A pesar de que lo consideramos un escritor de bestsellers, que tira de estudio y produce novelas como churros, con ánimo exclusivamente comercial, de la obra de Stephen King han surgido algunos de los mejores ejemplos de la mini-historia de la adaptación cinematográfica. Fan del autor de pequeña, leí en aquellos años una gran parte de su producción y vi casi al completo lo que se ha trasladado a la pantalla de sus trabajos. Con calidad sumamente desigual, su currículum como guionista o autor adaptado, se nutre de, desde una cutre ‘Cementerio de animales’, a las más grandes obras fílmicas inspiradas en sus novelas: ‘El resplandor’, ‘Cadena perpetua’ y, ¿por qué no?, la que nos ocupa, pasando por cintas más curiosas que buenas, como ‘Carrie’, ‘Christine’ o ‘La zona muerta’. No es mi intención repasarlas todas, ya que son multitud, pero comentaré que casi la totalidad de las que pude ver, por poco estimables que fuesen, me marcaron de alguna forma y de casi cualquiera de ellas recuerdo aún ahora frases e imágenes.

‘Misery’ (1990) no solo ha constituido una de las más apreciables adaptaciones que han salido de los libros del de Maine, sino que podría ser considerada su mejor novela, quien sabe si por ser la más cercana al tener un protagonista que funciona en cierto modo como su alter-ego y por no tirar de elementos sobrenaturales o tópicos en el terror. Recuerdo devorarla una y otra vez, disfrutando del juego metalingüístico, de esa obra dentro de la obra y, por supuesto, de la relación enferma y psicopática de ambos protagonistas, retratados a la perfección en sendos casos. La película de Rob Reiner –asimismo responsable de otra de las adaptaciones más conseguidas: ‘Cuenta conmigo‘– también la consumí en varias ocasiones y es con satisfacción, por lo tanto, con lo que regreso sobre ella gracias a vuestras peticiones.

Fan fatal

Película de pocos personajes, ‘Misery’ es casi un duelo entre James Caan y Kathy Bates, del que, sin menospreciar en absoluto al actor, que está siempre atinado con sus reacciones y equilibra el miedo con el disimulo lo necesario –no solo pensaba que muchos otros actores podrían haber hecho el papel, sino que leo que les fue ofrecido a una gran cantidad de ellos–; no puede negarse que sale ella victoriosa en el papel de una psicópata que arranca con la apariencia de una simpática enfermera a la que el protagonista debe la vida. Sus prontos, su amour fou, sus cambios de humor, sus eufemismos beatos, su convencimiento de que está en una misión divina para ayudar al escritor a extraer su obra definitiva sobre el personaje que tanto adora y algunas de las acciones –que no describiré para que sorprendan a quienes aún no han disfrutado del film– convirtieron en un mito a esta fan fatal que aterroriza más que algunos de los monstruos sobrenaturales ideados por la pluma del mismo autor.

Atrapado en un ambiente que podría ser acogedor y familiar, Paul Sheldon goza de menor libertad que en una cárcel y su oponente supone una rival muy superior a él mismo, no solo por la ventaja considerable que mantiene sobre la piltrafa en la que se ha convertido, sino por el desconocimiento del hombre sobre los límites de la locura de su admiradora. Cada escalofriante descubrimiento que hace sobre ella resulta, de alguna forma, tranquilizador, ya sirve al novelista para saber con qué se está enfrentando. Muchas veces es más perjudicial la incertidumbre que la constatación de los peores temores.

La tensión

Al volver a ver ‘Misery’, pasados tantos años, me topo con algunas minucias que, o bien había tamizado con el mortero del recuerdo o no había observado entonces, sea porque ahora veo el film con un ojo más crítico o porque los cuatro lustros largos han alejado estos detalles del lustre que da la actualidad, o, por decirlo de forma más directa, que están pasados de moda. Me refiero a los poco convincentes subrayados o aclaraciones, como ese primer flashback con la editora – intervención especial de Lauren Bacall– , algún zoom, ralentí y reencuadre, esa voz de Annie resonando antes de que Paul haya recobrado la consciencia; encuadres en plano detalle, por ejemplo, el de la copa; ópticas deformantes en grandes angulares más propias de un terror de otro rango, en una cinta que es antes que nada un thriller psicológico, o el ataque de la música cuando a ella le da el primer arrebato de ira –primer giro del guion que ocurre exactamente a la media hora de película–. El montaje musical que hace pasar el tiempo –o film montage– algo más avanzada la cinta, es efectivo, pero no resulta agradecido y la fotografía, de Barry Sonnenfeld, podría tender a tonos más oscuros para crear mayor atmósfera.

Siguiendo dentro de la técnica, antes que criticar estos aspectos, es necesario admirar cómo se mantiene la tensión con tan poco. Son magistrales las dos o tres secuencias que se montan en paralelo para crear la incertidumbre de si ella estará de vuelta del pueblo a tiempo para atraparlo a él en sus intentos de fuga o, dándole la vuelta, si el sheriff –interpretado por Richard Farnsworth (en la fotografía siguiente), quien falleció en 2000– será capaz de pillarla a ella in fraganti. El tiempo está dosificado a la perfección para que la consecución no sea engañosa y los planos están elegidos con astucia para dar la inminencia necesaria –pies sobre escalones, pasos en la nieve, etc…–. Este recurso se ha utilizado muy a menudo, pero pocas veces con tanta finura como en esta película.

(Spoilers) La angustia está servida y la dificultad de escapar está retratada con tal verosimilitud, frustrando casi todos los intentos que hace Paul, que parece imposible que la cinta pueda acabar bien. Efectivamente, es muy probable que hoy en día, se le hubiese dado un final fatídico, con la excusa de que sería lo lógico. Pero el mérito narrativo, que aquí habrá que repartir entre King y el guionista, el célebre William Goldman, reside en hacer que parezca irrealizable y, a pesar de ello, hallar la manera plausible de sacar de allí al protagonista.

No cierro aún el aviso ante palabras que destripan el final o momentos clave de la película, para comentar la escena que más me marcó ya en su día –y apuesto a que no solo a mí–: hablo de la ruptura de las piernas con el mazo. Reiner no escatima el primer golpe y nos deja ver el pie fuera de su sitio, aunque se podría haber obtenido el mismo efecto de contagio de dolor con un sonido fuera de campo, como hace en el segundo mazazo, y la reacción del actor. Es el único instante de la película que recurre a lo grotesco, ya que aquí el miedo no lo producen la sangre, las vísceras u otros factores, sino la pura psicología.

A nadie se le escapa la ironía –ya que tampoco hay intención de disimularla– no solo de que Wilkes salvó la vida al protagonista, sino también de que la experiencia casi fatal ha servido al escritor para dar a luz a su mejor obra y no solo porque el sufrimiento le haya hecho crecer o le haya aportado una jugosa historia que contar, sino porque esa enfermera pueblerina escondía en la manga algunas buenas lecciones sobre narrativa (fin del spoiler).

Conclusión: ejemplo perfecto de tensión bien llevada y de terror psicológico, ‘Misery’ cuenta con un terrorífico retrato de una obsesión de la mano de Kathy Bates, que no en por nada le valió un valiente Oscar. Supondrá un descubrimiento para aquellos espectadores que, dada su corta edad, aún no hayan tenido el placer de disfrutarla. No sé si envidio la experiencia de verla por primera vez, pero aseguro que merecerá la pena.

En los comentarios, podéis pedir la película que deseéis que reciba la próxima Crítica a la Carta.

Mi puntuación:

“Hola, me llamo Íñigo Montoya. Tú mataste a mi padre. Prepárate a morir”

-Ínigo Montoya (Mandy Patinkin)

Hubo un tiempo en que Rob Reiner nos tenía a todos desconcertados, tanto por su buena fortuna como por un singular talento que parecía capaz de salir airoso de todo tipo de proyectos, por muy dispares y complejos que fueran, y de todos ellos salía con notable alto. Entre 1986 y 1992 dirigió cinco películas que han quedado como el ejemplo de un cine comercial de altísima calidad, y en las que cabía el suspense, la aventura juvenil, el retrato de pareja, el terror, el cuento de hadas, el humor negro…Realmente era un director que se había ganado un respeto y un lugar entre los mejores artesanos de su tiempo. Desgraciadamente se le acabó la buena fortuna, y desde 1994 ha dirigido media docena larga de películas que apenas han despertado el interés del respetable, por mucho que el bueno de Reiner haya intentado regresar a esa época dorada, que cada vez queda más lejos en la memoria.

Sin embargo, bastante antes de que se le terminase la inspiración o el talento o la suerte, Reiner tuvo la suerte de dirigir uno de los mejores guiones de aventuras de los últimos treinta años, escrito por el gran guionista William Goldman (Chicago, 1931), el cual adaptaba su propia novela. ‘La princesa prometida’ (id, 1987) es una magnífica película de comedia, de aventuras, de fantasía, de venganza. Pero sobre todo y ante todo es una celebración del cine, un cuento que podemos ver una y mil veces, y siempre lo pasamos en grande. El título perfecto para ver un día de lluvia, preferiblemente con una buena taza de chocolate caliente, y sin olvidarnos de las imprescindibles sustancias psicotrópicas. ‘La princesa prometida’ jamás tuvo mayor pretensión que la de divertir y dejarnos bien a gusto, y quizá por eso ha pasado a la historia del cine americano.

Resulta dificilísimo, por no decir imposible, encontrar una película de aventuras, incluidas todas las de animación que en los últimos años nos están llegando, y que de alguna forma imitan o parten de algunas de las ideas y chistes de esta película, que llegue al nivel de surrealismo y de subversión narrativa de ‘La princesa prometida’, relato de libertad absoluta. Y que, sin embargo, gocen de un guión tan asombrosamente férreo, construido en apariencia sin costuras, pero que se sospecha elaborado hasta el mínimo detalle, pues en su esqueleto nada sobra y nada falta. Es decir, nos encontramos ante un ejemplo de ascetismo y de austeridad que, a la postre, se revela riquísimo en imaginación, fecundo en personajes llenos de vida y dibujados con precisión, y casi inagotable en ideas, chistes, inventiva y amor por el cine y los cuentos. Filmada en impresionantes paisajes de Inglaterra e Irlanda, hacen faltas más películas de la belleza de esta.

Espadas, acertijos, resurrecciones

Con ‘La princesa prometida’ el cine parece volver a nacer, rejuvenecido y revitalizado. Tras empezar con el recurso del abuelo que le lee un cuento al nieto, recurso que no se encontraba en la novela, y que la enriquece aún más, pasamos a la pura aventura sin más preámbulos, con la fenomenal persecución en los Acantilados de la Locura, y posterior secuencia de esgrima, secuencia que puede ser, fácilmente, una de las mejores, más divertidas e ingeniosas de esgrima desde que Errol Flynn encarnara a Robin Hood. El hombre de negro se bate en duelo, pero antes un diálogo inolvidable sobre una espada, un padre muerto y una venganza en ciernes. Aquí da la impresión de que hay tiempo, energía y talento para todo. Aún le quedarán dos pruebas al hombre de negro, de astucia y de fuerza, para rescatar a Buttercup, pero claro…nada es lo que parece.

La película posee dos mitades bien diferenciadas: hasta que la princesa es liberada por el hombre de negro es la primera, y la segunda de nuevo el intento de rescate, con un Westley hecho polvo y ayudado en la empresa por los dos antiguos enemigos. Se habla de amor y de venganza en todo momento, pero no hay ni rastro de ñoñería ni de violencia comercial en todo el metraje, pues Reiner obra el milagro de un equilibrio estético muy notable, capaz de cautivar a personas de cualquier edad y, sospecho, de cualquier parte del mundo, ya que este cuento es completamente universal y disfrutable, aunque se esfuerce uno por lo contrario. Vamos, que te obligan a pasártelo a lo grande, quieras o no.

Y para la princesa perfecta, pocas más adecuadas que la bella y magnífica actriz Robin Wright, que hace una pareja muy estimulante con el divertido Cary Elwes (siempre un actor un poco bizco, pero a quién le importa), que va de guaperas aventurero y lo borda. Eso sí, ambos están rodeados de un grupazo de actores y rostros de primer orden: para el inefable y casi inmortal Íñigo Montoya (quizá el personaje más recordado) contaron con el estupendo Mandy Patinkin, que tiene algunas de las mejores frases. Para el gigantón turco Fizzik tuvieron la suerte de que André el Gigante, uno de los luchadores profesionales más famosos de la historia. Y hay más gente estupenda: Chris Sarandon como el odioso príncipe Humperdinck, Fred Savage, Peter Falk, Billy Cristal...

Magníficamente fotografiada por Adrian Biddle, en su segundo trabajo después del infierno de rodaje de ‘Aliens’ (id, James Cameron, 1986), y con un fabuloso, por decir algo suave, diseño de producción de Norman Garwood, que desgraciadamente se ha prodigado poco, y que contó con la ayuda de Richard Holland y Keith Pain en la dirección artística, todos nos acordamos siempre, al final, del magistral diseño de vestuario de Phyllis Dalton, toda una leyenda de su oficio, con títulos como ‘Lawrence de Arabia’ (id, 1962) y ‘Doctor Zhivago’ (id, 1965), ambas de David Lean, a sus espaldas, y por supuesto de la música de Mark Knopfler, que no se sabe por qué, pero es el acompañamiento ideal a sus imágenes. ‘La princesa prometida’, dentro de cincuenta años, seguirá tan joven, o más, que ahora. Tiempo al tiempo, el más justo de todos los jueces.

“Mira Danny, puedo soportar las balas, las bombas y la sangre. Y no quiero dinero ni medallas. Lo que quiero es que te cuadres ahí con tu amariconado uniforme blanco y me muestres un poco de jodida cortesía. Pidelo educadamente.”

-Coronel Jessup

El cine de juicios, ese en el que gran parte de la trama se desarrolla dentro de una corte o juzgado, es uno de los sub-géneros más populares que existen. Se situaría dentro del cine de no género, es decir lo que algunos llaman dramas. Pero también puede tener un tono de cine criminal, o melodramático. Existen cientos de casos, algunos célebres y otros plagados de clichés. Y es que ya no resulta fácil, a estas alturas, sustraerse de testigos sorpresa, golpes de efecto manidos y giros de trama mil veces vistos. Pero algunos lo logran, aunque sea basándose en textos teatrales, como es el caso. ‘Algunos hombres buenos’ (Rob Reiner, 1992) podría ser, quizá, una de las películas judiciales más sólidas y perfectas que se han hecho. Y si hablamos del sub-sub-género de los consejos de guerra, tal vez la mejor.

Basada en una exitosa pieza, que arrasó en los escenarios, escrita por el a veces genial Aaron Sorkin, que redactó a su vez el guión, esta película fue una de las pocas en discutirle al ‘Sin Perdón’ de Clint Eastwood el título de mejor película americana del año. Y no es para menos: brillantísimo drama judicial, de soberbia factura, dirigida con mano de hierro por el artesano Rob Reiner, que firma aquí la que es de lejos su mejor obra, después de demostrar su talento en ‘Misery’ o ‘La princesa prometida’, y antes de echar por tierra su buen nombre con cosas como ‘The American President’ o ‘Alex & Emma’.

Un reparto formidable y sin fisuras

En esta película, con una trama tan visualmente estática, tan basada en los diálogos, era imprescindible contar con un grupo de intérpretes solvente y en plenitud, y el reparto supera el desafío con creces. En él brilla con luz propia, como suele suceder cuando le dan papeles de esta potencia, un grandioso Jack Nicholson, que aparece en cuatro secuencias pero da la sensación de no abandonar nunca la pantalla. Su coronel es una lección magistral de interpretación, y a su lado el resto de actores no desfallece ni se sitúa a menor nivel. Incluso una actriz a menudo mediocre, como es Demi Moore, sorprende por su versatilidad y su buena presencia. Junto a ella, el siempre sobrio Kevin Pollak, que por entonces había hecho pocas películas, demuestra por qué siempre ha sido un secundario de renombre.

Pero hay bastantes más. Kevin Bacon, que es un excelente secundario y un mejor principal (aunque pocos le reconocen esto último), borda un papel que sobre el papel presenta pocos matices y escasas posibilidades de lucimiento. Un Kiefer Sutherland de veintiséis años está impresionante como el teniente y lameculos del coronel, tan abyecto como brutal. El tristemente fallecido (por un fulminante ataque al corazón a los 55 años) J.T. Walsh es el perfecto reflejo atormentado del despiadado coronel de Nicholson. Y por ahí también vemos al ahora bastante conocido, y oscarizado, Cuba Gooding Jr., o al siempre agradable y en su papel Noah Wyle, que después de esto triunfó en la ya mítica serie ‘Urgencias’.

Sin embargo, pienso que el verdadero corazón de la película es un deslumbrante Tom Cruise, que venía de protagonizar la flojísima (como no podía ser de otra manera, pues está dirigida por Ron Howard) ‘Un horizonte muy lejano’, y la horrenda (por decir algo suave) ‘Días de trueno’. Aquí Cruise asombra con una de sus tres mejores interpretaciones (sobre otra de ellas hablaremos muy pronto…), la del fanfarrón, brillante y voluntarioso teniente Kaffee, porque Cruise, por entonces, era un actorazo en plenitud absoluta, que aún no había caído en el declive que le produjo el exceso de fama y poder, y que por tanto se preocupaba más de llevar a cabo trabajos sobresalientes, como éste, que de embolsarse millones o de acatar las órdenes de su secta.

Está tan bien Cruise, que sostiene de tú a tú la secuencia con el gran Nicholson, y con entereza absoluta. Tanto es así que no hay diferencia de nivel entre los dos. No hay ni un gesto, ni una réplica ni el menor detalle en su interpretación que no esté controlado férreamente por su instinto y su control absoluto de sus herramientas de actor. Incluso a pesar de su aspecto pulcro de abogado, sabe darle a su personaje una verosimilitud admirable. Mucho más que la que le dio a su otro abogado, Mitch McDeere, en la torpona ‘La tapadera’.

Una historia sobre la dignidad

Reiner dirige con estilo sobrio, sin falsas componendas, pero también sin concesiones, esta historia de orgullo militar, traiciones y dignidad humana. Una historia que tiene como trasfondo la base naval de Guantánamo que los Estados Unidos usan en Cuba para mofarse de los comunistas y del mundo. De modo que no se le puede pedir mayor vigencia, con la vergüenza histórica de los crímenes contra la humanidad allí cometidos en nombre de la Libertad, a esta película en la que los altos mandos del ejército no demuestran el menor escrúpulo de hacer valer su poder contra los más indefensos, y cuando se cometen errores, dejar a los que te sirvieron con valor tirados en el barro. Todo comienza con unos ejercicios militares tan vistosos como inútiles y termina con el arresto de un poderoso militar, pero ¿significa eso que estamos ante un panfleto antimilitarista?

En absoluto. La crítica que subyace bajo la trama es sutil, lo que la convierte en más efectiva. El ejército es tratado con respeto, pero ciertos sujetos reciben lo merecido, mientras otros aprenden lo que significa la arbitrariedad del poder, esa que algunos emplean, en teoría, para defender una nación, cuando en realidad defienden los propios intereses, aunque tengan que machacar al más débil. Tales ideas surgen, con exquisito gusto y sin énfasis, cuando Wainberg (Pollak) protesta porque abusaron del chico más débil de pelotón, lo que le indigna profundamente. Así mismo, no hay la menor alusión al régimen cubano, salvo cuando la ingenua abogada de Moore afirma que ellos defienden cierto muro, idea que pronto es rebatida con sinceridad por Kaffee.

El juicio se desarrolla veloz y sin la menor caída de ritmo (eso que no me cansaré en afirmar, una y otra vez, como la más genuina virtud del verdadero gran cine), los diálogos son certeros y magníficos, con personajes episódicos pero trazados con tiralíneas, en un crescendo admirable que concluye con uno de los diálogos más recordados del cine americano de los noventa, un enfrentamiento verbal que por muchas veces que se presencie pone la carne de gallina: la verdad frente a la hipocresía. Hasta los consabidos testigos sorpresa o giros tramáticos están tratados con singular sentido del destino, como si no pudieran desarrollarse de otra manera.

En suma, toda una joya del cine de juicios, que provoca, a cada nuevo visionado, más y más placer, y que es de obligada visión para todos los amantes (y hay muchos) del buen cine americano.

Tras el éxito de la emotiva ‘Ahora o nunca’, Rob Reiner vuelve al trabajo. El director, responsable de películas tan populares como ‘La princesa prometida’ o ‘Misery’ pero también de productos tan pobres como ‘Historia de lo nuestro’ o ‘Alex & Emma’, se pondrá manos a la obra con un proyecto titulado ‘Book of Shadows’, al parecer, una romántica de aventuras.

La historia del film resulta, por lo menos, extraña. Os traduzco la sinopsis, a ver si le encontráis sentido, más allá de lo que haya podido consumir Reiner antes de pensar que de aquí podía salir una buena película. La trama gira en torno a un joven que debe embarcarse en el arriesgado viaje del primer amor, superando muchas pruebas de madurez, a la vez que busca la manera de cerrar un mítico libro llamado “Book of Shadows” (Libro de las Sombras”), para poder restablecer el orden en el mundo.

Reiner no sólo dirigirá sino que también ejercerá de productor, junto a Ron Casdan y Alan Greisman. Por el momento no hay rumores ni nada sobre el reparto. Ya veremos qué sale de todo esto.

Vía | HollywoodReporter

‘Ahora o nunca’ (‘The Bucket List’, 2007) se estrenó en nuestro país el pasado mes de febrero y desde septiembre ya puede adquirirse en DVD. En su momento se me pasó, o más tendría que decir que la dejé pasar, pero al estar protagonizada por dos actores como Jack Nicholson y Morgan Freeman, era cuestión de tiempo que, finalmente, me decidiera a verla. No está el cine actual para dejar pasar oportunidades como ésta, a pesar de que esta película tampoco sea gran cosa.

El argumento de la película se centra en dos hombres, Edward y Carter, a los que se les diagnostica un cáncer que acabará con sus vidas en unos meses. Los dos comparten habitación y aunque sus diferentes personalidades chocan en un primer momento, luego se convierten en buenos amigos. Temiendo abandonar esta vida sin haber hecho algunas cosas que hubieran deseado, redactan una lista. La vida como juego les alivia pero la muerte sigue ahí y hay personas que aún necesitan de ellos, mientras sigan vivos…

A pesar de lo que apuntaba el trailer, ‘Ahora o nunca’ es más un drama que una comedia. Y aunque Rob Reiner lleva años sin nada valioso que ofrecer, aquí consigue una película equilibrada, entretenida y con algunos momentos realmente emocionantes. Además, logra que los dos gigantes de la interpretación que tiene a su disposición trabajen estupendamente juntos y hagan destacar una película que, con otros actores, sólo serviría para cubrir un hueco en la programación de madrugada de algún canal televisivo.

El guion de Justin Zackham es sencillo pero muy efectivo, va al grano sin dejar de lado a los personajes, a los que se explica convenientemente en varias ocasiones. Hay bastantes clichés, pero están bien empleados y lo cierto es que los actores disfrazan muy bien los defectos del trabajo tanto de Zackham como de Reiner. Freeman y Nicholson hacen suyos unos personajes sin demasiada complicación y los dotan de vida propia. Como era de esperar, el trabajo que ofrecen es lo más destacado de la película y una buena razón, por sí sola, para verla.

Jack Nicholson encarna a Edward, un multimillonario que cree tenerlo todo pero que, como sólo parece ocurrir en las películas, en realidad no tiene nada. Dicho de otro modo, no tiene a nadie a su lado, salvo a empleados y personajes que buscan su dinero. Es materialista y de trato muy difícil, pero ahí está Carter, Morgan Freeman, para darle la vuelta. Carter es todo lo contrario, tiene lo que le falta a Edward y no tiene lo que éste posee en abundancia: dinero. Así que entre los dos se ayudan mutuamente y tratan de vivir de forma intensa el poco tiempo que les queda de vida. Si bien la parte cómica, en la que los dos se lo pasan bomba tirándose en paracaídas o compitiendo en un circuito, resulta bastante fallida, incluso aburrida, la parte dramática está muy lograda y consigue mantenernos pegados a la pantalla, con el corazón en un puño. Fantásticos los últimos minutos, con un discurso muy emotivo por parte de uno de los protagonistas en el entierro del otro.

En papeles secundarios, con muy poca relevancia, tenemos a Sean Hayes, que sorprendentemente no hace de gay “supergracioso” sino del cansado ayudante de Nicholson, Beverly Todd, que hace de la esposa de Freeman, Rob Morrow, como (¡sorpresa!) el doctor que cuida de los dos pacientes, y Alfonso Freeman, que aparece en un par de ocasiones para hacer también en la ficción de hijo de Morgan.

En definitiva, ‘Ahora o nunca’ es una opción muy válida para todos los públicos, para cualquier momento, una comedia dramática sobre lo que es realmente importante en la vida. Personalmente, la recomiendo sólo por ver a los dos grandes actores que la protagonizan. Si tenías dudas en el videoclub, dale una oportunidad, eso sí, sin esperar más de la cuenta.

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‘Ahora o Nunca’, Nicholson + Freeman (crítica de Alberto Abuín)

Hay un dicho que dice que una gran película siempre tiene un gran villano. Su poderoso influjo los ha convertido en inolvidables, no sólo dando la réplica al héroe sino atormentando sobremanera al espectador. Y, a menudo, se trata de personajes mucho más fascinantes que el bueno de turno. Su intervención puede transformar una anodina historia en un relato sorprendente, e incluso perder su animadversión preconcebida para alcanzar la simpatía. Muchos son los villanos que me han impactado y fascinado y quería repasar algunos inolvidables, y sus distintas cualidades para desplegar su maldad.

Annie Wilkes es una enfermera que vive aislada en un frío y nevado paisaje, con su enorme fascinación por su escritor favorito y su oscuro pasado. Es un personaje que cuando aparece va dotando a la historia de toda su dimensión, hasta apropiarse del máximo interés y convertirse en la verdadera protagonista. Lo que ya la convierte en una villana muy particular. La podemos ver y sufrir en ‘Misery’, una cinta de 1990 dirigida por Rob Reiner con la adaptación brillante (a cargo del prestigioso William Goldman), la estupenda novela del prolífico Stephen King.

La película nos cuenta como Paul Sheldon (interpretado por James Caan), un afamado novelista a costa de la creación del personaje de Misery, concluye su última obra y cuando abandona su refugio solitario tiene un accidente por culpa de la ventisca y la nieve. Cuando despierta de su inconsciencia se despierta en casa de Annie Wilkes (Kathy Bates), en apariencia una entrañable enfermera que lo cuida con esmero mientras reabren las carreteras tras el temporal. Pero, en seguida, Paul descubre que su cuidadora es su fan número uno, como ella misma se proclama, y su fanatismo empieza a parecer obsesivo, dejando entrever su lado más macabro y sádico.

Lo retiene prisionero en una mezcla de profunda admiración y salvaje brutalidad, capaz de cualquier cosa por retenerle. Annie descubre, para más inri de Sheldon, que la novela que acaba de terminar de escribir supone el fin de Misery, su idolatrado personaje protagonista. Con lo que, empieza a desplegar su artillería pesada de maquiavélicas artimañas para que el escritor, atrapado e inmovilizado por la fractura de sus piernas, destruya su obra y escriba una nueva en su memoria.

Annie le facilita medicación para los dolores, comida y ropa limpia, pero lo retiene aislado, encerrado en su habitación y con brotes psicóticos cada vez más frecuentes que convierten el encierro de Sheldon en una verdadera tortura, lo más parecido a una pesadilla.

Ella, una mujer rústica y huraña, mantiene la tensión de la historia con su bipolar comportamiento, capaz de infringir dolor y al minuto de enternecerse y pedir disculpas, lo que hace todavía más temibles sus apariciones. Memorable es la escena en la que, tras descubrir los ocultos movimientos de Sheldon en su ausencia, decide darle un “toque” a sus tobillos, como castigo y medio para acabar con sus planes de fuga. Una brutalidad cruenta, salvaje y fascinante desplegada por quien, poco después, prepara una sabrosa cena a su admirado enfermo.

La actriz Kathy Bates logró una interpretación sublime, que no pasó desapercibida, logran incluso el Oscar a la mejor actriz por su papel de la despiadada enfermera. El premio en sí sólo supone un meritorio reconocimiento, pero en el fondo supone una forma de darle el valor a un papel de una villana formidable.

Hay actores cuya sola presencia justifica el visionado de una película. Da igual que sea buena o mala o de qué va, el magnetismo que desprenden algunas de esas denominadas estrellas, es más que suficiente. Evidentemente a todos nos gustaría ver una excelente película siempre que entramos en una sala de cine, eso es más que obvio. Pero cuando el material de la misma no da para mucho, si al menos podemos disfrutar de una gran presencia, pues no seré yo el que se queje.

Algo por el estilo es lo que le sucede a una película como ‘Ahora o Nunca’ (‘The Bucket List’, 2007), a la que por cierto los trailers no le están haciendo justicia alguna, ya que nos la venden como una comedia en la que dos enfermos terminales de cáncer se dedican, antes de morir, a hacer el mayor número de locuras posibles para sentirse vivos de verdad. Realmente hay más que eso, precisamente lo más salvable de un film, que sin ser ninguna maravilla (ni siquiera bueno) proporciona las suficientes dosis de evasión, aderezadas con la presencia de dos estrellas compenetrándose a la perfección.

Que el director elegido para reunir a estos hiperfamosos y admirados actores sea Rob Reiner tiene cosas buenas y cosas malas. Malas porque Reiner hace tiempo que perdió el norte, si consideramos que su última gran película data de 1992, ‘Algunos Hombre Buenos’, curiosamente con Jack Nicholson en su reparto. Después de eso lo intentó dando bandazos en géneros varios, consiguiendo resultados a medias, pero siempre haciendo añorar al espectador sus buenos tiempos. Y precisamente algo de esos buenos tiempos aún le queda a Reiner corriendo por sus venas, porque a pesar de sus mediocridades, ninguna de sus películas puede considerarse una basura infumable (a diferencia de otros directores que también empezaron con buen pie, y ahora no saben ni gatear). Reiner demuestra cierta sensibilidad en el inicio y en el final de ‘Ahora o Nunca’ que la hacen un film aceptable, a pesar de estar llena de tópicos y lugares comunes, pero por lo menos en esos momentos no se trata al espectador como si fuera imbécil, y no hay manipulaciones de ningún tipo.

Todo lo que hay ne medio de esas dos partes, las cuales tiene mucho más de drama que de comedia, hablan de lo que efectivamente nos cuenta el trailer: dos enfermos terminales pegándose la vida padre mientras puedan, haciendo una serie de cosas apuntadas en una lista que se convertirá en una especie de mandamientos para los dos carismáticos personajes. Pero no es más que un montón de escenas de dos tíos viajando por todos los lugares conocidos del planeta, simple y llanamente para rellenar metraje.

Afortunadamente para todos podemos disfrutar casi en su totalidad de las presencias de Morgan Freeman y Jack Nicholson, quienes hacen creíble lo increíble, interpretando con una gran naturalidad a dos personajes que enseguida nos meten el bolsillo. Da igual que en su parte central, la película haga aguas por todos lados, ellos nos lo hacen soportable, y elevan el film a una altura que ya quisieran otros films de idéntica índole. Y eso que sus personajes no son el colmo de la originalidad, pero los actores están tan entregados que es otro de esos factores que pasamos por alto. Ver a esos dos antagonistas hablar sobre la vida y la muerte, sobre la felicidad, sobre el buen café, sobre las mujeres, con el mundo de fondo, es suficiente regalo como para no salir cabreados de una película que tenía todos los boletos para conseguirlo. Tal vez me quede con Freeman, el verdadero conductor de la trama. Nicholson siempre me ha parecido sobrevalorado, su histrionismo a veces le queda mal (como en muchas de las películas que protagonizó), pero cuando le da por la sobriedad el tío es impagable (como en muchas de las películas que protagonizó).

Todo lo demás no está a la altura, salvo unos minutos finales, muy bien llevados por Reiner. Y es que Freeman y Nicholson lo eclipsan absolutamente todo. Afortunadamente, esto ocurre para bien. ‘Ahora o Nunca’ es una pasable película, que por fortuna dura poco, no se enrolla demasiado (tampoco hay mucho para desarrollar), se ve con agrado y luego se olvida. Eso sí, a todos nos gustaría ver a estos dos actores en proyectos con más garra.

El hoy casi olvidado Rob Reiner ha logrado reunir en ‘Ahora o Nunca’ (lamentable título español de ‘The Bucket List’) a Morgan Freeman y Jack Nicholson, dando vida a dos enfermos terminales de cáncer que un día deciden escaparse del hospital en el que se hayan e intentar hacer esas cosas que siempre quisieron hacer, antes de morir. El film se estrenó limitadamente en Diciembre y este pasado fin de semana lo hizo con una distribución mayor, teniendo unos resultados bastante aceptables. Eso sí, la crítica no ha sido muy benevolente.

‘First Sunday’ es una comedia sobre dos ladronzuelos al servicio de su protagonista principal, Ice Cube. La película ha tenido cierto éxito entre la población afroamericana, su principal público. Los críticos también la han suspendido.

‘The Pirates Who Don’t Do Anything: A VeggieTales Movie’ es una película de animación en 3D protagonizada por vegetales (uff). A ver quién se acuerda de ella cuando se estrene por estos lares. Aún así, los críticos la han tratado mejor que a los dos films anteriores.

Respecto a las ya conocidas del top ten, seguir destacando el increíble subidón de ‘Juno’, sin duda el sleeper de la temporada, con bastantes posibilidades de ser nominada a los Oscars.

Vía | Imdb

Con motivo del estreno de ‘1408’, basada como sabéis en un relato de Stephen King, me ha parecido buena idea hacer un repaso a las mejores películas que han adaptado alguna obra de tan peculiar autor.

Aquí os dejo con una lista compuesta por, según mi punto de vista, las diez mejores adaptaciones de obras escritas por King. Cuidado, hay SPOILERS.

• ‘Carrie’ (1976)

Brian De Palma puso sobre el asador toda esa fantástica fuerza visual que caracteriza su cine para contar la historia de una solitaria y tímida joven (inolvidable Sissy Spacek) que, con motivo de la educación ultrareligiosa de su madre, es objeto de burlas por parte de sus compañeros; lo que nadie sabe es que la chica tiene un secreto muy especial. El momento: La protagonista, bañada en sangre, despliega sus terribles habilidades contra todos los asistentes al momento más humillante de su vida. Impresionante.

• ‘El Resplandor’ (‘The Shining’, 1980)

Stanley Kubrick filmó mi película de terror favorita pero no contentó a King con su narración de la bajada a los infiernos de un Jack Torrance encarnado memorablemente por Jack Nicholson. Como sabéis, se acaba de editar en DVD una nueva versión de la película, con metraje adicional. Una joya que podéis pedir perfectamente como regalo en estas fiestas navideñas que se acercan (aunque ya de paso comentad que hay un pack a un precio ridículo). El momento: Podríamos quedarnos con el del chico en el pasillo cuando ve a las “niñas” (¡qué escalofrío!), pero creo que el más destacado es cuando un enloquecido Jack trata de destrozar la puerta del cuarto de baño donde se esconde su desesperada esposa.

• ‘La Zona Muerta’ (‘The Dead Zone’, 1983)

David Cronenberg, uno de mis directores favoritos, se lanzó a contar la dramática y fantástica historia de un hombre que tras despertar de un coma que le ha mantenido años “muerto”, descubre que tiene habilidades sobrenaturales. Como en el cine de Shyamalan (por cierto, a ver si no encontráis parecidos entre este film y ‘El Protegido’), un espléndido Christopher Walken deberá descubrir el fin de su nueva condición. El momento: Toda la secuencia final con motivo del discurso político; de esas que te mantienen pegado a la pantalla, sin pestañear, deseando que, por favor, el protagonista consiga su mortal objetivo. Y lo mejor es que sabes que no lo va a lograr, pero…

• ‘Christine’ (1983)

John Carpenter, otro de mis cineastas preferidos, figura a reivindicar siempre, se lanza al ruedo para contarnos, sencillamente, cómo un precioso coche rojo maldito se dedica a matar gente. Y a ver quién tiene las santas narices de decir que este film es mejorable (alguno saldrá, los listillos existen desde que un cavernícola pintó en la pared de la cueva de otro). El momento: La secuencia inicial, donde asistimos a la creación del brillante y diabólico Plymouth Fury del 58.

• ‘Cuenta Conmigo’ (‘Stand by Me’1986)

Rob Reiner traslada a la gran pantalla una de las historias que no le habrían dado a King el título de “maestro del terror”. Concretamente, un grupo de cuatro amigos (entre los que estaba River Phoenix) se lanza a buscar a un chico que ha desaparecido, sirviéndoles el viaje para aprender de la vida. El momento: Quizá no sea el mejor, pero siempre me acuerdo del que acontece cuando, en ese largo viaje, los protagonistas se dividen para charlar; unos hablan de superhéroes y otros de serios temas personales, dándonos a entender rápidamente cómo son unos y otros. Muy útil y muy bien plasmado.

• ‘El Cementerio Viviente’ (‘Pet Sematary’, 1989)

Mary Lambert se atrevió con la terrible historia de un matrimonio que se traslada a una nueva casa, cuya zona tiene dos particularidades: una carretera del barrio es muy transitada por camiones que van a gran velocidad; y un tanto escondido hay un cementerio de animales donde, supuestamente, todo lo que se entierra vuelve a cobrar vida. El momento: El niño se despista y se queda en medio de la calzada y el camión…

• ‘Misery’ (1990)

Rob Reiner vuelve con King, ahora en una historia protagonizada por un escritor de éxito (no sé, no sé, ¿de dónde sacará estas ideas el bueno de Stephen?) y una fanática de su obra que primero le ayuda y luego… pues quiere quedárselo, como es natural. Sobria y notable a nivel interpretativo (Kathy Bates se sale), la película va mejorando y oscureciéndose conforme avanza. El momento: La fanática tiene atado al escritor y se dispone a hacer lo necesario para que éste no pueda huir, martillo en mano.

• ‘Cadena Perpetua’ (‘The Shawshank Redemption’, 1994)

Frank Darabont, amigo de King, se llevó un buen palo con este film la noche de los Oscar; nominaciones, ninguna estatuilla a casa. Pero ya sabemos que estos lujosos premios rara vez son justos (pregunten a Ennio Morricone sobre Gustavo Santaolalla). No es que sea una grandísima película, pero cuenta con unos Tim Robbins y Morgan Freeman sensacionales y la historia, por muchos minutos que necesite Darabont para contarla, se sigue con interés. El momento: Aunque ya lo había hecho antes el señor Eastwood en cierta magistral película de Siegel, no deja de ser brillante; el protagonista se aprovecha de la confianza de sus carceleros para escapar de forma “milagrosa” por cierto lugar de su celda muy bien tapadito.

• ‘La Milla Verde’ (The Green Mile, 1999)

Frank Darabont repite con una obra de King (y ya sabéis que tiene pendiente de estreno ‘The Mist’) y obtiene un resultado más o menos similar; demasiada duración pero muy buenas interpretaciones y más de un momento para el recuerdo. Gracias a este título descubrimos que el enorme Michael Clarke Duncan sabía actuar. El momento: Tiene varios muy emotivos, pero me quedo con el de la lenta y dolorosa ejecución del gigante inocente.

• ‘La Ventana Secreta’ (‘Secret Window’, 2004)

David Koepp no convenció a casi nadie con esta algo descafeinada historia sobre un escritor que es acusado de plagio por un hombre tan misterioso como violento. Personalmente, pasé un rato muy divertido/inquietante gracias a la magnífica interpretación de Johnny Depp. El momento: El protagonista se pone el sombrero de Shooter y nos descubre la terrible verdad.

La verdad es que no sé qué pensar de esta película. Lo cierto es que su trailer no pinta demasiado bien, y da la sensación de que Jack Nicholson y Morgan Freeman la han rodado para pasárselo en grande y nada más. Los dos actores interpretan a dos enfermos de cáncer que se fugan de la residencia en la que están para hacer todas aquellas cosas que siempre quisieron hacer antes de morir.

Aquí tenéis el primer póster de ‘The Bucket List’, que es como se titula la película en cuestión, y lo cierto es que el mismo no es demasiado bueno. En fin, habrá que confiar en su pareja protagonista, y también desear que su director, Rob Reiner, vuelva a inspirarse como antaño lo hacía en películas como ‘Cuenta Conmigo’ o ‘Algunos Hombres Buenos’. La película se estrena en nuestras pantallas el próximo 1 de Febrero.

Vía | Impawards