Vuelvo a recuperar esta sección de “frases de cine”, tras un tiempo en el banquillo (tengo una relación difícil con ella, es como Guti). He recopilado un gran puñado de declaraciones desde la última vez, pero como no tiene sentido ponerlas todas he seleccionado lo más llamativo e interesante y lo publicaré en dos partes (como ‘Kill Bill’). La primera la tenéis aquí y la segunda espero poder publicarla el domingo o el lunes, como muy tarde. Espero que os resulte una lectura entretenida.

Aprovechando que todos los medios están como locos por hablar con James Cameron, con motivo del próximo estreno de la esperadísima ‘Avatar’, el realizador se ha soltado la lengua y ha empezado a hablar de todo un poco, destacando bastante lo que os cito a continuación, sobre su taquillera y premiadísima (y ñoña) ‘Titanic’:

Hice ‘Titanic’ porque quería lanzarme a un naufragio, no porque quisiera hacer esa película particularmente… ‘Titanic’ iba sobre “jódete dinero”. [...] Simplemente dejamos que Kate Winslet pensara que se estaba ahogando. Escupir un poco de agua y toser no cuenta para mí, porque yo casi me ahogué varias veces… Todos los que firman conmigo van a ser probados al máximo.

El realizador Hernán Migoya logró estrenar su primera película, ‘Soy un pelele’, pero la experiencia le resultó más lamentable que mágica. Ha contado lo podrido que está el negocio del cine en España, centrándose en las prácticas de la productora Iris Star:

Pere Domènech, mi productor, se jactaba de que sus películas constaban como rodadas en catalán, aunque estuvieran hechas en castellano, para cobrar de la Generalitat [...] Los productores hablaban de los 150.000 euros que esperaban sacar.

Vicente Aranda habló en la Seminci sobre su última película, ‘Luna caliente’ (nada que ver con la saga de ‘Crepúsculo’, por supuesto), y sobre el protagonista dijo esto:

Yo ya quería llevar a Eduard Fernández en una película anterior pero no quiso el productor porque, por lo visto, cuando este actor entra en un restaurante no se queda todo el mundo mirándole. No es un galán. Pero a mí me gusta como lo hace y, sobre todo, tiene una condición: que piensa. La cámara es una máquina que descubre lo que piensas. Cuando un actor piensa dicen que tiene fotogenia, pero, en realidad, quiere decir que usa la cabeza.

Ramón Antonio Gerardo Estévez, más conocido como Martin Sheen, estuvo en España rodando su nueva película, ‘The Way’, y dijo un par de cosas sobre su carrera:

Con mi currículo repleto de malos títulos no puedo abrir la boca… Soy actor y así he mantenido a mi familia. Pero habré estado en unos 10 filmes de los que puedo sentirme orgulloso.

El director Álex de la Iglesia, ahora el presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, cree que lo esencial ahora es crear una industria en España, y regular para poder competir:

Hacer menos películas, pero con más entidad financiera para tener su promoción y distribución.

Kenny Ortega, el realizador de ‘This is It’, asegura que su película es honesta, que es un reflejo de cómo era Michael Jackson y la energía que aún conservaba:

Una gran parte de la película está en tiempo real, algunas partes son como un collage, una mezcla de distintos días, pero pienso que realmente captura lo que esta experiencia significó para Michael y para nosotros en este momento de nuestras vidas, todo este proceso creativo y sólo durante los cuatro meses; de marzo a junio, nada ha sido añadido.

David Trueba se ha tomado un descanso de cine (no sé si alguien lo habrá notado) para escribir su novela ‘Saber perder’. En un acto de promoción en Murcia, se refirió a Hollywood y el cine “extranjero”:

La gente está manipulada por la enorme propaganda que esa industria mueve alrededor, haciéndonos cree que todo lo que ellos hacen es fundamental para la vida y que lo que está haciendo un tipo en Suecia, Polonia, Francia o Corea no tiene mucha importancia. Este año los americanos habrán hecho unas 150 películas de vampiros y, sin embargo, la mejor película de vampiros del año es la sueca ‘Déjame entrar’ para cualquiera que se acerque y la vea sin perjuicios.

Richard Gere, actualmente en nuestras carteleras con ‘Siempre a tu lado: Hachiko’, se ha referido recientemente a los malos momentos que vive el cine actual:

Cada vez es más difícil hacer una buena película. Cuesta mucho lograr financiar un buen guión. Por muy pequeña que sea, una película en Hollywood exige diez, quince, veinte millones de dólares. Tal y cómo están las cosas, ponerlos encima de la mesa es un riesgo muy grande.

El realizador Costa-Gavras habla sobre la inmigración en su última película, ‘Edén al Oeste’, en un tono menos dramático de lo que suele ser habitual; sin embargo, parece que eso del final feliz no va con él:

El final feliz, en el sentido clásico, es siempre agradecido para el espectador porque le permite irse a casa y olvidar el asunto. Yo prefiero que la gente salga con dudas.

Alejandro Amenábar es uno de los privilegiados del mundo del cine en España, pero parece que todavía no ha perdido la perspectiva… O sí, mirad con quién se compara:

Spielberg fracasó con su quinta película. ‘Ágora’ es mi quinta película o sea que a mí ya me toca fracasar.

Robert Pattinson es un tío con suerte. Gracias a la saga ‘Crepúsculo’ está en todas partes, cuando hace unos años sólo era un secundario que salía en par de películas de ‘Harry Potter’. He encontrado estas curiosas declaraciones sobre su vida personal:

Mis hermanas mayores me vestían de niña y me llamaban Claudia. [...] El ligue no se me da nada bien. Soy más bien un solitario y un aburrido. Me quedo en casa, veo la tele y devoro comida basura.

PD: Otras perla de Cameron, ahora sobre lo que provocará ‘Avatar’: “Sabemos por los pases previos que la respuesta es público extasiado en un 95%. La mayor parte del 5% negativo son fanáticos que se han imaginado una película en sus cabezas, pero ahora tienen que enfrentarse a la mía“.

Vía | Cinematical, Elmundo, Levante-emv, EuropaPress, Zaragozaonline, 20Minutos, Lavanguardia, Noticine, Elpaís, Nortedecastilla, Libertaddigital

‘This Is It’ ha logrado más o menos lo que se esperaba de ella, lograr un éxito de taquilla, aunque sus responsables probablemente esperaban más recaudación. El documental, que es algo así como un making off de un concierto que nunca se celebrará, ha obtenido unas críticas positivas —eso no quiere decir excelentes—, y el público votante en la IMDb la recibe con más alegría. Recordemos que el film sólo estará en cartelera durante dos semanas, curiosa peripecia comercial que no creo les salga como tenían pensado.

En el top ten se cuela ‘Amelia’, la nueva película de Mira Nair, que narra la odisea real de Amelia Earhart, aviadora que desapareció sobrevolando el Océano Pacífico en 1937, intentando dar la vuelta al mundo en avión. Hilary Swank, probablemente en otra de esas interpretaciones que huelen a Oscar, y Richard Gere, encabezan su reparto. La crítica no la trata bien, y el público votante no se muestra muy entusiasmado. Por estos lares la veremos a partir del 20 de noviembre.

Vía | IMDb

Nadie es perfecto. No hay gente por ahí perfecta. Todo el mundo tiene medio demonio y medio ángel dentro.

- Linda

Si algunos cinéfilos (y no pocos analistas) consideran ‘Días del cielo’ como una película preciosista, pero también sosa y pagada de sí misma, por la innegable belleza de sus prístinas imágenes, por el extraño tono que Malick imprime a su mirada, y por la insólita dirección de actores que despliega, quizá otros podríamos desarrollar la percepción de que esta historia de falsos hermanos amantes, que deciden sacrificar su amor para librarse de una terrible pobreza y desesperanza, es una evidente parábola sobre el cielo y el infierno, evidenciada en todos y cada uno de sus elementos.

De hecho, el cielo y el infierno se dan la mano en este relato, de manera eminentemente visual, y nunca moralizadora. Y en realidad, más que parábolas, sus imágenes nos advierten que el cielo y el infierno están aquí, en la Tierra. Y que tanto los demonios como los ángeles viven juntos. Podría decirse, quizá, que en esta película Dios (Sam Shepard) se enamora de un Ángel Caído (Brooke Adams), y que un hombre imperfecto le asesina por ello, echando a perder la posibilidad de vivir en el cielo.

Una sinfonía a tres voces

El misterioso, bello (cómo se parece en esta película Shepard a Gere, parecen hermanos…) y solitario Granjero rico se enamora de la vagabunda. Y es idea de Bill que la mujer de la que está enamorado se vaya con él. Y la convence con argumentos solapados, sin nombrar nunca al asunto tal cual. una vez se el granjero se casa con ella, se establece una sinfonía a tres voces. A saber: la adoración del marido por su mujer pero también su desconfianza por su relación con su supuesto hermano, el cargo de conciencia de Abby y a la vez su amor por ambos hombres, y los crecientes celos y vacío vital de Bill.

La pequeña Linda, hermana de Bill (¿será ésta una hermana auténtica, o tampoco?), ejercerá de punto de vista, con su condición entre la infancia y la adolescencia. Su mirada es nuestra mirada, y en parte también la del director. También se inicia una apasionante relación de amistad truncada entre el Granjero y Bill. Es apasionante observar al hombre privilegiado compartir su tiempo con el paria, y también cómo, a pesar de la paciencia y la bondad del primero, el rencor y la ira del segundo por la vida que le ha tocado vivir hará que todo termine en tragedia.

¿Cómo narra Malick esta compleja sinfonía, narrada por un cuarto personaje, y punteada por la inquietante presencia del hombre de confianza del Granjero, interpretado con indescriptible fiereza por el legendario Robert J. Wilke? Pues con una pasmosa sencillez, que esconde una intención serena y plausible de relatar esta tragedia de forma verdaderamente única y alejada de lo que podríamos esperar de cualquier otro director. Malick es un hombre muy culto y muy personal que no va a ceder jamás a las tentaciones de lo comercial o lo estrictamente narrativo, si esto último puede comprometer la verdad de lo relatado.

De esta manera, los tres parias conocen en verdad el cielo en la Tierra, que no es otro que la riqueza y la ausencia de problemas materiales. Tal como asegura la perspicaz Linda, los ricos lo tienen muy fácil. Pero Bill se siente muy solo, en esa abundancia. A pesar de que por fin puede descansar y no tiene que trabajar para comer, pone en peligro ese “cielo” al no querer renunciar a Abby. ¿Son malvados ambos personajes por ello? Malick no les juzga, a pesar del evidente daño que le hacen al Granjero, que les abre las puertas de ese “cielo”.

Y ahí están las imágenes con las que este director fragua su estilo, como si las cazara al vuelo: a la declaración de soledad de Bill sendas imágenes de la caseta y de la sombrilla abandonadas, a las sospechas del Granjero de que su mujer no es del todo sincera se corta a la imagen de una pintura con un tigre emboscado. Lo narrativo, o convencional, deja paso a la imagen como figura absoluta, carente de significado por parte del director, pues el espectador es invitado a dotarlas del significado que le otorguen sus propias sensaciones. Así como la contenida dirección de los actores también da pie a que sea el espectador el que aporte sus propios sentimientos. La sencillez es absoluta: tres voces; pero la conmoción que provoca en el espectador es compleja y profunda.

Pero no nos pone las imágenes en bandeja el director, como podría creerse. Las repetidas imágenes contrapicadas del Granjero podían dar una obvia idea de qué significa este personaje, pero también hay planos de igual índole para Bill. Hacia la hora de película, tenemos un asombroso plano, en el que podemos ver, desde dentro de la tierra, cómo nace y crece la semilla del cereal, para ser arrancada después por el capataz, quien observa la evolución de las cosechas. Pronto hay una nueva recogida. En ese momento vuelve Bill después de una prolongada ausencia. Las sospechas del Granjero se ven confirmadas. Una plaga de langostas amenaza la recolecta, pero además el Granjero prende fuego accidentalmente a sus campos atancando furiosamente a Bill. ¿Una imagen bíblica de la ira de Dios? Demasiado fácil.

Decir que los personajes de esta película representan tan solo parábolas del asesinato de Dios, o decir que es simplemente un relato de la lucha de clases, sería empequeñecer su belleza. Este material daría para un melodrama de tintes pasionales y trágicos. Pero Malick huye de eso, no se pone a sí mismo las cosas fáciles y saborea el no cumplir las expectativas del espectador. Una vez consumada la traición, los tres huirán a ninguna parte (imposible no establecer paralelismos con la huida de ‘Malas Tierras’). ¿Enfatiza Malick de manera tradicional esta huida? Nada de eso. Regresa la música folk, que desactiva la trascendencia, vuelve la voz en off de Linda, que tampoco participa de la ansiedad de ser perseguidos. En lugar de eso, camina por otros derroteros, más existencialistas.

El final es veloz e inmisericorde. Bill camina por el bosque, admirando sus colores como John Smith en ‘El nuevo mundo’. Y huye despavorido rifle en mano como Kit en ‘Malas tierras’. Los funcionarios de la justicia actúan sin escrúpulos, eliminando a un deshecho prescindible. Es escalofriante observar de qué modo a nadie le importa un asesinato institucional. Pero, de nuevo, Malick no enfatiza, sino que corta bruscamente a la siguiente secuencia. El mundo sigue, con su rutinario vacío. Eso es más terrible que mostrar el dolor y la pérdida de la muerte tal cual.

Conclusión a un díptico único

Con ‘Días del cielo’, por la que Néstor Almendros ganaba el Oscar gracias a su labor fotográfica, Malick cierra década, y prácticamente siglo. Tanto esta como ‘Malas tierras’ forman un díptico singularísimo, de serena personalidad. Se había convertido, además, en un autor respetado (también él ganaba el premio a la mejor dirección en Cannes) y admirado. Pero en ese momento, decidía, por razones que nadie conoce, desaparecer de escena e irse, por lo que parece, a vivir a Francia y otros lugares de Europa. Veinte años tardaría en volver a dirigir una película.

Sin embargo volvería con una portentosa obra maestra.

Había gente sufriendo hambre y enfermedades. Algunos estaban con la lengua colgando fuera de su boca.

-Linda

Algunos años después de su debut, Terrence Malick emprendió la realización de su segunda película como director, de la que sería, también, el autor en solitario del guión. Este aspecto es bastante importante, y muy poca gente lo ha señalado, que sea siempre el autor en solitario de sus guiones. Y es importante porque su trabajo literario previo es, en sí mismo, susceptible de ser analizado estéticamente, al conformar un compendio de ideas, investigaciones históricas, estructuras filosóficas, inquietudes ecológica y espirituales.

Es decir, el guión es un primer nivel que, aunque este director a menudo “fusila” en el transcurso de sus rodajes, otorgándole nuevas formas y estructuras, se convierte en la base sobre la que se sustentan otros niveles. Parece que siempre debiera ser así, pero no hay tantos directores con este poderosísimo sentido visual que, además, tengan tan presente la palabra como imagen en sí misma. ‘Días del cielo’ no es un itinerario suicida como ‘Malas Tierras’, sino un relato lírico y aparentemente estático sobre las miserias de la pobreza.

Amantes y hermanos

Los títulos de crédito de esta película ya son una declaración de principios, estética y filosóficamente. Imágenes auténticas de la época (Chicago, 1916, aunque nunca se dan estos datos en la película), en las que observamos a pobres y a ricos, a los deshechos de la sociedad y a los que han medrado en ella, todo mezclado con las instantáneas de enormes edificios y construcciones que empequeñecen a la gente. De fondo, la música de Morricone le da un toque de cuento de hadas melancólico. Resulta curioso de qué forma muchos espectadores consideran a Malick ñoño o cursi, aduciendo que sus historias son amables o preciosistas, lo que demuestra cierta estrechez de miras.

Estrechez porque detrás de la mirada generosa y compasiva de Malick se encuentran unas historias que pueden calificarse de cualquier manera excepto ñoñas o amables. En esta ocasión es la historia de tres pobres diablos: Bill (Richard Gere), Abby (Brooke Adams) y Linda (Linda Manz), que huyen de la ciudad para ir a trabajar, como tantos otros vagabundos y abandonados de la sociedad, al campo, donde se convierten en mano de obra para la recolección de cosechas, cobrando un sueldo ínfimo. Pero no es una historia más descarnada que la de dos jóvenes que emprenden una carrera de asesinatos, o la de un grupo de soldados en la Segunda Guerra Mundial, o la de la destrucción mutua de dos culturas.

Una breve presentación a cada uno de los tres personajes finaliza con el motivo principal por el que el trío se va de la ciudad: el asesinato de un hombre por parte del imprevisible y siempre iracundo Bill, que en su durísimo trabajo en una fundición pierde los nervios y de un golpe furioso termina con su jefe, aunque no era su intención. La forma de dirigirlo por parte de Malick resulta tremendamente interesante. La confrontación entre ambos hombres está cortada a tajo, con la inserción violenta de planos de la fundición y del resto de trabajadores. La violencia, más que verse, se siente. Los diálogos, fracturados. Las miradas, equívocas. Comienza la voz en off de Linda en el mismo momento en que Bill descubre que le ha asesinado. Este nuevo nivel narrativo desactiva completamente el sonido ambiente, pero de alguna forma potencia la violencia trágica de esta primera escena larga.

Dice el director que si las imágenes van por un lado y la voz en off por otro, resulta algo mucho más interesante, y tiene mucha razón. Así sucede durante toda su obra, y esta película no es una excepción. La voz en off de Linda no explica las imágenes, ni la llegada de los personajes a la enorme hacienda del personaje de Sam Shepard. En lugar de eso ofrece un trenzado junto a las imágenes que las enriquece al mismo tiempo que viaja por derroteros muy lejanos a ellas, como si la mente de Linda viajase mucho más lejos de lo que esa realidad gris y triste le permite físicamente.

Así, llegan a la misteriosa casa del granjero rico, cuya arquitectura de finales del siglo XIX, con colores ocres, con su apariencia abstracta, preside los terrenos donde los vagabundos se rompen el espinazo todos los días, sin descanso. Algunos momentos de paz anteceden al trabajo duro. Una sugerente imagen, con la silueta oscura de un espantapájaros recortada contra los sembrados y el cielo ocre, llama poderosamente la atención: es la imágen totémica de este relato, pues en ella confluyen todos los temas que contiene, como si el hombre fuera un ser inerte, entre el cielo y la tierra, una silueta oscura, imperfecta, mutilada.

Malick confía plenamente en la imagen como un absoluto, no como una mera herramienta narrativa con la que construir el tiempo, sino con la que el tiempo se detiene y se vuelve sobre sí mismo, pues para él merece la pena detenerse en lo que significan y en lo que sugieren, sacrificando así la misma sustancia conque está hecha la imagen, y haciéndola levitar, literalmente, haciéndola volar sobre el suelo. La secuencia de ‘Días del cielo’ parece un sueño que flota sobre la conciencia del espectador, acosando su consciencia. Pero es un relato de una materia muy sencilla, sin dobleces. El granjero enseguida se fija en Abby, y la tragedia está servida.

Bill y Abbey no son hermanos, sino amantes, pero todo el mundo les conoce como si lo fueran. Y en cuanto el granjero se interesa por ella Bill no tiene el menor reparo en seguir mintiendo, aunque ella muestra bastantes reticencias. Ahí empieza la verdadera película, y sobre este tremendo triángulo, y el modo en que Malick lo trata, hablaremos en el próximo capítulo.

Hilary Swank tiene ya dos Oscars, pero dicen que podría ganar otra estatuilla más por su trabajo en ‘Amelia’, interesante película de la que os traigo un tráiler y un montón de carteles. El avance está muy bien hecho y deja buen sabor de boca, aunque quizá dura demasiado, como es ya habitual.

La historia se centra en la vida de la piloto norteamericana Amelia Earhart, desaparecida mientras sobrevolaba el Océano Pacífico en 1937, en un intento por dar la vuelta al mundo. En la película se narra su ascenso a la fama, su matrimonio con el publicista George Putnam y su apasionado romance con Gene Vidal, padre del escritor Gore Vidal. La dirección ha corrido a cargo de Mira Nair, responsable de ‘La feria de las vanidades’, ‘El buen nombre’ y de uno de los segmentos de ‘New York, I Love You’, próximamente en nuestras salas.

Además de Swank, el reparto está integrado por Richard Gere, Virginia Madsen, Mia Wasikowska (la protagonista de ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Tim Burton), Ewan McGregor y Christopher Eccleston, entre otros, lo que sin duda contribuye a que ‘Amelia’ sea un plato muy atractivo. La fecha del estreno es el próximo 23 de octubre, en Estados Unidos; por el momento no hay día señalado para España.

Galería de fotos

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PD: ¿Qué cartel os gusta más?

Vía | Worstpreviews

Cariño, a lo mejor puedes pasarte por blanca, pero no eres invisible

-Sandman Williams

En ocasiones, queriendo salir de una situación que a priori parece desesperada, terminamos cayendo en la verdadera trampa. Es lo que ocurre cuando, huyendo de nuestro posible verdugo, vamos a parar bajo las ruedas de un autobús. Y algo parecido le sucedió a Coppola, que cuando creía levantar el vuelvo con la maravillosa ‘Rebeldes’, cayó dándose un buen golpe debido al fracaso rotundo en taquilla de la fascinante ‘La ley de la calle’. Y cuando, para salir del atolladero en que estaba metido, no olvidemos el fiasco de ‘Corazonada’, cogió una llamada de Robert Evans.

Evans, que fue uno de los que le hicieron la vida imposible durante el rodaje del primer Padrino. El megalómano y engatusador productor veía que se le iba de las manos su proyecto sobre uno de los locales más famosos de su país a principios de siglo, el Cotton Club, al que sólo podían asistir (adinerados) blancos, y donde sólo podían tocar y bailar talentosos negros, y decidió llamar al que le había salvado en aquella tragedia italoamericana, dando sorpresivamente la vuelta a la situación. Coppola aceptó, y aún se lamenta de ello.

Fue el penúltimo reencuentro con Mario Puzo, con quien le unía una amistad sincera. Gracias a su complicidad, Coppola pudo hacer algunos cambios en el guión previsto. Se trataba de narrar la historia de dos parejas de hermanos (dos negros y dos blancos), cuyas trayectorias vitales se entrecruzaban y rozaban sin llegar a tocarse, o a influenciarse del todo. Aunque en realidad, ‘The Cotton Club’ es una historia coral, donde varios personajes, con el local, la ciudad de Nueva York, la Ley seca y la depresión de fondo, y la música negra y el magnífico score de John Barry como acompañamiento insustituible. Pero algo no acaba de funcionar debidamente.

Cuando Coppola llega a la película, cuyo rodaje ya había comenzado, aquel proyecto ya era un pozo sin fondo. Y a parte de eso…¿qué clase de película era? ¿De autor, comercial? ¿Un musical, cine negro, melodrama? La película sale perjudicada de esa indefinición tonal, y Coppola termina firmando su película más impersonal hasta la fecha. El director que se implica en cada película como si fuera la última, que siempre cuenta algo de su vida a través de sus películas, por primera vez no tiene nada que decir, se queda mudo entre tanto ruido y tanta parafernalia.

Hermanos y música

Veníamos, precisamente, de otra historia de hermanos con ‘La ley de la calle’, pero allí teníamos la sensación de que el director estaba en su salsa, y aquí todo parece un remedo de otras películas suyas (sobre todo ‘El padrino’) y de otros directores que, a lo mejor, podrían haber dado algo más que una realización, eso sí, soberbia. El empaque de la película es esplendoroso. Es un juego de luces y sombras, de sedas y bordados, de cuerpos y melodías. Todo parece un baile sin fin, pero el corazón está ausente.

Hasta ahora todos los personajes centrales de sus películas aprendían algo terrible, mental o emocionalmente. Aquí, el personaje central, el cínico Dixie Dwyer (interpretado por Richard Gere con poca intensidad, por cierto es él quien toca realmente la trompeta) pasa de puntillas por la película, y la identificación es nula. Nos da exactamente igual lo que le pase, porque a él también le da igual. Sabemos que le gusta tocar la trompeta y que es un buen músico de jazz, pero no sabemos lo que quiere, ni lo que le importa, exceptuando estar cerca de la belísima, una vez más, Vera Cicero (Diane Lane, esplendorosa).

En cuanto a Sandman Williams (estupendo Gregory Hines, como siempre) su peripecia de pérdida y reconciliación con su hermano parece una simple anécdota sin fuerza, y aunque nos cae bien y queremos que su vida amorosa, familiar y profesional encuentre una armonía compleja, en el fondo sabemos que todo va a ir bien, y que la verdadera razón de ser, al menos aquí, no tiene nada que ver con los sentimientos de los personajes, sino con la poderosa parafernalia que les rodea, que epata al espectador (y de qué manera) y que termina tragándolo todo.

Por supuesto que hay una violencia salvaje, y también grandes secuencias musicales (aunque Coppola no la considera un musical en sentido estricto, pues como él dice, en un musical no entiendes la historia sin las canciones, lo cual es cierto) y grandes valores narrativos. Aquí, por ejemplo, es inevitable acordarse de la secuencia del asesinato final, con el bailarín golpeando el suelo con los pies y el sicario disparando la ametralladora en paralelo. Esto tiene un aroma que nos retrotrae a las secuencias finales de los dos primeros padrinos, sobre todo el primero. Pero también tiene otro aroma, el de Bob Fosse, a quien Coppola idolatraba. Sin embargo, a pesar de que el virtuosismo y la destreza están muy presentes, una vez más el corazón no lo está.

Coppola perdió la libertad

El director norteamericano con el mundo más personal, a pesar de cambiar sutilmente de estilo a cada nueva película, a cada nueva aventura, se hace impersonal buscando la supervivencia. Y el sueldo es generoso, pero pierde con ella el favor de los grandes estudios. En tres años, conoce tres fracasos rotundos y muy dolorosos, pierde Zoetrope y pierde el control de su carrera. Fracasa tanto en las grandes películas ambiciosas como en el cine de autor, así como en el cine de encargo. Su golpe es duro aunque no letal, pues hacía pocos años que había conocido grandes éxitos económicos, pero su orgullo puede más que su sensatez y acaba convertido, por unos años, en una sombra de sí mismo.

‘The Cotton Club’ es una película digna de ver, pero indigna de este grandísimo artista. Si la hubiera dirigido otro admiraríamos su empuje y su arrojo, pero siendo de Coppola esperamos además verdad y personalidad. Y de eso no hay. Eso sí, como espectáculo, elemento que es lo que más le importa al espectador más perezoso, es uno de primer orden, vistoso y subyugante.

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‘Noches de Tormenta’ es el título español de ‘Nights in Rodanthe’, tanto para la película dirigida por George C. Wolfe, como para la novela escrita por Nicholas Sparks. Como ya comentamos cuando este film se estrenó en nuestro país (el pasado 24 de octubre), la pluma de Sparks ha dado lugar a varios títulos muy conocidos popularmente, como ‘Mensaje en una Botella’, ‘Un Paseo para Recordar’ y ‘El Diario de Noa’, una de esas películas que parece entusiasmar a todo el que la ve (especialmente al público más femenino). Podríamos decir, alejándonos de los árboles y mirando el bosque, que este señor parte de historias románticas tópicas para darles un giro inusual en el género.

Protagonizada por Richard Gere y Diane Lane, aun hoy ganchos para el público, ‘Noches de Tormenta’ nos habla de oportunidades perdidas, de decisiones equivocadas, de tiempo perdido. Paradójicamente, la propia película produce eso mismo en el espectador, perder el tiempo, sensación de haberse equivocado eligiendo ésta y no otra. Porque ‘Noches de Tormenta’ es una obra simple y tópica, pobre, sin nada que ofrecer.

La historia de la película gira en torno a dos personas que se encuentran en una situación que podríamos calificar de crítica. Tras una vida que creían correcta, exitosa, se dan cuenta de que no son felices, todo lo contrario, están al borde de un abismo existencial. Necesitan hacer algo. Necesitan encontrar algo, decidir algo, cambiar de dirección. Van a explotar si no lo hacen.

Por un lado tenemos a un prestigioso doctor interpretado por Richard Gere, que viaja solo al pueblo costero de Rodanthe, en Carolina del Norte (un buen sitio para tomar café), con motivo de una trágica operación en la que estuvo implicado directamente. Allí se aloja en una preciosa pensión, situada justo en la playa, donde resulta ser el único cliente, quizá por la amenaza de un huracán que, dicen, está por llegar.

De esta forma, el personaje de Gere conoce al que encarna Diane Lane, la otra protagonista de la historia, la encargada de la pensión. Es una mujer separada de su marido, por una infidelidad cometida por éste tiempo atrás; poco antes de marchar hacia la casa donde pasará unos días con el cirujano, el marido pide volver a casa, poniendo a los dos hijos que tienen en común como razón para salvar el matrimonio.

Dejando a un lado los habituales tópicos que suelen incluir este tipo de películas, y que ya casi pasamos por alto, para intentar disfrutar en la medida de lo posible de la historia que se nos propone, ‘Noches de Tormenta’ cae en un error importante. No ofrece impedimentos serios a lo que todo espectador sabe que va a suceder, antes o después. De hecho, lo que es peor, eso que va a suceder, que sabemos que va a ocurrir, se nos da tarde, demasiado en mi opinión.

Si habéis leído algo sobre el guión cinematográfico, os habréis dado cuenta de lo fundamental que resultan los conflictos, los impedimentos que deben tener los personajes para cumplir sus deseos principales. De eso va este tema, de eso va, en general, la construcción de los guiones. De crear situaciones que impidan a los protagonistas conseguir sus objetivos, especialmente el “gran objetivo central” de la historia.

En ‘Noches de Tormenta’ no hay nada de eso. Se nos presenta a dos personajes infelices que están destinados a encontrarse y a mantener un romance tan apasionado que cambiará sus vidas, superando todo lo que les impide ser felices. Esto es lo que se nos vende, lo que esperamos y lo que efectivamente encontramos. Pero todo está dispuesto de una forma tan simple y tópica, tan facilona, que ni hay conflicto ni, por consiguiente, tensión, emoción, drama ni entretenimiento. No hay nada.

Durante casi toda la película, se asiste a hechos previsibles, filmados sin ningún entusiasmo, montados de forma lamentable (atención a los flashbacks, torpes y mal integrados), e interpretados por dos actores (Gere y Lane) que, si bien se entregan honestamente a sus roles, están muy desaprovechados. Son marionetas parlantes que intentan reflejar emociones y se besan ocasionalmente. Cosa similar podemos decir de los actores que interpretan papeles secundarios (salvo lo de los besos). James Franco apenas sale en tres secuencias, quedando su trabajo reducido a poner cara seria y soltar unos diálogos de manual de telenovela. Scott Glenn, por el contrario, aun teniendo también poco tiempo a su disposición, es el protagonista del mejor momento de toda la película, el único que consigue emocionar. No lo cuento por si decidís, en contra de mi recomendación, ir a ver el film.

Al margen de que quisieran volver a trabajar juntos (debe ser gracioso para ellos interpretar a esta pareja tras ‘Infiel’) y/o les hayan pagado más que estupendamente, no encuentro razones sólidas para que dos figuras como Richard Gere y Diane Lane hayan aceptado intervenir en esta película. Mirando al público, tampoco encuentro motivos de peso para recomendar ‘Noches de Tormenta’. Imagino que sólo es una oferta válida para muy fans de estos actores y/o del género romántico. Para el resto, muy probablemente, ver este film sea perder el tiempo.

La carrera de Shia LaBeouf es simple y llanamente espectacular, comercialmente hablando. Tras romper taquillas en todo el mundo con ‘Disturbia’, ‘Transformers’ e ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’, ahora se encarama en lo más alto del hit parade, quizá con resultados menores de lo esperado, con ‘La conspiración del pánico’, thriller de acción dirigido por D.J. Caruso que no ha convencido demasiado a la crítica, y el público no parece saltar de alegría. En España parece que la veremos el 10 de Octubre.

Richard Gere y Diane Lane vuelve a verse las caras después de ‘Cotton Club’ e ‘Infiel’ en ‘Noches de tormenta’, la historia de un hombre que se lía con una mujer casada pero infeliz, lo que ya es suficiente para justificar la infidelidad. La crítica le hace ascos, y el público poco más. Servidor no se la pierde, porque me encantan las infidelidades, y sobre todo Diane Lane. El 24 de Octubre por estos lares.

¿Os acordáis de la serie de televisión ‘Los problemas crecen’ y de Kirk Cameron? Pues ahora, el chaval, cerca ya de los 40, se cuela en el top ten con ‘Fireproof’, la historia de un bombero que se somete a una terapia de cuarenta días con la intención de salvar su matrimonio. La crítica la aprueba, y el público no se entusiasma demasiado. Aquí no hay fecha de estreno, algo que no me va a quitar el sueño.

Spike Lee ha estrenado nuevo film, ‘Miracle at St. Anna’ con la que supongo completa su protesta contra Clint Eastwood por no meter negros en su encomiable díptico sobre Iwo Jima. El resultado ha sido un batacazo sonado para este film bélico. La crítica se ha despachado a gusto, y el público no arma demasiado revuelo. Con todo, es la que más ganas tengo de ver, pues a tito Spike se le irá toda la fuerza por la boca soltando sandeces de todo tipo, pero cuando se pone le salen peliculones como ‘La última noche’. Sin fecha de estreno en España.

Vía | Box Office Mojo

‘Noches de Tormenta’ es el título bajo el que conoceremos ‘Nights in Rodanthe’, un drama romántico que cuenta con Richard Gere y Diane Lane en los papeles principales. La película está basada en una novela (‘The Notebook’) de Nicholas Sparks, de cuya inspiración han salido otras películas como ‘Mensaje en una Botella’, ‘Un Paseo para Recordar’ y ‘El Diario de Noa’; si has visto estas tres, creo que te puedes hacer una idea bastante clara de por dónde va esta nueva película, ¿cierto? James Franco, Scott Glenn, Christopher Meloni y Viola Davis acompañan a la pareja protagonista interpretando roles secundarios.

Dirigida por George C. Wolfe, ‘Nights in Rodanthe’ gira en torno a un médico que viaja para ver a su hijo, fruto de un matrimonio roto, que en el camino se cruza con una mujer (casada) aburrida de su vida, surgiendo un romance que cambiará sus tristes existencias. El trailer os lo dejo abajo, con subtítulos en castellano, ya me diréis qué os parece. Recordemos que Gere y Lane ya fueron pareja en ‘Infiel’, donde como indica el título, la fidelidad conyugal tenía menos valor que un título universitario en España. Previamente, ambos coincideron en ‘Cotton Club’, de Francis Ford Coppola. El próximo 26 de septiembre, la película llegará a los cines norteamericanos; casi dos meses después, el 14 de noviembre, se estrenará en los españoles.

Póster vía | Impawards

Interesantes estas primeras imágenes de ‘Amelia’, una cinta dirigida por Mira Nair y protagonizada por Hilary Swank, además de contar con Richard Gere, Ewan McGregor y Virginia Madsen (toda una alegría volver a verla). Ambientada en la década de los 30 del pasado siglo, nos cuenta la historia de Amelia Earhart, una famosa aviadora de la época que desapareció misteriosamente durante un vuelo alrededor del mundo.

Hillary Swank luce espléndida este aspecto de aviadora para esta película, en la que se ha volcado de lleno, puesto que también es productora ejecutiva de la misma. Este biopic, que llegará a las salas el próximo año, cuenta con un reparto de lujo, y a tenor de estas primeras imágenes parece que un cuidadísimo diseño de vestuario y dirección artística, por lo que posee todos los ingredientes para optar a posibles Oscar. Además de ser un tipo de historias que gustan mucho a los miembros de la Academia de Hollywood.

La versión femenina de la reciente ‘El Aviador’ y que cuenta con la dirección de la realizadora india Mira Nair (de gran éxito en su país pero que lleva tiempo trabajando más en tierras californianas), lo que no deja de ser sorprendente si nos atenemos a su, hasta ahora, trayectoria. Ttítulos con un marcado rasgo de justicia social como ‘Salaam Bombay’, premio del público en Cannes en 1989 o ‘La boda del Monzón’, que se alzó con el León de Oro en la Mostra de Venecia de 2001. Sin duda un fuerte giro (aunque ya lo inició con ‘La feria de las vanidades’ en 2004), más próximo al puro estilo Hollywood, con una potente producción y una historia épica.

Para llevar a cabo esta película, Ronald Bass, su guionista, que ha adaptado varias biografías que narran los pasajes más destacados de la vida de esta intrépida aviadora que fue todo un ejemplo de superación y alcanzó una gran fama.

Sin duda, parece que será uno de los títulos destacados para el 2009, aunque aún no tiene fecha de estreno, y todavía se encuentra en fase de producción.

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Vía | First Showing
En Blog de Cine | Hilary Swank | ‘Amelia’