En todo caso, el Schrader crítico quedó eclipsado pronto por ser el autor de libretos de cintas bien conocidas de los setenta, siendo la más importante ‘Taxi Driver’ (id, 1976) de Martin Scorsese, una colaboración absolutamente inspirada. Schrader pronto intentó ser también un cineasta y ‘American Gigolo’ (id, 1980), su tercera película como director es un caso bastante curioso de un Hollywood posible, embriagador, extraño.

La película, usando una estructura de cine negro fatalista relativamente sencilla, narra la historia de un gigolo que pronto se verá envuelto en un escándalo por la inocencia. Si en su primera mitad importa la historia de amor que mantiene con una extraña cliente, una mujer adinerada con la que mantiene conversaciones sobre sexo y lo que es real o no, en la segunda, la acusación que pesa sobre él de haber matado a una cliente reciente marcará su descenso a los infiernos.

En su crítica de ‘Masculin-Femenin’, Schrader habla de Godard como alguien que ha descubierto que el “futuro no será la ideología, el futuro será la cultura juvenil de consumo”. Añade después En una de las escenas más memorables de su película, su gigolo se sienta, con un poster de torso de fondo. El estilo de esta película, marcado por los compases de Giorgio Moroder y el himno Call Me de Blondie, es extraño: una aplicación de los orígenes de Schrader, un amante impresionado de las aportaciones de Robert Bresson, en un sistema absolutamente contrario a estas. La propuesta de Schrader no es quimérica, es decididamente contranatural.

Tiene razón Dave Kehr cuando escribe que el referente aquí no es tanto el Bresson de ‘Pickpocket’ (id, 1959) sino ‘Al azar, Baltasar’ (Au Hazhard, Balthazar, 1966) comparando al burro en proceso de santidad con el gigolo. En su anterior ‘Hardcore: Un mundo oculto’ (Hardcore, 1979), Schrader probó, con un delirio impresionante, mezclar los motivos narrativos de ‘Centauros del desierto’ (The Searchers, 1956) con el universo bressoniano, con resultados visualmente interesantes y bastante desencajados, pero aquí al menos comprende que un esquema á la Siodmak (o a lo Pickpocket, por no salir de Bresson) si resulta adecuado. El problema es que la película hace demasiadas concesiones narrativas a la trama de tensión: si toda la película fuera tan climática como el largo plano secuencia de Richard Gere entrando a la discoteca o el primer acto, estaríamos ante un clásico y la culminación de un crítico/cineasta.

Es cierto que el estilo de la película impide que entremos en sus personajes. También que hay un exceso de diálogos con el policía encarnado por Hector Elizondo. Y que la película parece mucho más interesante cuando es sencillamente una crónica de una revelación trascendental por parte de un personaje decididamente antipático, rigurosamente vestido por Giorgio Armani, que descubre sus sentimientos. Me parece una decisión arriesgada, acertando también en su actor principal, un Richard Gere pletórico, sensual y esforzado. Schrader comete excesos escatológicos en sus diálogos, pero se atreve con un anticlímax en toda regla: su dirección tampoco se intuye como la plentitud de un estilista sino como la tentativa de un aprendiz, ya esforzado por salir de la sombra gigante de Scorsese.

He aquí uno de los avances más absurdos que he visto en mucho tiempo. Se trata del tráiler de ‘The Double’, un thriller sobre un asesino en serie que cuenta con un plantel de actores de lo más llamativo: Richard Gere, Topher Grace, Stephen Moyer, Stana Katic, Odette Yustman y Martin Sheen, entre otros. Así que hay un relativamente amplio público potencial para esta película, tanto los que hemos seguido las series ‘That ’70s Show’, ‘True Blood’ y ‘Castle’, los fans de las películas sobre retorcidas investigaciones criminales y las (todavía numerosas) incondicionales de Gere. Pero la han pifiado, han lanzando un extenso tráiler que revela toda la trama, todas las sorpresas, incluso la muerte de uno de los conocidos intérpretes. Menuda manera de destrozar una película…

La historia de ‘The Double’ arranca con el misterioso asesinato de un senador. El crimen parece llevar la firma de un legendario asesino soviético apodado “Casio” que había sido dado por muerto; esto hace que el ex agente de la CIA que mantiene haberlo liquidado forme equipo con un novato del FBI experto en “Casio” (el asesino, no el reloj) para intentar resolver el caso. Y gracias al vídeo, ya sabemos lo que ocurre. Dirigida por el debutante Michael Brandt, quien es también coautor del guion junto a Derek Haas (dos de los tres los guionistas de la adaptación al cine del cómic ‘Wanted’ y del remake de ‘El tren de las 3:10’), la película estará en los cines de Estados Unidos el próximo 23 de septiembre. A continuación tenéis el cartel, que acaba de salir, y es bastante simple, parece anunciar un corriente policiaco de estantería de videoclub…

PD: Si todavía la estáis esperando, ‘Los amos de Brooklyn’ (‘Brooklyn´s Finest’) se estrena por fin en nuestro país el 16 de septiembre.

Vía | Impawards

‘Los amos de Brooklyn’ (‘Brooklyn´s Finest’, Antoine Fuqua, 2009) es una película que permanece en el limbo por así decirlo en cuanto se refiere a su estreno español. Programada para la primera mitad del 2010 aún sigue sin saberse cuándo llegará a las carteleras, o si acaso se editará directamente al mercado del DVD y el Blu-ray, y lo cierto es que hablamos de una película que lejos de ser una maravilla no se merece el desprecio, o ignorancia, por parte de nuestros queridos distribuidores que, agobiados por la enorme cantidad de películas que llegan del otro lado del charco, desearían que el año tuviese 800 días. O eso o simplemente son unos vagos que no saben cómo vender un film que se aleja de la moda imperante en el actual cine de consumo hollywoodiense.

Antoine Fuqua es un caso extraño de director, es la sensación que tengo desde su debut. A veces tira por la sobriedad —la sobrevalorada ‘Training Day’ (id, 2001) o ‘Lágrimas del sol’ (‘Tears of the Sun’, 2003)—, y otras veces hace que nos acordemos de su familia —‘El rey Arturo’ (‘King Arthur’, 2004) o ‘Shooter’ (2007)—, muy parecido en forma a Clark Johnson, otro realizador de color, pero éste metido ahora de lleno en las series de televisión, como por ejemplo ‘The Wire’ —curiosamente, hasta cuatro actores de esta serie hacen acto de presencia en el film de Fuqua—, en la que Johnson hace un extraordinario papel como actor en la quinta temporada. Las coincidencias de ‘Los amos de Brooklyn’ con ‘The Wire’ no son pocas, y también con el film más conocido de Fuqua, aquel por el que Denzel Washington ganó un Oscar de consolación.

El argumento del film encierra tres historias paralelas, en plan ‘Crash’ (id, Paul Haggis, 2004), en las que tres policías de Nueva York conviven en el día a día en la zona de Brooklyn. Clarence (Don Cheadle) es un policía que por su trabajo de infiltrado ha perdido a su mujer y gran parte de su vida; para colmo ha hecho demasiada amistad con Casanova Phillips (Wesley Snipes), el delincuente que quiere meter entre rejas. El detective Procida (Ethan Hawke) sólo piensa en cuidar de su familia, a la que le quiere dar un buen lugar donde vivir, pero su sueldo no alcanza para ello, siendo varias las veces que se le pasa por la cabeza el cometer un delito para conseguir dinero. Por último Eddie Dugan (Richard Gere) es un policía a punto de retirarse y que su última semana de trabajo recibe el encargo de enseñar a policías novatos, lo que le traerá graves consecuencias.

Los ecos de ‘Training Day’ son más que evidentes. Fuqua habla una vez más del lado oscuro de la ley, centrándose sobre todo en aquellos que hacen el trabajo diario en las calles y no detrás de una mesa en un despacho. Pero esta vez Fuqua es más ambicioso al tejer su hilo sobre tres líneas narrativas completamente diferentes, lo que le hace no poseer el control absoluto de las tres, creando así instantes muy intensos,pero también otros muchos que no dicen nada y alargan demasiado el film dejando una extraña sensación de déjà vu en líneas generales. La sobriedad de la puesta en escena —Fuqua remite a algunos de los thrillers de los 70 dirigidos por Richard Fleischer, William Friedkin o John Frankenheimer— no posee la firmeza de otros directores que con este material nadarían como peces en el agua, pero al menos se le agradece el evitar los lugares comunes que visitan formalmente las películas actuales, sobre todo los thrillers.

Así pues los tramos protagonizados por Don Cheadle, Wesley Snipes y Ethan Hawke —hasta la utilización del mismo actor remite a ‘Training Day‘— se tornan más facilones por así decirlo, el riesgo de Fuqua es minúsculo, y en el caso de Hawke cae en subrayados innecesarios. Sin embargo el tramo en el que la estrella es Richard Gere desprende una extraña fascinación y el actor nos sorprende con una más que convincente interpretación, una de las pocas memorables de su extensa filmografía. Gere se aleja en todo momento del lucimiento y del divismo típico de algunas estrellas hollywoodienses que sólo quieren un gran número de planos. Eddie Dugan es un ser entrañable, carismático, y al mismo tiempo un cobarde. Su plena decepción con el sistema le hace no tener ni el más mínimo sentimiento de humanidad, y el ayudar al prójimo no entra en sus intereses, hasta que se produce el típico punto de inflexión en este tipo de personajes.

Llama la atención que lo mejores momentos de ‘Los amos de Brooklyn’ estén llenos de pequeños detalles en apariencia simples. Sólo una escena llega para explicar de qué hablo. El tan esperado momento de Eddie de dejar la policía, cuando ante un funcionario de lo más aburrido entrega su placa y ésta es tirada a una caja junto a otras placas. La expresión de Eddie, tras más de 20 años en el servicio, es toda una declaración de intenciones, y las consecuencias de su estado de ánimo compondrán toda la parte final del film, en la que Fuqua se sigue luciendo en detalles. El mostrar hasta entonces la forma de actuar de los policías —disparan contra cualquiera a la hora de entrar en una casa, con lo que Fuqua no juguetea ideológicamente, sólo realiza un descarnado retrato de un trabajo que no es fácil—, entronca directamente con el modus operandi de Eddie siguiendo a una chica desaparecida explotada como prostituta. El ciclo se cierra en esa expresión final de Eddie, difuminándose delante de la cámara, tan solo como cuando no ayudaba al prójimo. Un final ejemplar que sobresale en una película que podría haber estado muchísimo mejor.

Jamás tuve a Bob Fosse por un gran cineasta, hasta que vi esa maravilla que hizo en 1979, titulada ‘All That Jazz’, que era casi (y sin el casi) una confesión como si el director estuviera a las puertas de la muerte (y muchos años no le quedaban), y un relato de los tiempos en que filmaba ‘Lenny’ (id, 1974) y preparaba el montaje del musical llamado ‘Chicago’. Fue un bailarín y coreógrafo genial, de tumultuosa existencia y gusto por vivir al límite, con una corta filmografía pero cientos de espectáculos teatrales a sus espaldas. Su ‘Cabaret’ (id, 1972) le hizo ganar el Oscar al mejor director, pero a menudo su cine carecía de la fuerza de sus coreografías más inspiradas. Casi cinco lustros después de su muerte, a alguien se le ocurrió hacer una película de su musical ‘Chicago’, en plena época de regreso de los musicales, que hubiera sido la siguiente película de Fosse, con resultados desiguales, y que adolece de una falta de personalidad incontestable.

El director designado para este proyecto fue el coreógrafo y director teatral Rob Marshall, que debutó con esta película, producida por la ya desaparecida Miramax. En sus manos, ‘Chicago’ (id, 2002), es algo así como un estéril intento de resucitar a los muertos, pues pareciera que el director se ha imbuido del espíritu de Fosse para dirigir y coreografiar la película, y como resultado de todo ello, más el carácter descaradamente comercial y ávido de premios del producto, queda una película vistosa pero amorfa, sin alma, que se mantiene en pie gracias a dos o tres números musicales realmente impresionantes, y a un empaque visual digno de mención, pero que en conjunto no pasa de película interesante y poco más. La filmografía posterior de Marshall, que ya parece haberse olvidado de ganar el Oscar, ha confirmado su sólida artesanía, así como su nula personalidad artística y su tendencia a la trivialidad y a una puesta en escena mecánica. Decididamente, no todo el mundo puede ser Vincente Minnelli.

Para la conveniente puesta al día del material, y para otorgar consistencia a un conjunto que podía venirse abajo con facilidad, fue contratado como guionista Bill Condon, quien por cierto dirigió la maravillosa ‘Dioses y monstruos’ (‘Gods and Monsters’, 1998), pero creo que no supo aportar la brillantez que por ejemplo sí le supo dar a esa joya de película. Ni los personajes, ni los diálogos, ni las situaciones parecen especialmente inspirados. Siendo un musical en sentido estricto, en el que la historia no puede entenderse en su totalidad si arrancamos de ella los números musicales y las canciones de los protagonistas, también es una historia carcelaria y judicial, y un retrato de la falta de escrúpulos en los abogados, en los periodistas y en los artistas en las primeras décadas del siglo XX. Todo ello era un trasfondo inmejorable para esta cínica historia de perdedores y de fulleros, pero todo queda en un caramelito que se ve bien, y que, zas, una vez visto queda olvidado completamente.

Es como si los creadores no se tomaran en serio la propuesta, y que las posiblidades del material que se les ofrecía eran secundarias ante el despliegue fastuoso de decorados y luces que llevan a cabo. El diseño de producción de John Myhre, los decorados de Andrew M. Stearn y de Gordon Sim, son una verdadera gozada de colores, de formas y de imaginación escenográfica. Creo que el Oscar a dirección artística se lo debió llevar Dante Ferretti por ‘Gangs of New York’ (id, Scorsese), pero aquí también son la estrella de la película, hasta el punto de que parece comerse al reparto. Un reparto que, por otro lado, no está nada mal. Creo que Renée Zellweger hace un buen trabajo, así como la impresionante Catherine Zeta-Jones, o un ajustado (aunque poco creíble) Richard Gere. Todos ellos cantan y bailan estupendamente, como si de nuevo estuviéramos en los setenta. Pero hay una nota falsa en sus trabajos, una sensación de déjà vu, como si no creyeran del todo (aunque se dejan la piel) sus roles.

Para mí los mejores son John C. Reilly y, sobre todo, una alucinante Queen Latifah, que se merecía el Oscar por secundaria mucho antes que la Zeta-Jones. Son los que están dirigidos con mayor solidez, y los que más aportan a una historia que avanza a trompicones, carente de un andamiaje más robusto y, sobre todo, más emocionante, pues los intervalos entre los números musicales quedan como mera excusa hasta que llegan éstos, y así es imposible armar una buena película, creo yo. El director Marshall no solamente coreografía a sus actores y bailarines plagiando descaradamente a Fosse (como en los juegos de sombreros, marca del fallecido director, que siempre llevaba sombrero debido a su traumática calvicie), lo cual hasta cierto punto es lógico, pero también en los rizos y estrategias de la puesta en escena, pues la luz de Dion Beebe (en un trabajo en verdad formidable), y los cortes de montaje de Martin Walsh copian muchos de los mejores momentos de ‘Cabaret’, hasta el punto de ser idénticos. ¿Se trataba de hacer una película o de resucitar a un muerto?

Volviéndola a ver, sin embargo, me reafirmo de lo que pensé en el momento de su estreno: que deberían inventar una nueva categoría de premios, ya sea en los Oscar o en los festivales, para el empleo de la cámara, pues aquí es formidable. Pocas veces he visto yo una precisión mayor en el profesional que lleva la cámara (que puede ser el director de fotografía o simplemente uno de sus operadores) como en algunos de los números musicales de esta película. Barridos, desenfoques, panorámicas de todo tipo. Una verdadera maravilla, culminada por el número musical final, para el que usaron una enorme grúa con pluma, con la que consiguieron algunos movimientos y juegos visuales de antología. Lástima que no en toda la película se guiasen por idéntica autoexigencia.

Conclusión y escena favorita

Que ‘Chicago’ ganase el Oscar a mejor película del año es una de esas bromas de mal gusto que, demasiado a menudo, nos gasta la academia de Hollywood y se queda tan ancha. Otros de sus Oscar, los relativos a mejor montaje, dirección artística, vestuario y sonido, me parecen mucho más defendibles. Pero es lo que hay. Mi escena favorita, además del ya referido número musical final, es otro número musical, de puro sabor Fosse (aunque por esta vez carezca de la sensualidad tan consustancial en él), que he añadido más arriba, y en el que Zellweger aparenta ser la marioneta de Gere. La verdad es que se dejaron todos la piel, y se merecían una película bastante más interesante que esta.

Noah Baumbach, director de cierto prestigio gracias a la tontería de ‘Una historia de Brooklyn’ (‘The Squid And The Whale’, 2005), está preparando su nueva película, una adaptación de la novela ‘The Emperor’s Children’, escrita por Claire Messud, que previamente iba a dirigir Ron Howard. El proyecto ha levantado bastante expectación cuando se ha sabido que Baumbach ya tiene a bordo a tres actores tan famosos como Keira Knightley, Richard Gere y Eric Bana para encabezar el reparto.

El libro de Messud se centra en tres amigos que tras graduarse y empezar a trabajar, empiezan a plantearse qué están haciendo con sus vidas; la historia tiene lugar en Nueva York unos meses antes y después del famoso 11 de septiembre. Hmmm… todo puede ser en el cine, y desde luego hay gente que tarda bastantes años en acabar una carrera, pero… veo un poco mayores a Bana y Gere para esos papeles.

Ah, no, esperad. Knightley sí interpretará a una recién graduada, Marina Thwaite, la atractiva hija de un importante periodista y activista social, cuyo máximo interés es acabar su primer libro, ‘Los hijos del Emperador no tienen ropa’. Por su parte, Bana encarnará a Ludovic Seeley, un hombre ambicioso que quiere casarse con Marina para acceder a la alta sociedad de Manhattan, mientras que Gere tendrá el papel de Murray, el padre de Marina. Veremos a quién contratan para interpretar a los otros dos jóvenes protagonistas, Danielle y Julian.

PD: Si no hay más retrasos, ‘The Time Traveler´s Wife‘, con Eric Bana y Rachel McAdams, se estrenará en España el próximo 23 de abril, bajo el lamentable título de ‘Más allá del tiempo’.

Vía | Empire

Mientras esperamos atentos a la alfombra roja en Hollywood, vamos con la taquilla americana. Tim Burton ha dado en la diana con ‘Alicia en el país de las maravillas’, película cuyo éxito se ha visto impulsado un poco gracias a James Cameron y ‘Avatar’. La película, que recordemos se proyecta también en 3-D, ha sido la gran triunfadora de este fin de semana en los USA. Sin embargo la recepción crítica ha sido más bien tibia, y el público votante en la IMDb evidentemente le pone una nota alta aunque debo confesar que me esperaba más de ese grupo. En España tendremos que esperar al 16 de abril para poder verla.

‘Brooklyn´s Finest’, la nueva película de Antoine Fuqua, consigue peores críticas pero el público votante está entusiasmado. El film, una historia que puede recordar al film de Fuqua mejor recibido —‘Training Day‘—, está interpretado por Richard Gere, Ethan Hawke, Don Cheadle, Wesley Snipes, Vincent D´Onofrio, Will Patton, Lily Taylor y Ellen Barkin. Pues aún con ese reparto la película no ha sido capaz de soportar ni un poco la llegada de Alicia, Tim Burton y Johnny Depp. Aún no hay fecha de estreno para España.

Vía | IMDb

Amelia Earhart fue una valiente mujer que rompió la norma de que los pilotos debían ser hombres, y cuando intentó dar la vuelta al mundo se estrelló en el océano. Dicho así parece una broma machista, pero es lo que ocurrió realmente. Como sabéis, de la corta (y nada apasionante) vida de esta señora se ha hecho recientemente una película con estrellas del calibre de Hilary Swank, Richard Gere y Ewan McGregor al frente del reparto, que ha pasado por las salas sin pena ni gloria cuando hace meses estaba llamada a ser una de las grandes de este pobre 2009.

‘Amelia’ ha sido uno de los mayores fiascos del año, una producción con un presupuesto de cuarenta millones de dólares que en manos de la india Mira Nair ha resultado un completo despropósito (ha recaudado catorce, y ya es mucho). Ni siquiera ha servido como vehículo para el lucimiento personal de Swank, que se rumoreaba que podría aspirar a un tercer Oscar por este título, ya que la historia está tan mal planteada que ni siquiera hay momentos en los que la actriz pueda explotar su talento interpretativo. Tan sólo podríamos considerar cierta escena en la que Amelia habla con su marido por radio, pero el equivocado montaje y el lloriqueo forzado la acaban estropeando. La tercera estatuilla tendrá que esperar.

Recientemente os hablé de ‘Julie y Julia’, y os decía un par de cosas que también valen para ‘Amelia’: primero, estamos ante un biopic sin especial interés, en la que se nos cuenta la vida de una persona que (en mi humilde opinión) no ha realizado grandes logros para merecer una película; y segundo, su historia personal, donde podríamos encontrar elementos amenos o emocionantes, está narrada de forma tan torpe que la película, en definitiva, se hace soporífera. Injustificables sus 110 minutos.

Consciente de que el público sabe cómo acaba la vida de la protagonista, Mira Nair comienza su ‘Amelia’ con la presentación del último vuelo de la piloto, cargando la secuencia de una forzada y fallida emotividad; es el inicio del querer y no poder que se repetirá durante todo el metraje. Acto seguido, se nos lleva al pasado para mostrarnos cómo empezó la particular aventura de Amelia Earhart, una chica de Kansas que ante todo quería volar, surcar los cielos a los mandos de un avión. Así es como llega al despacho del que será su marido, el editor George Putnam, que estaba buscando a una joven atractiva para dar publicidad a un vuelo desde Estados Unidos a Gran Bretaña.

El hombre, con evidente mano para los negocios, convence a la gente de que Amelia va a realizar una gran aventura, siendo la primera mujer que surcará el Atlántico a bordo del “Amistad”. El trayecto se realiza y aunque sólo es una pasajera, la operación montada por Putnam sale bien, el público se come el pastel publicitario y empiezan a ver a la chica como una figura importante, un icono de la libertad y el éxito. Convertida en toda una celebridad, Amelia decide cumplir su sueño y pilotar, en solitario, cruzando el Atlántico; de nuevo, sale bien y se proclama como la primera mujer que lo logra. Después, se convierte en la primera persona que atraviesa, también en solitario, el océano Pacífico. Sin embargo, en 1937, cuanto intenta hacer el más difícil todavía, ir más lejos y dar la vuelta al globo… ya sabéis.

Lo que más llama la atención de la película, al menos a un servidor, es el desafortunado intento de mitificar la historia de Amelia Earhart, que estoy seguro que en otras manos, y con otra perspectiva, podría dar lugar a una película mucho más intensa. Lo que se ve en ésta, es que la mujer fue poco menos que una figura mediática creada por George Putnam, y que sus logros en la aviación, por cierto muy poco aprovechados por Mira Nair (incluso hay varios momentos en los que parece que Amelia no era muy buena piloto), no habrían sido posibles sin la ayuda de los dos hombres con los que compartió lecho (increíble el soso romance entre Swank y un McGregor totalmente desubicado).

Tal como lo narra la cineasta, no parece que esta mujer fuese tan extraordinaria como para montar una película que cuente su historia. Sí, fue una persona muy valiente, o muy temeraria, según se mire, con las ideas muy claras (esto es muy importante en la vida real, pero en el cine no es suficiente), que realizó con éxito un par de arriesgados vuelos que en su momento parecían aventuras increíbles, especialmente si el piloto no era un hombre. Pero en la película todo esto no tiene ningún matiz heroico, quitándole bastante mérito a Amelia, que queda como una mujer que gracias a acostarse con dos tipos influyentes pudo darse el lujoso gustazo de pilotar (vuelve con su marido porque necesita dinero, no por amor, como da a entender el cartel, en el que por cierto Gere parece treinta años más joven).

Todo esto, más una cansina voz en off (con las sensibleras reflexiones de Amelia), acaba por condenar un relato excesivamente perfumado y hueco, sin nada interesante que mostrar, salvo un puñado de planos preciosos tomados desde el aire, lo mejor de la película. Hilary Swank lo intenta, su caracterización hace que a veces dudemos si es ella o Matt Damon, pero ciertamente compone un personaje, y con el paso del tiempo vas viendo a esta Amelia, y no a una actriz forzando un personaje. Definitivamente, no es su culpa que la película sea tan mediocre.

Antoine Fuqua es el tipo que dirigió la estupenda ‘Training Day’ (2001). Desde entonces no ha hecho nada destacable, salvo aburrir al personal, pero lo cierto es que su nuevo trabajo tiene muy buena pinta. ‘Brooklyn´s Finest’ es el título y cuenta con Ethan Hawke, Richard Gere, Don Cheadle y Wesley Snipes al frente del reparto. El tráiler me ha encantado, creo que promete un thriller policiaco de altura, ya me diréis; arriba tenéis también el cartel, con los cuatro protagonistas poniendo caras serias, nada del otro mundo. Fijaos cómo, al referirse al director, sólo se acuerdan de la película que rodó con Hawke, y no de ‘Lágrimas del Sol’ o ‘El rey Arturo’, otros productos que llevan su firma.

‘Brooklyn´s Finest’ gira en torno a tres historias de tres policías de Brooklyn que no tienen nada en común (excepto que son hombres, son policías y trabajan en Brooklyn), pero cuyos destinos acabarán por cruzarse de forma dramática. Uno de ellos está a punto de retirarse y debe preparar a un joven que ocupará su puesto, el otro tiene problemas económicos y planea cometer un robo, y el último es un agente encubierto que debe atrapar a un traficante. Cabe señalar que en el reparto también figuran Ellen Barkin, Brian F. O´Byrne, Lili Taylor, Will Patton y Vincent D´Onofrio, entre otros. El guión es de Michael C. Martin y la fecha del estreno es el próximo 5 de marzo.

PD: Fuqua iba a dirigir ‘American Gangster’ en 2004 con Denzel Washington y Benicio Del Toro, pero Universal Pictures canceló el proyecto un mes antes del rodaje, por considerar que el presupuesto era muy elevado.

Vía | Impawards

‘Siempre a tu lado (Hachiko)’ es el título con el que se ha estrenado en España (un mes antes que en Estados Unidos) ‘Hachiko: A Dog´s Story’, basada en una historia real que ya fue trasladada a la gran pantalla en 1987 por el japonés Seijiro Koyama; se tituló ‘Hachiko monogatari’. La película norteamericana, que al inspirarse en hechos reales no se considera un remake, ha sido dirigida por el sueco Lasse Hallström, acomodado en Hollywood cumpliendo encargos de todo tipo, y cuenta con un reparto encabezado por Richard Gere (que también ejerce de productor), Joan Allen, Sarah Roemer y Jason Alexander, entre otros. Sin embargo, el verdadero protagonista de la película es un perro muy especial llamado Hachi.

La historia comienza con Parker Wilson, el profesor universitario al que interpreta Gere, encontrando un cachorro que iba en el mismo tren y que se ha perdido. Era un regalo para alguien pero la tarjeta con la dirección se ha roto, y es imposible saber a quién pertenece. El perrito está solo. Parker decide hacerse cargo de él, aunque sabe que su esposa, Cate (Allen), no aprobará la idea, como efectivamente sucede. Él le dice que sólo es algo temporal, hasta que alguien lo reclame o le encuentren un dueño responsable. Ella acepta, de mala gana, hasta que un día se da cuenta que Hachi, llamado así por la placa que cuelga de su cuello (ocho en japonés), ya es un miembro más de la familia.

Parker descubre, gracias a que “casualmente” tiene un colega japonés (Cary-Hiroyuki Tagawa) que le informa, y a la ya clásica escenita de búsqueda en el Google, que Hachi pertenece a una raza muy antigua, los Akita, supuestamente, los primeros perros que fueron domesticados, los primeros “mejores amigos del hombre”. Haciendo honor a su raza, Hachi no se separa nunca de su dueño, y cuando éste se marcha para ir al trabajo, siempre consigue escaparse de casa para alcanzarle y caminar a su lado, hasta la estación de tren, donde deben separarse. Cada día, la misma rutina. Cada mañana, el perro acompaña a Parker a la estación, se va, y luego vuelve por la tarde, a darle la bienvenida. La fidelidad del animal hace que todos los que trabajan en los alrededores se encariñen con él; pronto, todos conocen a Hachi.

La primera mitad es eso, Richard Gere y el perro de un lado para otro, inseparables, compartiendo diferentes momentos, como la boda de la hija de los Wilson, Andy (Sarah Roemer). Todo este tramo se mantiene más o menos en pie gracias a los actores, que se esfuerzan por sentir la historia que están contando, y al precioso perro (primero como cachorro y luego ya adulto), que imagino que cualquier espectador se lo querría llevar a casa. Hallström no parece tan implicado y es incapaz de darle el enfoque adecuado a la película, consiguiendo que llegue a provocar bostezos, porque no avanza, no va a ninguna parte. La puesta en escena es propia de un telefilme barato y lo único que se le ocurre para intentar animar la narración es mostrar a veces la visión subjetiva del perro (en blanco y negro), un recurso muy mal empleado.

Como la película no se puede mantener sólo con Parker y el perro viviendo una gran vida, un día sucede una tragedia y todo cambia. No diré más, aunque creo que en todas las sinopsis que hay por ahí se desvela lo que ocurre; en realidad, cualquiera que se quiera adelantar a la trama lo va a adivinar enseguida, pero saberlo no arruina el visionado, os lo aseguro. A partir del suceso, posiblemente la parte mejor filmada de toda la película, se abandona el tono alegre y ‘Siempre a tu lado’ se vuelve mucho más dramática, siendo difícil desconectar de la pantalla. El director, consciente de que la clave está en el perro y el uso de la música (compuesta por Jan A.P. Kaczmarek), no tiene piedad con el público y lo somete a toda clase de secuencias lacrimógenas hasta el final, donde la verdad es que hay que ser de piedra para no sucumbir al arte del buen melodrama.

En un artículo reciente, un lector, de esos que llegan un día y sueltan un comentario en plan “fiel lector ofendido”, decía que en Blogdecine (así, en bloque) no nos gusta nada de lo que se estrena. A veces puede parecer eso, pero con una cartelera dominada por ‘La saga Crepúsculo: Luna nueva’ y ‘2012’, que en algunos multicines llegan a ocupar hasta cinco o seis salas, ¿qué podemos decir? ¿Acaso preferís que mintamos y que digamos que todo es maravilloso, como en las revistas de cine (tan necesitadas de publicidad que encuentran clásicos modernos en todas partes)? Espero que no. Por suerte, los que adoramos ir al cine tenemos otras opciones más recomendables y saludables. Ahí tenéis el top ten que prepara Jesús cada semana, para haceros una idea.

Evidentemente, el nivel general es muy bajo, pero como ya sabéis, esto va por temporadas. Pronto llegarán los platos fuertes, títulos que aspiran a los Oscars y que subirán el nivel. ‘Siempre a tu lado (Hachiko)’ no está entre ellas, no es una gran película, pero está realizada con mucha profesionalidad, trata con respeto al espectador, y lo entretiene durante una hora y media contando una tierna historia. Ahora mismo, esto es bastante, para ir al cine y pasar un rato agradable, sin que tengas la impresión de que te han tomado el pelo. Por cierto, si tienes alguna mascota en casa (perro o gato, con serpientes o tarántulas no creo que funcione) o no pero te encantan los animales, no te puedes perder esta película. Eso sí, ten preparado un pañuelo.

PD: Sobre la película japonesa. Está más equilibrada y la historia tiene muchos más matices. Mejora la primera parte, pero en la segunda no logra sacar todo el partido al drama, en eso creo que la supera la norteamericana. Eso sí, el plano con el que termina la japonesa es tan triste y contundente que nunca lo rodarían en Hollywood.

Aprovechando que todos los medios están como locos por hablar con James Cameron, con motivo del próximo estreno de la esperadísima ‘Avatar’, el realizador se ha soltado la lengua y ha empezado a hablar de todo un poco, destacando bastante lo que os cito a continuación, sobre su taquillera y premiadísima (y ñoña) ‘Titanic’:

Hice ‘Titanic’ porque quería lanzarme a un naufragio, no porque quisiera hacer esa película particularmente… ‘Titanic’ iba sobre “jódete dinero”. [...] Simplemente dejamos que Kate Winslet pensara que se estaba ahogando. Escupir un poco de agua y toser no cuenta para mí, porque yo casi me ahogué varias veces… Todos los que firman conmigo van a ser probados al máximo.

El realizador Hernán Migoya logró estrenar su primera película, ‘Soy un pelele’, pero la experiencia le resultó más lamentable que mágica. Ha contado lo podrido que está el negocio del cine en España, centrándose en las prácticas de la productora Iris Star:

Pere Domènech, mi productor, se jactaba de que sus películas constaban como rodadas en catalán, aunque estuvieran hechas en castellano, para cobrar de la Generalitat [...] Los productores hablaban de los 150.000 euros que esperaban sacar.

Vicente Aranda habló en la Seminci sobre su última película, ‘Luna caliente’ (nada que ver con la saga de ‘Crepúsculo’, por supuesto), y sobre el protagonista dijo esto:

Yo ya quería llevar a Eduard Fernández en una película anterior pero no quiso el productor porque, por lo visto, cuando este actor entra en un restaurante no se queda todo el mundo mirándole. No es un galán. Pero a mí me gusta como lo hace y, sobre todo, tiene una condición: que piensa. La cámara es una máquina que descubre lo que piensas. Cuando un actor piensa dicen que tiene fotogenia, pero, en realidad, quiere decir que usa la cabeza.

Ramón Antonio Gerardo Estévez, más conocido como Martin Sheen, estuvo en España rodando su nueva película, ‘The Way’, y dijo un par de cosas sobre su carrera:

Con mi currículo repleto de malos títulos no puedo abrir la boca… Soy actor y así he mantenido a mi familia. Pero habré estado en unos 10 filmes de los que puedo sentirme orgulloso.

El director Álex de la Iglesia, ahora el presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, cree que lo esencial ahora es crear una industria en España, y regular para poder competir:

Hacer menos películas, pero con más entidad financiera para tener su promoción y distribución.

Kenny Ortega, el realizador de ‘This is It’, asegura que su película es honesta, que es un reflejo de cómo era Michael Jackson y la energía que aún conservaba:

Una gran parte de la película está en tiempo real, algunas partes son como un collage, una mezcla de distintos días, pero pienso que realmente captura lo que esta experiencia significó para Michael y para nosotros en este momento de nuestras vidas, todo este proceso creativo y sólo durante los cuatro meses; de marzo a junio, nada ha sido añadido.

David Trueba se ha tomado un descanso de cine (no sé si alguien lo habrá notado) para escribir su novela ‘Saber perder’. En un acto de promoción en Murcia, se refirió a Hollywood y el cine “extranjero”:

La gente está manipulada por la enorme propaganda que esa industria mueve alrededor, haciéndonos cree que todo lo que ellos hacen es fundamental para la vida y que lo que está haciendo un tipo en Suecia, Polonia, Francia o Corea no tiene mucha importancia. Este año los americanos habrán hecho unas 150 películas de vampiros y, sin embargo, la mejor película de vampiros del año es la sueca ‘Déjame entrar’ para cualquiera que se acerque y la vea sin perjuicios.

Richard Gere, actualmente en nuestras carteleras con ‘Siempre a tu lado: Hachiko’, se ha referido recientemente a los malos momentos que vive el cine actual:

Cada vez es más difícil hacer una buena película. Cuesta mucho lograr financiar un buen guión. Por muy pequeña que sea, una película en Hollywood exige diez, quince, veinte millones de dólares. Tal y cómo están las cosas, ponerlos encima de la mesa es un riesgo muy grande.

El realizador Costa-Gavras habla sobre la inmigración en su última película, ‘Edén al Oeste’, en un tono menos dramático de lo que suele ser habitual; sin embargo, parece que eso del final feliz no va con él:

El final feliz, en el sentido clásico, es siempre agradecido para el espectador porque le permite irse a casa y olvidar el asunto. Yo prefiero que la gente salga con dudas.

Alejandro Amenábar es uno de los privilegiados del mundo del cine en España, pero parece que todavía no ha perdido la perspectiva… O sí, mirad con quién se compara:

Spielberg fracasó con su quinta película. ‘Ágora’ es mi quinta película o sea que a mí ya me toca fracasar.

Robert Pattinson es un tío con suerte. Gracias a la saga ‘Crepúsculo’ está en todas partes, cuando hace unos años sólo era un secundario que salía en par de películas de ‘Harry Potter’. He encontrado estas curiosas declaraciones sobre su vida personal:

Mis hermanas mayores me vestían de niña y me llamaban Claudia. [...] El ligue no se me da nada bien. Soy más bien un solitario y un aburrido. Me quedo en casa, veo la tele y devoro comida basura.

PD: Otras perla de Cameron, ahora sobre lo que provocará ‘Avatar’: “Sabemos por los pases previos que la respuesta es público extasiado en un 95%. La mayor parte del 5% negativo son fanáticos que se han imaginado una película en sus cabezas, pero ahora tienen que enfrentarse a la mía“.

Vía | Cinematical, Elmundo, Levante-emv, EuropaPress, Zaragozaonline, 20Minutos, Lavanguardia, Noticine, Elpaís, Nortedecastilla, Libertaddigital