El valor es más fuerte que el acero.

Dejando a un lado los resultados en taquilla, uno de los claros protagonistas de 2011 (junto a Michael Fassbender o Jessica Chastain) ha sido Steven Spielberg. A lo largo del año se estrenaron dos películas dirigidas por él (‘Las aventuras de Tintín’, que ha fracasado en EE.UU., y ‘War Horse’, que llega a España en febrero) y cuatro en las que figuraba como productor; entre éstas se encuentra ‘Acero puro’ (‘Real Steel’), todavía en nuestras carteleras desde el pasado 2 de diciembre. Cuando le han preguntado a la gran estrella de la película, Hugh Jackman, qué le atrajo del guion, ante todo destaca el interés que mostró Spielberg y el espíritu de títulos como ‘E.T.’, de que no se trata solamente de ver acción con robots (”esto no es Transformers“ ha llegado a decir) sino que es la historia de un padre y un hijo (y un amigo-robot), en un entorno de ciencia-ficción.

Me sorprendió la escasa fortuna de ‘Acero puro’ con el público español (la mediocre ‘In Time’, también de ciencia-ficción y estrenada el mismo fin de semana, obtuvo más éxito), quizá el error fue no escuchar a Jackman y vender la película como un simple entretenimiento para fans de ‘Transformers’ (casualmente, también producida por Spielberg). No tienen nada que ver, son productos completamente distintos, buscan a un público distinto. Mientras que la infame trilogía de Michael Bay sobre los juguetes de Hasbro desea entusiasmar ante todo a los adolescentes y los amantes de los huecos productos repletos de ruido y efectos visuales (gente que, en definitiva, no tiene idea de cine ni le importa, pero es numerosa y llena salas), ‘Acero puro’ apuesta por una historia familiar como núcleo y excusa para un espectáculo de acción, buscando ser una peculiar mezcla entre propuestas como ‘Campeón’ o ‘Rocky’ y el cine fantástico dirigido y apadrinado por Spielberg. No logra todo lo que se propone, se amolda demasiado a los convencionalismos del cine industrial norteamericano (busca con desesperación recuperar los 100 millones que costó), pero sin duda cumple como un digno producto de entretenimiento para todos los públicos.

Si os habéis pasado estos días por la sección de librería de cierta cadena de centros comerciales os habréis encontrado probablemente con una compilación de relatos escritos por Richard Matheson cuya portada es uno de los carteles de ‘Acero puro’. Y es que la película está inspirada en ‘Acero’, una historia corta del autor de ‘Soy leyenda’ que ya fue adaptada en un episodio de la famosa serie de televisión ‘En los límites de la realidad’ (‘The Twilight Zone’) con guion del propio Matheson y Lee Marvin en el papel principal. Del texto original ha quedado poco, apenas el punto de partida. El guion de John Gatins nos sitúa en un futuro cercano donde los robots han sustituido a los boxeadores humanos para ofrecer al público mayor intensidad y violencia. Con este panorama, la trama se centra en Charlie Kenton (Jackman), un púgil retirado y solitario que viaja de pueblo en pueblo con su robot de lucha buscando dinero fácil en combates de poca monta. Es un hombre arruinado, endeudado, que ha tocado fondo. Y aunque es presentado como un borracho que se alimenta de comida basura y no hace ni una flexión en toda la película, el tipo conserva sus músculos intactos. Ciencia ficción, claro.

Tras una absurda secuencia en la que el protagonista condena a su robot contra un toro salvaje (ejem), descubrimos que Charlie tiene un hijo del que no quería saber nada, Max (Dakota Goyo), el típico niño repelente que contesta mal y no hace caso. Charlie acepta quedarse con Max durante un tiempo a cambio de una sustanciosa cantidad de dinero (planos de Jackman al espectador: “qué egoísta soy, pero tengo buen corazón, luego mejoraré y pediré perdón”), y aunque al principio se llevan mal, pronto descubre que el chaval es un absoluto fan del boxeo y un genio con los robots. ¡Menuda suerte! Así comienza a fraguarse la previsible redención del protagonista a través de la típica reconciliación con su hijo, con el que llega a formar un exitoso equipo. Gracias a la valiosa experiencia como boxeador de Charlie (el actor se muestra convincente con los movimientos) y la inquebrantable ilusión del habilidoso Max, padre e hijo logran convertir a un desastroso robot de sparring en un prometedor candidato al título. Como lo fue Charlie en su momento, nos recuerdan y nos subrayan, entre lágrimas de emoción. La progresión y el desenlace de la película resultan muy previsibles, pero la excelente química entre Jackman y Goyo hace creíble la historia familiar que necesita Shawn Levy para hacer emocionante un combate final tan espectacular como repleto de clichés.

Con un director de más talento, porque Levy es, recordemos, responsable de cosas como el remake de ‘La pantera rosa’ y las dos entregas de ‘Noche en el museo’, un simple peón en la industria de Hollywood, ‘Acero puro’ podría haber llegado más lejos y haber quedado como ese gran drama de acción que intenta ser, creo que la historia tenía mucho potencial. Resulta interesante la visión futura del mundo del boxeo, a pesar de que no se le saca mucho partido posiblemente para no molestar a los patrocinadores (eché en falta una crítica a la política de que vale todo para ganar audiencia), y está más o menos bien trazada la relación paternofilial, con un adulto egocéntrico obsesionado con ganar dinero para salir del pozo al que ha caído por sus propios errores, descubriendo valores y sentimientos olvidados gracias a esa versión en miniatura de sí mismo, que todavía cree en su padre. Sobra el romance metido con calzador entre los personajes de Jackman y Evangeline Lilly, cuyo prescindible personaje es usado para los habituales planos de forzada emoción que se insertan durante los combates, torpemente, pues llegan a romper la magia del momento. Como era de esperar, tanto el diseño de producción como los efectos visuales son impecables, siendo un acierto haber construido los robots realmente en lugar de depender solo de creaciones informáticas, lo que añade un plus a una película que se ve con agrado pese a su excesiva duración. Para ver en familia, con críos, no está nada mal.

• Otra crítica en Blogdecine:

‘Acero puro’, robots dándose de hostias

Creo que pocas dudas hay sobre que la gran mayoría asocia a Disney con el cine de animación. Cierto que sus mejores años ya pasaron y que ahora son los chicos de Pixar los que han conseguido mantener la posición dominante de la compañía en ese campo. No obstante, y desde hasta donde alcanza mi memoria, siempre han ido sacando películas de acción real que intentaban reproducir la magia de los clásicos Disney sin llegar a conseguirlo nunca. Eso sí, en los últimos años han ido potenciando la producción de películas que, respetando la idea de ser un entretenimiento apto para los más pequeños de la casa, introducen algunos elementos más adultos a la ecuación. No es que eso haya provocado una revolución en la compañía, ya que películas como la entretenida ‘El aprendiz de brujo’ o la divertidilla ‘La montana embrujada’ acababan dejando de lado todo el potencial de la historia para intentar alcanzar a la mayor audiencia posible. Dentro de esta línea hay que apuntar a ‘Acero puro’, la última propuesta de la compañía por ofrecer un entretenimiento familiar que arrase en taquilla.

A priori la idea de ver a robots dándose de hostias resulta atractiva, ya que, por lo menos en mi caso, trae a la memoria momentos de la niñez en la que enfrentábamos a combates a nuestros juguetes. Sin embargo, el mortal aburrimiento que resultó ser ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’ terminó de aniquilar ese pensamiento. Es por ello que el estreno de una película como ‘Acero puro’ es algo un tanto desfasado. Además, tampoco ayuda que tome tanto como referente a ‘Rocky’ y la historia del underdog que va superándose a sí mismo hasta llegar al gran combate con el campeón de la categoría. Todo ello combinado con la historia de una complicada relación paterno-filial en la que no podrían aparecer más tópicos si se esforzasen en ello. Vamos, que lo que nos cuenta ‘Acero puro’ es un batiburrillo de cosas que ya tenemos más vistas que el tebeo.

Uno jamás puede esperar mucho de una película en la que aparezca el nombre de Shawn Levy, ya que es un director especializado en comedias donde tiene que confiar en el carisma de sus protagonistas para sacar adelante lo que nos cuenta. Sin estilo propio ni un gran dominio de ninguna de sus responsabilidades en la dirección, Levy parece el prototipo de director cumplidor y que nunca alza la voz que justa por Hollywood, y ‘Acero puro’ no es ninguna gran sorpresa en su carrera en este aspecto. Cierto es que no suele contar con guiones con muchas posibilidades, y eso resulta una pena en este caso, ya que, por mucho que tome de base un relato de Richard Matheson, las posibilidades de la historia se supeditan con demasiado rapidez a la utilidad del robot en el combate, sin en ningún momento profundizar un poco en lo que convierte a un robot que estaba abandonado en un chatarrero en una brillante anomalía. No, lo que hacen Leslie Bohem, John Gatins, Dan Gilroy, Jeremy Leven (me suelo echar a temblar cuando leo tantos nombres en el apartado de guión) es recurrir al tópico en todo momento (incluso cuando no tiene mucha lógica que lo hagan), y eso convierte a ‘Acero puro’ en una película muy predecible, algo que durando más de dos horas puede llegar a ser bastante molesto.

Creo que nadie osará discutir que Hugh Jackman es un actor que derrocha carisma. Ya lo ha demostrado tanto en el cine (memorable su Lobezno) como en la vida real (muy buen presentador de galas de premios) y en ‘Acero puro’ ese es su principal as para sacar la película adelante. Y es que el personaje de Jackman es el prototipo de personaje mala persona que va cambiando hasta alcanzar su redención final, siendo algo de lo que somos conscientes en todo momento. Sin embargo, Jackman se aprovecha de su carisma para que nos interesemos algo por los personajes y no desconectemos tras la segunda docenas de tópicos. Él solito consigue evitar el hundimiento de la película, ya que el resto del reparto realiza un trabajo, siendo amables, discreto. Dakota Goyo, que dio vida recientemente a ‘Thor’ de joven, sería facilmente intercambiable por otro chaval, aunque sí reconozco que consigue evitar que le odiemos, algo que suele pasar en este tipo de producciones. Evangeline Lilly es guapa y… ya, esa es su gran aportación. Los demás oscilan entre lo desaprovechado (Hope Davis es una muy buena actriz, pero no puede demostrarlo aquí) y lo ridículo (los villanos, tanto los centrales como los secundarios, rozan lo caricaturesco en una ruptura bastante grande con el tono general de la película). Vamos, menos mal que Jackman no tenía nada mejor que rodar esos meses.

La redención de ‘Acero puro’

Sin embargo, hay algo que ‘Acero puro’ consigue bastante bien: La implicación emocional del espectador durante los combates entre robots. Sé que es algo particularmente subjetivo, pero en determinados momentos la película consigue igualar lo que me provocan alguno de los combates de la WWE (el Pressing Catch, vaya) más memorables de los últimos tiempos. Es entonces cuando la sobredosis de tópicos y las soluciones de guión de baratillo dejan de importar. Podríamos, por poner un ejemplo, emparentarlo con la euforia que el fútbol desata en algunos, pero obviando todo el componente violento que suele ir asociado al deporte rey en España. No es que la película consiga crear momentos que vayan a perdurar en el imaginario colectivo, pero sí que consigue redimir a una propuesta que iba camino de convertirse en una absoluta mediocridad al hacer que el espectador conecte con lo que se le está contando. Y es que la repetición de la historia de David contra Goliath es algo que siempre funciona si se sabe hacer correctamente.

En el resto de aspectos relacionados con los robots, lo cierto es que la película no presenta ninguna novedad especialmente reseñable. Sí que se agradece que no se corten con el sadismo a la hora de destruir a los robots que pierden los combates, lo cual nos permite ver cosas equivalentes a algo muy bestia si estuviesen peleando humanos. Y la asociación debería poder hacerla hasta los más pequeños de la casa, pero claro, a la censura al sistema de calificación por edades americano eso es algo que no le importa. En el plano visual, no esperéis grandilocuencias al estilo de la saga Transformers, porque ‘Acero puro’ opta por un perfil bajo en esta faceta y ni siquiera los combates aportan nada novedoso. Eso sí, cumple perfectamente dentro de sus aspiraciones y no deja la sensación de que los robots sean un pegote dentro de la película. Y es que se opta por potenciar la naturalidad frente a la espectacularidad y ahí no hay pegas que ponerle a ‘Acero puro’.

En definitiva, ‘Acero puro’ es un entretenimiento para toda la toda la familia que cumple los límites más básicos que uno puede exigir a una película de estas características: No aburrir y ofrecer algún momento con algo de emoción. A cambio hay que soportar una cantidad tremenda de tópicos, un metraje excesivo y la sensación de que la película hubiese molado más si se hubiese centrado específicamente en todo lo relacionado con los robots. De vosotros depende si algo así os compensa pagar la cada vez más cara entrada del cine o no. Por mi parte, os recomendaría esperar a verla tranquilamente en casa junto al resto de vuestra familia en un día en el que estéis perezosos para hacer algo de provecho o ver una película de auténtico nivel. Vamos, un pasatiempo inofensivo para pasar el rato sin muchas pretensiones.

Un día después del teaser de ‘Transformers 3’ ya podemos echar un vistazo al primer tráiler de ‘Real Steel’, una especie de drama de acción pugilístico con enormes robots de la que habíamos visto un par de imágenes. La película está protagonizada por Hugh Jackman (en su faceta de simple humano muy cachas) y se basa en un relato conocido aquí como ‘Hierro’, escrito por Richard Matheson. El film, sin embargo, se estrenará en España con el título de ‘Acero puro’.

Dirigida por Shawn Levy (‘La pantera rosa’, ‘Noche en el museo’), la película está ambientada en un futuro cercano y gira en torno a Charlie Kenton, un veterano boxeador que perdió la oportunidad de ganar un título cuando máquinas de una tonelada y dos metros y medio de altura se apoderaron del ring; Charlie trata de sobrevivir en el nuevo mundo del boxeo construyendo robots a base de chatarra, hasta que tiene la oportunidad de entrenar a uno con verdaderas opciones de lograr el campeonato. Evangeline Lilly, Dakota Goyo, Anthony Mackie, Hope Davis, Kevin Durand y James Rebhorn acompañan a Jackman en el reparto. ‘Acero puro’ llegará a nuestras pantallas en diciembre del año que viene, un mes después que en Estados Unidos.

PD: Gracias a todos los lectores que nos habéis avisado.

Dentro de poco se editará en DVD en nuestro país una joya de Jacques Tourneur —uno de esos directores que merecerían un revisionado completo de su obra para que no caiga en el olvido—, ‘La noche del demonio’ (‘Night of the Demon’, 1957), magnífica muestra del cine de su autor, que mezclaba muy inspiradamente el Film Noir —en el que su director destacó con obras maestras como ‘Retorno al pasado’ (‘Out of the Past’, 1947)— con el género de terror, concretamente en una vertiente poco explotada en aquella época, el satanismo. Dicho film tiene entre otras particularidades, el ser una de las películas más influyentes del género. Y precisamente, una de las obras en las que más se nota su sombra es este ‘Night of the Eagle’, que dirigió en 1962 el poco conocido Sidney Hayers.

Hayers fue un realizador prolífico sobre todo en televisión, en cuyo campo dirigió numerosos episodios de un buen montón de serie conocidas de los años 60, 70, y 80, nada menos. En cine consiguió cierto prestigio por films como el que nos ocupa, que fue distribuido en los USA por la American International Picture —la respuesta americana a la mítica Hammer Films—, y que cuenta en sus créditos de guionistas con Richard Matheson, del que ya hemos hablado con anterioridad. Curiosamente el autor de ‘Soy leyenda’ no suele mencionar este trabajo cuando se le pregunta por su aportaciones al séptimo arte.

Anotemos que la película es un adaptación de la novela ‘Conjure Wife’ de Fritz Leiber Jr., que conoció tres versiones cinematográficas, siendo la que nos ocupa la segunda de ellas, y también la más destacable. La sinopsis nos cuenta cómo un hombre, Norman Taylor (Peter Wyngarde) de ciencia que no cree en cosas como la brujería o los fenómenos paranormales se irá dando cuenta de que tal vez las cosas no son como él pensaba, cuando descubre que está casado con una mujer, Tansy (Janet Blair) que afirma ser una bruja, la cual pone en práctica una serie de conjuros que hacen que la vida del matrimonio sea apacible y provechosa. Norman no puede creer que sus éxitos como profesor sean producto de supersticiones.

De esta forma el personaje central recuerda al interpretado por Dana Andrews en el film de Tourneur, aunque ‘Night of the Eagle’ luego va por otros derroteros, muy cercanos al drama psicológico y el cine de suspense. Uno de sus aciertos es mimar, por así decirlo, con mucho tacto la ambigüedad del relato, en el que hasta llegar al tramo final no sabremos si realmente todo es producto de la brujería, o por el contrario, Tansy está loca y obsesionada con el tema debido a un viaje que hizo a Jamaica. Hayers va introduciendo poco a poco elementos visuales, esclarecedores y muy sutiles que conducirán hacia el clímax del relato, lleno de acción y sorpresas varias. En ese aspecto es encomiable la tensión que se va produciendo en la historia, producto del perfecto ritmo del film. Eran años en los que el cine británico demostraba sus superioridad en el terreno fantástico, género en el que además demostraban una gran capacidad de síntesis, palabra que parece haber desaparecido del diccionario de los actuales directores y guionistas.

Cuando el film presenta todas sus cartas, coincidiendo con la ruptura de creencias por parte de Norman, se producen dos cambios trascendentales en el film. Por un lado, observamos que Norman, siendo un hombre muy inteligente —dicha inteligencia le lleva a descubrir al verdadero culpable de todo—, se siente superado en todo momento por algo que no entiende y en lo que no cree, a pesar de que ya tiene evidencias para hacerlo. Esto curiosamente le lleva a no ser precisamente el héroe de la función, un riesgo que no se tomaban en otras producciones similares. Por otro lado, el film abre todo un catálogo de fantasía al concentrar la furia de la bruja malvada en un águila de piedra que cobrará vida ante los atónitos ojos de Norman, y sobre todo del espectador. Atención a los efectos visuales de ese tramo, absolutamente eficientes y asombrosos por sencillos.

Si algo le achaco al film es su repentino y quizá algo forzado final, en el que se piensa más en el espectador que en la coherencia de la historia. Hubiese sido mucho más interesante que cierto personaje se hubiese salido con la suya, pero los productores saben que el espectador está enamorado desde siempre de los finales felices. Con todo, esto no perjudica considerablemente una cinta llena de apuntes originales, y momentos de gran intensidad, como aquel en el que una foto de Norman cae por accidente en el fuego de una chimenea, provocando una inquietante locura en su esposa, que se altera ante un inminente peligro, mientras el espectador se debate entre la incredulidad y la fe.

Hace casi dos meses os hablaba de una película poco conocida, ‘The City of the Dead’ (id, John Moxey, 1960), film que puede encontrarse editado en DVD en nuestro país bajo el horrendo título de ‘El hotel del terror’. Esa curiosa película contenía una de las atmósferas irreales más conseguidas dentro del género fantástico y de terror, influyendo en muchas cintas posteriores. El director de dicha película es el mismo que de la cinta que hoy nos ocupa en el especial dedicado a esa criatura tan fascinante que es el vampiro. Moxey se hizo conocido sobre todo por sus trabajos en la televisión, los cuales firmó con su nombre completo, John Llewllyn Moxey. El más conocido de todos ellos fue ‘The Night Stalker’ (1972), emitido en nuestro país por tve en diciembre de 1982, precedido de un enorme éxito y excelentes críticas.

Este telefilm logró traspasar las fronteras del propio medio televisivo demostrando, ya por aquel entonces, que en la televisión podían hacerse cosas de calidad que llegaban a superar a muchas de las películas realizadas para el cine, mejor considerado. Algo parecido a lo que le ocurrió a un film coetáneo, ‘El diablo sobre ruedas’ (‘Duel’, Steven Spielberg, 1972), uno de los mejores trabajos de su director, que incluso logró en el mercado internacional una distribución en salas cinematográficas. Curiosamente, estos dos trabajos tiene algo en común, la presencia en sus guiones del gran Richard Matheson, escritor de ciencia ficción y fantástico que consiguió un enorme prestigio, merecido sólo por una novela, ‘Soy leyenda’, que conoció tres adaptaciones cinematográficas.

‘The Night Stalker’ adapta la novela de Jeffrey Grant Rice de idéntico título, y versa sobre los asesinatos cometidos por un vampiro en la ciudad de Las Vegas, destapando todo el caso un intrépido y metomentodo periodista, dejando en evidencia al cuerpo de policía de la ciudad y altos mandatarios, que en beneficio de la ciudad prefieren acallar la historia para que no cunda un pánico innecesario. Tal vez sea éste el aspecto más endeble del relato, ya que se cae en los típicos maniqueos a la hora de describir a las fuerzas del orden. El resto es un prodigio, sobre todo en lo que respecta al dibujo del vampiro de la función, Janos Skorzeny, interpretado por un escalofriante e imponente Barry Atwater.

Atwater logra una composición en verdad inolvidable en la que se incidía en algo que sólo habían tratado en la Hammer gracias sobre todo a ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ (‘Dracula, Prince of Darkness’, Terence Fisher, 1966), en la que se mostraba el lado más salvaje de la criatura, un animal sediento de sangre sin el menor vestigio de humanidad. Apunte éste surgido de la pluma de Matheson, mucho más inspirado que Moxey con la puesta en escena. Sorprende un poco ver al director de ‘The City of the Dead’ menos inspirado, su trabajo de dirección es rutinario y sin salirse del hermético estilo que tenía la televisión por aquellos años, con sus planos medios que anulaban toda posibilidad de identidad.

Lo que sí se puede tildar de estimable es el sentido del ritmo que posee Moxey, demostrando una vez más que las historias pueden contarse en poco menos de hora y media, y más aún cuando en este caso se puede decir que el director se encuentra limitado a la duración estándar que poseían las producciones para televisión. Matheson sintetiza muy bien la historia jugando en cierto modo con los conocimientos que el espectador posee sobre temas vampíricos gracias a la infinidad de películas que existían sobre ello. El público siempre va por delante de los protagonistas, al presentarse pruebas tan características como las marcas en el cuello o cuerpos sin gota de sangre, estableciéndose un curioso juego al no haber ni un personaje crédulo con la evidencia. Sólo cuando el vampiro hace acto de presencia demostrando su poder, la verdad se revela, aunque sólo ante dos personajes, jugueteando así con la imposibilidad de que los vampiros existan.

El personaje central, el problemático periodista, está interpretado por un actor muy famoso aquellos años —el mismo año interpretó otro de los telefilms dirigidos por Steven Spielberg, ‘Algo diabólico’ (‘Something Evil’)—, Darren McGavin, que le imprime un fuerte carácter a su personaje, convirtiéndose junto a Atwater en el mejor actor del reparto, aunque hay que señalar que sus personajes son los de mejor tratamiento en el guión. El personaje tuvo tanto éxito que dio la posibilidad a McGavin de repetir en otro telefilm —‘The Night Strangler’ (1973) dirigida por el productor de ésta, Dan Curtis, y para algunos superior— y en una serie de televisión de 20 capítulos, ‘Kolchak: The Night Stalker’, que durante diez años ostentó el récord de ser la serie de televisión más vista en Estados Unidos, inspirando a futuros escritores como Chris Carter en su famosa ‘Expediente X’.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’
• ‘Dracula’ de Tod Browning
• ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’
• ‘Drácula’, de George Melford
• ‘Vampyr’ de Carl Theodor Dreyer
• ‘La marca del vampiro’ de Tod Browning
• ‘El regreso del vampiro’ de Lew Landers
• ‘Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Las novias de Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Planeta sangriento’ de Curtis Harrington
• ‘I Vampiri’ de Riccardo Freda
• ‘La sangre del vampiro’ de Henry Cass
• ‘El beso del vampiro’ de Don Sharp
• ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ de Terence Fisher
• ‘Drácula vuelve de la tumba’ de Freddie Francis
• ‘El baile de los vampiros’ de Roman Polanski
• ‘Las amantes del vampiro’ de Roy Ward Baker
• ‘Lust for a Vampire’ de Jimmy Sangster

• ‘Drácula y las mellizas’ de John Hough

• ‘La mansión de los crímenes’ de Peter Duffell

• ‘El vampiro sangriento’ de Miguel Morayta

• ‘Drácula’ de John Badham

¿Quieres ver algo realmente terrorífico?

-Dan Aykroyd

En mi crítica de hace unos días sobre ‘Buried’ rememoraba un capítulo de la mítica serie ‘Alfred Hitchock presenta’ que venía muy al hilo del tema que tratábamos. Esto me hizo recordar una serie aún más legendaria si cabe—y vergonzosamente no editada en nuestro país—creada por el productor y guionista Rod Serling: la maravillosa ‘The Twilight Zone’. En ella, la ciencia-ficción y el terror se aunaban para componer pequeñas perlas de menos de media hora de duración. La calidad de los guiones—basados algunos en relatos de autores como Ray Bradbury, Richard Matheson o Ambrose Bierce—era muy alta, y la serie pronto se convirtió en un verdadero objeto de culto, de forma que a día de hoy, son legión los directores que se reconocen influenciados por sus imágenes. La serie se prolongó durante cinco temporadas y 156 episodios, entre 1959 y 1964. También dio lugar a otras ficciones basadas en el mismo patrón, como ‘The Outer Limits’ o ‘Night Gallery’ (del mismo Rod Serling, pero más orientada al terror puro y duro), y ya en suelo patrio, nuestras castizas ‘Historias para no dormir’ del inefable Chicho Ibáñez Serrador.

La serie original conocería más tarde nuevas versiones en los años ochenta, operación idéntica a la realizada con ‘Alfred Hitchock presenta’ , amén de una película estrenada en salas, ‘En los límites de la realidad’, (‘The Twilight Zone, The Movie’, 1983) que es de la que hablaremos en este post. Cuatro de los directores más potentes de la época, cuatro primeros espadas, todos ellos con experiencias anteriores en el cine fantástico y/o terror, se embarcaron en una nostálgica recreación con este film. El resultado fue desigual, como suele ser norma en las películas de episodios, pero rayando un nivel alto. Ahora que se acerca Halloween, es un buen momento para que me sigáis a una quinta dimensión, más allá de lo que el hombre conoce, a medio camino entre la luz y las sombras, entre la ciencia y la superstición, entre el abismo de los terrores del hombre y la cima de su conocimento. Una zona en los límites de la realidad.

El film comienza con un fantástico prólogo de John Landis. Dos personajes, un coche y una carretera oscura definirán el territorio por el que nos moveremos de aquí en adelante: la irrupción de lo extraño en la realidad, el abc del terror, más terrorífico cuanto más inexplicable, como es el caso. La peculiaridad de esta pequeña miniatura es su metalenguaje, su intertextualidad—no, Tarantino, esto tampoco lo has inventado tú—: los dos protagonistas hablan de la serie ‘En los límites de la realidad’ como una moderna manera de contarse historias de miedo, y al final ellos mismos acaban formando parte de la “Zona crepuscular”.

El episodio de John Landis

Un Landis en plena forma también es el autor del primer segmento de la película, que asimismo cuenta con el único guión que no se basa en un capítulo ya existente de la serie madre. El director de la fantástica ‘Un hombre lobo norteamericano en Londres’ (‘An American Werewolf In London’, 1981) era una de los realizadores más exitosos e interesantes del momento. Desgraciadamente, faltaba muy poco ya para que se le agotara la mecha de la creatividad.

En este episodio asistimos al retrato—de trazo grueso, todo sea dicho—de un perfecto racista interpretado por Vic Morrow que conocerá lo que es sentirse discriminado de manera drástica: viajará desde el presente a la Alemania nazi transfigurado como judío, a la América profunda como negro asediado por el Ku Klux Klan, y a plena guerra de Vietnam transformado en “amarillo” (sic) y tiroteado por sus propios compatriotas. El ritmo del capítulo es bueno y la sensación de pesadilla, lograda, hasta el punto de que lleguemos a sentir compasión por un personaje tan mezquino como el que interpreta Morrow, aunque su condición de historia con “moraleja” hace que pierda buena parte de su efectividad. Pero el episodio será recordado por motivos extracinematográficos: un accidente de helicóptero acabó en pleno rodaje con la vida de Vic Morrow —murió decapitado por las aspas—así como con la de dos niños vietnamitas que trabajaban como extras. De esta trágica manera, ‘En los límites de la realidad’ pasó a formar parte del fúnebre grupo de películas de terror con negra leyenda, junto a ‘Poltergeist’ (id, Tobe Hooper, 1982) o ‘La Profecía’ (‘The Omen, Richard Donner, 1976). Con esta información en las manos de los espectadores, el plano final donde presente y pasado se solapan y Vic Morrow desaparece en un vagón camino de Auschwitz, adquiere un dramatismo aún mayor.

El episodio de Steven Spielberg

Junto con Landis, Steven Spielberg fue el principal valedor de esta nostálgica recreación de la serie, y su gusto por el formato haría que más tarde pusiera en pie una nueva versión de la misma: ‘Cuentos asombrosos’ (‘Amazing Stories’, 1985-87). Digamos ya desde el principio que, sin llegar a ser un desastre, nos encontramos ante el peor episodio de la película. Y si no naufraga completamente es porque la narración clásica y sin fisuras de Spielberg hace que nos interesemos hasta el final. Pero el tema elegido roza la cursilería: unos afables ancianos ven pasar la vida desde las ventanas de su residencia olvidados por sus familias y olvidadas sus ilusiones. Allí conocerán a un trasunto de genio de la lámpara—el inolvidable Scatman Crothers de ‘El Resplandor’ (‘The Shining’, Stanley Kubrick, 1980)—que les brinda la oportunidad de volver a ser jóvenes. Este argumento hace que Spielberg dé rienda suelta a su sensiblería y la pretendida “magia” del relato quede malherida por un discurso tópico y profundamente conservador. Uno no puede evitar reconocer en el grupo de viejos-niños al director.

El episodio de Joe Dante

Hablando de directores en forma, Joe Dante venía de dirigir dos gamberras películas renovadoras del género de terror, como fueron ‘Aullidos’ (‘The Howling’, 1981) y ‘Piraña’ (‘Piranha’, 1978). Su propuesta fue la más lúdica y perversa: un niño con el poder de hacer realidad todo lo que su mente de diez años imagine, retiene secuestrados en una enloquecida casa a una “supuesta” familia que vive aterrorizada ante los caprichos del pequeño tirano. Las medidas de castigo que éste inflinge a los habitantes de la casa están tomadas de los salvajes dibujos de Tex Avery y similares, y descubrimos de forma cruel que en la vida real, los “cartoons” no tienen ninguna gracia. De una comicidad negrísima, este segmento nos brinda algunas de las imágenes más inquietantes de toda la película.

El episodio de George Miller

Contra todo pronóstico, George Miller, el director de ‘Mad Max’ (id, 1979) nos brinda la joya de esta película: a falta de ver el episodio original en que se basa, ‘Pesadilla a 20.000 pies’ es una pequeña Obra Maestra. Jugando de manera magistral con la claustrofobia de un espacio cerrado—un avión— y el miedo a volar, la historia de un pasajero que descubre un diabólico ser que intenta sabotear la hélice del aparato es un prodigio de crescendo dramático. La historia desarrolla implacablemente una de las grandes convenciones del género: sólo el protagonista —y los espectadores— saben lo que está pasando realmente, por lo que la sensación de paranoia e impotencia multiplica por diez la fuerza del relato. Un fabuloso John Lithgow encarna al sufrido héroe. Este capítulo tiene una perversa coda que une al film con el prólogo de nuevo con Dan Aykroyd como nexo, cerrando así de manera más que limpia el film. En resumen, la película es en líneas generales un estupendo divertimento que recupera el espíritu de la serie original de manera brillante. En breve hablaremos de una terrorífica película de episodios mucho más reciente y mucho más desconocida. Dulces pesadillas.

DreamWorks Studios ha lanzado ya las dos primeras imágenes de una de sus próximas superproducciones, ‘Real Steel’, la adaptación a la gran pantalla de un relato de Richard Matheson, titulado ‘Hierro’ en España. En las fotografías podemos ver a la estrella protagonista, Hugh Jackman, al director Shawn Levy, y a una de las máquinas que aparecerán en el film, con un aspecto un tanto tosco, pero esas cosas son de las que hay que ver en movimiento, una vez que los técnicos del departamento de efectos visuales se hayan ganado el pan.

Escrita por Leslie Bohem, John Gatins, Jeremy Leven y Dan Gilroy, ‘Real Steel’ está ambientada en un futuro donde los robots han entrado en el mundo del boxeo, lo ha que ha llevado a la prohibición de combates con humanos; Hugh Jackman interpreta a Charlie Kenton, un ex-luchador que encuentra a una máquina con increíbles posibilidades, al mismo tiempo que descubre que es padre de un adolescente. Evangeline Lilly (Kate en ‘Lost’), Dakota Goyo, Anthony Mackie, Hope Davis, Kevin Durand y James Rebhorn, entre otros, acompañan a Lobezno en el reparto. La fecha del estreno está fijada para el 18 de noviembre de 2011. Queda casi un año y medio para que el film llegue a los cines, de ahí lo que os decía de los efectos, esta película va a requerir mucho trabajo en ese aspecto. Esperemos que no sea lo único valioso del conjunto, pero con el director del remake de ‘La pantera rosa’ y ‘Noche en el museo, pocas esperanzas puede tener uno.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Se rumorea que en la primera foto Jackman está diciendo: “Mira, robotico, por ahí se va mi carrera”.

Vía | ComingSoon

Richard Kelly debe soñar todas las noches con su pasado, sueña una y otra vez con viajar en el tiempo y rememorar la buena acogida crítica —y con el paso del tiempo, del público— de su ópera prima ‘Donnie Darko’, la cual no necesita carta de presentación para todos vosotros —personalmente, me parece uno de los films más sobrevalorados de la historia—, El film por el que siempre será recordado, ya sea para bien o para mal. Con ‘Southland Tales’ —aún inédita en nuestras salas, cosa que no me extraña— sufrió la ira de unos cuantos, y otros empezaron a desengañarse acusando al director de realizar un galimatías sin sentido —un día de estos, hablamos de esta película y la montamos de lo lindo ¿eh?—. Ahora con ‘The Box’, cierto sector de la crítica parece encantado con este nuevo trabajo, pero la recepción ha sido en general más fría de lo esperado.

‘The Box’ parte de un relato del gran Richard Matheson, adaptado anteriormente como capítulo para la serie te televisión ‘Más allá de los límites de la realidad’ —versión de los 80—, dirigido por Peter Medak. Siendo sincero no recuerdo haber visto dicho episodio, pero al ver la película me doy cuenta de que ésta es demasiado larga, que la interesante premisa se estira demasiado, y que no me convence en absoluto la forma en la que Kelly la ha convertido en un largometraje que quiere contar demasiadas cosas en un marco abiertamente Sci-Fi.

Norma y Arthur son una pareja con aparentes problemas económicos, a los que un día se le presenta una curiosa oportunidad de mejorar sus vidas. Durante 24 horas poseerán una misteriosa caja en la que hay un botón que de pulsarlo sucederán dos cosas: una persona a la que no conocen morirá, y recibirán de inmediato la suma de un millón de dólares. Esta atractiva premisa es tratada por Kelly en un relato en el que pone de manifiesto todas sus obsesiones: viajes en el tiempo, realidades alternativas, y en menor medida, el fin de la humanidad. Algo ya tratado en sus anteriores trabajos, los cuales son recordados por el espectador durante todo el visionado de ‘The Box’.

Estoy de acuerdo con mi compañera Beatriz Maldivia, cuando dice que lo más interesante del film es la atmósfera que Kelly proporciona a su historia. Cierta irrealidad se apodera de un relato que navega siempre con un pie en otro mundo. Un mundo en el que se habla de invasiones extraterrestres, del egoísmo de los seres humanos, de segundas oportunidades, y de viajes interdimensionales, a ratos fascinante debido a la puesta en escena de Kelly —totalmente apartada de los cánones comerciales en el Hollywood actual, lo cual es de agradecer—, pero también entorpecida por la cantidad de idioteces que hacen los personajes centrales. Y ahí es donde coincido con mi compañero Juan Luis Caviaro, cuando dice que todo carece de interés al parecernos tan estúpido lo que Norma y Arthur hacen.

Tal vez, todo no sea más que una mera excusa para que Kelly extienda sobre la mesa los temas antes comentados; tal vez con la intención de provocar debate —¿qué haríamos si una oportunidad así se nos presentase? ¿tendríamos en cuenta todas las consecuencias? ¿tendríamos conciencia de lo hecho? ¿seríamos capaces de sacrificar lo que más amamos?—, pero el director expone demasiados, y además se permite el lujo de tocar otros palos, incluso de carácter religioso, como lo de Eva y la manzana, proclamando a las mujeres como las culpables de todo lo malo que pueda pasar. No está mal el debate, no están mal las reflexiones, toda obra artística puede provocarlas, pero en este caso, debido al batiburrillo de Kelly, éstas carecen de interés, incluso nos llevan a la burla. Y lo peor que le puede pasar a ‘The Box’ es el no ser tomada en serio.

Kelly, con sus ínfulas de gran autor, se revela incapaz de casar todo con coherencia, y termina resultando pretencioso en muchos momentos. Alegorías sobre las segundas oportunidades en forma de puertas interdimensionales a través de las cuales se propone un volver a nacer, un se puede empezar de nuevo, rechinan peligrosamente en un relato lleno de incongruencias y disparates. Salvo ciertos momentos aislados, en los que Kelly caligrafía cierta inspiración visual, lo más destacable de la función es la presencia de un inquietante Frank Langella, intermediario alienígena con connotaciones divinas, cuya presencia sugiere más de lo pensado a primera vista. A su lado, unos ridículos Cameron Diaz y James Marsden —no en vano, dos de los peores intérpretes de la actualidad—, empañan una buena parte de la función.

‘The Box’ posee una extraña característica. A los pocos instantes de su visionado, regresa a nuestra memoria revelándose como un chiste, y aquellos raros momentos se convierten en instantes de pura comedia. Matheson merecía un mayor respeto. Pero esto no es nada, pronto hablaré de cómo seis gilipollas deciden robar un furgón blindado llevando a cabo el plan más estúpido de la historia. Ni Kelly inspirado sería capaz de hacerlo.

Estamos en el año 1976. Barrio rico, pacífico. Norma recibe la visita del señor Steward, un señor alto vestido de negro, con medio rostro desfigurado. Tiene una propuesta que hacerle, no le costará nada. Norma le invita a pasar a su preciosa y perfecta casa. Entran en la cocina y se sientan, una misteriosa caja de madera está en el centro de la mesa. El hombre saca una pequeña llave con la que se puede abrir “la unidad del botón” (la caja). Le explica a Norma que si lo hace, y pulsa el botón rojo, sucederán dos cosas: una, alguien que ella no conoce morirá; dos, ella recibirá un millón de dólares.

Esa secuencia es el punto de partida de ‘The Box’, la nueva película de Richard Kelly, director de culto gracias a su primer trabajo, ‘Donnie Darko’. ‘The Box’ (‘La caja’) se basa en el relato ‘Button, Button’ (‘Botón, botón’), escrito por Richard Matheson, del que ya se había hecho una adaptación en forma de capítulo de veinte minutos para la serie ‘The Twilight Zone’ (‘En los límites de la realidad’); el episodio, dirigido por Peter Medak, no se tomaba en serio el material original y el resultado era realmente lamentable, un despropósito sin gracia que no aprovechaba la fuerza del relato de Matheson, con lo fácil que hubiera sido ceñirse a lo escrito. Para mi sorpresa, Richard Kelly ha hecho prácticamente lo mismo, partir de la idea original para crear un amorfo thriller de ciencia ficción, soporífero, pretencioso y ridículo.

En su crítica de ‘The Box’, mi compañera Beatriz nos hablaba del “high concept”: una premisa que es tan impactante como peligrosa, que al extenderla en un guión puede quedar en nada. Efectivamente, ésa es la sensación que queda tras ver la película de Richard Kelly, pero no porque el relato original no diera para más, sino por la incapacidad y las pretensiones del realizador, autor también del guión. A la hora de transformar y extender el material escrito por Richard Matheson (podéis leerlo en este enlace), Kelly se desvía de tal forma que le queda un caótico cúmulo de ideas, un producto lleno de intenciones pero sin dirección ni objetivo; llega un momento (muy pronto) en que uno no sabe qué está viendo, si una fallida comedia sobre un matrimonio en un barrio adinerado de los años 70, o una disparatada y pretenciosa nueva versión de ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’.

Me lo pregunté también al ver ‘Soy leyenda’ (otra de Matheson), ¿tan difícil es ser fiel al material original? No me lo explico, ¿es tan idiota la gente? ¿Qué sentido tiene comprar los derechos de una obra, si luego la vas a descomponer y cambiar de tal forma que parecerá algo totalmente diferente? Vale, supongo que estoy obviando la razón comercial, el hecho de poder poner en tu cartel “basada en un relato de Richard Matheson”. Bueno. En cualquier caso, que conste en acta lo dicho, ‘The Box’ sólo se parece a ‘Botón, botón’ en su punto de partida, un matrimonio que recibe una caja con una propuesta muy clara y original. El resto, todo lo demás, incluyendo los personajes o el genial desenlace, se lo ha pasado Richard Kelly por un sitio que prefiero no escribir.

Así que esta ‘The Box’ gira en torno al matrimonio formado por Norma (Cameron Diaz), una profesora con un trauma gratuito y absurdo, y Arthur (Michael Marsden), un ingeniero de la NASA que prefiere comprarse un descapotable a pagarle la escuela a su hijo. Reciben la caja, la propuesta del señor Steward (Frank Langella, que parece el padre de Dos Caras) y se lo piensan, aunque ciertamente no parece que les haga falta el dinero. Pero por supuesto, más tarde de lo que sería deseable para quien está en la butaca del cine, el botón es pulsado (de paso, Kelly nos deja una opinión sobre las mujeres, las Evas que muerden el fruto prohibido). A partir de aquí es donde más se evidencian las diferencias con el relato original. Alguien ha muerto y la pareja tiene un millón de dólares, pero su vida empieza a dar un vuelco inesperado; la fallecida resulta ser la esposa de otro empleado de la NASA, Steward también trabajaba allí hasta que fue alcanzado por un rayo que parece haberlo poseído, algunas personas del entorno de Norma y Arthur empiezan a actuar de forma extraña, los vigilan y amenazan, se abren otra vez los portales de Donnie Darko…

Falla todo. El guión es un desastre, los actores están fatal y hay muchísimas escenas realmente vergonzosas. Se entiende que Kelly quiere recrear una época y un tipo de personas que ya no viven en ésta, pero lo hace de forma tan burda que provoca la risa (o el cabreo, dependerá de cada uno). Sus protagonistas son tan ingenuos que llegan al nivel de idiotas. A lo largo de la película, Norma y Arthur cometen tantas estupideces, se comportan de forma tan inverosímil, que es imposible seguir la narración con interés. A todo esto, el director cree que es una buena idea descomponer su película en trozos y ofrecer de todo un poco, como una macedonia. Así que va sacando a los personajes de un sitio y un tono para meterlos en otros sin razón lógica, para crear una atmósfera inquietante y darle a su película un aire complejo y súper-misterioso. En otras palabras: a ver si así no se entiende nada, y cuela como que todo es muy inteligente.

No obstante, Kelly da explicaciones en ‘The Box’. Demasiadas, en realidad, pero contribuye al despiste, que es lo que le interesa. Utiliza toda una secuencia para que Steward (Satanás) le explique a otro personaje, o sea, al público, todo su maquiavélico plan, incluyendo de postre un rollazo sobre el ser humano y las cajas (siempre estamos dentro de cajas, según él). Podríamos hablar también del punto de vista, preguntarnos por qué se intercalan escenas con personajes irrelevantes para hablar de asuntos que conciernen a los principales, cuando éstos están en otra parte, pero sería tomar demasiado en serio esta tomadura de pelo que ha costado 30 millones de dólares (unos 20 más de los necesarios). Sí me gustaría aclarar algo que quizá pueda pasar desapercibido, y es que el título tiene trampa. Se refiera a la unidad del botón, claro, pero no sé si sabéis con qué otro nombre se conoce a la famosa Area 51, donde los conspiranoicos dicen que el gobierno estadounidense experimenta con tecnología alienígena; exacto, “la caja”.

Steven Spielberg y Stacey Snider, como jefes de la DreamWorks Pictures, han confirmado que dan luz verde a ‘Real Steel’, una nueva adaptación de un relato de Richard Matheson a la gran pantalla (titulado ‘Hierro’ en nuestro país). El anuncio se hace oficial poco después del estreno de ‘The Box’, también basada en una obra del mismo escritor y que ha resultado un gran fiasco, tanto en críticas como en recaudación. Claro que ‘Soy leyenda’, otra “hija” de Matheson, fue un gran éxito de taquilla; cosa que probablemente no habría sido sin Will Smith. En cualquier caso, parece que en DreamWorks confían mucho en este nuevo proyecto, que costará en torno a 80 millones de dólares. El riesgo de perder una gran suma de dinero disminuye si tenemos en cuenta que la película, un drama de acción y ciencia ficción, estará protagonizada por Hugh Jackman, cuya sola presencia hizo de oro a la lamentable ‘X-Men orígenes: Lobezno’.

Para asegurar la inversión, los productores han confiado en Shawn Levy, responsable de las taquilleras ‘La pantera rosa’ (el remake, claro), ‘Noche en el museo’ y su segunda parte; una terrible noticia para los que esperábamos una adaptación seria y compleja. La historia de ‘Reel Steel’ se centra en un futuro en el que los robots han entrado en el mundo del boxeo, lo ha que ha llevado a la prohibición de combates con humanos; Jackman interpreta a un ex-luchador que encuentra y entrena a un robot de increíbles cualidades, al mismo tiempo que descubre que es padre de un adolescente. Teniendo en cuenta el presupuesto, podemos prepararnos para una buena ración de “espectaculares” peleas entre máquinas, a lo ‘Transformers’, aunque Levy ya ha adelantado que su película se parecerá más a ‘Rocky’... ejem. El rodaje comenzará el próximo mes de junio, con la intención de un estreno en 2011.

PD: Según la revista People, Jackman ya no es el hombre vivo más sexy del planeta. Ahora es Johnny Depp. Hmmm… ¿ha cambiado mucho Depp este año o es que ha bajado el nivel general?

Vía | ComingSoon