‘Cars 2’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cars 2’, EE. UU., 2011.

Dirigida por: John Lasseter, Brad Lewis.

Sinopsis: La estrella de los coches de carrera, “Rayo” McQueen, y la incomparable grúa Mate, llevan su amistad hacia emocionantes destinos en Cars 2, cuando cruzan el océano para participar en el primer “Grand Prix Mundial”, en el que se determinará cuál es el automóvil más veloz del mundo. Pero el camino hacia el campeonato se llena de baches, desvíos y desopilantes sorpresas cuando Mate se ve atrapado en una misteriosa aventura de espionaje internacional.

Crítica en Blogdecine:

‘Cars 2’, la peor película de Pixar, por Juan Luis Caviaro.

Características de las ediciones: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Blu-ray + 1 DVD. Imagen: 2.39:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 7.1 Inglés. DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS-HD High Resolution 7.1 Castellano. DTS-ES 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 EX Portugués. Subtítulos: Inglés, Castellano, Portugués, Inglés para sordos. Contenido Extra: Vacaciones en Hawai. Comentarios del director. Air Mate.

‘Parque Jurásico’

Título original, nacionalidad y año: ‘ Jurassic Park’, EE. UU., 1991.

Dirigida por: Steven Spielberg.

Intérpretes: Sam Neill, Laura Dern, Richard Attenborough y Jeff Goldblum.

Sinopsis: El multimillonario John Hammond tiene una idea para un espectacular parque temático: una isla retirada donde los visitantes puedan observar dinosaurios reales. Con la última tecnología en el desarrollo de DNA, los científicos pueden clonar braquiosaurios, triceratops, velociraptors y un tiranosaurio rex, utilizando para ello la sangre fosilizada en ámbar contenida en insectos que los mordieron hace millones de años. Los paleontólogos Alan Grant, Ellie Sattler y Ian Malcolm visitan el parque y quedan muy sorprendidos con los resultados obtenidos. Pero cuando un problemático empleado manipula el sofisticado sistema de seguridad los dinosaurios escapan, obligando a los visitantes a luchar por su supervivencia.

‘El mundo perdido’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Lost World: Jurassic Park 2’, EE. UU., 1997.

Dirigida por: Steven Spielberg.

Intérpretes: Jeff Goldblum, Julianne Moore, Pete Postlethwaite y Vince Vaughn.

Sinopsis: Ingen se ve sumida en una profunda crisis, debido a los gastos y a un inesperado ataque de un grupo de Compsognathus a una niña en la Isla Sorna, criadero de dinosaurios de la compañía. El sobrino de John Hammond, Peter Ludlow, nuevo presidente de InGen, decide reflotar la economía de la empresa con el dinero que recaude exhibiendo a los animales en un zoológico de San Diego. Para ello contrata a Roland Tembo, un cazador experto, y a todo un pequeño ejército de mercenarios, con los que se embarca en un safari para capturar a las enormes bestias prehistóricas de Isla Sorna. John Hammond intenta convencer a Ian Malcolm de unirse a un equipo que recabe la información necesaria para elaborar un dossier para convencer a la opinión pública de que los dinosaurios deben permanecer ajenos al ser humano dentro de la isla.

‘Parque Jurásico III’

Título original, nacionalidad y año: ‘Jurassic Park III’, EE. UU., 2001.

Dirigida por: Joe Johnston

Intérpretes: William H. Macy, Sam Neill, Téa Leoni y Alessandro Nivola.

Sinopsis: Paul y Amanda Kirby contratan la ayuda del experto paleóntologo Alan Grant para recorrer la isla Sorna en avión, como celebración de su aniversario. Desoyendo la queja Grant, deciden aterrizar y sufren un accidente, por el que quedan atrapados en el interior de la isla. Grant descubre más adelante que, en realidad, los Kirby buscaban a su hijo desaparecido hace dos meses. La película abre paso a una nueva especie de carnívoro gigante, el Spinosaurus, que gana atención al derrotar a un Tyrannosaurus debido a su mayor tamaño. También existe la amenaza de una nueva especie de Velocirraptor, que persigue a los protagonistas durante todo el film. Además es destacable la aparición de los grandes reptiles voladores llamados Pteranodones, que habían escapado de la isla al quedar abierta por accidente su jaula en la escena final de la película anterior.

Opinión de las tres de ‘Parque Jurásico’: Desde antes de que apareciesen las películas, ya me encontraba a favor de ‘Parque Jurásico’ con la lectura del libro de Michael Crichton. Cuando vi la primera entrega de Spielberg, sufrí, como cualquier lector sufre, las decepciones clásicas de ver plasmado en imágenes lo que había imaginado en mi mente. Pero, pasado el tiempo, me queda la idea de una gran película, sumamente entretenida, que cuenta con algunas escenas memorables, que pueden haber pasado a la historia de la tensión creada por una amenaza monstruosa. Si bien las dos siguientes no estaban exactamente a la altura, no quedaban tan alejadas como muchas veces se comentó y podían disfrutarse casi con igual deleite, dentro de unas aspiraciones de entretenimiento sin más. La que no dirigió Spielberg está claro que aún baja más en calidad, pero no se podría considerar del todo prescindible. No soy muy partidaria de poseer películas en DVD o en Blu-ray, pero en el caso de este Jurassic “pack”, sí considero que tiene sentido su compra, no solo porque se cuentan entre esas películas que no importa cuántas veces se vean, sino también por lo que han significado para el divertimento de esta generación.

Características del Blu-ray de las tres de ‘Parque Jurásico’: Contenido: 3 Discos. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 7.1 Inglés.DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 49,95 €. Contenido Extra: Todo el contenido extra de la anterior colección en DVD más: Exclusivo Blu-ray: El Regreso a Parque Jurásico: Documental en 6 partes jamás visto con nuevas entrevistas a los directores Steven Spielberg y Joe Johnston más entrevistas al equipo técnico y artístico.Tras las cámaras 13 reportajes de archivo.

‘El castillo en el cielo’

Título original, nacionalidad y año: ‘Tenkû no shiro Rapyuta’, Japón, 1986. Título de estreno español original: ‘La fortaleza celeste’.

Dirigida por: Hayao Miyazaki.

Sinopsis: Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La Fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza Celeste.

Opinión: Como todas las obras de Hayao Miyazaki, esta película está llena de poesía y de momentos mágicos e inolvidables. Sus personajes son tan arrebatadores como complejos y su historia está cargada de significado. La única pega que se podría poner es también común a otras obras del japonés y se ha convertido tan en marca de autor que podría considerarse, ya, no como un aspecto fallido, sino como una forma de narrar. Me refiero a su larga duración, dentro de la cual, la historia se va ligeramente de las manos de su creador, al que le cuesta trabajo encontrar el camino hasta un final con el que cerrar la película. No obstante, se trata de un cuento maravilloso que merece la pena poseer, tanto para ponérsela a los niños, como para verla los adultos.

Características del Blu-ray: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD 2.0 Castellano, Japonés. Subtítulos: Castellano. Contenido Extra: La historia de “El Castillo en el Cielo”. Storyboard completo de la película con multiángulo. Animación de principio y fin. Promo Studio Ghibli. Tráilers originales. Tráiler subtitulado en castellano.

‘El cabo del terror’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cape Fear’, EE. UU., 1962.

Dirigida por: J. Lee Thompson

Intérpretes: Gregory Peck, Robert Mitchum y Polly Bergen.

Sinopsis: Sam Bowden es un abogado de una pequeña ciudad cuya pero pesadilla se hace realidad cuando el criminal al que él ayudará a encarcelar, Max Cady vuelve para acechar a su mujer, y su hija adolescente. A pesar de la ayuda que le ofrecen el jefe de la policía local, Sam se encuentra legalmente impotente para evitar que Max se aleje de su familia.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés. DTS 2.0 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Español latino. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Español latino, Inglés para sordos.

‘El cabo del miedo’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cape Fear’, EE. UU., 1991.

Dirigida por: Martin Scorsese.

Intérpretes: Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange y Juliette Lewis.

Sinopsis: Los Bowden son una pareja feliz: Sam es un abogado de éxito y Leig diseñadora gráfica. Tienen una hija de 15 años, Danielle, y acaban de trasladarse a una preciosa casa en una tranquila ciudad. Max Cady acaba de salir de la cárcel, trás pasar en ella 14 años, acusado de violar y apalear a una adolescente. En prisión ha estudiado leyes, y ha llegado a la conclusión de que el responsable directo de su condena fue su abogado, Sam Bowden. Ahora va a dedicar cada minuto de su existencia a hacerle pagar su error. Candy ejecutará su terrible venganza, aterrorizando a la familia Bowden y convirtiendo su vida en una pesadilla.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Escenas Eliminadas. El Rodaje de El Cabo del Miedo. Tras las Cámaras durante en Rodaje del desfile de julio. En el Plató de la Casa Flotante. Montaje Fotográfico. Pinturas Mate. Créditos iniciales. Tráiler de cine.

Opinión de ‘El cabo del miedo’ y ‘El cabo del terror’: Esta es una de las escasas ocasiones en las que encontramos que un remake o una reinterpretación de una obra ya llevada a la pantalla, tiene razón de ser sin que el original fuese una obra menor. Es decir, una de las pocas veces en las que encontramos dos excelentes películas, tanto la antigua como la moderna, en lugar de una explotación de algo que fue muy bueno o de una enmienda a una previa chapuza. Si bien la primera tiene algunos aspectos que no quedaron igual de logrados en la segunda, tenemos que admitir que, el hecho de estar rodada en los ’90, permite a la más reciente ahondar con mayor profundidad en cuestiones, como la sexual y la psicológica, que le aportan una mayor envergadura. El miedo en la primera puede ser menos palpable y el personaje del malo, aunque en ambas resulta igual de terrorífico, explota otros mecanismos. Nos encontramos con sendos duelos interpretativos, ya que los actores pelean casi como sus personajes y en ambas es difícil determinar cuál gana, como lo es escoger entre un dúo u otro. Sumamente recomendables, tanto para verse por separado, como para organizar una mini-maratón y observar las diferencias y similitudes.

‘Granujas a todo ritmo’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Blues Brothers’, EE. UU., 1980.

Dirigida por: John Landis.

Intérpretes: John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, Aretha Franklin, Steve Cropper, Donald Dunn y Murphy Dunne.

Sinopsis: Tras la liberación de Jake Blues (John Belushi) de prisión, él y su hermano Elwood (Dan Aykroyd) van a visitar el orfanato donde fueron criados por las monjas. Allí se enteran de que la Iglesia ha dejado de financiar el orfanato y va a venderlo a no ser que se pague el impuesto sobre la propiedad en el plazo de 11 días. Los hermanos deciden recaudar ese dinero reuniendo a su banda de blues para dar un gran concierto. Quizá tengan una misión divina, pero tienen enemigos por donde quiera que van…

Opinión: Para mí, se trata de una de esas películas que cada uno de nosotros atesoramos como recuerdo feliz de la infancia. Es una de las comedias con las que mejor me lo he pasado y que más veces he visto, sin que la cantidad de risas que me producía disminuyese. Las desmesuradas persecuciones y los desastres que acompañaban a los dos insólitos personajes que hacían el mal allá donde pisaban, pero por una buena causa, han provocado que me desternille todas y cada una de las veces. No podría determinar si el suyo es un humor demasiado infantil, pues yo disfrutaba el film cuando era niña y, por lo tanto, es posible que, si su primera oportunidad se la diera ahora, no la encontrase tan hilarante. Pero estoy segura de que muchos de sus momentos me seguirían encandilando.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Polaco. DTS 2.0 Ruso. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Las historias detrás del Rodaje de Granujas a Todo Ritmo. Transponiendo la Música. Recordando a John.

‘Desmadre a la americana’

Título original, nacionalidad y año: ‘Animal House’, EE. UU., 1978.

Dirigida por: John Landis.

Intérpretes: John Belushi, Kevin Bacon, Tom Hulce, Stephen Furst, Mark Metcalf y Mary Louise Weller.

Sinopsis: Esta destartalada y estrafalaria parodia de la vida universitaria en los años sesenta, nos muestra a Bluto (John Belushi), Nutria (Tim Matheson), Pinto (Tom Hulce) y Rodaballo (Sthepen Furst) marcando, con su extravagante conducta, el rumbo de la definitiva comedia universitaria.

Opinión: Otra de John Landis que, a pesar de gozar de mayor fama y reconocimiento, para mí tiene un significado menor. Es más que lógico y casi diría que hasta necesario, reestrenar ahora esta película, aunque sea en formatos domésticos, ya que el género desmadre adolescente –y no tan adolescente, pero con un comportamiento similar– está muy de moda en las comedias descerebradas de hoy en día. La gente más joven así podrá comprobar de dónde viene esta corriente o, al menos, acceder a otra propuesta más de este tipo que quizá aún no había disfrutado. Yo misma podría utilizar esta ocasión para revisarla ya que, por mucho que hable de que servirá a generaciones siguiente para conocerla, cuando salió era muy pequeña y, aunque la viese algo más tarde, estoy segura de que no la entendí por completo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. Dolby Digital Mono Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Español latino. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Español latino, Inglés para sordos .PVP Recomendado: 19,95 € Contenido Extra: ¿Dónde están ahora? El anuario.

‘Las Aventuras de Priscilla, reina del desierto’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert’, Australia y Reino Unido, 1994.

Dirigida por: Stephen Elliott

Intérpretes: Terence Stamp, Hugo Weaving, Guy Pearce y Bill Hunter.

Sinopsis: Tanto Bernadette como Tick y Adam tienen motivos personales para querer abandonar la seguridad de Sydney, cuando consiguen un contrato para actuar en un espectáculo de transformismo en un lugar remoto del desierto australiano. Tras bautizar el viejo autobús en el que realizan la gira con el nombre de Priscilla, estas divertidas y extravagantes drag queens se dirigen al desierto, donde sus insólitas aventuras serán tan espectaculares como su vestuario.

Opinión: No desprecio en absoluto el significado reivindicativo y normalizador que tuvo la película en su momento y el icono que aún hoy en día sigue siendo, pero la consideraría poco interesante si pensase que todo lo que tiene se queda ahí. Además de su capacidad posicionadora, ‘Las Aventuras de Priscilla, reina del desierto’, ofrece un contenido interesante para cualquier tipo de público, dado su humor, su entretenimiento y las insólitas imágenes que retrata. La banda sonora y unas interpretaciones magistrales completan esta road-movie diferente a todas las otras.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Dolby Digital 2.0 Portugués. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Comentario del director Stephen Elliott. El nacimiento de una Reina. Escenas eliminadas. La llegada al Checkers Motel. Cómo Trumpet adquirió su apodo.

‘Candyman: el dominio de la mente’

Título original, nacionalidad y año: ‘Candyman’, EE. UU., 1992.

Dirigida por: Bernard Rose.

Intérpretes: Virginia Madsen, Tony Todd, Vanessa Williams y
Ted Raimi.

Sinopsis: La estudiante Helen Lyle (Virginia Madsen) queda atrapada por la leyenda local de Candyman. Un asesino en serie con un garfio que aparece cuando repites su nombre delante de un espejo cinco veces. Sus investigaciones sobre la leyenda le llevan hacia los orígenes de la historia, pero cuando ignora las advertencias locales, comienza una serie de sangrientos asesinatos.

Opinión: Una película que se convirtió en un icono al ser capaz de transmitir más allá de las pantallas el miedo a pronunciar cuatro veces, ante el espejo, el nombre del antagonista principal, Candyman, un malo de una pieza, cruel y despiadado, pero con una motivación. Rodada en unos espacios urbanos que producían casi más pavor que la propia historia, contaba con momentos de gran tensión. Con una narración muy clásica de superación del contrincante, no por ello carecía de fuerza dramática. Desconozco cuál sería mi opinión reciente en una revisión actual, pero basándome solo en mi recuerdo, la declararía como una película recomendable, más terrorífica que muchos de los estrenos de miedo del momento.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés. Dolby Surround Castellano, Japonés, Francés, Italiano, Español latino. Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Italiano, Portugués, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €.

Vía | Zona DVD.

Este 2011 lleva un buen ritmo de fallecimientos de personalidades cinematográficas. Ahora le ha tocado el turno —recordemos que todos tenemos número para ser atendidos por doña Muerte— a Peter Yates. El realizador inglés falleció el pasado 9 de enero en Londres tras una larga enfermedad.

Yates se formó en televisión, participando en series tan famosas como ‘El santo’. El éxito de su película ‘El gran robo’ (‘Robbery, 1967) le llevó a Estados Unidos a dirigir la mítica ‘Bullit’ (id, 1968), film protagonizado por un Steve McQueen en plena forma, y que presume de ser la película con la que está considerada como una de las mejores persecuciones que se han filmado. Aunque su nombre nunca sonó lo suficiente, sus films fueron casi siempre éxitos, unos más y otros menos. Ninguno alcanzó la fama del mencionado, pero podemos mencionar trabajos como ‘Un diamante al rojo vivo’ (‘The Hot Rock, 1972) o ‘El confidente’ (‘The Friends of Eddie Cole’, 1973), excelente muestra de cine negro con una de las mejores interpretaciones de Robert Mitchum.

En los años 80 firmó films como ‘Krull’, una de espada y brujería que a día de hoy casi es un film de culto; ‘Sospechoso’ (‘Suspect’, 1987) o ‘Un hombre inocente’ (‘An Innocent Man’, 1989), dos entretenimientos de lo más digno. En 1999 dejó de hacer cine volviendo a la televisión. Fue nominado 4 veces al Oscar, dos como director y productor por ‘El relevo’ (‘Breaking Away, 1979) y otras dos por ‘La sombra del actor’ (‘The Dressed’, 1983).

Hasta siempre Peter.

Vía | Diario vasco

El mundo del cine se asocia con los sueños, pero también puede ser ingrato, duro, injusto, como en otras ramas, el artista puede ver frustradas sus ideas, hasta que el tiempo lo pone en su lugar (como suele decirse). Si bien esto no le sirve de ningún consuelo al autor, pues lo único que conoce es la incomprensión y el rechazo. Hoy en día resulta de lo más natural, y sensato, calificar ‘La noche del cazador’ (‘Night of the Hunter’, 1955) como una de las mejores películas de toda la historia; sin embargo, hace menos de cincuenta años, ni el público ni la crítica la encontró digna de elogio, resultando un sonoro fracaso. Tanto le dolió el golpe a Charles Laughton que decidió no volver a dirigir nunca más, abandonando el que habría sido su segundo trabajo tras las cámaras, una adaptación de ‘Los desnudos y los muertos’ (‘The Naked and the Death’) de Norman Mailer.

Fue el amargo final de una breve historia que muchos califican de milagrosa, de caso único, Laughton sólo realizó una película durante sus más de treinta años de carrera en el cine, y el resultado fue una obra maestra. No obstante, no sería del todo correcto mantener que era un actor que, por una vez, optaba por quedarse tras las cámaras para probar suerte en otra faceta. Conviene tener en cuenta que el inglés (desde 1950, ciudadano estadounidense) siempre fue un apasionado del teatro y que ya había dirigido, con éxito, algunas obras antes de decidir trasladar a la gran pantalla la novela de David Grubb. Aunque se habló de un rodaje complicado (así lo mantenía la viuda de Laughton, si bien ella nunca estuvo en el set), no hay rastro alguno de problemáticas tensiones en el film, todo funciona de maravilla; los actores, entre los que destacan dos niños, están sensacionales, y Robert Mitchum declararía más tarde que ésta era su película favorita. Lo cierto es que es un relato inolvidable, deja huella en el corazón.

Un mundo de pesadilla

No es que te importen los asesinatos, tu libro está lleno de ellos. Pero hay cosas que odias, Señor. Las cosas que huelen a perfume, cosas con ropa de encaje, cosas con el pelo rizado…

(Reverendo Harry Powell)

Sin duda, el reverendo Harry Powell es uno de los personajes más asombrosos que nos ha regalado el séptimo arte. Encarnado con absoluta naturalidad por Robert Mitchum, un actor de imponente físico y profunda voz, Powell es un villano memorable, un terrible monstruo (como se le retrata en algunas escenas, por ejemplo cuando persigue a los niños a través del pantano) que ataca de noche, pues parece que no necesita dormir, y cuyos crímenes considera totalmente justificados, pues mantiene que se comunica con Dios y que entre ambos hay un sincero entendimiento. La monumental interpretación de Mitchum se engrandece por la planificación de Laughton, el guión de James Agee (al parecer muy recortado por el director), el acompañamiento musical de Walter Schumann y la fotografía de Stanley Cortez, que llega a componer imágenes muy poderosas (recordando al expresionismo alemán).

Este falso predicador, auténtico lobo de cuento infantil, aparece en escena conduciendo alegremente tras matar a su última víctima, una mujer de la que sólo vemos sus piernas, dispuestas de forma antinatural en las escaleras de un sótano (Laughton no muestra ningún asesinato). Tras confesarse en voz alta con una sonrisa en la boca, Powell asiste a un sórdido espectáculo de variedades; y es uno más entre el público, masculino y sombrío (de nuevo destaca la labor de Cortez) que mira con atención a la joven con poca ropa que baila en el escenario. El reverendo odia a las mujeres, así lo dice con convicción, y las ataca, las menosprecia, las utiliza y las asesina, sin sentir remordimiento. En realidad, como queda demostrado en esa escena de la bailarina, por más que se resista no puede evitar la atracción que siente por el cuerpo femenino, y es muy simbólico que esconda su mano izquierda (en la que ha escrito “odio”) para empuñar su navaja, que se abre de forma inmediata, cortando la ropa. Más adelante volverá a ocurrir algo parecido cuando una adolescente trata de seducirle.

Os oigo susurrar, niños, sé que estáis ahí abajo. Puedo sentir cómo me enfado terriblemente. Se me acabó la paciencia, niños. Voy a por vosotros ahora…

(Powell)

Los corderos de esta historia no son sólo las mujeres, que caen por una razón u otra en manos del peligroso impostor (Willa, a quien da vida Shelley Winters, se somete a él por la presión social, pero no se deja de sugerir el poder seductor de Powell), por encima de todo se llama la atención sobre los niños. En un momento del film, Rachel Cooper (Lillian Gish), también católica aunque representa todo lo contrario a Powell, un ángel protector, ve a una chica abrazarse a su novio y no puede evitar soltar con resignación un pensamiento realmente contundente: “Las mujeres son tontas. Todas. Mírala, perderá la cabeza por una boca traicionera“. Cooper no ayuda a las muchachas, disculpa (e incluso anima con un regalo) a la adolescente que tiene a su cargo, cuando ésta confiesa que ha estado saliendo con chicos; su mayor preocupación, la del relato y la del público, son los pequeños críos indefensos, abandonados a su suerte en un mundo cruel, despiadado, donde los adultos engañan, roban, matan y malviven infelices, a menudo por una simple bolsa de dinero (los diez mil dólares del botín parecen malditos, y pesan como una losa en la conciencia de quienes conocen su existencia).

El retrato que se hace del ser humano, inmerso en una devastadora depresión económica, en ‘La noche del cazador’ es realmente demoledor, no se deja títere con cabeza. A excepción de la señorita Cooper (que no tiene pareja), la única que parece entender más allá de las apariencias (ve enseguida que esos dientes largos son los de un lobo) y que está dispuesta a ayudar de verdad, todos los demás personajes adultos son débiles, irresponsables, miserables y codiciosos, cuando no asesinos. Tampoco se salvan los niños, hay maldad cuando unos chavales cantan sobre la horca e incluso dibujan a un hombre ajusticiado, justo tras la muerte de Ben Harper (Peter Graves), pero se ve realista, esas cosas pasan, sin embargo no son graves, pues se hacen sin conciencia, sin saber realmente lo que se está haciendo. Podría decirse que es una maldad innata, que empieza a florecer y que debería ser cortada. De ahí la importancia del cuidado de la vieja señorita Cooper, aportando el cariño y la educación que necesitan los pequeños para poder sobrevivir y crecer fuertes y bondadosos (que no idiotas).

En medio de esta negrura, de esta verdadera pesadilla que se vive despierto, emerge un chico, al que se llega a comparar con Moisés. Se trata del hijo de los Harper, John (Billy Chapin), que debe madurar antes de tiempo. Tras realizar dos juramentos (con la policía a punto de arrestar a su padre), se hace cargo de su hermana menor, Pearl (Sally Jane Bruce), y trata por todos los medios de ayudar a su madre, que sin embargo se entrega y se rinde con facilidad. John no posee ningún rastro de maldad, también es capaz de atravesar el disfraz del lobo, y su único deseo es proteger a Pearl; su pureza, intacta a pesar de todo lo visto y vivido, queda de manifiesto al final de la película, cuando se enfrenta abiertamente a su pasado, sus raíces, y rompe voluntariamente una de las promesas que hizo. Es un cierre extraordinario para un film irrepetible, de una belleza apabullante (como podéis comprobar en las imágenes que acompañan este texto), capaz de moverse por los terrenos del drama, el thriller, el cine negro, el terror y la comedia, sin patinar en ninguno de ellos. Puede que, a fin de cuentas, sí que sea un milagro.

‘Avatar’

Director: James Cameron

Intérpretes: Sam Worthington, Zoe Saldana, Joel Moore, Giovanni Ribisi, Stephen Lang, Sigourney Weaver, Dileep Rao

Es sin duda el film del 2009 y buena parte del 2010, todo un fenómeno sociológico que ha devuelto en masa al público a los cines, y de paso ha contagiado el 3-D a películas que no se habían filmado en ese formato —por ejemplo, la última sosería de Tim Burton—. Como era de esperar, la crítica se dividió, el público se dividió, pero todo el mundo habló de ella. Su éxito ha sido tal que la segunda entrega ya está confirmada de nuevo con Cameron tras las cámaras.

El DVD sale absolutamente pelado de extras porque hasta Noviembre no se editará una edición de coleccionista con numerosos documentales sobre la película. Ya me huelo para más adelante alguna especie de “versión extendida”, y así todas las mentes débiles nos comparemos la película dos veces.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Avatar’, el James Cameron de siempre
• ‘Avatar’, los rasgos de una obra maestra
• ‘Avatar’, la técnica por encima del arte

• ‘Avatar’ es otra más

‘Donde viven los monstruos’

Director: Spike Jonze

Intérpretes: Max Records, Catherine Keener, Mark Ruffalo, Steve Mouzakis, Steve Mouzakis

Contenido Extra:

• La absurda dificultad de filmar a un perro corriendo y ladrando al mismo tiempo.
• La gran broma
• Ataque vampiro

• Los niños se apoderan de la foto

La película que le quiso hacer competencia en nuestros cines al film de James Cameron repite la jugada en el mercado del DVD y BluRay. Ni que decir tiene que volverá a fracasar, entre otras cosas porque estamos ante una película muy diferente a ‘Avatar’, y con eso no estoy diciendo que sea peor o mejor. Desde luego es más simplona de lo que aparenta ser.

Críticas en Blogdecine:

• Monstruos, zombies y ninjas
• ‘Donde viven los monstruos’, un videoclip alargado

• ‘Donde viven los monstruos’, el cine de los sentimientos

‘Si la cosa funciona’

Director: Woody Allen

Intérpretes: Ed Begley Jr., Patricia Clarkson, Larry David, Conleth Hill, Michael McKean, Evan Rachel Wood, Olek Krupa, Yolonda Ross

Hasta ahora la última película de Woody Allen estrenada —recordemos que tiene otras dos en cartera, una ya terminada y la otra en fase de preproducción— y una de sus obras magnas tratada como si se tratase de un film menor. DVD sin extras relevantes.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Si la cosa funciona’, Allen como pez en el agua
• ‘Si la cosa funciona’: de la amargura al optimismo

• Sí, la cosa funciona

‘Buscando a Susan desesperadamente’

Director: Susan Seidelman

Intérpretes: Rosanna Arquette, Madonna, Aidan Quinn, Mark Blum, Robert Joy

Sinopsis: Roberta es un ama de casa disgustada por su forma de vida. Casada con un hombre que no muestra ningún interés por ella, se refugia en lo único que le distrae: los anuncios personales del periódico. Por eso, cuando Roberta lee que alguien busca a Susan desesperadamente no duda ni un momento para salir en su busca. Cuando por fin encuentra a Susan, una persona impulsiva que vive siguiendo sus sueños, se verá envuelta en numerosos líos y divertidas situaciones que harán que sus días grises acaben para siempre.

Uno de los éxitos de los 80, intentando explotar cinematográficamente la imagen de ese animal escénico llamado Madonna. Es de 1985 y servidor aún no la ha visto. No me interesó con 15 años, y ahora menos. DVD sin extras.

‘El confidente’

Director: Peter Yates

Intérpretes: Robert Mitchum, Peter Boyle, Richard Jordan, Steven Keats, Alex Rocco

Sinopsis: Eddie “Fingers” Coyle (Robert Mitchum), un hombre que se dedica a suministrar armas de todo tipo a los delincuentes de los bajos fondos de Boston pretende, a su vez, buscarse la ayuda de la policía, delatando la preparación de los golpes que sus “clientes” piensan cometer.

Uno de los thrillers más originales de la década de los 70 y que posee una de las mejores interpretaciones de ese monstruo llamado Robert Mitchum. DVD sin extras.

‘Hoguera de odios’

Director: Charles Marquin Warren

Intérpretes: Charlton Heston, Jack Palance, Katy Jurado, Brian Keith, Mary Sinclair, Milburn Stone

Sinopsis: Ed Bannon es el jefe de los rastreadores del puesto de caballería de Fort Clark, Texas, al que se le ha encomendado la misión de llegar a firmar un tratado de paz con los indios Apaches y llevarlos a sus reservas de Florida. Sin embargo no están dispuestos a ceder. Cuando el hijo del jefe apache Torinada regresa de recibir una educación en el este, Bannon comienza a sospechar de sus motivaciones ocultas.

Un título menor dentro del género del western realizado por uno de esos artesanos desconocidos, pero ya les gustaría a muchas películas actuales ser tan menores como ésta.

‘San Valentín sangriento’

Director: Patrick Lussier

Intérpretes: Jensen Ackles, Kerr Smith, Edi Gathegi, Jaime King, Tom Atkins, Megan Boone, Marc Macaulay, Joy de la Paz

Contenido Extra:

• Audiocomentario del Director Patrick Lussier y Co-guionista Todd Farmer.
• Dentro de San Valentín Sangriento.
• Sexo, Sangre y Gritos.
• Escenas Eliminadas/Extendidas.
• Final Alternativo.

• Tomas Falsas.

El 3-D llega al mercado casero con esta peliculita de terror que ha pasado sin pena ni gloria por nuestras pantallas. Carne de videoclub, sin duda.

‘Triage’

Director: Danis Tanovic

Intérpretes: Sandra Ni Bhroin, Nick Dunning, Branko Djuric, Christopher Lee, Colin Farrell, Gail Fitzpatrick, Ian McElhinney, Kelly Reilly

Sinopsis: Mark (Colin Farrell) y David (Jamie Sives) son amigos y experimentados fotógrafos de guerra que se encuentran capturando imágenes de un Kurdistán desgarrado por el conflicto. Mark quiere seguir los combates unos días más, buscando la foto del año, pero David, harto ya de tanta desesperanza y violencia, decide regresar a casa con su mujer embarazada, Diane (Kelly Reilly). Cuando Mark por fin regresa, visiblemente demacrado, junto a su mujer Elena (Paz Vega) se encuentra con que su compañero y amigo David, que partió antes que él, aún no ha vuelto. Comienza aquí la lucha de un hombre exhausto y desorientado que, envuelto de secretos, se ve incapaz de reasumir su antigua vida en Dublín.

Colin Farrel, Christopher Lee y Paz Vega juntos en una película. No conoció estreno en salas en nuestro país, supongo que por lo de siempre, no sabían cómo venderla. Buena ocasión para rescatarla.

Vía | Zona DVD

• ‘Pelham, uno, dos, tres’

Aprovechando el estreno de la nueva versión, Fox va a lanzar una edición especial de ‘Pelham, uno, dos, tres’, dirigida por Joseph Sargent en 1974, un estupendo thriller que deja en ridículo a lo nuevo de Tony Scott, titulada aquí como ‘Asalto al tren Pelham 123’.

La película se pone a la venta el próximo día 19, y por el momento apenas hay información sobre los extras que incorporará, sólo se sabe que trae dos discos, así que por lo menos ya podemos dar por hecho que no se limitará a las típicas fichas y tráileres de películas que no nos interesan, justo antes del menú (y a veces sin la posibilidad de pasarlos, como el estúpido anuncio del pirateo de ideas). Una compra obligada, aunque sólo sea por recordar el fantástico duelo entre Walter Matthau y Robert Shaw.

• ‘30 Segundos sobre Tokio’

Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de pilotos norteamericanos ataca por vez primera Japón, después de que los japoneses bombardearan Pearl Harbor. Es el punto de partida de una película escrita por Dalton Trumbo, dirigida por Mervyn LeRoy y protagonizada por Van Johnson, Robert Mitchum, Don DeFore, Tim Murdock y Robert Walker.

• ‘Destino Tokio’

No salimos de la segunda gran guerra ni de la capital japonesa. En esta ocasión la historia se centra en un submarino, el Copperfin, que recibe órdenes de zarpar con destino a Tokio para conseguir información de vital importancia (hombre, no va a ser para comprar tallarines) y preparar el ataque de Estados Unidos. El submarino cumple con su misión, pero cuando llega la flota norteamericana a la bahía de Tokio, el capitán Cassidy, al frente del Copperfin, queda atrapado al ser descubierto por un portaaviones japonés. Dirige Delmer Daves y Cary Grant encabeza el reparto.

• ‘Fuego en la nieve’

Y seguimos en el mismo periodo histórico. Diciembre de 1944: Los miembros de una compañía de la 101ª división aerotransportada se disponen a disfrutar de sus permisos navideños en la ciudad de París, sin embargo, sus expectativas se ven frustradas cuando la división es enviada urgentemente hacia Bastogne, con la misión de taponar una brecha abierta por una fuerte contraofensiva alemana. De nuevo encontramos a Van Johnson encabezando el reparto de una película que fue dirigida por William A. Wellman.

• ‘Invasión en Birmania’

Más cine bélico y de la misma etapa. En la II Guerra Mundial, el general Frank D. Merrill, al mando de la brigada de infantería 5307 compuesta por tres mil soldados voluntarios, tiene la misión de impedir el avance de las tropas japonesas en Birmania, que con un millón de soldados están a la espera de enlazar en Oriente con las tropas alemanas. La 5307 es la primera en infiltrarse tras las líneas japonesas en plena jungla, que se convertirá en otro enemigo más para los soldados. Tras las cámaras, Samuel Fuller, delante de ellas, Jeff Chandler, Ty Hardin y Andrew Duggan, entre otros.

• ‘La colina’

¿Más II Guerra Mundial? Pues sí, otra más, a estas alturas ya es complicado encontrar un capítulo de este conflicto bélico que no haya sido retratado por el cine. Cualquier día nos anuncian que Disney está preparando una película basada en hechos reales centrada en Tailandia en 1942, cuando se produjo una revuelta de decenas monos por culpa de una caja de plátanos de Canarias, lo que pudo provocar un verdadero lío diplomático. En fin… ‘La colina’ tiene el gran atractivo de estar dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Sean Connery. La trama se centra en un grupo de prisioneros ingleses que se encuentran encarcelados en un campo militar del norte de África, donde se ven obligados a sufrir las vejaciones a las que les somete un cruel y sádico sargento, hasta que deciden rebelarse.

• ‘Los cuatro jinetes del apocalipsis’

Debido a sus diferencias políticas, dos familias emparentadas, los Desnoyers y los Von Hartrott, se enfrentan. Tras la muerte del patriarca, Julio Madariaga, los Hartrott se marchan a Alemania, y los Desnoyers a Francia. Ambas familias terminan combatiendo en bandos opuestos. Famosa película dirigida por Vincente Minnelli y protagonizada por Glenn Ford, Charles Boyer y Lee J. Cobb. Como sabéis, es un remake del film homónimo protagonizado por Rodolfo Valentino en 1921.

• ‘Siete días de mayo’

Los Estados Unidos, bajo el mandato presidencial de Lyman, acaban de firmar con la Unión Soviética un tratado de reducción de armamentos. Esta medida pacifista no es acogida con absoluta unanimidad; el pueblo se rebela, y algunos sectores políticos y dirigentes son partidarios de anular el tratado y aumentar el armamento hasta conseguir imponer la voluntad americana a todo el orbe. A los mandos, John Frankenheimer, que contó con un reparto estelar encabezado por Burt Lancaster, Kirk Douglas, Ava Gardner y Fredric March.

Vía | ZonaDVD

Hablando con mi buen amigo Jeremy Fox (el único y verdadero culpable de que yo escriba en Blogdecine), sobre la triste desaparición de Sydney Pollack, mientras repasábamos su filmografía coincidíamos en las que son sus cinco mejores películas (teniendo en cuenta, en mi caso, el no haber visto ni su ópera prima ni ‘Una Vida, un Instante’). Pollack fue uno de esos directores que un servidor, y muchos de los de mi generación, descubrió en la televisión, con los pases sobre todo de sus films de los años 70, los cuales dejaron una impronta huella en mí por varias y diversas razones.

Aunque como actor, su carrera fue incluso más prolífica, sobre todo en los últimos años de su vida, dando vida muchas veces a personajes ambiguos y de toques sombríos (‘Eyes Wide Shut’, sustituyendo al inicialmente previsto Harvey Keitel), fueron sus trabajos como director los que dejaron para la posteridad algunos muy buenos momentos, haciendo siempre gala de una sobriedad narrativa, tirando al clasicismo, que últimamente chocaba bastante con lo que se suele hacer en el Hollywood actual.

A continuación, en orden cronológico, las cinco mejores películas de Pollack:

• ‘Las Aventuras de Jeremiah Johnson’

La segunda de las siete colaboraciones con su buen amigo Robert Redford, y el primero de los que yo vi de Pollack. A pesar de cierta monotonía, todo un canto a la naturaleza, y una crítica hacia los peligros de la civilización. En su momento fue un éxito arrollador, y hoy día es vista como película de culto. Basada en polémicos y emotivos hechos reales, Redford contribuyó a la fama de la misma con su simple presencia, ya que por aquel entonces era uno de los actores más admirados y comprometidos del momento.

• ‘Yakuza’

Para un servidor el mejor film de su director, todo un prodigio de ritmo e historia. El guión, escrito a cuatro manos por Paul Scharder y Robert Towne, basándose en una historia de Leonard Shrader, fue el más caro de la historia en su momento. Al principio era un proyecto para Scorsese, y también para Robert Aldrich quien a punto estuvo de hacerla con Lee Marvin al frente. Cuando entró en escena Robert Mitchum (en la que es una de sus interpretaciones más celebradas) forzó la situación para echar a Aldrich, y entró en juego Pollack, quien quería a Robert Redford para el personaje central. Menos mal que las cosas quedaron así (aunque imaginar lo que podría haber hecho Scorsese con semejante material es uno de esos pensamientos que te hacen sentir a gusto), y dio como resultado un film sombrío, de extrema violencia, y con unas interpretaciones soberbias. Ken Takakura repetiría similar operación años más tarde en la sospechosamente parecida ‘Black Rain’ de Ridley Scott. Tarantino también se encargó de coger algo para su celebrada ‘Kill Bill’. Inolvidable lo del dedo meñique.

• ‘Los Tres Días del Cóndor’

Un clásico de los 70 del cine de espionaje. De nuevo Redford colaborando con su amigo Pollack, y encabezando un suculento reparto, es una trepidante historia sobre un hombre injustamente perseguido y metido en asuntos de la CIA y peligros varios. El extraordinario montaje, obra de Fredric Steinkamp y Don Guidice, fue nominado al Oscar (aunque se lo arrebató Verna Files por ‘Tiburón’) y es toda una lección de ritmo. El film, hoy algo olvidado por cierto sector, permanece como uno de los más influyentes en los cineastas que se lanzan a contar historia similares.

• ‘Tootsie’

Nominada a diez Oscars, consiguiendo la primera estatuilla para Jessica Lange, fue uno de los éxitos más abrumadores de su director. La historia de un hombre que para poder conseguir trabajo se disfraza de mujer, caló muy hondo en las audiencias de aquel año. Es probablemente la única comedia pura de Pollack, y aunque tal vez sea un pelín larga, está llena de situaciones muy divertidas, y sobre todo contiene una de las mejores interpretaciones de Dustin Hoffman, que por aquel entonces estaba en lo más alto de su carrera.

• ‘Memorias de África’

El reconocimiento de la Academia de Hollywood, aunque para ello tuvieran que ningunear la magistral ‘El Color Púrpura’, y otro de los grandes éxitos de Pollack (ya nunca volvería a alcanzar uno así). Una de esas historias de amor que tanto gustan en Hollywood, entre una mujer danesa y un cazador en la preciosa Kenia. El papel de Meryl Streep fue ofrecido a Audrey Hepburn (este tipo de cosas a veces creo que era mejor no saberlas), y como siempre la actriz ofrece una de sus entregadas interpretaciones dominando acentos, aunque también como siempre tirando hacia el histrionismo. De todos modos, la compenetración con Robert Redford es perfecta. Y John Barry musicándolo todo con uno de sus trabajos más recordados, aunque recuerde en demasía a su score para ‘Nacida Libre’ (algo que repitió descaradamente para su también oscarizada ‘Bailando con Lobos’). Inolvidable el momento en el que ella es invitada a tomar una copa en el club para caballeros en el que nunca dejaban entrar a mujeres.

Robert Mitchum nos acostumbró en la mayoría de sus películas al tipo duro, sobre todo en sus westerns, o cintas de cine negro, cuando no nos atemorizó hasta límites insospechados en títulos como la atemporal ‘La Noche del Cazador’, dando vida a uno de los villanos más influyentes en el séptimo arte. Casi siempre estaba del lado de la ley, aunque eso no significaba que sus personajes representasen en modo alguno la bondad. Siempre había matices que decían que en cuestión de personas no todo es blanco o negro, si no que hay una gran variedad de grises. Sin embargo, en ‘El Soborno’, Mitchum da vida a uno de esos policías íntegros y honrados que no han cometido una falta en su vida. No hay un sólo ápice de sombra en su personalidad. Un hombre honesto en un mundo de delincuentes y corruptos.

‘El Soborno’ es una película medio olvidada de un director completamente olvidado, John Cromwell, uno de esos realizadores que no obtuvieron tanta fama como otros a los que no hace falta citar, y que sin embargo no tenía nada que envidiarles. A Cromwell le debemos grandes películas como ‘Desde Que te Fuiste’ o ‘Sin Remisión’, y también ésta que nos ocupa, cuyo rodaje no estuvo exento de complicaciones, llegando a sentarse en la silla de director gente tan dispar como Mel Ferrer, Tay Garnett o Nicholas Ray.

Lo cierto es que resulta difícil saber quién dirigió qué partes de la película, aunque la mayor parte del trabajo corresponde a Cromwell. El temible Howard Hugues fue su productor, quien ya había producido una versión anterior en 1928, basada a su vez en una obra teatral. Para este remake, se contó en un principio con la colaboración de Samuel Fuller a la hora de escribir el guión, pero parece ser que éste no fue del agrado de Hugues, y Fuller fue sustituido. ‘El Soborno’ (‘The Racket’, 1951) narra la historia de un jefe de policía honesto como pocos, que se verá relegado a comandar una comisaría de barrio, a la que es destinado para que no dé muchos problemas. Sin embargo allí, nuestro héroe no se dará por vencido y pondrá todo su empeño en atrapar a un importante gangster que influye sobre todo el mundo, llegando incluso hasta jueces.

Ante todo ‘El Soborno’ es un film realista. Ficción, pero con un toque de “verdad” en lo que vemos, tal y como le gustaba hacer en sus últimos trabajos a Cromwell, que llegamos a introducirnos en su historia de forma totalmente natural. Gracias a un guión, que bien podría haber servido para un western (¿tendría Fuller algo que ver en esto?), claro y conciso y lleno de matices, nos adentramos en un mundo lleno de corrupción a todos los niveles. Un mundo en el que no parece haber sitio para la honradez, y mucho menos la esperanza, a no ser, claro está, que ésta se vea reflejada en dos de los personajes que pululan por el film, y que ante la aplastante y terrorífica realidad que les rodea, parecen unos míseros secundarios enfrentándose a algo imposible de vencer. Una tela de araña que poco a poco nos va descubriendo sus rincones más oscuros, por lo que descubrimos que nuestro héroe tal vez no tenga nada que hacer. En ese aspecto, el clímax de la película está más que conseguido, y su final no es típico, sino coherente con todo lo que hasta ese momento nos han contado.

Cromwell contó para esta cinta de cine negro en el más puro estilo, con dos monstruos que ya coincidieron con anterioridad, y volverían a trabajar juntos. Robert Mitchum y Robert Ryan dan vida respectivamente al jefe de policía y a un gangster capaz de todo por salir siempre impune de cualquier lío en el que se meta. Los dos actores se compenetran a la perfección, y creo que Ryan le gana la partida a Mitchum, y con diferencia. Es curioso comprobar como éste último no le da demasiado carácter a su rol, y hasta parece encontrarse incómodo dando vida a alguien tan honesto. Sin duda, es de lo más flojo de la película. En cambio Ryan se sale por todos lados, teniendo a su disposición un personaje tan odioso y poder recrearse en él de mil formas, sin llegar jamás a sobrepasar ciertos límites que muchos han cruzado cayendo en la sobreactuación. El bien y el mal de nuestra sociedad (resulta sorprendente lo moderna que es la película) representados en dos personajes radialmente opuestos, dando vida a dos formas de entender la vida demasiado simples, o tal vez prácticas. En los secundarios, la cosa se expande, y aunque éstos no resultan tan fascinantes, cobra importancia la figura de un policía que ayuda a nuestro héroe a poner las cosas en su sitio, un pobre hombre con la única fuerza de su propia voluntad y un sentido del deber y la justicia únicos, incorruptible hasta la médula, porque hasta los más pequeños (socialmente hablando) pueden tener la fuerza para combatir a los más grandes. Por supuesto, como en toda cinta de cine negro que se precie, tenemos a la mujer fatal, aunque aquí no cargan demasiado las tintas en ese aspecto, y esta vez la presencia de Lizabeth Scott no resulta tan perturbadora como en otras ocasiones. Una pena.

‘El Soborno’ es una estupenda película con un ritmo increíble. Una pequeña joya que hará las delicias de todos los amantes de los buenos thrillers, con una historia llena de interés y de rabiosa actualidad. El sistema funciona a veces, y cuando no lo hace, es mejor esconderse, a no ser que haya alguien como el personaje de Mitchum en este film. Demasiado bonito para ser verdad. Cromwell nos convenció de ello, y esa es la magia del cine, que podamos creer en lo que muchas veces nos cuenta.

Más información | Imdb

La primera colección a destacar es la del maestro Robert Bresson. Si eres de los que quiere hacer cine cuando seas grande, tienes que ver y estudiar las películas de este director francés. Yo, al menos, no me canso de ellas. El Cofre Robert Bresson que aparece esta semana incluye tres de sus más conocidos largometrajes: Lancelot du Lac, El Diablo Probablemente y Un Condenado a Muerte se ha Escapado, intenso filme de fuga carcelaria que, a pesar de tener un título que es todo un spoiler, te mantiene pegado al asiento.

Echo en falta en este cofre El Carterista, la obra cumbre de Bresson. En cambio, el paquete incluye el documental El Camino a Bresson, más un abecedario de términos bressonianos elaborado por el crítico e historiador Santos Zunzunegui. Con un estilo desprovisto de artificios —hasta rayar en el conceptualismo—, actores no profesionales que deliredamente ejecutan interpretaciones casi planas, el cine de Bresson es la búsqueda incansable del lenguaje visual puro.

Colección La Primavera de Praga. El 20 de agosto de 1968, 200 mil soldados y 5 mil tanques del Pacto de Varsocia, que agrupaba a los países satélites de la Unión Soviética, cruzaron la frontera de Checoslovaquia para poner fin al socialismo con rostro humano adelantado por el presidente Alexander Dubček, en un período que la historia conocería como La Primavera de Praga.

Esta semana aparece una colección que reúne seis títulos de otras tantos de los más importantes realizadores de la época: Milos Forman, Ján Kadár, Elmar Klos, Ivan Passer, Vera Chytilová y Jirí Menzel. Sus obras son Concurso, La tienda en la Calle Mayor, Iluminación íntima, Las margaritas, Alondras en el alambre, Mi dulce pueblecito. Una colección para la colección.

Colección Sam Peckinpah. Creo que no tengo que escribir sobre quién es Sam Peckinpah. Bastará decir que se trata de acaso el más influyente cineasta estadounidense después de Alfred Hitchcock. Y como Hitchcock era inglés, entonces Peckinpah quedaría como el más influyente cineasta estadounidense. Punto. Y lo digo porque prácticamente en cada película moderna, hay uno o dos minutos del mejor Peckinpah. Sin contar películas como las de John Woo o Robert Rodríguez, que son practicamente ensamblaje de diversas escenas extraidas de las películas del “loco” Sam.

El pack que nos ocupa incluye sus mejores películas: Grupo Salvaje, Pat Garrett y Billy the Kid, La Balada de Cable Hogue, Duelo en la Alta Sierra y La Huída.

If they move, kill ‘em!

Colección Stanley Kubrick. Otra colección para colección. Es un pack compuesto por cinco largometrajes de Stanley Kubrick, en sus ediciones especiales: La Naranja Mecánica, Eyes Wide Shut, El Resplandor, La Chaqueta Metálica, 2001: Odisea del Espacio. Claro no son todos los que están, ni están todos los que son. El paquete incluye el documental Stanley Kubrick: Una vida en imágenes.

Banderas de Nuestros Padres y Cartas de Iwo Jima. Fueron filmadas una tras otra y es la misma historia contada desde dos puntos de vista diferentes en medio del conflicto bélico que cambió la historia de la Humanidad. Además, ambas están dirigidas por el gran Clint Eastwood. De modo que ¿qué mejor manera de venderlas que juntas, en un pack? Esta semana saldrán a la venta en un cofre metálico.

Cofre Robert Mitchum. Uno de los mejores actores del Siglo XX, Robert Mitchum bien que se merece una colección con algunas de sus mejores películas. Y justo esta semana sale a la venta. El paquete esta compuesto por La Noche de la Iguana, La Hija de Ryan, Corrientes Ocultas, Con él Llegó el Escándalo, Tres Vidas Errantes y Yakuza. Sólo puedo agregar que merecería un lugar destacadísimo en mi estante.

Colección Gremlins. Hay quienes todavía disfrutan con la primera de estas dos películas. Yo, soy uno de ellos, lo debo confesar. Gremlins y su secuela vienen en un estuche metálico en una edición para coleccionistas. Nada de extras.

Planet Terror, de Robert Rodríguez. Mucha tinta ha corrido desde que esta película se anunciara, tanta o más que la sangre que corre dentro del filme. Para algunos, una obra maestra; para otros, una más del montón. A partir de mañana, la película cutre ex profeso de Rodríguez comenzará a circurlar en dos versiones. Una de ella, acompañada de un disco pleno de extras.

Invierno en Bagdad, de Javier Corcuera. Dije que no había novedades interesantes esta semana. Pero debo corregirme: como siempre, el cine de no ficción resulta la novedad interesante en el desolador panorama cinematográfico mundial. E Invierno en Bagdad, de Javier Corcuera, es un buen ejemplo. Documento desgarrador sobre el efecto de la guerra en los niños iraquíes, no ha faltado la polémica en torno a la pieza: mientras para algunos es un documental ineludible, para otros es mera explotación de las desgracias ajenas.

Innocence, de Lucile Hadzihalilovic. Otro de los estrenos interesantes de esta semana. Adaptación de la noveleta de Frank Wedekind, es una exploración de la pubertad femenina.

La trama de ‘Corrientes Ocultas’ (‘Undercurrent’, 1946) sigue a una mujer que decide casarse con un poderoso hombre de negocios del que se encuentra totalmente enamorada, a pesar de lo opuestos que son. Tras la ceremonia, ella comienza a sospechar del oscuro pasado de su esposo, un hombre que poco a poco va revelando una personalidad perversa y violenta. La misteriosa desaparición del hermano de su marido será el punto de partida de una búsqueda que apunta a tragedia…

He puesto en el título de este crítica la palabra que más veces me vino a la cabeza viendo la película de Minnelli, y que se refiere, efectivamente, a otra de Alfred Hitchcock. Al igual que en ‘Sospecha’, la protagonista de ‘Corrientes Ocultas’ desconfía de su marido hasta el punto de creer que su vida corre peligro; aunque la posibilidad de que el marido vaya a llevarle a la esposa un apetecible vaso de leche ultraluminosa es algo que aquí aparece mucho más tardíamente que en el film de Hichcock. De hecho, Katherine Hepburn se lleva tres cuartos de la película intentando comprender a Robert Taylor y consigue que nosotros, como espectadores, hagamos lo mismo. ¡Debe ser que somos muy malpensados, vamos a mirar desde su perspectiva. Pero cuando el río suena… Especialmente, hay una secuencia magnífica donde se nos revela que Taylor esconde algo, algo tenebroso. Es ésa en la que Hepburn recuerda una poesía (preciosa) sobre lo que nos pertenece y lo que no. Ahí ya hay una línea que suelta Taylor y que la mujer recibe con una sonrisa y una caricia; pero lo hace porque aún no sospecha nada, a nosotros, que estamos fuera de la pantalla, la frase nos ha sonado fatal y empezamos a maquinar. La secuencia sigue y el hombre llega a verse incapaz de continuar escuchando a su esposa, abandonando su lado. Más tarde, le reprochará a ella que aprendiera aquellas palabras para hacerle daño. La señal definitiva de culpabilidad. Nuestra curiosidad, en aumento, tendrá recompensa hacia el final, como siempre.

Todo el misterio de la película está centrado en algo que ocurrió entre el personaje de Taylor, que miente más que recuerda, y su hermano, desaparecido de forma extraña. Hepburn, mientras intenta mantener a flote su matrimonio, no puede dejar de obsesionarse con ese secreto del pasado. Hay que destacar, en este sentido, la mágica progresión del film. ‘Corrientes Ocultas’ comienza siendo una comedia ligera y divertidísima para ir oscureciéndose progresivamente hasta acabar convertida en un dramático y tenebroso thriller. En este sentido, la mano de Vincente Minnelli es fundamental, dotando a la película de un ritmo sobrio y una puesta en escena ejemplar. Las estupendas interpretaciones, la extraordinaria fotografía de Karl Freund y la emotiva sinfonía nº3 de Brahms (Hepburn tocando el piano en la oscuridad, ¡qué escena!) ponen el resto.

Katherine Hepburn está fantástica, en ella especialmente vemos ese cambio que he señalado antes. La conocemos siendo una chica sencilla, divertida, despreocupada; más tarde, la preocupación y el temor señalarán su alma. Robert Taylor cumple a la perfección con su personaje, el sospechoso marido rico que parece conseguir todo lo que se propone, incluyendo el olvido de ese oscuro pasado que le persigue, que le acaba retorciendo el rostro y convirtiendo en un ser cada vez más violento. El no menos famoso Robert Mitchum tiene poca presencia en el film, aunque es lógico que anuncien su presencia en el cartel, con letras bien llamativas. No voy a contar en qué consiste su personaje pero hay que ser muy inocente o tener muy poca idea de cine para no adivinar quién es en cuanto aparece en pantalla (la única que no se entera es la Hepburn). De hecho, yo quitaría la absurda pegatina que he mencionado antes sobre no desvelar el final de ‘Corrientes Ocultas’; da una idea equivocada de que puede afectar a su visionado. Ni tiene un final sorprendente ni lo necesita.

En definitiva, estamos ante una película sobresaliente, de las que te sumergen en una historia que no quieres que acabe, porque tras el “the end” la realidad nos golpea los sentidos. ‘Corrientes Ocultas’, posiblemente, es uno de esos títulos de los que nadie se acuerda cuando le preguntan por Minnelli, pero eso es algo que podemos empezar a cambiar. El dvd salió a la venta recientemente en España (más vale tarde que nunca). Os recomiendo que si no la habéis visto, no tardéis más tiempo en hacerlo. Entretenidísima, tensa, oscura y trágica, ¿puede pedirse más?

Y sigo golpeándome duramente contra la pared, ya que la década de los 50 está llena de grandes películas y elegir sólo diez títulos de todos mis favoritos me ha resultado muy, pero que muy difícil. Allá vamos:

• ‘Con la Muerte En los Talones’. Una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock. Mezcla absolutamente genial de calidad y comercialidad en un film enormemente influyente en el cine posterior. Sensacional Cary Grant, sobre todo en sus momentos humorísticos.

• ‘La Noche del Cazador’. Única película que dirigió el excelente Charles Laughton, y las malas críticas del momento le hicieron no volverse a poner nunca más detrás de la cámara. Un perverso cuento de hadas, con un inmenso y terrorífico Robert Mitchum.

• ‘Los Siete Samurais’. Obra inmortal del genial Akira Kurosawa, donde rendía tributo a su amado western. La pelota le fue devuelta años después con un magnífico remake, del cual Kurosawa se sintió tan orgulloso que le regaló una espada de samurai a John Sturges. Impecable retrato de personajes.

• ‘Senderos de Gloria’. Mi favorita de Kubrick, y uno de los films antibélicos más impresionantes que se hayan hecho. Aquí en España no se estrenó hasta 1985, cosas de la estúpida censura que tanto jodió la marrana durante años en nuestro país. Impresionante Kirk Douglas y emotivo e inolvidable final.

• ‘Rio Bravo’. Uno de los géneros que mejor dominaban Howard Hawks era el western. Éste fue uno de los mejores, y uno de los más influyentes. Sensacional de principio a fin, con una impecable galería de secundarios, como Walter Brennan o Dean Martin, en la que probablemente sea su mejor interpretación.

• ‘Tú y Yo’. Remake de un film anterior del propio Leo McCarey, en el que el director mejoraba lo que ya era maravilloso. Inolvidables Cary Grant y la recientemente fallecida Deborah Kerr. En los 90 tuvo dos revisitaciones, una como inspiración en ‘Algo Para Recordar’ y otra, como remake, en la blandengue ‘Un Asunto de Amor’, y en la vida real doy fe de que alguna pareja puso en práctica algunas cosas de esta maravillosa película.

• ‘Traidor en el Infierno’. En los 50 Billy Wilder realizó inolvidables películas, pero a ésta le tengo un especial cariño por ser de las primera que vi. William Holden ganó un Oscar por su carismática interpretación. De lo mejorcito en películas de campos de concentración.

• ‘Al Este del Edén’. Mi preferida de las tres películas con James Dean como intérprete principal, y también de las que dirigió Elia Kazan. Impresionantes todos los momentos con el gran Raymond Massey, perfecto en el papel de padre de Dean. Una de esas películas con las que aprendí a amar el cine desde muy pequeñito.

• ‘El Árbol del Ahorcado’. Uno de los memorables westerns del gran Delmer Daves, con un inolvidable Gary Cooper. A recordar la mítica canción interpretada por Marty Robbins, y que da título a la película.

• ‘El Hombre Tranquilo’. Uno de los films más memorables del gran John Ford, en el que absolutamente todo es perfecto. Pocas parejas han tenido la química de John Wayne y Maureen O´Hara en esta película. La edición de dvd que hay en nuestro país es simple y llanamente una falta de respeto a esta inmortal obra y al espectador en general. ¿Hay alguien que aún no la ha visto?

Y ahora podéis, si queréis, aportar vuestra favoritas de una década como la de los 50. Seguramente volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los años 60.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40