Algunas películas que nos maravillaron hace años, y de las que guardamos un gran recuerdo, sufren mucho al revisarlas. O más bien sufrimos nosotros, comprobando lo mucho que las ha deteriorado el paso del tiempo. Gozaron de una plenitud de vida, y luego se marchitaron. Otras películas que formaron parte de nuestra infancia y nuestra adolescencia, como si fueran una parte de nuestro cuerpo, volvemos a verlas después de unos pocos años, y nos emocionan igual o más que antes. Para quien esto escribe, ‘West Side Story’ (id, Jerome Robbins, Robert Wise, 1961), es una de esas que, como las pirámides, luchan contra el tiempo sin inmutarse, algo que logran muy pocas. Pero ya cuando ‘West Side Story’ nació, todos sus responsables, y los afortunados que pudieron verla en su estreno, sabían que aquello era verdaderamente grande, y que el musical había llegado a su plenitud y al mismo tiempo a su canto del cisne. Y volver a ver ‘West Side Story’ es, de alguna manera, volver a verme a mí mismo cuando la veneraba, asombrado, con diez o doce años.

Sólo el prólogo de esta película, que el lector puede revisar en el vídeo de arriba del todo, es una pieza audiovisual de una audacia y de una fuerza narrativa inigualables. Estos primeros minutos la sitúan ya muy por encima de otros musicales famosos, como los muy académicos de Vincente Minnelli, o algunos posteriores como ‘My Fair Lady’ (id, 1964), de George Cukor, o ‘Sonrisas y lágrimas’ (‘The Sound of Music’, 1965) también de Robert Wise. Ni siquiera las aportaciones de Stanley Donen, que durante un tiempo fueron lo más vigoroso y vibrante, se acercan a esto. La vida que late en ‘West Side Story’, su aliento trágico, su profunda verdad, convierte en algo falso, bonito pero superficial, a las fórmulas clásicas del musical, elevándose mucho más allá de sus encorsetamientos, erigiéndose en una obra maestra de rasgos casi abstractos, pues la música parece crear las imágenes y dictar el destino de los personajes.

Adaptación homónima, como quizá sepa el lector, de un célebre musical de Broadway, que a su vez es una versión actualizada del mito de ‘Romeo & Julieta’, que escribiera William Shakespeare a finales del siglo XVI. El musical fue escrito por Arthur Laurents, con música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim, coreografiado y dirigido por Jerome Robbins. Cuando se designó al ya veterano Robert Wise para dirigir la película, principalmente por su experiencia filmando en la ciudad de Nueva York, se le ofreció a Robbins la oportunidad de colaborar en la dirección, ya que Wise jamás había hecho un musical. Lo cierto es que, aunque no se llevaron nada bien durante el rodaje, y Robbins fue finalmente despedido por su difícil carácter y su perfeccionismo extremo, que encarecía bastante la producción, Wise insistió en compartir créditos de dirección con él. Habían vaciado los teatros y las escuelas de los mejores bailarines, y habían creado algunos de los más absorbentes decorados de cine de la mano de Boris Leven, y ambos directores crearon un milagro cinemático.

Intolerancia, fatalidad

No creo exagerar un pelo cuando afirmo que ‘West Side Story’ es narrativa abstracta. Valga como ejemplo el clip de encima de estas líneas. El color y la música se funden en otra cosa, profundamente cinematográfica, y crean un poema en el que poco importa la trama en sí, y mucho más la forma en que está contada. Cuando Tony sale hechizado del gimnasio, pensando sólo en María, y empieza a cantar la celebérrima canción, la primera vez que pronuncia “María”, el escenario desaparece y se funde con las calles de Nueva York. La escenografía se convierte en expresión exacta, anímica, del personaje, y las furiosas avenidas de la ciudad se transforman en un ambiente bucólico, casi paradisíaco. Pero ya en la larga secuencia del gimnasio, los grupos se enfrentan entre sí valiéndose de su diferente forma de bailar, primero de izquierda a derecha y viceversa, y luego cortando el mismo espacio en diagonal, para terminar apartándose, porque Tony y María sólo se ven el uno al otro, y todo lo de alrededor no les importa nada, y hasta la luz y la música se supedita a sus sentimientos.

No solamente la profunda sensibilidad, y la asombrosa verosimilitud de todos los elementos, eleva ‘West Side Story’ a lo sublime. También una partitura musical insuperable de Leonard Bernstein, que es una de las más famosas de la historia del cine, la cual ya contiene toda la lírica y toda la violencia de la película. Esta historia de pandilleros hartos de la miseria en la que viven, hijos de proletarios sin un duro o de inmigrantes con menos dinero aún, fue reescrita admirablemente por Ernest Lehman, uno de los más prestigiosos guionistas de su tiempo, y se llevaron a cabo algunas reestructuraciones o ligeros cambios respecto al original teatral. De manera impecable, la película progresa desde un drama juvenil hasta una verdadera tragedia racial (en el original, la intención era enfrentar judíos contra cristianos, sustituidos luego por norteamericanos contra inmigrantes sudamericanos), en la que nadie gana, todos pierden, los jóvenes enamorados ven truncadas sus vidas, los violentos comprenden que es imposible vivir siempre odiando al diferente (qué hermoso y qué triste el plano final), y la música de Bernstein se convierte en un lamento mientras la cámara recorre las pintadas callejeras que son los créditos finales.

La innovadora danza de Robbins, que mezcla estilos clásicos con otros casi impensables, rebosantes de furia y vehemencia, fue un verdadero reto para el fenomenal grupo de intérpretes, cantantes y bailarines. Al frente del reparto, la pareja protagonista, que apenas baila y que vieron sus voces de canto dobladas (como otros intérpretes en alguna canción especialmente difícil): Natalie Wood y Richard Beymer (con las voces, en las canciones, de Marni Nixon y Jimmy Bryant, respectivamente), que están excelentes. Pero la otra pareja, George Chakiris y Rita Moreno (ambos ganadores del Oscar a mejores secundarios por estos papeles), no se queda atrás. Por cierto que Beymer y Russ Tamblyn, que interpreta a Riff, se encontrarían años después en ‘Twin Peaks’, la famosa serie de David Lynch de los primeros años noventa. Todos los intérpretes gozan de un gran carisma en pantalla, y es imposible no comprender a sus personajes y sentir compasión e identificación con ellos.

Mención aparte merecen el diseño de vestuario de Irene Sharaff y los decorados de Victor Gangeling (quien, por cierto, ya diseñara los decorados para ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, John Ford, 1956), entre otras muchas). Es maravilloso el empleo de códigos de color para diferenciar a las bandas rivales, así como para el abigarrado Nueva York (que después de las primeras escenas está casi todo filmado en estudio, y que es un personaje más, como una moderna Verona) para el que las luces y la paleta de color están particularmente inspiradas, con el objetivo de escalar hacia el sombrío climax, sin dar tregua al exhausto espectador, que va a terminar saciado y agotado de tanto dolor, de tanta fatalidad. Robert Wise sabe aunar los números musicales de Robbins, y el tono de desdicha del libreto, para filmar algo tan fresco, tan verdadero, que se queda en la memoria para siempre.

Impacto e imagen favorita

Se cumplen cincuenta años, nada menos, de esta maravilla, y no lo parece. Se alzó con diez Oscar en 1962 (película, directores, actor de reparto, actriz de reparto, dirección artística en color, fotografía en color, vestuario en color, montaje, banda sonora y sonido), convirtiéndose en el musical más premiado de Hollywood, conociendo un grandioso éxito en taquilla, y numerosas reposiciones en todo el mundo a lo largo de las décadas. Mi momento preferido no es el del número ‘América’, como es de tanta gente, sino la larga y ya comentada secuencia del gimnasio, que tantas cosas dice sin apenas diálogos, y que tanto me emociona.

‘A quemarropa’

Director: John Boorman

Intérpretes: Lee Marvin, Angie Dickinson, Keenan Wynn, Carroll O´Connor, Lloyd Bochner, Michael Strong, John Vernon, Sharon Acker

Sinopsis: A Walker lo engañaron, le robaron los 93.000 dólares de su parte del botín y lo dieron por muerto. Pero cometieron un grave error: no acabaron el trabajo. Ahora es él quien – algún día, de alguna manera – va a acabar con ellos. Desde el principio hasta el final de la película el cobro de esa deuda se convierte en un torrente de acción que impacta como una bala del revólver del calibre 38 que Lee Marvin maneja como si fuera una prolongación de su puño.

Siempre me pareció un film muy sobrevalorado, a pesar de la extrema violencia de la que Boorman hace gala, y que en la época sorprendió bastante. Marvin en su salsa, y eso es lo bueno. El remake con Mel Gibson no estaba mal.

‘Caravana de mujeres’

Director: William A. Wellman

Intérpretes: Robert Taylor, Denise Darcel, Hope Emerson, John McIntire, Julie Bishop, Lenore Lonergan, Henry Nakamura, Marilyn Erskine

Sinopsis: En 1851 el Lejano Oeste es todavía una región aislada. Los hombres trabajan duramente en aquellas remotas tierras, pero les faltan las mujeres. Al terrateniente Roy Whitman se le ocurre entonces la idea de hacer venir desde Chicago a más de cien mujeres tentadas por la aventura.

Un clásico en todas regla, una de las películas más exitosas en audiencia en nuestro país, donde incluso inspiró un hecho real. A partir de una historia de Frank Capra, Wellman pone todo su buen hacer en un relato lleno de sensibilidad. Muy apropiada para estos días.

‘La torre de los ambiciosos’

Director: Robert Wise

Intérpretes: William Holden, June Allyson, Barbara Stanwyck, Fredrich March, Walter Pidgeon, Shelley Winters, Paul Douglas, Nina Foch

Sinopsis: Cuando el presidente de una importante empresa de muebles muere de repente, dos vicepresidentes inician una lucha por ocupar el cargo de presidente. Su particular conflicto sacará a la luz lo implacable y la corrupción de la vida empresarial.

Cuenta pendiente entre mis visionados, pero tratándose de Robert Wise, al que le debemos joyas como ‘Ultimátum a la tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, 1951), ‘Marcado por el odio’ (‘Somebody Up There Likes Me’, 1956) o ‘West Side Story’, no tardaré en enmendar el error.

‘Llega un pistolero’

Director: Russell Rouse

Intérpretes: Glenn Ford, Jeanne Crain, Broderick Crawford, Russ Tamblyn, Allyn Joslyn, Leif Erickson, John Dehner, Noah Beery Jr., J.M. Kerrigan

Sinopsis: Vinnie Harold, facineroso y temible asesino que ha desafiado y dado muerte a numerosos pistoleros de fama, llega al pueblecito donde George Temple, antiguo forajido y también un tirador formidable, ha jurado a su mujer que jamás volverá a utilizar un revólver. Una noche, y a pesar de sus esfuerzos para no hablar nunca de su vida pasada, George no puede evitar una exhibición de su habilidad en el salón. Harold, que sólo sueña con hazañas y duelos, decide inmediatamente desafiar a quien parece ser el único gatillo capaz de medirse con él…

Uno de esos westerns emitidos por televisión hace siglos, y del que apenas recuerdo nada. Rouse era casi un desconocido, quizá más capacitado como escritor que como director. Otra buena oportunidad de recuperación.

‘Mar de hierba’

Director: Elia Kazan

Intérpretes: Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Robert Walker, Melvyn Douglas, Phillys Thaxter, EDgar Buchanan, Harry Carey, Ruth Nelson

Sinopsis: Para llegar hasta el vecino más próximo hay que recorrer 15 millas. Y el sonido que el aire transporta por la noche no es el de una lujosa sala de conciertos, sino el del viento batiendo los pastizales de Nuevo México. Luite Cameron, una bella mujer de la alta sociedad de St. Louis, entra en un mundo muy diferente cuando se traslada a Salt Fork para comenzar una nueva vida como esposa del ganadero Jim Brewton. Lutie está segura de que por amor valdrá la pena.

Una de las películas que protagonizaron juntos una de las parejas más famosas del celuloide, tanto dentro como fuera de la pantalla. No se encuentra entre las más famosas de ello, pero con Kazan detrás de las cámaras es de visión obligada.

‘Río de plata’

Director: Raoul Walsh

Intérpretes: Errol Flynn, Ann Sheridan, Thomas Mitchell, Bruce Bennett, Tom D´Andrea, Barton MacLane, Monte Blue, Jonathan Hale

Sinopsis: Expulsado del ejército por haber quemado voluntariamente un millón de dólares que los sudistas pretendían recuperar, un capitán de la Confederación se dirige a Nevada y se dedica a los negocios. Prescindiendo de toda moral y piedad, hace fortuna con rapidez diversificando sus actividades en la banca, las minas y las máquinas tragaperras. ¿Pero estará dispuesto a pagar el precio necesario para conquistar el corazón de la mujer que ama?

Flynn y Walsh rodaron un puñado de películas juntos. Ésta tal vez no permanezca en la memoria como sí lo hacen ‘Murieron con las botas puestas’ (‘They Died with Their Boots On’, 1941) y ‘Objetivo Birmania’ (‘Objective, Burma!’, 1945), pero tratándose de Walsh nunca es perder el tiempo.

En cuanto al cine español, pues un par de títulos —‘El pájaro de la felicidad’ y ‘Tu nombre envenena mis sueños’— dirigidos por aquella señora que se creía directora de cine, Pilar Miró, más la película inacabada de Ricardo Franco, ‘Lágrimas negras’, que para nuestra desgracia terminó Fernando Bauluz. ‘Gitano’ con argumento de Arturo Pérez-Reverte —Dios mío, corred—; y ‘El rey del río’ de Manuel Gutiérrez Aragón. Hala, que os traiga mucho cine los reyes.

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Las casas encantadas han sido las protagonistas de innumerables cintas de terror, y cuando no eran el tema central valían como perfecto escenario a historias para no dormir, adornando con su lóbrega presencia muchas de estas historias a lo largo y ancho de la historia del cine. Uno de los ejemplos más característicos es ‘The Haunting’, inédita en nuestro país aunque emitida por televisión varias veces y disponible actualmente en DVD. Se trata de una de las mejores películas del polifacético Robert Wise, y también una de las menos populares, reivindicada en años posteriores a su realización (1963).

‘The Haunting’ está basada en una obra de Shirley Jackson, ‘The Haunting of Hill House’, con quien Wise se reunió para hablar sobre la adaptación cinematográfica. Ella le sugirió el título de la película, ya que era uno de los que tenía previstos en un principio para la novela, y el guión fue escrito por Nelson Gidding, quien precisamente había escrito para Wise otras dos de sus mejores películas: ‘Quiero Vivir’ (‘I Want to Live!’, 1958) y ‘Odds Against Tomorrow’ (1959).

‘The Haunting’ narra la historia de un grupo de personas con habilidades especiales comandado por el Doctor John Markway, que deciden investigar los extraños acontecimientos acaecidos en una imponente casa en la que siempre han perecido sus habitantes. La maldición cubre las paredes de dicha casa, y Markway está dispuesto a probar la existencia de dicha maldad paranormal. Evidentemente las cosas no saldrán como se esperaban. Dicho argumento fue rescatado por el inefable Jan de Bont en el remake que en 1999 protagonizaron Liam Neeson, Catherine Zeta Jones, Lili Taylor y Owen Wilson, película a años luz de la presente, sobre todo por caer en un montón de obviedades, subrayados e incapaz de crear una adecuada atmósfera.

Todo en lo que De Bont fracasó con su intento de poner la historia en un contexto actual, Wise acierta de lleno. Con elementos mínimos y un gran poder de sugestión, Wise logra poner el corazón del espectador en un puño, consiguiendo una película con una atmósfera a ratos extraña, a ratos enfermiza, y siempre inquietante. El público, deseoso siempre de respuestas, espera en todo momento una solución lógica y clara a los sucesos que sufren los cuatro personajes centrales, y sin embargo dicha solución queda a la imaginación del espectador, aunque bañada de pequeños y sutiles apuntes argumentales que tienen que ver con la historia de la casa, mostrada brevemente en el prólogo, pero sugerida mucho más acertadamente a lo largo de la película. Esos gritos de niños maltratados suponen un excelente ejemplo de cómo dar información en la historia, además de llevar al espectador al terreno del terror puro y duro, sin concesiones ni efectismos.

En realidad, ‘The Haunting’ es la historia de una casa y una mujer mentalmente perturbada. Una historia de atracción totalmente inusual y atractiva, en la que un lugar maldito atrae con su poder a una mujer susceptible de caer en sus redes. En ‘The Haunting’ no hay fantasmas ni espíritus malignos visibles. Wise con un excelente uso del formato scope, juega con la planificación y el montaje haciendo que notemos una presencia que ni nosotros ni los personajes vemos. Algo parecido al juego realizado por Hitchcock en su imprescindible ‘Los pájaros’ (Tippi Hedren acosada en la casa por unos pájaros que no vemos en ningún momento), casualmente realizada en el mismo año que ‘The Haunting’. El hecho de que se enfrenten a algo invisible pero posiblemente real, acentúa el aspecto psicológico de la trama, sin llegar hasta la magistral ambigüedad de ‘Suspense’ (‘The Innocents’, Jack Clayton, 1961).

Está claro que la casa donde tiene lugar todo está maldita, encantada, poseída o lo que sea, pero a partir de dicho momento ‘The Haunting’ se centra únicamente en la lucha interna del personaje de Julie Harris, dando la sensación de que todo está en su cabeza. Esto hace que la película de Wise se resienta en dos puntos: uno, no es necesario el prólogo en el que se nos explica la historia de la casa en cuestión, y mucho menos, ese cambio de punto de vista; y dos, los tres personajes centrales restantes se resienten en su tratamiento. Theo (Claire Bloom) podía ser el más interesante, aportando sugerentes apuntes sexuales, el doctor Markway (Richard Johnson) inunda el film de diálogos a veces demasiado sobrecargados, y Luke Anderson (Russ Tamblyn) es prácticamente innecesario. A modo de curiosidad, llama la atención que la esposa de Markway esté interpretada por Lois Maxwell, Monypenny en la saga 007 durante muchos años.

Afortunadamente, tenemos el buen hacer de un artesano como Wise, quien logra que alcancemos el nerviosismo más de una vez. Escenas como la de la puerta que parece respirar o cierto apretón de manos, pueden helar la sangre a más de uno, y logra el efecto buscado por toda película de terror o suspense: que la inquietud permanezca en la cabeza de uno mucho tiempo después de haber visto la película. ‘The Haunting’ lo consigue con creces. Verla solo puede suponer todo un inolvidable reto (el remake del 99 lo dejamos para los niños). Mientras revivo ese escalofrío que se siente cuando algo que no se ve asusta (el miedo en su pura esencia), me retiro a mis aposentos (poseídos o no) a escribir sobre los talentos mezclados y agitados de Sam Peckinpah, Marlon Brando y Stanley Kubrick en una misma película.

Resulta curiosa la estrategia utilizada en las dos ‘Star Trek’ (la que se acaba de estrenar y la de 1979). En la reinvención del universo trekkie se ha pensado en J.J. Abrams, alguien que conoce muy bien los gustos del público joven de hoy día, produciendo además unas cuantas series de televisión de mucho éxito. En mi opinión Abrams ha acertado de lleno en su aproximación a este clásico que parte de una no menos exitosa serie de finales de los 60, pero ya hablaremos de ello en un futuro post.

Muchos podrán pensar que Robert Wise como director para la adaptación cinematográfica, era, por lo menos algo llamativo. No echaron mano de un director poco conocido de corta filmografía, sino de alguien tan experimentado como Wise. El que empezó dirigiendo algunas secuencias de ‘El cuarto mandamiento’ de Orson Welles, y tiene grandes películas en su haber como ‘Marcado por el odio’ o ‘Ultimátum a la Tierra’, terminó dirigiendo películas que se convirtieron en grandes éxitos de público (‘West Side Story ‘ o ‘Sonrisas y lágrimas’), y en los 70 se hizo cargo de alguna que otra superproducción. Su estilo, totalmente clásico, marca el primer vuelo cinematográfico de la Enterprise.

El argumento de ‘Star Trek’ comienza cuando Kirk vuelve a comandar la Enterprise para una arriesgada misión que se inicia cuando una fuerza desconocida aniquila tres naves Klingon, y se dirige con rumbo fijo a la Tierra. La tripulación de la Enterprise tratará de detener esa misteriosa fuerza alienígena antes de que sea demasiado tarde. Una premisa sencilla (como prácticamente todas las de la saga) que va creciendo en interés según avanza el argumento.

‘Star Trek’ contó en el momento de su rodaje con uno de los presupuestos más altos que se habían dado a una superproducción hollywoodiense. En plena era post Star Wars, que recordemos costó unos 13 millones de dólares de la época, en comparación con los 35 de la presente, los estudios vieron el enorme filón que podrían encontrar en las Space Operas, films de Sci-Fi o fantasía, ambientados en su mayor parte en el espacio. Gracias al mencionado film de George Lucas (uno de los pocos directores actuales que pueden ser calificado de visionario) el resurgir del cine espectáculo, incluida su concepción, estaba empezando. Películas mastodónticas en todos los aspectos, volvían a ser la clave para llenar las salas de público. La Paraomunt no se lo pensó dos veces, y lo que en principio iba a ser un nuevo serial de televisión, terminó convirtiéndose en una película, la primera de una larga saga, de la que confieso haber perdido la cuenta del número de películas que ya llevan, incluidas las variaciones con nueva tripulación.

En contra de lo que cabría esperar, ‘Star Trek’ no es un espectáculo al nivel de su coetánea ‘Star Wars’, en la que cada nueva secuencia nos dejaba con la boca abierta. En la película dirigida por Robert Wise se hace un mayor hincapié en la historia, sin desmerecer por supuesto el lado vistoso de la propuesta. En esto tiene un papel esencial el técnico de efectos especiales fotográficos Douglas Trumbull, quien merece un puesto de honor por trabajado en clásicos incólumes como’2001’, ‘Encuentros en la tercera fase’ o ‘Blade Runner’, siendo además el director de la segunda unidad en ‘Star Trek’. Toda la imaginación de Trumbull (que aquí comulga en un perfecto matrimonio con el especialista John Dykstra) alcanza su apogeo en el tramo final de la película, cuando la Enterprise está a merced de la misteriosa fuerza alienígena, y todo cuanto vemos en pantalla produce una atrayente fascinación. Más aún si la partitura de un excelente Jerry Goldsmith viste lo expuesto en su justa medida.

A eso tenemos que añadir la inteligente puesta en escena de Wise, quien con patrones totalmente clásicos, convierte la película en un film de suspense, tratando a la perfección todo lo que rodea a la fuerza alienígena, y que nos es revelada en los instantes finales. Uno de esos finales sorpresa que alcanza más notoriedad por lo original de la propuesta y lo que se deriva de ella. Uno de los Voyager lanzados en los 70 para recopilar información por el universo, vuelve a la Tierra, tras un largo viaje en el que ha aprendido de todo, para buscar a su creador. La búsqueda de Dios por parte del hombre a través de los siglos representada en el viaje de una máquina terrestre buscando a su creador.

El reparto está compuesto de los mismos actores de la serie. Un como siempre soso William Shatner, dando vida a un inexpresivo Kirk, que comanda la nave en la que sobresale (como en todas las películas de la saga) Spock, al que da vida un entregado Leonard Nimoy, quien será recordado únicamente por este papel, sin duda el más atractivo de todos los que pululan por el film, los cuales no dejan de ser tópicos. Destacar la presencia de la actriz hindú Persis Khambatta, cuyo personaje tiene una extraña relación con el encarnado por el televisivo Stephen Collins, y que le confiere al film un halo romántico muy logrado, extendido al resto de la historia.

Robert Wise no logró un film perfecto, pero sí la cota más alta jamás alcanzada en una saga que más tarde se caracterizó por resultar aburrida y poco interesante, con aislados aciertos. Hasta que llegó J.J. Abrams, y dándole la vuelta a todo, sin faltar al respeto ni al espíritu de la serie, la revitalizó resucitándola y asegurando su vida unas cuantas entregas más.

Es increíble que una de las frase de diálogo más recordadas de la historia del cine sea “Klaatu barada nikto!”, la cual se pronuncia en cierto instante de ‘Ultimátum a la Tierra’, un clásico de la Sci-Fi, dirigido por el insigne Robert Wise. Película ésta que ha influido con poder en mucho del cine que se hizo posteriormente, sobre todo en aquellas películas que han especulado sobre encuentros con extraterrestres. Títulos como ‘Independence Day’ o ‘Abyss’ han bebido de sobra de este film, la primera porque empieza exactamente igual, y la segunda por su peligrosa ideología (suprimida inteligentemente por Cameron en su montaje para cines). Hasta Michael Bay se ha inspirado, por decirlo suavemente, en ella, al filmar secuencias idénticas en su ‘Armageddon’, con esos momentos en los que los pueblos del mundo entero escuchan por la radio el mensaje sobre algo que viene del espacio. Por cierto, comparar ambas secuencias es una delicia, ya que mientras una es una muestra de sobriedad narrativa, causando en el espectador incluso temor, la otra es una muestra de ñoñería de postal.

Pero no quiero ser malinterpretado con lo que acabo de decir, además Michael Bay ya se basta él solito para ponerse a parir. ‘Ultimátum a la Tierra’ es un clásico, sí. También es una de esas películas víctimas del paso del tiempo, y aunque éste no le haya hecho demasiado daño, sí el suficiente para poder ver sus deficiencias. Su mensaje es lo más desfasado de todo. La energía atómica era algo a descubrir y experimentar en los años 50, y la posibilidad de que otros planetas se pudiesen ver afectados por ella, suena hoy tan ridícula que no puede pasarse por alto. Al mismo tiempo, la advertencia final de Klaatu puede tomarse como una amenaza de peligrosa ideología. Que el planeta entero pague por lo que unos pocos deciden hacer con la energía, es algo que se asemeja más a un “o estás conmigo o estás contra mí” (James Cameron realizó algo muy parecido en la mencionada ‘Abyss’). Pero eran tiempos de la Guerra Fría y la paranoia de los americanos por pensar que tenían un enemigo en todos lados, está latente en films como éste. Darle la vuelta, y ponerse como víctimas es incluso pretencioso.

Podríamos hablar también de la economía de medios, sobre todo en lo que respecta al robot que acompaña a Klaatu. Evidentemente, hay que ver la película en su contexto histórico, y en 1951 no se realizaban buenos efectos especiales, campo en el que se ha evolucionado de forma asombrosa. Aún así, el número de películas antiguas que han sobrellevado muy bien el paso del tiempo, es bastante elevado, fijándonos sólo en los efectos visuales. El encanto es su mayor baza, y ‘Ultimátum a la Tierra’, en este aspecto, lo conserva en parte. Ver al imponente robot totalmente quieto llega a impresionar, pero cuando echa a andar, sólo falta que le veamos la cremallera al traje. Curiosa sensación, realmente desconcertante.

Afortunadamente, detrás de la cámara tenemos a alguien tan solvente como Robert Wise. El director de musicales tan famosos como ‘West Side Story’ o ‘Sonrisas y lágrimas’ fue uno de esos realizadores todoterreno, que lo mismo filmaba un drama pugilístico (‘Marcado por el odio’), como una cinta de cine negro (‘Born to Kill’), terror (‘The Haunting’), se iba al espacio (‘Star Trek’), western (‘Sangre en la Luna’), thriller (‘Odd Against Tomorrow’)etc. Su sobria puesta en escena, y un dominio del suspense envidiable, apoyado por un excelente montaje, consiguen empalidecer en buena parte sus posibles fallos. Wise maneja cada momento de su película como si se tratase del más importante. Tras el acercamiento de la nave (en la que la impactante aparición del robot se consigue desviando la atención del público de forma prodigiosa), nos introduce el director en una habitación donde se nos suelta una información que será el eje alrededor del que gire todo lo narrado a continuación, no sabiendo jamás qué va a ocurrir. Las escenas en las que Klaatu se mezcla con los humanos es un perfecto puente para el clímax final, lleno de tensión. Y cómo no, todo en 89 minutos.

Patricia Neal, actriz a la que soy capaz de amar y odiar al mismo tiempo, Sam Jaffe, Hugh Marlowe y Billy Gray secundan muy bien al verdadero alma de la película: Michael Rennie, un acierto de casting al tratarse de un actor desconocido para el gran público, quien soporta todo el peso del film. Su interpretación abarca desde la impavidez con la que su personaje trata a altas autoridades, hasta lo sorpresivo y afectuoso que resulta con un niño. Y siempre con una serenidad asombrosa, rayando con la inexpresividad, pero sin caer jamás en ella. Será curioso comprobar cómo se enfrenta alguien como Keanu Reeves a este personaje en el remake que nos llega este viernes.

‘Ultimátum a la Tierra’ es una estupenda película de Sci-Fi, un entretenimiento en toda regla, que se permite ser también un alegato antimilitarista (uno de los aspectos que sedujeron a Robert Wise para dirigirla), que termina un poco dañado por el mensaje antes citado. El resto es con justicia recordado.

Robert Wise es uno de esos grandes directores clásicos que tocaron todos los géneros con igual fortuna, aunque no todas las películas de su filmografía son buenas. ‘Odds Against Tomorrow’ pertenece sin lugar a dudas al grupo de las grandes películas de este prolífico director. Lo curioso del asunto es que este film en nuestro país nunca se estrenó, y es bastante difícil verlo programado en alguna televisión dedicada al cine clásico. Más incomprensible se hace el asunto cuando esta película se realizó entre dos de los títulos más famosos de Wise, los excelentes ‘Quiero Vivir’, que le reportó un merecido Oscar a Susan Hayward, y ‘West Side Story’, que es simple y llanamente uno de los mejores musicales de todos los tiempos.

‘Odds Against Tomorrow’, por cierto, excelente título, que traducido sería algo así como ‘probabilidades (en una apuesta) contra el mañana’, narra a modo de thriller muy, muy negro, la odisea de tres hombres necesitados urgentemente de dinero para salir de sus miserables vidas, para atracar un banco justo cuando éste recibe los ingresos de todos los negocios de la zona. Tres hombres de caracteres y mundos muy distintos, que tendrán que lidiar con los problemas entre ellos para que el asunto salga bien.

Robert Wise va directo al grano, y sin cortarse ni lo más mínimo. Si en algunas de sus películas se había caracterizado por ser un poco duro con los temas que trataba, en ésta lo cierto es que sorprende aún más por ese despellejado retrato de una serie de personajes sin esperanzas ni sueños, y los pocos que tienen pueden no cumplirse, pues son hombres sin suerte, la vida a jugado en contra de ellos y siempre va a ganar la apuesta. Un bien planeado atraco a un banco es la última posibilidad para lograr que la suerte cambie, para ser alguien en la vida, aunque sea a costa de cometer un delito. Para rizar más el rizo, se reúne a tres personajes con muy pocas cosas en común y que se necesitan para que todo salga bien. Cabe citar al respecto, el espléndido rol de un soberbio Robert Ryan, un personaje racista, violento por naturaleza, y que ha de compartir el plan con un hombre de color, interpretado por un muy acertado Harry Belafonte. La violencia contenida, y no tan contendida, entre los dos personajes es como un explosivo con mecanismo de relojería que en cualquier momento detona delante de nuestros maravillados ojos.

Maravillados porque Wise compone con mano maestra un mosaico de sentimientos, en el sentido más amplio de la palabra, y se para en cada uno de los personajes tomándose su justo tiempo para que veamos como es cada uno. Si en el caso de Belafonte la cosa va más hacia el cine negro (esa subtrama de que debe dinero a un corredor de apuestas), y en el caso de un ajustado Ed Begley, la cosa es un poco más evidente (se aburre en su “retiro” de tanta mediocridad), en el caso de Ryan, la cosa es un poco más compleja, y si cabe más fascinante. Su personaje queda perfectamente retratado en su relación con las mujeres, concretamente dos, la que es su esposa, interpretada por Shelley Winters, en un personaje quizá poco definido; y un encuentro que tiene con su vecina, a la que da vida una IMPRESIONANTE Gloria Grahame, quien explota todo su morbo y sexualidad para el momento, el único en el que sale esta magnífica actriz, y que nos turba tanto como al personaje de Ryan.

Por momentos la película parece un tema de jazz, con esos tonos apagados que usa para las escenas en exteriores, y el humo siempre molesto que forma parte de la decoración en las escenas que tienen lugar en el bar donde trabaja el personaje de Belafonte, quien por supuesto no se resiste a interpretar un excelente tema musical que le queda de maravilla al film, ya que va en consonancia con el mismo. Un tema casi profético con todo lo que va a ocurrir en la parte final de la película, uno de los más bestias (por resolución) jamás vistos, al que no le falta una carga de ironía excelentemente expuesta. Tal vez haya que reprocharle que en cierto instante los hechos se precipitan un poco, pero es un mal menor.

Una espléndida película que un servidor ya se ha apresurado a comprar en amazon.com, uno de los paraísos de todo cinéfilo, donde además las cosas están más baratas que en otros sitios. También podéis recurrir al famoso animal de carga, por si os interesa ver la película. Una rareza totalmente desconocida por estos lares, y que bien se puede emparejar con ‘La Jungla de Asfalto’ a la que supera con creces.

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En los años 40, bastante prolíficos para Wise, hizo un buen número de films inolvidables, como éste que nos ocupa, ‘Born to Kill’, cine negro al cine por cien. En él se nos narra la historia de un violento y ambicioso hombre que un día mata a una pareja movido por los celos. Pronto cambiará de ciudad y en su nuevo hogar conocerá a una rica heredera con la que podrá cumplir sus sueños de ambición. Sin embargo, aparecerá en escena otra mujer por la que se sentirá terriblemente atraído y ella por él.

Indudablemente lo mejor de la película es el manejo de la narración que realiza Wise, y su logradísima atmósfera de film noir en la mejor tradición del género. Puede que argumentalmente haya algunas cosillas que estén cogidas por los pelos, como la reacción de cierto personaje al descubrir los cuerpos de dos personas asesinadas, pero la fuerza que le imprime Wise al relato palia algunos de sus defectos, sobre todo porque logra un estupendo ritmo que va in crescendo hasta llegar a un clímax muy bien filmado y logrado.

Otro de sus puntos fuertes es la relación de los dos personajes centrales, un hombre y una mujer que se desean más allá de cualquier cosa, bañados por la maldad del personaje masculino. Lo que chirría bastante es la penosa interpretación de Lawrence Tierney, actor malo donde los haya, y del que ya os hablé cuando comenté la penosa ‘Bodyguard’ donde también estaba bastante mal, pero al lado de ésta se puede decir que hacía una interpretación de Oscar. Y es que lo de Tierney en ‘Born to Kill’ no tiene nombre. Han escogido al peor actor posible para un personaje lleno de matices y con muchísimas posibilidades, evitando que estemos ante la obra maestra que la película pedía ser a gritos. Y es que la inexpresividad de este actor es realmente impresionante, por no hablar de sus caras cuando se enfada.

Tierney choca de frente con la portentosa (ésta sí) interpretación de Claire Trevor, a la que todos recordarán por ser la prostituta de esa obra maestra de título ‘La Diligencia’. Trevor, que en ‘Born to Kill’ tenía 37 años demuestra una madurez increíble dominando a la perfección un personaje lleno de dudas, aunque de una gran fuerza en su interior. Increíblemente guapa y atractiva, es la mejor de todo el reparto, y haberle puesto a Tierney delante subraya todavía más lo excelente actriz que era.

Una película estupenda, a pesar de los fallos antes mencionados, que demuestra la gran capacidad de Wise para esto del Cine, director que por cierto tocó todos los géneros y con buena fortuna. ‘Born to Kill’ la tenéis editada en dvd por Manga Films, pelada de extras pero con una excelente calidad de imagen y audio, como debe ser.

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