patente. Cualquiera que tenga ganas locas de dirigir una película o que sienta una enorme frustración por no haberlo hecho podrá curarse de sus anhelos con el visionado de ‘También la lluvia’.

Bollaín realiza aquí su película más ambiciosa, con un espléndido resultado, que se cuaja gracias a una acertada elección de los tonos de la fotografía y a una generosa dirección de producción. Si he criticado a otras películas de la directora una falta de fuerza narrativa o de cohesión de las historias, nada de eso puedo reprochar a ‘También la lluvia’. Al contar con un guion lleno de contenido, ni siquiera el flojo montaje que otras veces ha perjudicado sus narraciones puede echar el producto por tierra. El acompañamiento de la banda sonora de Alberto Iglesias completa una perfecta puesta en imágenes.

Diálogos y personajes

Laverty logra, asimismo, que los personajes sean potentes. Crea seres de marcada personalidad, muy diferenciados unos de otros y que encajarán perfectamente en el conflicto, cada con un punto de vista o una opinión sobre los hechos, de forma que el espectador cuenta con todas las perspectivas para obtener una conclusión propia y uno un discurso ya masticado.

La elección de cada intérprete para cada papel es idónea. Los dos protagonistas son Gael García Bernal, como el director de cine, amable y de apariencia débil, pero al mismo tiempo, tozudo y aferrado a su proyecto, y Luis Tosar, en el papel de un productor que en apariencia piensa solo en «la pela», pero que sufrirá una profunda evolución psicológica. Ambos están impecables en sus roles. Karra Elejalde es el que, en un principio parece menos integrado en su personaje o en la historia, pero según va avanzando el film, da la sensación de que fuese entrando en calor y en el último tramo resulta igual de poderoso que los demás actores.

El descubrimiento es Carlos Aduviri, el conflictivo indígena, que pondrá todo patas arriba y obligará a unos acomodados europeos a replantearse el mundo en el que viven. ‘También la lluvia’ cuenta, también, con grandes secundarios, como Raúl Arévalo y Carlos Santos —ambos en la fotografía siguiente— o Cassandra Ciangherotti.

Al igual que ocurría en la magnífica ‘Vania en la calle 42’, se produce un efecto de ensayo general con los diálogos que los actores prueban para el rodaje de la película sobre Cristóbal Colón. A pesar de que las declaman sin el vestuario, o ya con los trajes, pero sin meterse por completo en el papel, las frases suenan a reales gracias a ese paralelismo del que hablaba en el primer párrafo: esos diálogos servirían para 1492, pero también para el tiempo presente.

En definitiva, ‘También la lluvia’ es una gran cinta, por la que espero que Icíar Bollaín obtenga una nominación a los Oscar. Sin embargo, me da la impresión de que casi todo el mérito debe achacarse a un guion que conjuga muy bien una crítica social nada velada —la explotación que hacían Colón y sus hombres no es tan diferente a la que ejerce el productor con los sueldos de los extras—, unas intenciones de denuncia —con respecto a la privatización del agua— y los conflictos humanos y personales que, queramos o no, son en realidad lo que suele engancharnos a las películas. Grandes personajes, muy bien interpretados por sus actores, se incluyen en una realización muy competente que sitúa a ‘También la lluvia’ como una de las mejores películas, si no la mejor, de su directora.

Mi puntuación:

En mayo de este año que hoy acaba anunciábamos que daba comienzo el rodaje de ‘Primos’, una nueva comedia de Daniel Sánchez Arévalo.

‘Primos’ cuenta la historia de cómo se recupera un joven tras haber sido abandonado por su novia en el altar. Sus primos le acompañan para reconquistar su amor de adolescencia y correrse unas juergas que le permitan olvidar a su prometida.

La película está protagonizada por Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo y Adrián Lastra, como los tres «primos» del título, donde se entiende un claro doble sentido. Inma Cuesta interpreta al antiguo amor del protagonista, mientras que Nuria Gago encarna a la abandonadora. Clara Lago, Alicia Rubio y Marcos Ruiz completan el reparto.

Eso de los abandonos en el altar parece poco real, muy peliculero, ¿o conocéis a alguien a quien le haya ocurrido? En cualquier caso, por lo que se ve en el trailer, el film parece bastante divertido y catártico, así que ya me han entrado ganas de verla completa, aunque para ello tendremos que esperar al 4 de febrero.

Ya que se trata de una comedia, no creo que ‘Primos’ se asemeje mucho a ‘AzulOscuroCasiNegro’, primer film de Sánchez Arévalo, donde el director demostraba una gran habilidad para dirigir a los actores, contar historias y encajar las subtramas en un conjunto. Sin embargo, aunque por temática vaya más en la línea de su siguiente film, ‘Gordos’, espero que por calidad responda más a los logros de la primera. La última obtuvo la complacencia del público, pero en mi opinión quedó algo tópica y mal armada. No es que un tráiler pueda decirnos mucho, pero ya solo con el que hemos visto aquí, confío en que ‘Primos’ será mucho más redonda.

Vía | Modmedia. Gracias, Urko.

Después de ‘AzulOscuroCasiNegro’, Daniel Sánchez Arévalo nos sorprende con ‘Gordos’, un film muy diferente en tono e intenciones a su opera prima. Esta película, que se estrena el 11 de septiembre, está interpretada por Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Roberto Enriquez, Teté Delgado, Adam Jezierski y Verónica Sánchez, entre otros.

‘Gordos’ nos acerca varias historias de diferentes personas unidas por un grupo de terapia: los pacientes, el terapeuta, la mujer de éste y una alumna de la mujer, que a la vez es hija de uno de los pacientes. Está estructurada en torno a un anuncio de teletienda que indica cuáles son los cuatro pasos para perder peso.

Si bien en los momentos humorísticos de esta película son buenos, el error es haberla hecho en tono de comedia. Al quitarle toda la gracia se eliminaría lo mejor, pero sería la única manera de que lo dramático, que es la mayor parte del metraje, funcionase. La única, no, claro: lo ideal sería que Sánchez Arévalo hubiese logrado un tono intermedio entre la risa y el drama, es decir, el de comedia dramática o de tragicomedia, pero eso se encuentra muy pocas veces y ésta no es una de ellas. Los actores están con el chip exagerado e histriónico de la comedia e interpretan con él estos momentos en los que tendríamos que interesarnos por los sufrimientos de los protagonistas. Así, lo que ocurre es que no llegamos a entrar en sus historias.

Además de eso, narrativamente, esta película tiene el problema de que, para que parezca reivindicativa, los personajes deben evolucionar y luego volver atrás, al inicio de sus estados psicológicos. Por ello, lo que se nos ha contado nos importa poco, ya que finalmente no ha dado ningún resultado. La catarsis que podría suponer que la terapia les cambiase las vidas o que se sintiesen mejor al adelgazar, se pierde en una parte central de la película muy baja de intensidad y se deshace cuando llegamos al supuesto clímax.

Y, ya que estamos, hablemos también de esa supuesta reivindicación. Sánchez Arévalo decía que quería hacer un “bello retrato de la gordura”, pero si así fuese no nos presentaría a sus gordos como sufridores en casa que necesitan ir a terapia, adelgazar y que, por supuesto, tienen una razón psicológica o existencial para pesar lo que pesan. Si estuviese a favor de la gordura y la viese como algo normal y bonito, nos contaría cualquier otra película y pondría como protagonista a una persona gorda. Pero eso, de momento, no hay valor para hacerlo. Si alguien está gordo en una serie o película será porque su exceso de peso es el tema central.

El arranque de ‘Gordos’ es potente y las presentaciones de los personajes en el grupo de terapia sorprenden. Sin embargo, a partir de que todo ya está encarrilado, la película se desfonda y lo que vemos, durante al menos una hora, se parece a esas partes bajas que, en un momento dado, tienen casi todas las películas; con la salvedad de que éstas suelen estar pensadas para dar un respiro y de que duran sólo dos o tres minutos. Cuando se acerca el final, ya llegamos cansados y hemos perdido la curiosidad por ver cómo acaban las tramas, por lo que este momento tampoco causa la emoción que sería deseable.

Los actores podrían ser la parte más agradecida de este film, pero no están dirigidos con acierto. El que más presencia tiene, Antonio de la Torre, que en general es un excelente actor, aquí hace demasiado el payaso y sobreactúa la faceta gay de su personaje. A otros les ocurre lo contrario y están desaprovechados con respecto a lo que podrían aportar, como es el caso de Teté Delgado. El descubrimiento de la película se llama Leticia Herrero (en la foto siguiente), una de las pacientes de la terapia a la que apodan “la monja feliz” y cuya historia es casi la única que despierta la empatía. Adam Jezierski goza de en un papel igual que el de Gorka en ‘Física o química’ y es de lo mejorcito del elenco.

Los efectos de montaje y sobreimpresiones, aunque tienen una intención positiva, pues tratan de aportar originalidad, resultan poco estéticos. Lo que sucede al final con la pareja de Raúl Arévalo es poco afortunado ya que, en plan cómico, se podría haber aceptado, pero está introducido en un momento muy dramático. El aspecto general de la película, incluso cuando no hace estos experimentos, mantiene, como las interpretaciones de los actores, un tono muy cómico y artificial que no es adecuado para los momentos serios.

La premisa y el tráiler nos hacían esperar más. Quizá ha sido precisamente la ambición de Sánchez Arévalo por crear algo no sólo cómico, sino también profundo y novedoso estructuralmente, lo que le ha impedido conseguir siquiera una comedieta como todas, que funcionase dentro de lo que es sin mayores aspiraciones. No hay que dejar de intentarlo, aunque se falle, la próxima película de este director seguro que volverá a estar a la altura de ‘AzulOscuroCasiNegro’.

A pesar de tantos peros que aparecen en los párrafos anteriores –no es mala baba, sino ganas de analizar por qué no resulta tan buena como podría—, no se puede decir que nos encontremos ante un mal film. ‘Gordos’ se ve con agrado, cuenta con momentos apreciables y hace pasar un rato entretenido.

Más información en Blogdecine sobre ‘Gordos’.

Mi puntuación:

Todas las protestas que hicimos cuando se anunciaron las tres semifinalistas para representar a España en los Oscar cayeron en saco roto. ¡Y nosotros que pensábamos que los de la Academia nos leerían y cambiarían de opinión!

Cuando preseleccionaron ‘Siete mesas de billar francés’, de Gracia Querejeta; ‘Los girasoles ciegos’, de José Luis Cuerda, y ‘Sangre de mayo’, de José Luis Garci; teníamos claro que no nos parecía bien ninguna de las tres opciones, pues, si bien la de Querejeta es claramente una gran película, no es el tipo de film que se premia en Hollywood.

Además de eso, la elección que finalmente han hecho los miembros de nuestra Academia no ha sido la favorita del público, sino ‘Los girasoles ciegos’, un film que transcurre durante la Guerra Civil, tema del que ya nos sentimos, como decía esta misma mañana, un poco saturados, pero que, por otro lado, puede ser del gusto de la Academia norteamericana, que, por ejemplo, el año pasado premió un film sobre los campos de concentración, como ya había hecho en ocasiones recientes.

Aunque por aquí no compartimos el entusiasmo, el director asegura que su “película va a interesar a la Academia de cine de Estados Unidos”, con lo cual tampoco está diciendo que se vea ya entre los nominados, pues “no nos engañemos: tenemos una entre 95 posibilidades de que pasemos el corte el próximo 22 de enero; pero yo sé que la película les va a interesar. Lo sé porque en el Festival de Toronto he visto reaccionar a los académicos norteamericanos”.

Tanto el autor de la novela en la que se basa tangencialmente el film, Alberto Méndez, como uno de sus guionistas, Rafael Azcona, han pasado a mejor vida, por lo que sería normal que la Academia hubiese sentido ganas de homenajearlos con esta elección.

Ya conocimos la personalidad de Azcona en una mesa redonda que se condujo sobre su persona y, según lo que aprendimos allí, nos encajan las declaraciones que hace Cuerda sobre cómo se habría tomado el guionista la preselección: “Rafael se estaría riendo a carcajadas con esta noticia. De ganar, no se hubiera venido con nosotros a Los Ángeles, pero se hubiera divertido mucho. Todavía este país no es consciente de lo que ha perdido con la muerte de Rafael Azcona”.

Cuerda opina lo contrario que el gran público sobre el tema de fondo de su film: “Se han hecho poquísimas películas sobre la Guerra Civil. No me extraña, dada la mala prensa que la prensa da a ese tema y con tanta gente como hay que no quiere que sepa la verdad; la iglesia católica la primera. Quieren tapar la verdad porque si se conoce lo que hicieron saldrían perdiendo”, señala el cineasta, que concluye diciendo: “En Estados Unidos no van a tener ningún problema para entender la película. Ellos tuvieron una terrible guerra civil; son expertos en guerras y conocen estupendamente a la Iglesia católica, que ha tenido que gastarse millones para lavar su reputación allí”.

Más información en Blogdecine sobre ‘Los girasoles ciegos’.

En la fotografía, José Luis Cuerda y Ángeles González Sinde.

Fuente | El País.

La XX Semana de Cine de Medina del Campo se clausuró el pasado sábado, 21 de abril, en el Auditorio Municipal de esa localidad vallisoletana.

Además del Roel de Oro, que se llevó ‘¡Sálvame!’, de Javier Veiga, los premios quedaron como sigue:

El premio de la Sección Oficial de Cortometrajes en Cine ha sido concedido por los votos del público. “Candela”, de Sergi González, ha obtenido el premio al Mejor cortometraje inédito que tiene una cuantía económica de 3.000 euros. Es la segunda vez que Sergi González aparece en el palmarés de la Semana de Cine, ya que el año pasado consiguió con “Éxodo 23:20” el premio al mejor cortometraje en vídeo del jurado joven.

“Nasija”, de Guillermo Ríos, ha sido el segundo cortometraje de ficción más votado por el público y obtiene un Roel y 1.000 euros. Se trata de una de las películas más reconocidas este año en los principales festivales de cortometrajes.

El Premio Especial del Jurado, Roel de Plata, que tiene 3.000 euros de dotación, se lo ha llevado “For®est in the de(s)ert”, de Luiso Berdejo —al cual pertenece la imagen superior—, que el año pasado recibió este mismo galardón con el cortometraje “La guerra” que dirigió junto a Jorge C. Dorado.

“Cirugía” de Alberto González, otra cinta muy premiada este año, ha conseguido el premio al mejor cortometraje de animación y 800 euros, mientras que Lucina Gil consigue el de mejor cortometraje documental y 800 euros con “El hombre feliz”. El premio del Mejor Cortometraje de Castilla y León y 800 euros ha sido para Rodrigo Rodero por “Seis o siete veranos”.

El Jurado ha concedido también el premio a la mejor dirección a Daniel Sánchez Arévalo y el de mejor actor a Javier Pereira y Raúl Arévalo por “Traumalogía”.

La lista completa de ganadores es la siguiente:

• Primer Premio: Roel de Oro y 6.500 euros, concedido por el voto del público: “Sálvame”, de Javier Veiga

• Roel de Plata y 3.000 euros al mejor cortometraje inédito, concedido por el voto del público: “Candela”, de Sergi González

• 2º Premio y 1.000 euros al 2º Cortometraje de ficción más votado por el público: “Nasija”, de Guillermo Ríos

• Premio Especial del Jurado: Roel de Plata y 3.000 euros: “For®est in the de(s)ert” de Luiso Berdejo

• Premio del Jurado al mejor corto de animación: 800 euros y trofeo: “Cirugía” de Alberto González

• Premio del Jurado al mejor corto documental: 800 euros y trofeo: “El hombre feliz” de Lucina Gil.

• Premio del Jurado al mejor corto de Castilla y León: 800 euros y trofeo: “Seis o siete veranos” de Rodrigo Rodero

• Premios del Jurado al mejor director, actor, actriz, guión, música original, fotografía, montaje y sonido: 300 euros y trofeo.

• Director: Daniel Sánchez Arévalo por “Traumalogía”

• Actor: Javier Pereira y Raúl Arévalo por “Traumalogía”

• Actriz: Miriam Martín por “El relevo”

• Guión: Arantzazu G. Bayón por “Un hombre tranquilo”

• Música Original: Christian Tosat por “Verano azul o los efectos de Andrés”

• Fotografía: José David Montero por “Verano azul o los efectos de Andrés”

• Montaje: Enrique García por “Máquina”

• Sonido: Anna Solanas por “Violeta, la pescadora del mar negro”

• Dirección artística: Marc Riba por “Violeta, la pescadora del mar negro”

• Premio de la Juventud: 1.000 euros y trofeo: “Un hombre tranquilo” de Arantzazu G. Bayón.

Concurso Nacional de Proyectos de Cortometrajes

• Proyecto ganador: “Elige tu propia aventura” de El Columpio P.C, firmado por Ángela Armero

Aquí se pueden ver los ganadores en formato digital y en el resto de los certámenes.