Agosto no es el mejor mes para buscar novedades cinematográficas en DVD. Aunque sí para coger el carrito y aprovechar todas las ofertas y todas esas películas que hemos ido dejando pasar en compras anteriores, porque ya eran demasiadas y luego se acumulan en casa… ya sabéis. De las pocas películas que salen estas primeras semanas, casi todo clásicos, aquí os comento lo más destacado:

• ‘Pelham, uno, dos, tres’

Aprovechando el estreno de la nueva versión, Fox va a lanzar una edición especial de ‘Pelham, uno, dos, tres’, dirigida por Joseph Sargent en 1974, un estupendo thriller que deja en ridículo a lo nuevo de Tony Scott, titulada aquí como ‘Asalto al tren Pelham 123’.

La película se pone a la venta el próximo día 19, y por el momento apenas hay información sobre los extras que incorporará, sólo se sabe que trae dos discos, así que por lo menos ya podemos dar por hecho que no se limitará a las típicas fichas y tráileres de películas que no nos interesan, justo antes del menú (y a veces sin la posibilidad de pasarlos, como el estúpido anuncio del pirateo de ideas). Una compra obligada, aunque sólo sea por recordar el fantástico duelo entre Walter Matthau y Robert Shaw.

• ‘30 Segundos sobre Tokio’

Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de pilotos norteamericanos ataca por vez primera Japón, después de que los japoneses bombardearan Pearl Harbor. Es el punto de partida de una película escrita por Dalton Trumbo, dirigida por Mervyn LeRoy y protagonizada por Van Johnson, Robert Mitchum, Don DeFore, Tim Murdock y Robert Walker.

• ‘Destino Tokio’

No salimos de la segunda gran guerra ni de la capital japonesa. En esta ocasión la historia se centra en un submarino, el Copperfin, que recibe órdenes de zarpar con destino a Tokio para conseguir información de vital importancia (hombre, no va a ser para comprar tallarines) y preparar el ataque de Estados Unidos. El submarino cumple con su misión, pero cuando llega la flota norteamericana a la bahía de Tokio, el capitán Cassidy, al frente del Copperfin, queda atrapado al ser descubierto por un portaaviones japonés. Dirige Delmer Daves y Cary Grant encabeza el reparto.

• ‘Fuego en la nieve’

Y seguimos en el mismo periodo histórico. Diciembre de 1944: Los miembros de una compañía de la 101ª división aerotransportada se disponen a disfrutar de sus permisos navideños en la ciudad de París, sin embargo, sus expectativas se ven frustradas cuando la división es enviada urgentemente hacia Bastogne, con la misión de taponar una brecha abierta por una fuerte contraofensiva alemana. De nuevo encontramos a Van Johnson encabezando el reparto de una película que fue dirigida por William A. Wellman.

• ‘Invasión en Birmania’

Más cine bélico y de la misma etapa. En la II Guerra Mundial, el general Frank D. Merrill, al mando de la brigada de infantería 5307 compuesta por tres mil soldados voluntarios, tiene la misión de impedir el avance de las tropas japonesas en Birmania, que con un millón de soldados están a la espera de enlazar en Oriente con las tropas alemanas. La 5307 es la primera en infiltrarse tras las líneas japonesas en plena jungla, que se convertirá en otro enemigo más para los soldados. Tras las cámaras, Samuel Fuller, delante de ellas, Jeff Chandler, Ty Hardin y Andrew Duggan, entre otros.

• ‘La colina’

¿Más II Guerra Mundial? Pues sí, otra más, a estas alturas ya es complicado encontrar un capítulo de este conflicto bélico que no haya sido retratado por el cine. Cualquier día nos anuncian que Disney está preparando una película basada en hechos reales centrada en Tailandia en 1942, cuando se produjo una revuelta de decenas monos por culpa de una caja de plátanos de Canarias, lo que pudo provocar un verdadero lío diplomático. En fin… ‘La colina’ tiene el gran atractivo de estar dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Sean Connery. La trama se centra en un grupo de prisioneros ingleses que se encuentran encarcelados en un campo militar del norte de África, donde se ven obligados a sufrir las vejaciones a las que les somete un cruel y sádico sargento, hasta que deciden rebelarse.

• ‘Los cuatro jinetes del apocalipsis’

Debido a sus diferencias políticas, dos familias emparentadas, los Desnoyers y los Von Hartrott, se enfrentan. Tras la muerte del patriarca, Julio Madariaga, los Hartrott se marchan a Alemania, y los Desnoyers a Francia. Ambas familias terminan combatiendo en bandos opuestos. Famosa película dirigida por Vincente Minnelli y protagonizada por Glenn Ford, Charles Boyer y Lee J. Cobb. Como sabéis, es un remake del film homónimo protagonizado por Rodolfo Valentino en 1921.

• ‘Siete días de mayo’

Los Estados Unidos, bajo el mandato presidencial de Lyman, acaban de firmar con la Unión Soviética un tratado de reducción de armamentos. Esta medida pacifista no es acogida con absoluta unanimidad; el pueblo se rebela, y algunos sectores políticos y dirigentes son partidarios de anular el tratado y aumentar el armamento hasta conseguir imponer la voluntad americana a todo el orbe. A los mandos, John Frankenheimer, que contó con un reparto estelar encabezado por Burt Lancaster, Kirk Douglas, Ava Gardner y Fredric March.

Vía | ZonaDVD

Hablando con mi buen amigo Jeremy Fox (el único y verdadero culpable de que yo escriba en Blogdecine), sobre la triste desaparición de Sydney Pollack, mientras repasábamos su filmografía coincidíamos en las que son sus cinco mejores películas (teniendo en cuenta, en mi caso, el no haber visto ni su ópera prima ni ‘Una Vida, un Instante’). Pollack fue uno de esos directores que un servidor, y muchos de los de mi generación, descubrió en la televisión, con los pases sobre todo de sus films de los años 70, los cuales dejaron una impronta huella en mí por varias y diversas razones.

Aunque como actor, su carrera fue incluso más prolífica, sobre todo en los últimos años de su vida, dando vida muchas veces a personajes ambiguos y de toques sombríos (‘Eyes Wide Shut’, sustituyendo al inicialmente previsto Harvey Keitel), fueron sus trabajos como director los que dejaron para la posteridad algunos muy buenos momentos, haciendo siempre gala de una sobriedad narrativa, tirando al clasicismo, que últimamente chocaba bastante con lo que se suele hacer en el Hollywood actual.

A continuación, en orden cronológico, las cinco mejores películas de Pollack:

• ‘Las Aventuras de Jeremiah Johnson’

La segunda de las siete colaboraciones con su buen amigo Robert Redford, y el primero de los que yo vi de Pollack. A pesar de cierta monotonía, todo un canto a la naturaleza, y una crítica hacia los peligros de la civilización. En su momento fue un éxito arrollador, y hoy día es vista como película de culto. Basada en polémicos y emotivos hechos reales, Redford contribuyó a la fama de la misma con su simple presencia, ya que por aquel entonces era uno de los actores más admirados y comprometidos del momento.

• ‘Yakuza’

Para un servidor el mejor film de su director, todo un prodigio de ritmo e historia. El guión, escrito a cuatro manos por Paul Scharder y Robert Towne, basándose en una historia de Leonard Shrader, fue el más caro de la historia en su momento. Al principio era un proyecto para Scorsese, y también para Robert Aldrich quien a punto estuvo de hacerla con Lee Marvin al frente. Cuando entró en escena Robert Mitchum (en la que es una de sus interpretaciones más celebradas) forzó la situación para echar a Aldrich, y entró en juego Pollack, quien quería a Robert Redford para el personaje central. Menos mal que las cosas quedaron así (aunque imaginar lo que podría haber hecho Scorsese con semejante material es uno de esos pensamientos que te hacen sentir a gusto), y dio como resultado un film sombrío, de extrema violencia, y con unas interpretaciones soberbias. Ken Takakura repetiría similar operación años más tarde en la sospechosamente parecida ‘Black Rain’ de Ridley Scott. Tarantino también se encargó de coger algo para su celebrada ‘Kill Bill’. Inolvidable lo del dedo meñique.

• ‘Los Tres Días del Cóndor’

Un clásico de los 70 del cine de espionaje. De nuevo Redford colaborando con su amigo Pollack, y encabezando un suculento reparto, es una trepidante historia sobre un hombre injustamente perseguido y metido en asuntos de la CIA y peligros varios. El extraordinario montaje, obra de Fredric Steinkamp y Don Guidice, fue nominado al Oscar (aunque se lo arrebató Verna Files por ‘Tiburón’) y es toda una lección de ritmo. El film, hoy algo olvidado por cierto sector, permanece como uno de los más influyentes en los cineastas que se lanzan a contar historia similares.

• ‘Tootsie’

Nominada a diez Oscars, consiguiendo la primera estatuilla para Jessica Lange, fue uno de los éxitos más abrumadores de su director. La historia de un hombre que para poder conseguir trabajo se disfraza de mujer, caló muy hondo en las audiencias de aquel año. Es probablemente la única comedia pura de Pollack, y aunque tal vez sea un pelín larga, está llena de situaciones muy divertidas, y sobre todo contiene una de las mejores interpretaciones de Dustin Hoffman, que por aquel entonces estaba en lo más alto de su carrera.

• ‘Memorias de África’

El reconocimiento de la Academia de Hollywood, aunque para ello tuvieran que ningunear la magistral ‘El Color Púrpura’, y otro de los grandes éxitos de Pollack (ya nunca volvería a alcanzar uno así). Una de esas historias de amor que tanto gustan en Hollywood, entre una mujer danesa y un cazador en la preciosa Kenia. El papel de Meryl Streep fue ofrecido a Audrey Hepburn (este tipo de cosas a veces creo que era mejor no saberlas), y como siempre la actriz ofrece una de sus entregadas interpretaciones dominando acentos, aunque también como siempre tirando hacia el histrionismo. De todos modos, la compenetración con Robert Redford es perfecta. Y John Barry musicándolo todo con uno de sus trabajos más recordados, aunque recuerde en demasía a su score para ‘Nacida Libre’ (algo que repitió descaradamente para su también oscarizada ‘Bailando con Lobos’). Inolvidable el momento en el que ella es invitada a tomar una copa en el club para caballeros en el que nunca dejaban entrar a mujeres.

Robert Mitchum nos acostumbró en la mayoría de sus películas al tipo duro, sobre todo en sus westerns, o cintas de cine negro, cuando no nos atemorizó hasta límites insospechados en títulos como la atemporal ‘La Noche del Cazador’, dando vida a uno de los villanos más influyentes en el séptimo arte. Casi siempre estaba del lado de la ley, aunque eso no significaba que sus personajes representasen en modo alguno la bondad. Siempre había matices que decían que en cuestión de personas no todo es blanco o negro, si no que hay una gran variedad de grises. Sin embargo, en ‘El Soborno’, Mitchum da vida a uno de esos policías íntegros y honrados que no han cometido una falta en su vida. No hay un sólo ápice de sombra en su personalidad. Un hombre honesto en un mundo de delincuentes y corruptos.

‘El Soborno’ es una película medio olvidada de un director completamente olvidado, John Cromwell, uno de esos realizadores que no obtuvieron tanta fama como otros a los que no hace falta citar, y que sin embargo no tenía nada que envidiarles. A Cromwell le debemos grandes películas como ‘Desde Que te Fuiste’ o ‘Sin Remisión’, y también ésta que nos ocupa, cuyo rodaje no estuvo exento de complicaciones, llegando a sentarse en la silla de director gente tan dispar como Mel Ferrer, Tay Garnett o Nicholas Ray.

Lo cierto es que resulta difícil saber quién dirigió qué partes de la película, aunque la mayor parte del trabajo corresponde a Cromwell. El temible Howard Hugues fue su productor, quien ya había producido una versión anterior en 1928, basada a su vez en una obra teatral. Para este remake, se contó en un principio con la colaboración de Samuel Fuller a la hora de escribir el guión, pero parece ser que éste no fue del agrado de Hugues, y Fuller fue sustituido. ‘El Soborno’ (‘The Racket’, 1951) narra la historia de un jefe de policía honesto como pocos, que se verá relegado a comandar una comisaría de barrio, a la que es destinado para que no dé muchos problemas. Sin embargo allí, nuestro héroe no se dará por vencido y pondrá todo su empeño en atrapar a un importante gangster que influye sobre todo el mundo, llegando incluso hasta jueces.

Ante todo ‘El Soborno’ es un film realista. Ficción, pero con un toque de “verdad” en lo que vemos, tal y como le gustaba hacer en sus últimos trabajos a Cromwell, que llegamos a introducirnos en su historia de forma totalmente natural. Gracias a un guión, que bien podría haber servido para un western (¿tendría Fuller algo que ver en esto?), claro y conciso y lleno de matices, nos adentramos en un mundo lleno de corrupción a todos los niveles. Un mundo en el que no parece haber sitio para la honradez, y mucho menos la esperanza, a no ser, claro está, que ésta se vea reflejada en dos de los personajes que pululan por el film, y que ante la aplastante y terrorífica realidad que les rodea, parecen unos míseros secundarios enfrentándose a algo imposible de vencer. Una tela de araña que poco a poco nos va descubriendo sus rincones más oscuros, por lo que descubrimos que nuestro héroe tal vez no tenga nada que hacer. En ese aspecto, el clímax de la película está más que conseguido, y su final no es típico, sino coherente con todo lo que hasta ese momento nos han contado.

Cromwell contó para esta cinta de cine negro en el más puro estilo, con dos monstruos que ya coincidieron con anterioridad, y volverían a trabajar juntos. Robert Mitchum y Robert Ryan dan vida respectivamente al jefe de policía y a un gangster capaz de todo por salir siempre impune de cualquier lío en el que se meta. Los dos actores se compenetran a la perfección, y creo que Ryan le gana la partida a Mitchum, y con diferencia. Es curioso comprobar como éste último no le da demasiado carácter a su rol, y hasta parece encontrarse incómodo dando vida a alguien tan honesto. Sin duda, es de lo más flojo de la película. En cambio Ryan se sale por todos lados, teniendo a su disposición un personaje tan odioso y poder recrearse en él de mil formas, sin llegar jamás a sobrepasar ciertos límites que muchos han cruzado cayendo en la sobreactuación. El bien y el mal de nuestra sociedad (resulta sorprendente lo moderna que es la película) representados en dos personajes radialmente opuestos, dando vida a dos formas de entender la vida demasiado simples, o tal vez prácticas. En los secundarios, la cosa se expande, y aunque éstos no resultan tan fascinantes, cobra importancia la figura de un policía que ayuda a nuestro héroe a poner las cosas en su sitio, un pobre hombre con la única fuerza de su propia voluntad y un sentido del deber y la justicia únicos, incorruptible hasta la médula, porque hasta los más pequeños (socialmente hablando) pueden tener la fuerza para combatir a los más grandes. Por supuesto, como en toda cinta de cine negro que se precie, tenemos a la mujer fatal, aunque aquí no cargan demasiado las tintas en ese aspecto, y esta vez la presencia de Lizabeth Scott no resulta tan perturbadora como en otras ocasiones. Una pena.

‘El Soborno’ es una estupenda película con un ritmo increíble. Una pequeña joya que hará las delicias de todos los amantes de los buenos thrillers, con una historia llena de interés y de rabiosa actualidad. El sistema funciona a veces, y cuando no lo hace, es mejor esconderse, a no ser que haya alguien como el personaje de Mitchum en este film. Demasiado bonito para ser verdad. Cromwell nos convenció de ello, y esa es la magia del cine, que podamos creer en lo que muchas veces nos cuenta.

Más información | Imdb

Tal parece que esta es la semana de las colecciones. Las novedades son pocas (¿o ninguna?), y las pocas, poco interesantes.

La primera colección a destacar es la del maestro Robert Bresson. Si eres de los que quiere hacer cine cuando seas grande, tienes que ver y estudiar las películas de este director francés. Yo, al menos, no me canso de ellas. El Cofre Robert Bresson que aparece esta semana incluye tres de sus más conocidos largometrajes: Lancelot du Lac, El Diablo Probablemente y Un Condenado a Muerte se ha Escapado, intenso filme de fuga carcelaria que, a pesar de tener un título que es todo un spoiler, te mantiene pegado al asiento.

Echo en falta en este cofre El Carterista, la obra cumbre de Bresson. En cambio, el paquete incluye el documental El Camino a Bresson, más un abecedario de términos bressonianos elaborado por el crítico e historiador Santos Zunzunegui. Con un estilo desprovisto de artificios —hasta rayar en el conceptualismo—, actores no profesionales que deliredamente ejecutan interpretaciones casi planas, el cine de Bresson es la búsqueda incansable del lenguaje visual puro.

Colección La Primavera de Praga. El 20 de agosto de 1968, 200 mil soldados y 5 mil tanques del Pacto de Varsocia, que agrupaba a los países satélites de la Unión Soviética, cruzaron la frontera de Checoslovaquia para poner fin al socialismo con rostro humano adelantado por el presidente Alexander Dubček, en un período que la historia conocería como La Primavera de Praga.

Esta semana aparece una colección que reúne seis títulos de otras tantos de los más importantes realizadores de la época: Milos Forman, Ján Kadár, Elmar Klos, Ivan Passer, Vera Chytilová y Jirí Menzel. Sus obras son Concurso, La tienda en la Calle Mayor, Iluminación íntima, Las margaritas, Alondras en el alambre, Mi dulce pueblecito. Una colección para la colección.

Colección Sam Peckinpah. Creo que no tengo que escribir sobre quién es Sam Peckinpah. Bastará decir que se trata de acaso el más influyente cineasta estadounidense después de Alfred Hitchcock. Y como Hitchcock era inglés, entonces Peckinpah quedaría como el más influyente cineasta estadounidense. Punto. Y lo digo porque prácticamente en cada película moderna, hay uno o dos minutos del mejor Peckinpah. Sin contar películas como las de John Woo o Robert Rodríguez, que son practicamente ensamblaje de diversas escenas extraidas de las películas del “loco” Sam.

El pack que nos ocupa incluye sus mejores películas: Grupo Salvaje, Pat Garrett y Billy the Kid, La Balada de Cable Hogue, Duelo en la Alta Sierra y La Huída.

If they move, kill ‘em!

Colección Stanley Kubrick. Otra colección para colección. Es un pack compuesto por cinco largometrajes de Stanley Kubrick, en sus ediciones especiales: La Naranja Mecánica, Eyes Wide Shut, El Resplandor, La Chaqueta Metálica, 2001: Odisea del Espacio. Claro no son todos los que están, ni están todos los que son. El paquete incluye el documental Stanley Kubrick: Una vida en imágenes.

Banderas de Nuestros Padres y Cartas de Iwo Jima. Fueron filmadas una tras otra y es la misma historia contada desde dos puntos de vista diferentes en medio del conflicto bélico que cambió la historia de la Humanidad. Además, ambas están dirigidas por el gran Clint Eastwood. De modo que ¿qué mejor manera de venderlas que juntas, en un pack? Esta semana saldrán a la venta en un cofre metálico.

Cofre Robert Mitchum. Uno de los mejores actores del Siglo XX, Robert Mitchum bien que se merece una colección con algunas de sus mejores películas. Y justo esta semana sale a la venta. El paquete esta compuesto por La Noche de la Iguana, La Hija de Ryan, Corrientes Ocultas, Con él Llegó el Escándalo, Tres Vidas Errantes y Yakuza. Sólo puedo agregar que merecería un lugar destacadísimo en mi estante.

Colección Gremlins. Hay quienes todavía disfrutan con la primera de estas dos películas. Yo, soy uno de ellos, lo debo confesar. Gremlins y su secuela vienen en un estuche metálico en una edición para coleccionistas. Nada de extras.

Planet Terror, de Robert Rodríguez. Mucha tinta ha corrido desde que esta película se anunciara, tanta o más que la sangre que corre dentro del filme. Para algunos, una obra maestra; para otros, una más del montón. A partir de mañana, la película cutre ex profeso de Rodríguez comenzará a circurlar en dos versiones. Una de ella, acompañada de un disco pleno de extras.

Invierno en Bagdad, de Javier Corcuera. Dije que no había novedades interesantes esta semana. Pero debo corregirme: como siempre, el cine de no ficción resulta la novedad interesante en el desolador panorama cinematográfico mundial. E Invierno en Bagdad, de Javier Corcuera, es un buen ejemplo. Documento desgarrador sobre el efecto de la guerra en los niños iraquíes, no ha faltado la polémica en torno a la pieza: mientras para algunos es un documental ineludible, para otros es mera explotación de las desgracias ajenas.

Innocence, de Lucile Hadzihalilovic. Otro de los estrenos interesantes de esta semana. Adaptación de la noveleta de Frank Wedekind, es una exploración de la pubertad femenina.

Una de las primeras cosas que hice tras encontrar una vivienda en la cultural ciudad de Granada fue ir a un videoclub llamado ‘Hollywood’, donde me estoy dando a conocer por adquirir películas de segunda mano, para hacerme una cuenta con la que poder alquilar una buena pila de los clásicos que adornan de forma inmejorable varias de las estanterías de este estupendo local. ‘Corrientes Ocultas’ fue el primer título que me llevé. Entre todo lo que había para elegir, me llamó poderosamente la atención la portada de este dvd. Dirigida por Vincente Minnelli, protagonizada por Katherine Hepburn, Robert Taylor y Robert Mitchum. Y una advertencia de “¡No reveles el final!”; como si hacer lo contrario de todas las películas que uno ve fuera lo más normal (aunque me consta que hay gente que lo hace, intenciones aparte). Si el envoltorio me atrapó, no lo hizo menos eficazmente el producto que contenía. Una película fascinante de principio a fin.

La trama de ‘Corrientes Ocultas’ (‘Undercurrent’, 1946) sigue a una mujer que decide casarse con un poderoso hombre de negocios del que se encuentra totalmente enamorada, a pesar de lo opuestos que son. Tras la ceremonia, ella comienza a sospechar del oscuro pasado de su esposo, un hombre que poco a poco va revelando una personalidad perversa y violenta. La misteriosa desaparición del hermano de su marido será el punto de partida de una búsqueda que apunta a tragedia…

He puesto en el título de este crítica la palabra que más veces me vino a la cabeza viendo la película de Minnelli, y que se refiere, efectivamente, a otra de Alfred Hitchcock. Al igual que en ‘Sospecha’, la protagonista de ‘Corrientes Ocultas’ desconfía de su marido hasta el punto de creer que su vida corre peligro; aunque la posibilidad de que el marido vaya a llevarle a la esposa un apetecible vaso de leche ultraluminosa es algo que aquí aparece mucho más tardíamente que en el film de Hichcock. De hecho, Katherine Hepburn se lleva tres cuartos de la película intentando comprender a Robert Taylor y consigue que nosotros, como espectadores, hagamos lo mismo. ¡Debe ser que somos muy malpensados, vamos a mirar desde su perspectiva. Pero cuando el río suena… Especialmente, hay una secuencia magnífica donde se nos revela que Taylor esconde algo, algo tenebroso. Es ésa en la que Hepburn recuerda una poesía (preciosa) sobre lo que nos pertenece y lo que no. Ahí ya hay una línea que suelta Taylor y que la mujer recibe con una sonrisa y una caricia; pero lo hace porque aún no sospecha nada, a nosotros, que estamos fuera de la pantalla, la frase nos ha sonado fatal y empezamos a maquinar. La secuencia sigue y el hombre llega a verse incapaz de continuar escuchando a su esposa, abandonando su lado. Más tarde, le reprochará a ella que aprendiera aquellas palabras para hacerle daño. La señal definitiva de culpabilidad. Nuestra curiosidad, en aumento, tendrá recompensa hacia el final, como siempre.

Todo el misterio de la película está centrado en algo que ocurrió entre el personaje de Taylor, que miente más que recuerda, y su hermano, desaparecido de forma extraña. Hepburn, mientras intenta mantener a flote su matrimonio, no puede dejar de obsesionarse con ese secreto del pasado. Hay que destacar, en este sentido, la mágica progresión del film. ‘Corrientes Ocultas’ comienza siendo una comedia ligera y divertidísima para ir oscureciéndose progresivamente hasta acabar convertida en un dramático y tenebroso thriller. En este sentido, la mano de Vincente Minnelli es fundamental, dotando a la película de un ritmo sobrio y una puesta en escena ejemplar. Las estupendas interpretaciones, la extraordinaria fotografía de Karl Freund y la emotiva sinfonía nº3 de Brahms (Hepburn tocando el piano en la oscuridad, ¡qué escena!) ponen el resto.

Katherine Hepburn está fantástica, en ella especialmente vemos ese cambio que he señalado antes. La conocemos siendo una chica sencilla, divertida, despreocupada; más tarde, la preocupación y el temor señalarán su alma. Robert Taylor cumple a la perfección con su personaje, el sospechoso marido rico que parece conseguir todo lo que se propone, incluyendo el olvido de ese oscuro pasado que le persigue, que le acaba retorciendo el rostro y convirtiendo en un ser cada vez más violento. El no menos famoso Robert Mitchum tiene poca presencia en el film, aunque es lógico que anuncien su presencia en el cartel, con letras bien llamativas. No voy a contar en qué consiste su personaje pero hay que ser muy inocente o tener muy poca idea de cine para no adivinar quién es en cuanto aparece en pantalla (la única que no se entera es la Hepburn). De hecho, yo quitaría la absurda pegatina que he mencionado antes sobre no desvelar el final de ‘Corrientes Ocultas’; da una idea equivocada de que puede afectar a su visionado. Ni tiene un final sorprendente ni lo necesita.

En definitiva, estamos ante una película sobresaliente, de las que te sumergen en una historia que no quieres que acabe, porque tras el “the end” la realidad nos golpea los sentidos. ‘Corrientes Ocultas’, posiblemente, es uno de esos títulos de los que nadie se acuerda cuando le preguntan por Minnelli, pero eso es algo que podemos empezar a cambiar. El dvd salió a la venta recientemente en España (más vale tarde que nunca). Os recomiendo que si no la habéis visto, no tardéis más tiempo en hacerlo. Entretenidísima, tensa, oscura y trágica, ¿puede pedirse más?

Y sigo golpeándome duramente contra la pared, ya que la década de los 50 está llena de grandes películas y elegir sólo diez títulos de todos mis favoritos me ha resultado muy, pero que muy difícil. Allá vamos:

• ‘Con la Muerte En los Talones’. Una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock. Mezcla absolutamente genial de calidad y comercialidad en un film enormemente influyente en el cine posterior. Sensacional Cary Grant, sobre todo en sus momentos humorísticos.

• ‘La Noche del Cazador’. Única película que dirigió el excelente Charles Laughton, y las malas críticas del momento le hicieron no volverse a poner nunca más detrás de la cámara. Un perverso cuento de hadas, con un inmenso y terrorífico Robert Mitchum.

• ‘Los Siete Samurais’. Obra inmortal del genial Akira Kurosawa, donde rendía tributo a su amado western. La pelota le fue devuelta años después con un magnífico remake, del cual Kurosawa se sintió tan orgulloso que le regaló una espada de samurai a John Sturges. Impecable retrato de personajes.

• ‘Senderos de Gloria’. Mi favorita de Kubrick, y uno de los films antibélicos más impresionantes que se hayan hecho. Aquí en España no se estrenó hasta 1985, cosas de la estúpida censura que tanto jodió la marrana durante años en nuestro país. Impresionante Kirk Douglas y emotivo e inolvidable final.

• ‘Rio Bravo’. Uno de los géneros que mejor dominaban Howard Hawks era el western. Éste fue uno de los mejores, y uno de los más influyentes. Sensacional de principio a fin, con una impecable galería de secundarios, como Walter Brennan o Dean Martin, en la que probablemente sea su mejor interpretación.

• ‘Tú y Yo’. Remake de un film anterior del propio Leo McCarey, en el que el director mejoraba lo que ya era maravilloso. Inolvidables Cary Grant y la recientemente fallecida Deborah Kerr. En los 90 tuvo dos revisitaciones, una como inspiración en ‘Algo Para Recordar’ y otra, como remake, en la blandengue ‘Un Asunto de Amor’, y en la vida real doy fe de que alguna pareja puso en práctica algunas cosas de esta maravillosa película.

• ‘Traidor en el Infierno’. En los 50 Billy Wilder realizó inolvidables películas, pero a ésta le tengo un especial cariño por ser de las primera que vi. William Holden ganó un Oscar por su carismática interpretación. De lo mejorcito en películas de campos de concentración.

• ‘Al Este del Edén’. Mi preferida de las tres películas con James Dean como intérprete principal, y también de las que dirigió Elia Kazan. Impresionantes todos los momentos con el gran Raymond Massey, perfecto en el papel de padre de Dean. Una de esas películas con las que aprendí a amar el cine desde muy pequeñito.

• ‘El Árbol del Ahorcado’. Uno de los memorables westerns del gran Delmer Daves, con un inolvidable Gary Cooper. A recordar la mítica canción interpretada por Marty Robbins, y que da título a la película.

• ‘El Hombre Tranquilo’. Uno de los films más memorables del gran John Ford, en el que absolutamente todo es perfecto. Pocas parejas han tenido la química de John Wayne y Maureen O´Hara en esta película. La edición de dvd que hay en nuestro país es simple y llanamente una falta de respeto a esta inmortal obra y al espectador en general. ¿Hay alguien que aún no la ha visto?

Y ahora podéis, si queréis, aportar vuestra favoritas de una década como la de los 50. Seguramente volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los años 60.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40

Difícil, muy difícil me ha resultado en esta tercera entrega escoger simplemente diez títulos de la década de los 40 para incluirlos en mi lista personal de películas favoritas. Mientras me doy de cabezazos contra la pared por haberme dejado injustamente un montón de títulos fuera, ahí os dejo los que bajo ningún concepto faltarían en mi lista. Y que conste que me seguiría golpeando si la lista aumentara a 20 títulos.

• ‘Casablanca’. A estas alturas ya es algo más que una de las mejores películas de la historia del cine. Ya forma parte de la cultura general del siglo XX. Si su modélico guión fuese enseñado en las escuelas de cine, sobre todo en las de nuestro país, los alumnos aprenderían más en 102 minutos que en todo el curso. Cada vez que la veo, y ya he perdido la cuenta, aún sigo pensando que Ilsa no cogerá el avión para irse con el inútil de su marido. Esa sensación sólo la producen las películas perfectas.

• ‘Duelo al Sol’. Para un servidor uno de los mejores westerns de la historia, servido con total maestría por Vidor (y un montón más de directores no acreditados), a pesar de contar, evidentemente por obligación dado quien es el productor del film, con la insoportable Jennifer Jones, que por una vez está perfecta en su papel. La conversación final entre Lionel Barrymore y Lillian Gish o el impresionante duelo que cierra la película son absolutamente inolvidables. Nunca un beso se hizo tanto de rogar.

• ‘Breve Encuentro’. Desde esta película del gran David Lean, las estaciones de tren ya no son lo mismo, ni el concierto para piano nº 2 de Rachmaninoff, ni las historias de amor, ni nada de nada. Si alguien aguanta las lágrimas es que simplemente no es humano. Mil veces imitada o plagiada, y lo seguirán haciendo hasta que el hombre desaparezca de la faz de la Tierra.

• ‘El Diablo Dijo No’. Para un servidor la mejor película que dirigió nunca Ernst Lubitsch, donde un sensacional Don Ameche hacía un repaso de su vida delante del mismísimo Diablo, encarnado por el inolvidable Laird Cregar. Mezcla absolutamente genial de humor y drama, y Gene Tierney, absolutamente maravillosa y genial, como siempre. Todavía no sé a qué esperan para editarla en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’. Si tuviera que elegir unos pocos títulos, digamos unos cinco, de la extensa y modélica filmografía de John Ford, esta película sería una de las elegidas. De una exquisitez y sensibilidad impresionantes, una alegato de la familia como pocas veces se ha visto. Narrada en flashback provoca tal nostalgia en el espectador que parece que conociéramos a sus personajes de toda la vida.

• ‘Laura’. Obra cumbre del cine negro, y probablemente la mejor película del genial Otto Preminger, quien trabajó con Gene Tierney más veces. Por cierto que la actriz nunca estuvo tan fascinante e impresionante como en esta película. Clifton Webb sensacional.

• ‘Retorno al Pasado’. Otra obra cumbre del thriller, esta vez a manos del genial Jacques Tourneur, que contó con los geniales Kirk Douglas y Robert Mitchum para formar un mortal trío con la inolvidable Jane Greer, quien compone una de las más famosas femmes fatales que haya dado el séptimo arte.

• ‘Carta de una Desconocida’. El elegante por excelencia Max Ophüls, realizó en su etapa americana esta inmortal película basada en el relato del atormentado Stefan Zweig, convirtiéndola en el estudio más patético jamás realizado sobre la obsesión y pasión amorosa. Joan Fontaine probablemente nunca estuvo mejor.

• ‘Jennie’. Dalí decía que era la única película que merecía la pena de todas cuantas se hubieran realizado. No estoy de acuerdo, pero sí es cierto que este film del olvidado William Dieterle es único, una de las más extrañas historias de amor, literalmente atemporal, que se hayan filmado. Con Jennifer Jones y Joseph Cotten repitiendo después de la comentada ‘Duelo al Sol’ (trabajarían juntos cinco veces).

• ‘Esta Tierra es Mía’. Para mí Jean Renoir firmó su mejor obra en suelo americano. Con los inolvidables Charles Laughton y Maureen O´Hara el film es un alegato antinazi, y por consecuencia antidictadura de cualquier tipo, de una fuerza sobrecogedora, al mismo tiempo que habla sobre el miedo a morir. Inolvidable final.

Y ahora mientras me sigo golpeando la cabeza contra la pared por tener que dejar fuera esos títulos que muy seguramente vosotros escribiréis, voy preparando mis favoritas de los 50.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30

Ocean’s 13, de Steven Soderbergh. La pandilla de David Ocean ataca por tercera vez, acaso porque a la tercera va la vencida.

Ahora vienen dispuestos a perpetrar su golpe más ambicioso: hacer saltar la banca del (nombre del casino) del desalmado Willy Bank —nótese el juego de palabras entre “banca” y el apellido del susodicho—, personaje interpretado por Al Pacino.

Esta edición contiene un documental sobre Las Vegas (y la influencia de su diseño), un recorrido por el casino guiado por el productor Jerry Weintraub y el trailer.

Esta semana también sale al mercado un pack con la trilogía completa.

Sobre Ocean’s 13, nuestro colega Red Stovall escribió en su momento:

Si en la segunda entrega uno podía quejarse de lo simple que era su historia, aquí es todavía más exagerado. Más que una historia parece un esquema de dicha historia, en la que por cierto se apuntan cosas interesantes que no son aprovechadas ni lo más mínimo.

A la caza, de William Friedkin. Se trata quizás el estreno más importante de la semana. Principalmente, porque sólo ahora ha venido a editarse en DVD, casi tres décadas después de su estreno, cuando causó un alboroto y un escándalo mayúsculo. Qué digo estreno: ya desde su filmación los ánimos de la comunidad gay newyorkina estaban caldeados, acaso por culpa de la campaña adelantada por el Village Voice contra el filme.

Y es que la película aparecía en 1980, los EE.UU. estaban bajo el republicado y conservador gobierno de Rolnald Reagan, el VIH aún no había sido descubierto y las minorías de género aún luchaban por sus derechos civiles.

Así que ya podrán imaginarse lo que para su movimiento representaba una película como esta, que contaba la historia de un policía —interpretado por Al Pacino— que, haciéndose pasar por homosexual y, más allá, un homosexual aficionado al sadomasoquismo, se infiltra en el mundo de los clubes nocturnos de ambiente para atrapar un asesino en serie.

Esta edición viene acompañada con el comentario de William Friedkin, la historia tras el filme, un video titulado “El exorcismo de La Caza” y el trailer.

Pero no esperen los 40 minutos que Friedkin tuvo que eliminar en su momento, para complacer a los censores: no han sido incluidos.

Defensa, de John Boorman. Otra de esas películas imposibles de hacer en nuestros días y sin duda alguna el segundo estreno en DVD más importante de esta semana.

Dirigida por John Boorman cuenta la historia de cuatro personajes citadinos — Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty y Ronny Cox — cuya excursión para practicar rafting en el río Chattooga, termina en una espeluznante pesadilla cuando se topan con unos cuantos rednecks armados —uno de ellos, particularmente “caliente”.

Atención, que esta película tiene una de las escenas más hermosas de la historia del cine (el contrapunto entre la guitarra y el banjo, ya la verán), pero también una de las más perturbadoras (no les doy pistas, ya la verán).

Siempre se me ha antojado la respuesta de un director británico a la visión de los ingleses plasmada por Sam Peckinpah en Straw Dogs (o acaso sea al revés).

La edición también trae unos cuantos extras interesantes.

La Mano, de Oliver Stone. La típica película que todo director célebre y con cierto respecto intelectual, quisiera ver desterrada de su filmografía. Pero bueno, espectadores hay para todos los gustos y no faltará el curioso (entre los que me incluyo) que la quiera ver. Y acaso hasta le guste.

En ‘La Mano’, dirigida por Oliver Stone, Michael Caine interpreta a un dibujante de cómic que pierde una mano en un accidente de tráfico. El terrible suceso mutila también su carrera como dibujante y hasta su matrimonio (sí, tal parece que usaba la misma mano para esos menesteres también).

Pero he aquí que la mano regresa de ultratumba y comienza a perpetrar espantosos asesinatos.

Tengo, necesito, me urge escuchar qué tiene que decir Stone sobre esta película en el comentario de audio incluido en esta edición.

Todas las mañanas del mundo, de Alain Corneau. La historia de la relación de aprendizaje y fraternidad musical entre el compositor y violagambista Marin Marais con Sainte-Colombe, su mentor, se hizo famosa en el mundo entero principalmente por su extraordinaria banda sonora, compuesta por Jordi Savall.

La edición especial que aparece también esta semana trae un DVD adicional con dos documentales: uno sobre la partitura y otro sobre su composición. Además, viene con un libreto y un CD de la banda sonora.

Poltergeist, de Tobe Hooper. Los espíritus juguetones pero malvados que viven en el televisor de las buenas familias, cumplen un cuarto de siglo de vida.

¿Y qué mejor manera de celebrarlo que con una edición especial en DVD?

Esta edición —de un disco solo— incluye un reportaje sobre el ¿verdadero? mundo de los Poltergeist, un “detrás de cámaras” de la realización del filme, un documental sobre el mágico mundo de los efectos especiales (o de cómo hicieron los fantasmas de la película) y el trailer original.

Commando, de Mark Lester. Uno de los “clásicos” del cine de macho-acción de los 80, rebozante de machismo, esteroides y testosterona. Desde luego, protagonizado por el epítome del héroe del cine de acción de entonces, el hoy gobernador Arnold Schwarzenegger.

“Arnie” interpreta aquí al coronel John Matrix, especie de ejército de un hombre sólo, que viaja a un innombrado país sudamericano para salvar a su hija, secuestrada por el vengativo dictador que gobierna con mano de hierro a sus ciudadanos.

El coronel no sólo deberá rescatar a su hija, sino que está dispuesto a acabar con la ditadura y liberar aquel país.

Esta edición de dos discos, anunciada como la “definitiva”, incluye el comentario del director Mark Lester, las escenas eliminadas, el documental ‘Pura Acción’, un segundo documental titulado “Liberador” y una galería de imágenes.

Robocop, de Paul Verhoeven. Otro filme clásico de acción y de ciencia ficción que conoce su edición definitiva esta semana es ‘RoboCop’, el perturbador relato de fascismo y tecnología protagonizado por Peter Weller (no sé por qué aún me sigue pareciendo tan inquietante eso de despertarse un día convertido en máquina).

Esta edición, de dos discos, viene cargada de extras: el comentario con el director Paul Verhoeven, el guionista Ed Neumeier y el productor ejecutivo Jon Davison, al menos seis documentales sobre el proceso de realización, comparaciones entre storyboards y escenas filmadas (con el comentario del animador Phil Tippett) escenas eliminadas, galerías de fotos y trailers.

Los Amantes de María, de Andrei Konchalovsky. Recuerdo con agrado esta película, aunque debo admitir que muy vagamente. La vi hace añales y no la he vuelto a ver.

Nastassja Kinski interpreta a María, una chica atrapada entre el amor a su marido Iván, el joven soldado traumatizado por la guerra, la lealtad a su desdichado matrimonio y la pasión que en ella despierta un músico errante (interpretado por Keith Carradine).

El gran Robert Mitchum les acompaña en el reparto.

Ricas y famosas, de George Cukor. Este filme es el cierre de la carrera cinematográfica del legendario Cukor.

Jacqueline Bisset y Candice Bergen protagonizan la historia de una larga relación de amor-odio entre dos amigas que, separadas en la década de las 40, vuelven a encontrarse 20 años después.

Una de ellas es ahora una escritora reconocida. La otra, un ama de casa con ambición de sobra.

Vía | Zona DVD

Bobby

Poco más a añadir a todo lo que pensamos los diferentes editores de este blog: estamos ante una de las mejores películas del 2006, que sin embargo pasó un poco desapercibida. Redonda en todos sus aspectos, narra lo que les ocurrió a una serie de personajes el día que asesinaron al senador Bob Kennedy en el Hotel Ambassador. Impresionante discurso final del propio Robert Kennedy, que a día de hoy sigue tan vigente como hace 40 años. Se estrena en DVD una edición especial, aunque no se detallan los extras.

La vida de los otros

Otra de las grandes películas del 2006, sino una de las mejores. Ganadora del oscar a la mejor película extranjera, nos llega una edición especial con dos discos, con bastante contenido extra: Making of, escenas eliminadas, entrevistas, el corto ‘La guerra’ (que imagino será un trabajo anterior del director Florian Henckel von Donnersmarck), y un documental ‘La descomposición del alma’.

Shooter: el Tirador

Película desigual del director Antoine Fuqua, que no levanta cabeza desde ‘Training day’, a mayor gloria de Mark Walhberg en la piel de un francotirador traicionado por el gobierno. Se puede decir que es el estreno comercial de la semana, pero viene en una edición muy limitada sin apenas extras. De esas ocasiones que uno se tiene que pensar si comprar el DVD.

Hamlet

La mítica obra de Shakespeare, en una de sus últimas adaptaciones, a cargo de Kenneth Branagh, que interpreta al propio Hamlet, en una adaptación larga y fiel de la misma, pero por debajo de la de Laurence Olivier. Viene ahora en una edición especial, con los comentarios del propio director (ver la película así te hace descubrir matices que a uno de le escapan durante el visionado de la misma).

Para terminar con los estrenos destacados de la semana dos grandes películas. La primera, del gran Vicent Minelli, Con él llegó el escándalo, que es de esas obras que ni le sobra ni le falta un minuto. Gran Robert Mitchum, en la piel de un desagradable personaje, y con varias secuencias míticas, como la de la caza del jabalí. Esto sí que es cine con mayúsculas.

La segunda se trata de Yakuza, la obra de Sidney Pollack, sobre un magnífico guión de Paul Schrader acerca de las mafias japonesas y el choque de culturas japonesa y americana. De nuevo con Robert Mitchum en la piel de un detective que tiene que viajar a japón a resolver un caso, ayudado por Ken Takakura. Tiene una secuencia final con espadas samuráis, que ríete tú de la de Tarantino y Kill Bill. Ésta es real, sin artificios, impactante, de pocos intercambios de golpes, hecha por un samurai con problemas de conciencia, y creíble. Por cierto, apenas se ve sangre.

Las dos películas hacen una fantástica y muy recomendable sesión doble.

Vía | Zona DVD

Probablemente la disertación más completa que sobre el amor haya hecho Stanley Donen es ‘Dos en la Carretera’, una película perfecta desde cualquier punto de vista, y cómo no, un film que pertenece al grupo de obras maestras incontestables de su director, de quien un servidor siempre ha preferido sus films no musicales. No es que tenga nada en contra de películas como ‘Cantando Bajo la Lluvia’, ‘Bodas Reales’, ‘Siete Novias para Siete Hermanos’, o sobre todo ‘Siempre Hace Buen Tiempo’ (una de las películas de mi infancia), al contrario, son films míticos y representativos de una época dorada en el mundo del Cine.

Sin embargo, creo que las mejores películas de Donen eran aquellas en las que no había canciones de por medio interpretadas por los propios actores, porque tengamos en cuenta que en el cine de Donen la música siempre ha tenido un protagonismo esencial, siempre usada maravillosamente. ‘Página en Blanco’, en el original ‘The Grass is Greener’ (sin comentarios), es un film de 1960 que no ha perdido ni un sólo ápice de su frescura, elegancia y sarcasmo. Y sin embargo, es una película que hoy día no podría hacerse, por lo de siempre, no sería creíble. Atentos a su argumento: en una casa inglesa, una de esas viejas mansiones que son expuestas para los turistas, vive un acomodado y feliz matrimonio. En un visita turística, un americano se cuela en las habitaciones de la familia, y en menos que canta un gallo, concretamente 20 minutos de película, seduce a la mujer del matrimonio, y ésta se enamora locamente de él. A partir de ahí se desarrollará una situación a cuatro bandas de lo más original, divertido y emotivo. Sí, a cuatro bandas, porque aparece un antiguo amor del marido, para darle más sabor al asunto.

Sutileza y elegancia. Esas son las dos palabras que definen perfectamente este film de Donen, en el que unos ingeniosos diálogos son lo mejor de la función. Prácticamente toda la película transcurre en interiores, en un par de habitaciones de la lujosa mansión del matrimonio inglés. En ese aspecto, la puesta en escena del director es ejemplar, dándole al film un ritmo increíble, apoyado sobre todo en el poder de la palabra, y cómo no, en las metáforas visuales, por así llamarlas, que a Donen le gustaba tanto utilizar. Al respecto cabe citar, el primer encuentro en Londres de la mujer adúltera con su nuevo amor, contado en cuestión de minutos, con unas elipsis preciosas, donde una puerta cerrándose mostraba más que toda una escena de sexo.

Puede parecer que todo lo que ocurre en el film ocurre demasiado deprisa, ya que transcurre en el plazo de unos cuatro días, más o menos, y sin embargo, todo es totalmente creíble, gracias a inteligentes frases, y sobre todo unas interpretaciones de altura. En este aspecto, Donen realiza lo que podría definirse como una pequeña broma, incluso perversa. Para el trío portagonista cuenta con dos actores y una actriz que con anterioridad ya trabajaron juntos, curiosamente en el mismo año, 1957, y en dos historias de amor bien distintas. Por un lado, Deborah Kerr y Robert Mitchum, ya habían coincidido en ‘Sólo Dios los Sabe’, estupenda película de John Huston, con un poco de mala leche por parte de su director, al colocar a un apuesto soldado amaricano a solas con una monja en una isla asediada por japoneses. Y por otro lado, la misma Kerr formó pareja con Cary Grant en una de las más grandes historias de amor jamás contadas, ‘Tú y Yo’ de Leo McCarey.

Así pues, el ver de nuevo a estos tres actores metidos en líos amorosos, pero juntos y revueltos, se convierte en una de las mejores bazas del film. El buen gusto de Donen hace que nunca llegemos a juzgar a los personajes, a ninguno, ni a una esposa, madre de dos hijos, conociendo la pasión casi por primera vez, ni a un amerciano, juguetón y ligón, ni a un inglés, con sus modales, tremendamente celoso sin mostrarlo, pero decidido a recuperar al amor de su vida. Todas las múltiples situaciones del film, a pesar de sus escasos 100 minutos, son tratados por Donen con un vital sentido por lo emotivo, ya sea el affaire de la Kerr con Mitchum, al que el espectador no le pone ninguna pega, como lo que la Kerr siente por Grant. Y es que una vez más, Donen diserta el sentimiento amoroso haciéndolo pasar por todas sus fases, sin restarle importancia ni a unas ni a otras, pero dándole importancia a que cuando dos seres humanos se aman, pase lo que pase, se aman de verdad y por siempre. Quizá porque Donen nunca pudo conseguir eso en su vida personal, supo retratarlo tan bien en el Cine.

Hablaba antes de un cuarto en discordia, y es el punto flojo de la cinta, aunque tampoco como para echarse las manos en la cabeza. Jean Simmons, más acertada en otras ocasiones, da vida a una antigua amante del personaje de Grant, que hace acto de presencia porque toda la situación le hace gracia, y se convierte, por partida doble, en la confesora del matrimonio. El personaje no tiene tanta vida como los otros tres, y sirve para resolver demasiado fácilmente el destino de uno de los personajes masculinos, en lo que podría ser otra vuelta de tuerca en esa disertación amorosa.

Una magnífica película, para disfrutar una y otra vez las veces que sean. Hace poco ha salido editada en dvd por Suevia, y ya que la cartelera está bastante pobre, por así decirlo, es una buena ocasión para encontrarse con cine de altura, y redescubrir a un director que sin duda está entre los grandes. Por cierto, Donen nunca recibió un Oscar por ninguna de sus películas, una de tantas y tantas injusticias típicas de la Academia, pero cuando le dieron el honorífico, realizó uno de los mejores discursos jamás dados en la ceremonia de los Oscar. No he podido encontrar la grabación de dicho momento, asi que para compensarlo, dejo aquí, los maravillosos títulos de crédito iniciales de ‘Página en Blanco’, realizados por Maurice Binder, uno de los grandes en este tema. Disfrutadlos.