Aún queda un trimestre para finalizar el año y nos tienen que llegar títulos muy interesantes. Vamos a repasar seis actores que próximamente se convertirán en portada y de los que espero bastante. Unos seguirán en su línea y otros se convertirán en nombres más reconocidos por los amantes del séptimo arte.

Seis actores, diferentes entre sí, pero que tendrán antes que finalice el 2009, su momento de gloria, y a los que sugiero no perder la pista.

• Johnny Depp: ya lo hemos visto protagonizar uno de los mejores títulos del pasado verano (en ‘Enemigos Públicos’), pero dará mucho que hablar en su aparición en ‘El imaginario del Dr. Parnassus’, un film que parece sorprenderá y en el que Depp seguro se mueve como pez en el agua, a las órdenes de Terry Gilliam. Y no nos podemos olvidar que seguirá ocupando carteleras con la nueva entrega de ‘Piratas del Caribe’, aunque será más adelante (al igual que ‘Alicia en el País de las Maravillas’ de Tim Burton). Pocos pueden presumir de tener un monumento en un poblado serbio, dedicado por su amigo Emir Kusturica.

• Sam Rockwell: aún no es un nombre de primera fila, pero se ha curtido en un buen número de títulos independientes, aunque su talento parece que está pasando desapercibido y en el futuro lo veremos en algunas superproducciones, como ‘Iron Man 2’. Pero quizá el título que lo encumbre definitivamente sea ‘Moon’. Una cinta de ciencia ficción en la que se pone en la piel de un astronauta aislado en la luna. Es el protagonista absoluto y la película viene con la capacidad de sorprender.

• Robert Pattinson: mal que les pese a muchos, es el actor que más fama ha acaparado en los últimos meses y seguirá siendo una figura estelar próximamente, cuando llegue a las pantallas ‘Luna nueva’, la segunda entrega de la saga vampírica que se iniciase con ‘Crepúsculo’. Ídolo de jovencitas, parece que Pattinson está sabiendo aprovechar su crecimiento y fama para intentar labrarse una carrera como actor. Seguro que apoyo no le faltará.

• Robert De Niro: genial actor, que a pesar de sus últimas interpretaciones no están a la altura de su prestigio y valía. A final de año lo veremos en el nuevo trabajo de Barry Levinson en la dirección, con ‘Algo pasa en Hollywood’. Una comedia donde De Niro interpreta a un productor de Hollywood que lucha por mantener su dignidad profesional en la complicada maquinaria de los grandes estudios. Comparte cartel con nombres tan conocidos como Bruce Willis, Sean Penn o John Turturro.

• Luis Tosar: es el protagonista de la española ‘Celda 211’ que acaba de exhibirse en Sitges con buenas críticas y que tras su paso por Venecia, hace presagiar un papel antológico y más que presumiblemente alcanzará nominación al Goya. Aunque éste aspecto es menos importante, hay que destacar que este drama carcelario dirigido por Daniel Monzón logra una actuación soberbia de Tosar.

• Sam Worthington: es otro de los nombres aún no demasiado conocidos (aunque hace poco lo hemos visto en ‘Terminator Salvation’), pero que está llamado a convertirse en una futura estrella de Hollywood. A punto de haberse convertido en el nuevo James Bond, el realizador James Cameron lo eligió para ser el protagonista de su magna ‘Avatar’, que llegará a final de año y que dejará ríos de tinta antes y después del estreno.

Robert de Niro, Edward Norton y Milla Jovovich encabezan el atractivo reparto de ‘Stone’, un thriller policiaco escrito por Angus MacLachlan (que ha adaptado su propia obra de teatro) y dirigido por John Curran, que ya contó con Norton en su anterior trabajo, la aburrida ‘El velo pintado’.

Aunque la película no se va a estrenar hasta el año que viene (no hay fecha concreta por el momento), ya podemos echar un vistazo al tráiler, de dos minutos de duración. Se trata de un avance promocional que en principio estaba destinado sólo para distribuidores, pero como viene siendo habitual, alguien lo ha filtrado y así podemos verlo todos. Eso sí, la calidad del vídeo no es demasiado buena, y es de esos que incluyen más escenas de la cuenta, no recomiendo verlo entero.

‘Stone’ gira en torno a un pirómano convicto que trata de manipular a un oficial de la condicional para conseguir que le saque de prisión; el plan implica a su bella esposa, que deberá engañar y seducir al oficial (como vemos en el tráiler, eso no lo resulta muy complicado).

PD: Norton y De Niro vuelven a trabajar juntos ocho años después de ‘The Score’, donde también estaba Marlon Brando. Esperemos que ‘Stone’ sea mejor.

Vía | Traileraddict

Cuando se estrenó la memez esa de ‘Grindhouse’, en la que Robert Rodriguez y Quentin Tarantino demostraron que eran capaces de lo peor, muchos de nosotros disfrutamos como enanos con los falsos tráileres de películas que habían introducido en su sesión doble. El de ‘Machete’ era uno de ellos, probablemente el que más furor causó. Ahora, Robert Rodriguez, acompañado de Ethan Maniquis, están dirigiendo el largometraje, pero el de verdad. Lo cierto es que el divertido avance lo pedía a gritos.

Lo llamativo del asunto es que pretendiendo homenajear la serie B o Z, el reparto de ‘Machete’ es simple y llanamente espectacular. Coged respiración: Robert De Niro, Lindsay Lohan, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Steven Seagal, Don Johnson, Cheech Marin, Jeff Fahey, y cómo no, Danny Trejo interpretando al Machete del título. Con ese casting ¿quién se la va a perder? Lo que llama la atención es el hecho de que Rodriguez comparta tareas de dirección con Maniquis, que hasta ahora ha sido el montador de alguna de las películas del director de ‘El mariachi’, quien no quiere llevarse él solito la culpa en caso de que nos sirvan un bodriete.

Vía | Comingsoon

Robert De Niro y Edward Norton ya habían trabajado juntos en ‘The Score’ de Frank Oz, en la que también se dejaba ver Marlon Brando. Ahora el protagonista de ‘Toro salvaje’ y el de ‘El club de la lucha’ volverán a verse las caras en una película titulada ‘Stone’. El film narra la historia de un agente de libertad condicional que empieza una amistad con un profesor asistente. De Niro da vida al primero, y suponemos (no se ha dicho nada al respecto) que Norton al segundo.

‘Stone’ comenzará a filmarse en mayo, y su director es John Curran, el responsable de películas como ‘Ya no somos dos’ (una de esas pedanterías tan vacías como inútiles) y ‘El velo pintado’ (en mi opinión, unos paisajes inmensos de belleza y nada más). Es por esto que no me espero nada de ‘Stone’, aunque ver a esos dos actores juntos es algo que no me pienso perder. A ver si De Niro reconduce mejor su carrera, que falta nos hace, y Norton tiene mejor tino en sus elecciones.

El guión de ‘Stone’ es de Angus MacLachalan, el mismo de ‘Junebug’. Madre mía, mis expectativas no pueden estar más abajo.

Vía | Comingsoon

No se trata de una pregunta de trivial, simplemente es la curiosidad que se adueña de los amantes de cine y las revistas que quieren cubrir esa curiosidad. ¿Conocemos cuántas veces o en qué películas han muerto gente como Al Pacino, Tom Cruise, Mel Gibson, Brad Pitt o Johnny Deep Depp? ¿Y quién se lleva la palma?

A esto último os comentaré que el que ostenta el record de los actores de la actualidad es Robert De Niro. Ahora bien, si queréis conocer en qué películas le ocurre, como sucede con el resto de estrellas actuales, y bajo vuestra responsabilidad porque incluye spoilers, la revista Premiere da buena cuenta de este dato. La verdad es que el interés de este dato tiene el único atractivo en la curiosidad de conocer cómo y dónde. Pero, en realidad, el atractivo reside en conocer qué actor o actriz ha muerto más veces en el cine. A mí me vienen varios nombre a la cabeza, pero la respuesta os la dejo mejor a vosotros. ¿Conocéis posibles candidatos? Daría para una lista francamente curiosa y mucho más interesante que la entregada por Premiere. El cine tiene su siglo de historia, y no todo se va remontar a estos últimos años. Si así lo hiciésemos, el séptimo arte andaría apañado.

La patata caliente está en vuestras manos.

Vía | Kottke
Más información | Cinemorgue

Dice Coppola que cada vez que ve de nuevo esta película, se da cuenta de la audacia que llevó a cabo, pues armar dos líneas paralelas, cada una con un protagonista distinto, separadas por más de medio siglo de existencia, no es algo que uno vea todos los días, y mucho menos en una segunda parte de un filme de éxito. Pero por aquel entonces el genio creativo de Coppola ya había explotado, incontenible, y hasta parece que los logros, inalcanzables para la mayoría, de esta película, los alcanza él con facilidad en el apogeo de su talento, y crea obras maestras con una serenidad pasmosa.

La misma serenidad de la que hace gala Michael, sólo puesta en evidencia por momentos de sobresalto que le ponen a uno la carne de gallina, y es que parece que el pequeño Pacino es una fiera cuando se enfada. El ataque en la supuestamente inexpugnable fortaleza de los Corleone a orillas de Lake Tahoe (la hermosa finca Kaiser, de la que Coppola se enamoró nada más verla), pone en jaque los nervios de Michael, pero sabe rehacerse y comenzar a buscar a los culpables. Y es sintomático que el único con el que hable a solas sea Tom, al que él echó de la primera línea de negocios mafiosos. Desde luego, algún enemigo poderoso de Michael ha orquestado todo, y desde luego, hay un traidor en su familia que ha hecho posible que dos tiradores acribillaran nada menos que su dormitorio.

Michael, de hecho, es poco más que un autómata. No queda nada de aquel muchacho afable y sonriente de los primeros compases de la primera película. Pacino parece impertérrito, si bien sus ojos poseen una energía devastadora. En cuanto sufren el ataque, su mente privilegiada comienza a funcionar a toda velocidad, planeando su venganza. El trabajo de Pacino con su mirada es colosal, intimidatorio. Sus movimientos, pausados. Su voz, casi siempre susurrante y tranquila. Es un digno sucesor de Vito, al que vamos a tener la oportunidad de conocer a fondo gracias a los saltos temporales. Coppola estaba seguro de que cada uno de los segmentos por separado no funcionaba igual de bien sin el otro. Y tenía razón. Tal como está estructurada la historia, uno tiene la sensación de que comprende cosas, interiormente, de parentesco, de sentimiento filial, que nunca habría comprendido con otra estructura.

Y esto sucede porque Coppola es capaz de otorgar a cada espacio su tiempo, un tiempo interno definido. Así, a la secuencia de la despedida de Michael (que se dirige a ver a Hyman Roth) con su hijo, se superpone la secuencia de la presentación de Vito adulto, interpretado con gran elegancia por un soberbio Robert De Niro. Resulta maravilloso observar cómo Pacino observa a su hijo, envuelto casi en sombras, demostrando cariño por él pero gélido e inexpresivo, marcando el ritmo interno de la secuencia con sus pensamientos, sus sentimientos acerca de un hijo que un día puede sucederle, encadenando a un plano medio de Vito, que observa también a su hijo (el bebé Santino, de infausto destino) de manera más sencilla, sin preocupaciones ni traumas en su corazón, marcando a su vez el ritmo de una nueva secuencia que es casi la misma, pero diferenciándola por el momento histórico en que está enclavada.

Francis Ford Coppola seguramente es un poco inconsciente de todo ello, pues a él le sale natural, y eso es lo fantástico de este momento irrepetible, que no parece sujeto por una puesta en escena preconcebida, sino arrancado de la misma vida. Hay muy pocos artistas en la historia del cine capaces de lograr esto. Coppola, transformado en demiurgo, nos traslada, con total facilidad, desde una época a otra. Primero de forma suave, para, en sucesivos saltos, olvidarse de convenciones narrativas tales como encadenados y fundidos, confiando plenamente en la capacidad del espectador para situarse correctamente en el marco temporal correspondiente. De esta forma, en el tercio final de la película, por acumulación, uno tiene la sensación de que ambos tiempos coexisten, uno dentro del otro, tal como existe el tiempo en el interior de un personaje: incapaz de sustraerse de él.

Dado el tremendo esfuerzo que supuso la reconstrucción de LIttle Italy en las calles de Nueva York (a las que regreseríamos en una importante secuencia de ‘El padrino, parte III’), quizá se esperaría que Coppola, del mismo modo que otros directores antes y después que él, cargara las tintas en demostrar con su cámara la fidelidad y el mimo histórico. Pero nada de eso sucede. La sobriedad es casi ascética. El famoso plano en el que el joven Vito transporta una caja de alimentos (es un honesto ayudante de tienda) y cruza la calle, deja en el espectador esa sensación de estar caminando (con un travelling de seguimiento no tan rápido como Vito) por una calle de principios de siglo. Puede olerse el ambiente. Imagino la misma secuencia dirigida por el Kubrick de ‘Barry Lyndon’ y la veo recargada de efectos de luz que nada aportan al momento. O por el Martin Scorsese de ‘Gangs of New York’ y me imagino grandes movimientos de grúa. Aquí nada de eso. Cámara a la altura de la mirada humana. Contención, humildad.

En una secuencia eliminada del corte para salas, Vito es testigo de un intento de asesinato contra el representante de la mafia local, el infame Don Fanucci, un tipo alto y enorme, pero que no posee la clase del último descendiente de los Andolini, por mucho que vista trajes caros. Esa misma noche, un vecino, por nombre Clemenza, le pide ayuda: que esconda unas armas robadas. Aunque Vito vive una existencia tranquila, humilde y honesta, el mundo del hampa parece llamar a su puerta con insistencia. El altivo Clemenza le agradece el gesto llevándole a casa de un supuesto amigo. En realidad entran por la fuerza y roban una alfombra. Vito observa cómo Clemenza estaba dispuesto a disparar a un policía si este llega a entrar y les descubre. El mundo de Vito se dibuja con precisión y oscuridad. Cuando el propio Fanucci enchufa a un pariente suyo en la tienda y él se queda sin trabajo, termina por comprender que su estabilidad depende de los antojos de los poderosos, y sin exteriorizarlo en ningún momento, toma la decisión de ser también él uno de ellos.

Del mismo modo que su padre, las decisiones más importantes de Michael nunca son exteriorizadas. Su rostro es una máscara imperturbable, inaccesible. Michael, maestro conspirador, visita sucesivamente a los dos hombres que más se beneficiarían con su muerte. Primero a Hyman Roth (espectacular Lee Strasberg, anciano y pequeño, pero peligrosísimo), luego a Frankie Pentangeli. A ambos les dice exactamente lo mismo, que fue el otro el que le traicionó y va a vengarse de él. Pero sabemos que, al ser Pentangeli el segundo al que se lo dice, es a él a quien dice la verdad. Lo grave es que siendo Hyman Roth el culpable, ha necesitado a un traidor en la familia Corleone, que es lo que realmente preocupa a Michael. Podemos darnos cuenta de cómo Pacino escruta a cada personaje sospechoso con la mirada durante toda la película. Parece un infalible buscador de la traición. No puede, sin embargo, ni sospechar la terrible verdad.

Ya hemos hablado de con qué precisión se mueve el operador Gordon Willis entre tan distintos y numerosos ambientes, y logrando la complejísima unidad entre ambos segmentos temporales. Pero sería una terrible injusticia no comentar el trabajo del máximo responsable de los elementos puramente físicos que aparecen en pantalla (e iluminados por Willis), el gran Dean Tavoularis. Amigo íntimo del director y probablemente una de las grandes leyendas norteamericanas de su profesión. Sin en proyectos ambiciosos un director de producción ha de dar vida, verdad, a un mundo de objetos y formas coherente, en este caso Tavoularis tiene la obligación, además, de ofrecer esa coherencia a traves de varias décadas de separación entre ambientes. ¿Se resiente la atmósfera, el acabado formal? En absoluto. Y a mi juicio esto es resultado de una vigorosa y concienzuda averiguación de los resortes de la memoria. Me explico.

Tavoularis, y su director artístico Angelo Graham, así como su diseñadora de vestuario Theadora Van Runkle, además de lograr la soñada cohesión y homogeneidad plástica entre los distintos departamentos y para las distintas épocas, tienen en cuenta, ayudados claro está por Willis, la memoria del espectador en ambientes como el remodelado despacho de Don Vito. Allí las telas de los sofás, por ejemplo, remiten a otros que veremos en secuencias del joven Vito; del mismo modo que la luz amarillenta de esa secuencia con Pentangeli trata a la dirección artística de Graham de un modo que la emparenta con el filtro amarillo empleado en las secciones del pasado. Se establece con facilidad una línea temporal, tan creíble como la vida misma, y que colabora tanto como la fidelidad al carácter de los personajes en la creación de esa “mitología Corleone”. Más ejemplos: el tratamiento de los materiales de construcción como la madera o el mármol se integra perfectamente en ambos núcleos temporales; también los colores del vestuario y la paleta de color de cada ambiente, que se repite, como en las variaciones de una partitura, en cada bloque.

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‘El padrino, parte II’, el origen de los Corleone

Dice Coppola en los comentarios del director (sensacionales) del DVD de esta película, que ‘El Padrino, part II’ “no es una película que quisiera hacer especialmente”, y es comprensible que esto fuera así, después del duro rodaje y de las tensiones soportadas con los directivos del estudio y con los productores. Les dijo a los directivos que no tenía ganas de dirigirla, pero que probablemente sí la produciría, y que encontraría un director apropiado para ellos. Coppola había pensado en Martin Scorsese.

Finalmente la dirigiría él mismo, pero puso una serie de condiciones irrenunciables: que ni el estudio ni Bob Evans tuvieran nada que decir a ninguna decisión suya, un sueldo muy elevado para un director en aquella época, y que la película se llamara ‘El padrino, parte II’. De hecho, lo de emplear los números romanos es una costumbre que se inició con esta película. Tras el rodaje de ‘La conversación’, se iniciaba la compleja producción de la segunda parte de un hito cinematográfico, que doblaba en presupuesto a su antecesora, con el mismo reparto (los que sobrevivieron a la matanza del final de la anterior…), y que para muchos es la mejor de la trilogía.

Se inicia además con ella el empleo de Coppola de materiales literarios preexistentes que parecían completamente agotados de antemano, por el hecho de estar ya muy manidos, o, como en este caso, por haber adaptado gran parte del material del libro con la primera película. Lo haría Coppola en más ocasiones, pero en esta, contando además con el autor del libro, Mario Puzo, como cómplice a la hora de tramar esta historia, se saca oro de lo que no se vio en la primera parte, armando un argumento bastante más extenso, con más personajes, y, si cabe, incluso más ambicioso que la primera parte.

Lo cierto es que todo fue como la seda, tanto la redacción del enorme guión, como la producción y la dirección de la película. Con localizaciones en Cuba, Nueva York, Sicilia, Las Vegas, Los Angeles, no sufrió ninguno de los contratiempos con los que generalmente Coppola tiene que lidiar, si bien esto raramente afecta a la realización de sus largos (aunque sí afecta, y de qué manera, a su carácter y su vida personal…). En pleno rodaje le otorgan a Coppola la Palma de oro del Festival de Cannes (probablemente, el premio cinematográfico más importante que existe) por su maravillosa ‘La conversación’.

Por supuesto, repetirían también sus más cercanos colaboradores, los responsables del aspecto y de la luz de la anterior película: el diseñador de producción Dean Tavoularis (que ha trabajado para el director en trece ocasiones), y el operador jefe Gordon Willis, quien tras los riesgos que corrió con la confección de la luz en la primera parte, se veía ahora en la tesitura de ahondar aún más en esa estrategia de representación, mientras, al mismo tiempo, debía otorgar un nuevo carácter lumínico a la historia que transcurre medio siglo antes, sin perder la necesaria unidad.

La historia sufriría algunos pequeños cambios de última hora. Estaba previsto que apareciera Clemenza en esta película, sin embargo observamos que Pentangeli (inolvidable Michael V. Gazzo) lleva un brazalete negro y habla de su repentina muerte. Lo cierto es que no se llegó a un acuerdo con el actor que interpretaba a Clemenza, el gran Richard Castellano, y no fue por una cuestión monetaria, sino porque el actor insistió en que un buen amigo suyo escribiera sus diálogos en la película, algo a lo que, como es lógico, Coppola se negó en redondo, sin pensar nunca que Castellano se negara a aparecer por eso en la siguiente película.

Pero lo cierto es que las negociaciones fracasaron, y el personaje de Frankie Pentangeli viene a sustituir lo que hubiera sido del personaje de Clemenza, en una improvisación de escritura de última hora. Pero a veces los actores son así, pueden empecinarse indebidamente en algo que resulta inconveniente para el buen desarrollo de la película. En ese sentido, Coppola se llevó un buen susto con Pacino justo ante de empezar el rodaje, pues le hizo llegar un mensaje a través de su abogado en el que le hacía saber que no estaba contento con el guión y que no pensaba hacer la película. Y esto cuando ya estaban construidos los decorados y la producción estaba en marcha.

F.F.C. pidió reunirse, un viernes, con Pacino el lunes siguiente, para intentar convencerle. Se pasó el fin de semana reescribiendo el guión con tal de contentar a Pacino. Finalmente se lo dio el martes, hecho polvo, después de trabajar sin parar. Pacino aceptó, como todos imaginamos, el nuevo guión. Años más tarde le confiaría al director que pensaba hacerlo de todas maneras, pero que quería ver que estaba tan entregado como en la primera parte.

Del mismo modo que con la primera parte, analizaremos desde el principio hasta el final, esta segunda parte, que supera sin lugar a dudas a la primera (ahora sólo me viene a la cabeza una segunda parte tan rotundamente superior, y es ‘Aliens’, ambas formarían de hecho el díptico perfecto de segundas partes, tanto para tragedia como para thriller…), consagración de De Niro como excepcional actor, que en aquel momento era una estrella emergente, y que ya había hecho la prueba para Sonny en la primera parte.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

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El universo de los estrenos en DVD no para, incluso cuando no hay estrenos destacables que reseñar, en referencia a peliculas recientes. Eso sí, se echa la vista atrás, y rebuscando se pueden encontrar productos que bien merece la pena hacerse a la idea de conseguir una copia. Eso sí, a no ser que sea una película difícil de conseguir, que vengan con pocos extras hace que el interés por las mismas, sea limitado, y eso no es culpa de quienes no van a las tiendas a comprar las películas. Convendría que lo valorasen. Dicho esto, pediros disculpas por el retraso en la entrega semanal.

‘Asesinato justo‘

Dos condecorados policías, Robert de Niro y Al Pacino, que después de 30 años como compañeros, se enfrentan a la jubilación, para la que no están preparados. Antes de que “cuelguen” sus placas son llamados para investigar el asesinato de un conocido proxeneta, que parece estar ligado a un caso resuelto por ellos en el pasado. Igual que en el crimen de entonces, la víctima es un presunto delincuente, y en el cuerpo se ha encontrado un poema de cuatro líneas que justifica el asesinato. Cuando los crímenes de presuntos criminales comienzan a sucederse, se ve con claridad que los detectives se enfrentan a un asesino en serie, cuyo objetivo son aquellos criminales que se han escabullido entre las grietas del sistema judicial.

Se trata de la edición especial de 2 discos que viene con extras que incluyen escenas eliminadas, entrevistas y enlaces webs, que a uno le da por pensar que sentido tienen en el DVD. ¿La película? Ahí, interviene vuestra conciencia. Por aquí no ha gustado.

Críticas en blogdecine:

• ‘Asesinato justo’: Pacino y De Niro se lucen, mientras el guionista… se luce

• ‘Asesinato justo’, estrellas que se apagan

Seda

La epidemia de la enfermedad del gusano de seda que atacó a los huevos en los criaderos europeos a mediados de 1860, se extendió a ultramar, condenando a todo el comercio europeo de seda a desaparecer. Para continuar con su lucrativo comercio, Baldabiou decide enviar al joven oficial militar, Herve Joncour, a una peligrosa misión en Japón, separándolo durante meses de Helene su encantadora y devota esposa.

Viene sin extras esta adaptación de la novela de Alessandro Baricco, donde Michael Pitt y Keira Knightley dan vida a los personajes principales. ASí que el DVD aporta más bien poco (no aprendemos de loas americanos). Obra pensada para los seguidores de la novela.

Críticas en blogdecine:

• ‘Seda’, suave historia de amor

Colección David Lean

Antes de que se dedicase David Lean a las grandes superproducciones, haciendo películas imperecederas, se labró una carrera en el Reino Unido bastante interesante, con alguna que otra gran obra. En esta coleccion de ocho películas, y con alguna edición remasterizada, podemos ver ‘Breve Encuentro’, ‘El Espíritu Burlón’, ‘Oliver Twist’, ‘La Vida Manda’, ‘Madeleine’, ‘Amigos Apasionados’, ‘Cadenas Rotas’, ‘Sangre, Sudor, Lágrimas’ (inédito en DVD). Es lo mejor de las semana, y cine imprescindible para aprender con el resto de la obra de un gran director de cine.

En blogdecine:

• Oliver Twist
• Recordando a David Lean
• Mis películas favoritas (III): Años 40

• Mis historias de amor favoritas

La conjura de El Escorial

La Conjura de El Escorial es un thriller histórico con intrigas políticas y policíacas, encuadrado en las luchas y disputas entre la Casa de Alba y sus fieles por un lado y la Casa de los Mendoza con Antonio Pérez y la Princesa de Éboli por otro. La noche del lunes de Pascua de 1578, unos asesinos a sueldo emboscan a Juan de Escobedo, dándole muerte… Esa es la sinopsis, de una película que hace agua por todas partes. Superproducción española que ignora en las edición en DVD lo que significa la palabra extra y el provecho que le podía haber sacado a lo único salvable de la película, los exteriores donde fue rodada.

El país del agua

Tom, un profesor inglés de Historia, enseña en un instituto donde se instaló con Mary, su mujer huyendo de su pasado complejo y traumático vivido en las tierras pantanosas del Este de Inglaterra. Ahora Tom, atormentado, decide contar la historia de su vida a los alumnos.

Adaptión de la gran novela de Graham Swift, con una interpretación sobresaliente de Jeremy Irons. Si la película sirve para que os acerquéis a la novela, habrá cumplido con su objetivo, y más, cuando adaptar esa obra son palabras mayores. Edición muy simple la en DVD la que ve la luz.

Estrenos de Fernando Fernán Gómez

Varias son las películas de este gran actor las que ven la luz, en una colección que va recuperando algunos de sus trabajos, no tan conocidos para el gran público, ese que mira para otro lado cuando se le comenta que estos actores tienen carrera más allá de los años 70, y que había directores que se atrevían a realizar películas diferentes a las que todos pensamos.

• ‘Crimen imperfecto’

Dos detectives privados llamados Salomón y Torcuato, se dedican a la investigación de las conductas dudosas e informes laborales. Su nuevo caso se trata de un desfalco de doscientos millones. El perjudicado ha sido Don Gregorio, personaje que sufrirá un intento de asesinato en el propio edicifio de los investigadores. Es de 1970, dirige Fernán Gómez y la protagoniza junto a Jose Luis López Vázquez.

• ‘El último caballo’

Fernando acaba de terminar la mili en el cuerpo de caballeria. Decide comprar a Bucéfalo, el caballo que ha sido su compañero durante este tiempo y regresa a Madrid llevándose consigo al animal. Todo ha cambiado, la ciudad ya no es la misma y no encuentra cuadras. De hecho ni siquiera tiene tiempo para atenderle, de modo que tiene que buscar una solución e incluso apartarse del caballo. De 1950, y bajo la batuta de un gran director como Edgar Neville.

• ‘Un marido de ida y vuelta’

Un marido dominado por su autoritaria esposa fallece de un ataque cardíaco el día que, para acudir a un baile de disfraces vestido de torero, su mujer le había obligado a afeitarse su queridísima barba. Entonces su espectro comienza a pasearse por la casa y a provocar los más inesperados enredos, hasta que logra materializarse y vuelve para instalarse definitivamente y recuperar a su amada, ahora ya convertida en otro espíritu dulce y comprensivo, tras una nueva muerte no menos accidental. De 1957, y bajo la dirección de Luis Lucía

Estrenos de Natalie Wood

Otra colección de películas en DVD para conocer algunas de las interpretaciones de una actriz que en sus primeros papeles en el cine entró por la puerta grande. Otras de sus actuaciones son:

• La carrera del siglo

La fábrica automotriz Webber es contactada por el Gran Leslie, un prestigioso acróbata de principios del siglo XX, y le propone demostrar la superioridad de sus autos a través de una enorme carrera entre Nueva York y París. Preparado para sabotear sus planes está el Profesor Fate, que le tiene una enorme envidia por sus logros deportivos, y decide anotarse en la carrera. Mientras tanto, la feminista y aspirante a reportera Maggie DuBois se encuentra presionando a los editores del diario El Centinela para que le den trabajo y la anoten en la carrera; pero hasta que la esposa del dueño del periódico no se una a la causa y desplace a su marido no tendrá éxito. Una vez lanzada la contienda, el Profesor Fate y su ayudante Max le tenderán numerosas trampas al Gran Leslie para provocar su abandono; pero las cosas se complicarán en extremo cuando lleguen al reino de Potsdorf, donde Hapnik, el príncipe aspirante a la corona, resulta ser idéntico al Profesor Fate, y éste se vea envuelto involuntariamente en la conspiración de sustituirlo para dar un golpe de estado a favor del Baron Von Stuppe. Sólo Leslie, Max y la joven DuBois podrán impedirlo.

En 1965 Blake Edwards, junto a la actriz, Tony Curtis y Jack Lemmon, se propuso hacer un homenaje a varios de los géneros de la historia del cine. Muy entretenida, mil veces vista en la sobremesa de nuestras cadenas de televisión, destaca, como siempre, elgran Jack Lemmon.

• ‘La pícara soltera’

Helen Gurley Brown (Natalie Wood) es la autora del exitoso libro La Pícara Soltera, basado en las relaciones entre hombres y mujeres. Bob Weston (Tony Curtis) es un famoso editor de revistas que pretende descubrir la veracidad del libro. Curtis y Wood se ponen en guardia para una alegre y simpática batalla de sexos en esta obra divertida y sin pretensiones inspirada en el best seller de Brown. Estrellas veteranas se unen al combate cómico. Henry Fonda y Lauren Bacall hábil y deliciosamente interpretan a la enfrentada pareja vecina de Bob. Mel Ferrer, Edward Everett Horton y Count Basie también se ven entre los dos fuegos del hará/no hará ella, debería/no debería hacer ella.

De 1964 y dirigida por Richard Quine, director con varias películas interesantes. Si por algo destaca este film es por sus secundarios, especialmente esa pareja formada por Fonda y la Bacall.

• ‘La rebelde’

Narra la historia de Daisy Clover, una “garçonne” de 15 años cuya carrera artística nace tan rápido como muere. Es 1965, y la actriz repite con el productor Alan J. Pakula y el director Robert Mulligan tras el éxito de ‘Amores con un extraño’. Junto a Natalie Wood, está Christopher Plummer y Ruth Gordon (como la madre de Daisy), papel con el que esta gran secundaria (y excelente guionista), obtuvo una nominación al Oscar.

Retratos de Soledad

Película fallida en la que cuatro personajes buscan vencer sus demonios interiores y recuperar el control sobre sus vidas. Dirigida por Ryan Estinger y con Sharon Stone y Timothy Dalton de protagonistas de un par de esas cuatro historias. Paso por la cartelera sin llamar la atención, como le pasa a este DVD sin extras ni nada interesante que destacar.

Vía | Zona DVD

Antiguamente, en la época en la que el cine era industria y no una máquina de recaudar dinero, efímera y sin sustancia, rara era la película en la que había dificultades para encontrar a dos estrellas retándose y dándose réplica en escena. Si la cosa no llegaba a funcionar, el propio estudio tenía la virtud de rodear a aquellas estrellas de grandes secundarios que obligaban a recibir una réplica en condiciones sino querían que aquel que tenían en frente con menos caché y ceros en su contrato, les robase la escena y el orgullo.

Quisiera creer que la crisis de Hollywood no les da a Pacino y De Niro un guión a su altura para dar rienda suelta a su talento. También quisiera creer que no hay esos antiguos actores secundarios que ante la oportunidad que tenían les exigan en su actuación. Son parches ante la evidencia, que ambos pasan de todo, y que este producto es sólo algo alimenticio para lo que de verdad les interesa, sus proyectos personales. Saben del tirón que tiene una película que los reúna, que no les importa que debajo de la chapa no haya nada.

Duele sentir que la máquina recaudatoria dé tanto gato por liebre, y que la película no sea más que un producto de gran almacén con un bonito envoltorio para engañar al incauto. Eso es ‘Asesinato justo’, un borrón en la filmografía de ambos actores. Algo que ahora mismo les importa bien poco. Algo ante lo que deberíamos rebelarnos. Ver a Pacino y De Niro correr detrás de un malo, no es de recibo. Tiene que ser algo más, si me apuráis, una experiencia. Así está Hollywood.

Vía | Andreu Buenafuente

Críticas en blogdecine:

• ‘Asesinato justo’: Pacino y De Niro se lucen, mientras el guionista… se luce
• ‘Asesinato justo’, estrellas que se apagan

Que Robert De Niro y Al Pacino han formado parte de alguna de las mejores películas de los últimos 30 ó 40 años es algo innegable. Juntos en el mismo film han dejado dos de las mejores muestras de la década de los 70 y de los 90, ‘El padrino, parte II’ y ‘Heat’, obras monumentales y capitales en el desarrollo del cine norteamericano. Sin embargo, su tercera reunión ante las cámaras no consiguió despertar demasiado interés entre el público, porque las carreras de ambos actores han caído en un adocenamiento a cualquier nivel.

Si a eso sumamos que el realizador es el impersonal Jon Avnet, cuya carrera empezó dando alguna maravilla como ‘Tomates verdes fritos’ o ‘The War’, pero después fue incapaz de alcanzar el nivel de ambos films llegando a convertirse en un director totalmente distinto, pues la cosa no pintaba nada bien. Su anterior film, ‘88 minutos’, es una prueba irrefutable que vale para corroborar lo dicho sobre él, y también sobre Pacino. Con esto, no me extraña que todos tuviéramos miedo de ‘Asesinato justo’.

La película narra la investigación de una serie de asesinatos por parte de dos policías veteranos cuya fe en la ley no es muy alentadora. Una premisa vista multitud de veces con anterioridad, sobre todo en el típico telefilm de sobremesa, y es precisamente esto lo que por momentos parece la película de Avnet. Un telefilm lujoso cuyo principal interés reside en la presencia de Robert De Niro y Al Pacino, metidos en la piel de los dos policías, esforzándose por darles algo más de entidad de la que desprenden a través del guión, lleno de lugares comunes y giros forzados. ‘Asesinato justo’ es una de esas películas que constan del típico final sorpresa, tan manido y estropeado a lo largo de la historia, que en este caso no resulta tanta sorpresa, por no poseer el guión las herramientas necesarias como para captar la atención del espectador y éste se sorprenda cuando el mencionado momento llega. Es el caso del film bastante facilón, por así decirlo, con alguna que otra trampa bien visible para intentar despistar al público, demasiado experimentado en estos terrenos, y que por supuesto no se deja engañar por tal artimaña. A esto contribuye una innecesaria estructura a base de un largo flashback, a partir de una supuesta confesión ante una cámara de vídeo de uno de los personajes. Demasiado evidente el truco.

Con todo, Avnet logra no caer en el fango como en su anterior film, y al menos consigue una película entretenida, entre otras cosas por poseer un buen ritmo e ir directa al grano sin alargamientos gratuitos e innecesarios. Una puesta en escena de cierta sobriedad y clasicismo, aunque no pueda renunciar al mencionado estilo televisivo, sobre todo en el abuso de planos cercanos. Existe la sensación de que la acción avance aunque sea mínimamente, y si el espectador se siente decepcionado por la contra no se siente insultado o menospreciado. Eso es por lo menos lo que un servidor experimentó durante el visionado de ‘Asesinato justo’, film que debió caer en manos de otro director que nos hiciese recuperar la emoción que suponía ver a sus principales actores protagonizando una película, dirigiéndolos como antaño eran dirigidos y contaban con algo más que su presencia, ésa que les ha permitido llegar al punto en el que tanto De Niro como Pacino están: viviendo de rentas, de la memoria colectiva de un público que aún los admira por sus trabajos pasados. Y eso que no llegan a los niveles vergonzosos de algunas de sus últimas películas. Los personajes llegan a caer bien, y la filosofía que desprende alguno de ellos es de las que hacen entrar en debates al espectador, recorriendo algún punto espinoso. Nunca se llega a profundizar de verdad, como en el tratamiento de la justicia a espaldas de una ley lenta e ineficaz. Esto hace que ‘Asesinato justo’ pueda emparejarse con films como ‘Harry el fuerte’ o ‘Los jueces de la ley’, que en cierto modo hablan de lo mismo.

Los secundarios parece que estén de adorno, entre otras cosas porque los personajes no tienen tanto juego como los principales. Carla Gugino parece estar simplemente para ser el desahogo sexual del personaje de De Niro, por mucho que aparezca por los lugares del crimen haciendo investigaciones y poniendo cara de interesante. 50 Cent pone la nota de color, el típico traficante negro al que nunca han podido pillar por falta de pruebas. John Legizamo y Donnie Wahlberg han sido puestos para crear la típica discordancia. Y Brian Dennehy, en un papel que en un principio se rumoreó que haría Martin Scorsese, es el único que parece estar totalmente entregado, dando vida al jefe de ambos policías, también acariciado sin más en el guión, pero que gracias al buen hacer de Dennehy queremos verlo más en pantalla.

‘Asesinato justo’ puede pasar como un entretenimiento justo, una de esas películas que decepcionan por desprender la sensación de que podían haber estado muchísimo mejor, pero que no molesta tanto como otras muestras del género. Eso sí, demuestra que cualquier tiempo pasado fue mejor, al menos en la vida cinematográfica de dos estrellas que se están apagando irremediablemente.

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