Es todo lo que tengo que decir sobre eso…

-Forrest Gump

Hay películas que extrañamente, al menos para mí, gozan de un estatus de intocables, pues son “vacas sagradas”. Es decir, que basta que digas algo negativo sobre ellas para que sus seguidores se abalancen a por tí. Supongo que sus razones no tendrán (o sí, que sorpresas te da la vida), pero nunca he creído en las vacas sagradas, ni en los consensos generalizados. Siempre me han hecho sospechar que detrás de ellos lo que se esconde es pereza para cuestionar las cosas. ¿Por qué no se puede disentir?

La tentación es demasiado grande para no sucumbir a ella. No es cuestión de crear polémica (bueno, no en parte), sino de decir lo que se piensa por el mero placer de hacerlo. Me siento tan marciano cada vez que algún cinéfilo me cuenta lo mucho que ama esta película, que al menos tengo que concederme el capricho de escribir que ‘Forrest Gump’ es mucho más que el ‘E.T’ particular de Zemeckis. Este delirio yanqui es, probablemente, la más calculada y presuntamente ingenua oda a la grandísima falacia en que se ha convertido ese chiste llamado Estados Unidos.

Poética de las barras y las estrellas

Imaginemos por un momento que ésta película, en lugar de ser norteamericana, es española, o francesa (tampoco quiero dañar sensibilidades…). Así, en lugar de contarnos la vida de un chico que vivió y creció en la América Profunda, pues vivió y creció en Ávila, o en Normandía. Y en lugar de ir a la Guerra de Vietnam, pues sirvió en la Guerra de Ifni, o fue un activista de Mayo del 68. ¿Podría tener cabida ahí un retrasado mental y un tono de cuento de hadas? Creo que sería una historia ridícula. Pero, cosa curiosa, a pocos le parece ridículo si tiene lugar, como en esta memez de película, en los Estados Unidos. Hasta ese punto hemos llegado en la colonización (pseudo)cultural de ese país a otros territorios, europeos por ejemplo.

En otras palabras, la poética de la historia (que comenzó con el western…menos mal que tenemos a Peckinpah o al tito Clint) de Estados Unidos no puede tener lugar en ningún otro país del mundo, y las más de las veces no es más que una mentira, un romanticismo que encubre y justifica atrocidades históricas. Es decir, un impulso ultraconservador con el que el cine estadounidense, que estoy pronto a admitir que es el de más vitalidad del mundo (le pese a quien le pese) impregna a veces películas que requieren de un poco de perspectiva para ser juzgadas como merecen.

Porque de ingenuidad, mucho me temo, aquí no hay nada. Ingenuos seríamos nosotros, espectadores, si defendiéramos que, a fin de cuentas, Forrest va a la guerra, sí, pero allí pierde a su mejor amigo, además de que su superior (Gary Sinise, lo mejor de la película, pues es un gran actor) resulta terriblemente mutilado y sufre una vida, desde entonces, llena de miseria, y que sólo retomará cuando haga las paces con Dios… A mí no me basta nada de eso, pues me parece mucho más importante constatar que Zemeckis retrata aquella guerra con todos los tópicos a su alcance, y dota a ese evento de una superficialidad que, personalmente, me causa náuseas.

Ya, se supone que lo vemos todo según los ojos de Forrest. Pero eso es un arma de doble filo, porque si nos identificamos con él pasamos de la superficialidad a un ultraconservadurismo feroz, maquillado por la óptica del personaje, que justo cuando va a decir algo sobre Vietnam, ¡voilá!, se queda sin micro. Así, para Zemeckis (antes el gran director de ‘Regreso al futuro’ o ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’), este gran fresco de Estados Unidos le sirve para crear un cómic vistoso y bienintencionado, en el que nos cuenta la preciosa y un poquito sangrienta, pero en definitiva entrañable, historia de su nación.

Porque, a fin de cuentas, el mismo Forrest no es más que una parábola de lo más hermoso de ese país. Forrest representa el corazón roto de Estados Unidos, lo más puro y lo más noble que hay en él, su esperanza de futuro y su capacidad para olvidar el pasado. Es la cristalización definitiva del Sueño Americano, pues triunfa en los deportes, va a la guerra y se hace millonario gracias al duro trabajo. Y, para rematar esa vida que le espera a todo americano, si no se cuestiona las atrocidades de su país, conoce a varios presidentes. Qué vida más maravillosa…

Todo ello aderezado por un bonito piano cuando la cosa se pone triste, y con preciosas imágenes creadas por ordenador de atardeceres y paisajes exóticos. ¿Qué más se le puede pedir al cine?

‘El Juramento’ es la tercera película dirigida por Sean Penn, mucho más conocido como actor que como director, y cuenta con un reparto sencillamente impresionante que llama la atención incluso para el que no sepa absolutamente nada sobre esta película. Jack Nicholson, Robin Wright Penn (mujer de Penn), Aaron Eckhart, Tom Noonan, Helen Mirren, Vanessa Redgrave, Benicio del Toro, Mickey Rourke y Patricia Clarkson aparecen, en mayor o menor medida, en una película que, disfrazada de thriller, es más bien un drama repleto de melancolía y con trazos de tragedia griega antes que la convencional historia policiaca de suspense.

En ‘El Juramento’, hay un acercamiento a la América rural, tranquila y apacible donde nunca ocurre nada de trascendencia, y que de repente se ve sacudido por un acontecimiento pesadillesco, después de la cual la vida de sus habitantes nunca volverá a ser la misma. En este caso, el detective Jerry Black (Nicholson) interrumpe su ansiada jubilación para ayudar en la investigación del asesinato de una niña de ocho años. Conmovido por la dureza de las circunstancias que rodean a todo el caso, Jerry Black jura encontrar al asesino para evitar que algo así vuelva a ocurrir. Que se lo tome a modo tan personal pronto le provoca una sensación de alerta permanente, casi paranoica, donde no puede fiarse de nadie, todo el mundo miente y oculta los detalles que podrían hacerle avanzar en sus pesquisas.

El estilo preciosista de Sean Penn, que más tarde ha mostrado también en la floja ‘Hacia rutas salvajes’, inunda todos los aspectos de la película. El escenario rural, nevado, en que se ambienta la historia ayuda a condensar todo en un tono puramente melancólico, y junto a la música discreta aunque emotiva de Klaus Badelt y Hans Zimmer, ofrece una experiencia inolvidable. Porque, ante todo, ‘El Juramento’ no es una película fácilmente digerible, más bien es el éxtasis, la cumbre de una perspectiva única dentro del séptimo arte. De esto deben haberse dado cuenta los actores, porque todos se muestran igualmente implicados. El por entonces semidesconocido Aaron Eckhart, que ahora interpretará a Harvey Dent en ‘El Caballero Oscuro’, salpica de carisma todos los planos donde sale. Pero claro, enfrente tiene al todopoderoso Jack Nicholson en una de las (no me van a creer) mejores interpretaciones de su carrera. Jerry Black es un detective apocado, pasivo, que resuelve los casos de forma entregada pero su eficiencia habla por sí sola. La más floja seguramente es Robin Wright Penn, pero tampoco lo hace mal, simplemente queda en un segundo plano si la comparamos con el resto del reparto.

A pesar de la estética minuciosamente preparada para exprimir belleza de donde no la hay, la película no omite escenas cruentas, como la protagonizada por Benicio del Toro. Asimismo, Helen Mirren y Mickey Rourke tienen su propia escena (en singular), y desarrollan todo su talento al servicio de la consistencia de la trama, que progresivamente va tornándose en una historia sobre la paranoia, la obsesión por cumplir el juramento realizado, el de encontrar a un asesino que se escabulle, que no se deja ver fácilmente. Jerry Black podría estar jubilado, y lo ha aplazado para capturarle él mismo. Y eso le corroe por dentro, a la vez que ha reinventado el sentido de su propia vida. ‘El Juramento’ es, pues, una película con una interesantísima evolución de personaje, SPOILER que acaba de la manera menos esperada posible, con una situación tan injusta como “lógica”, a juzgar por lo visto a lo largo del metraje. Esos dos minutos finales, en los que Jack Nicholson hace literalmente lo que le da la gana, son realmente demoledores, y dejan al espectador con la boca abierta sin mucho esfuerzo FIN SPOILER.

Habrá quien diga que ‘El Juramento’ acusa demasiado un ritmo no lento pero sí relajado. Y es cierto. De ahí que dure 125 minutos, y pudiera dar la sensación de que con más empeño, Jerry Black podría haber dado con las claves del misterio en menos tiempo pero con mayor agilidad. Pero justifico enteramente la duración de la película, porque esos actos, que no son más que diálogos con esos personajes nómadas en la trama, son el perfecto contrapunto para el envolvente mensaje que se insinúa poco a poco: la cosa no va a acabar del todo bien, y Jerry Black es el primero que lo sabe, muy a su pesar.

Sean Penn no explica, insinúa. Trata con muchísimo respeto al espectador, y sabe dar silencios en sus escenas, no para dotar a su film de pretenciosidad, sino para alternar momentos de “acción” con otros de libre albedrío para quien se digne a ver su película. ‘El Juramento’ exige de uno el pensar sobre la historia. Su aire hipnótico, gracias a la intensa fotografía, está más que preparado para este propósito. En la película se intuye sabiduría, resignación ante un mundo imperfecto que se mira con un prisma equivocado, que no es indulgente con los buenos y los malos pueden quedar impunes. Un mundo con más preguntas que respuestas. En definitiva, ‘El Juramento’ observa nuestro mundo de forma reflexiva, y todo bajo la tutela de un habilidoso thriller policiaco. Nada menos.

‘El Juramento’ es, en resumidas cuentas, una obra maestra absoluta. Un prodigio de dirección y guión, y una inolvidable ambientación. Quizá sería exagerado afirmar que se encuentra entre las mejores de la década, pero desde luego es imperdible. Les dejo con una escena memorable: la de Mickey Rourke, que encarna al padre de la niña asesinada, que en menos de un minuto actúa insuperablemente, se come la pantalla y de paso muestra la cara visible de la historia que se cuenta: la del dolor.

‘Hurlyburly’ es una de esas películas que no vi en su momento, data ya de 1998, y cayó en mis manos gracias a uno de esas personas con las que un buen día descubres que tienes mucho de qué hablar, gracias a su amor por el séptimo arte. Y en este caso, ya no por afición desde crío, si no por trabajar en el mundillo. En una de esas conversaciones de cervecería, en las que nos ponemos al día sobre los títulos que hemos visto o no, aparece, para mi desgracia, la presente película que se me presta con toda la buena intención del mundo para que disfrute de lo que se supone es una gran película. Y aquí hago un descanso, respiro profundamente, y me pregunto que entenderán algunos por “gran” película.

Compruebo estupefacto, aunque a estas alturas ya no debería sorprenderme nada, que ‘Hurlyburly’ tiene un buen número de adeptos, y curiosamente también todo lo contrario. Lo segundo me parece muy lógico, pero no deja de llamarme la atención qué verán ciertas personas en este tipo de películas (las que son malas, por supuesto), y cómo las opiniones son tan dispares (y enriquecedoras, por supuesto). A un servidor, ‘Hurlyburly’ le ha parecido uno de los films más pretenciosos, aburridos y pedantes que he visto en mucho tiempo. Más detestable aún que ese tipo de cine palomitero, vacío, pero con un sentido y una intención. Lo de esta película no tiene nombre, es simplemente querer tocar las narices, y no es precisamente esa parte anatómica en la que estoy pensando.

SPOILERS

‘Hurlyburly’ está basada en una obra teatral de David Rabe, la cual tuvo su estreno allá por a1984 en la ciudad de Chicago, con un casting espectacular: William Hurt, Christopher Walken, Sigourney Weaver y Harvey Keitel. Lo que hubiera dado yo por ver a estos actores en la adaptación cinematográfica, ya que los veo mucho más aptos que Sean Penn, Kevin Spacey, Robin Wright Penn y Chazz Palminteri. La película habla de un grupo de personas pertenecientes a la clase social alta del mundo de Hollywood, y de cómo sus vidas son enormemente vacías, con ridículos problemas existenciales, y viciadas por el exceso con el sexo y las drogas. Gente literalmente podrida por dentro.

Todo esto queda bien constatado en menos de diez minutos de metraje. Todos los personajes de la película ya han hecho acto de presencia y las cartas quedan sobre la mesa. A partir de ahí no hay nada más, la película no evoluciona hacia ningún lado, y con ella los personajes quedan muertos, estancados en un mismo punto, el de su miserable existencia. Si al menos esto sirviese para explotar el universo interior de una serie de personajes a cada cual más lamentable, y que éstos no tienen solución ni salida de un mundo en el que se encuentran demasiado sumergidos, pues la experiencia de ver ‘Hurlyburly’ hubiera valido para algo. Pero no, la película está narrada de forma aleatoria, presentando situaciones absurdas, una tras otra, y en la que el uso de la palabra termina siendo algo realmente insoportable. Evidentemente, el film no oculta su origen teatral, y si tal vez sobre un escenario el material presentado puede funcionar a la perfección, en cine, el asunto es de lo más soporífero. Palabras y más palabras, sin sentido, locas, incoherentes, metidas en frases recitadas por unos personajes perdidos, sí, y al mismo tiempo inútiles.

El trabajo actoral de ‘Hurlyburly’ es de lo más decepcionante del conjunto. Podríamos considerar a Sean Penn el personaje central, y el actor, aunque parece encontrar en su salsa, está muy lejos de algunos de sus grandes trabajos, algunos de los cuales vendrían años después. Histriónico hasta decir basta, al lado de un Kevin Spacey en el que probablemente sea el peor papel de su más que fructífera carrera, un numerito en el que parece estar imitando a Christopher Walken (quien interpretaba el mismo personaje en la obra teatral) como si se tratase de una de sus imitaciones e el Actor´s Studio. Robin Wright Penn hace gala de una belleza sin parangón, y siempre me ha parecido muy mal el poco reconocimiento que ha tenido esta actriz ya lleva unos cuantos años haciéndonos disfrutar de su presencia. Chazz Palminteri está muy, pero que perdido. Garry Shandling y Meg Ryan aparecen lo justo para ser reconocidos, y lo de Anna Paquin, en un rol realmente sorprendente, no tiene nombre. La introducción de su personaje en la trama sirve únicamente para subrayar lo evidente y obvio.

Cualquiera de todos ellos está francamente mal, y el director, Anthony Drazan, quien curiosamente no volvió a dirigir ninguna película más para el cine, no hace absolutamente nada para intentar arreglar el caos. Y si lo que se quería es representar precisamente el mundo caótico de una serie de personajes sin futuro como seres humanos, la operación le ha salido rana. Se puede realizar un estudio incisivo y sin piedad sobre lo planteado en la película, pero sin ser tan pedante y pretenciosamente aburrido. No os perdáis las entrevistas a los actores en los extras del dvd. No tienen desperdicio.

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Interesantísimo reparto el que se ha compuesto para la película ‘The Private Lives of Pippa Lee’. Según Coming Soon, Keanu Reeves, Maggie Gyllenhaal, Alan Arkin y Monica Bellucci acaban de sumarse a un proyecto que ya contaba con Robin Wright Penn (que será la principal protagonista), Julianne Moore y Winona Ryder. A ver qué hace con todo este potencial interpretativo Rebecca Miller, que dirigirá el proyecto, que cuenta con un guión suyo.

Miller, hija de Arthur Miller y esposa de Daniel Day-Lewis, ha adaptado para la gran pantalla su propia novela, aún por publicar. La historia se centra en una mujer de 50 años cuyo marido la deja por otra más joven, desestabilizando su vida y haciendo que se replantee su sexualidad.

En cuanto a los papeles que interpretarán los actores recién incorporados, decir que Reeves se ocupará de encarnar al amante de la protagonista. Arkin, último ganador del Oscar al mejor actor de reparto (por ‘Pequeña Miss Sunshine’), interpretará al marido que deja a Wright Penn por Ryder. Bellucci encarnará a su primera esposa. Un momento… ¿¿Arkin?? Si fuera Sean Connery, a lo mejor colaba… En fin, supongo que estará todo muy bien explicado en el guioncito…

El rodaje de ‘The Private Lives of Pippa Lee’ comienza el próximo mes de abril en esa ciudad tan bonita que es Connecticut.

Colin Farrell está ahora de actualidad en nuestro país gracias al estreno de ‘Cassandra´s Dream’. Yo siempre he defendido a este actor, el cual siempre me parece muy entregado en sus papeles, a pesar de ese aire de rebeldía que tiene, y que alguna que otra vez ha jugado en su contra. Pero creo que nada tiene que ver su vida personal con su vida artística, aunque los espectadores muchas veces nos dejemos llevar y confundamos una cosa con otra. Desde que se dio a conocer en la pasable ‘Tigerland’, Farrell ha demostrado ser bastante polifacético interviniendo en todo tipo de películas, algunas destacables, otras no tanto.

‘Una Casa en el Fin del Mundo’ pertenece al segundo grupo, y ya no sólo por tratarse de una película muy mala, sino porque contiene la que muy probablemente sea la peor interpretación de Farrell. La película, que entre nosotros se estrenó de tapadillo hace poco más de un año, está basada en la novela de Michael Cunningham, de quien hace tiempo vimos otra adaptación suya, la estupenda ‘Las Horas’, y en Diciembre veremos otra: ‘El Atardecer’.

De hecho la historia de ‘Una Casa en el Fin del Mundo’ tiene algunas coincidencias con la de ‘Las Horas’, sobre todo en cierto personaje que en aquélla estaba protagonizado por Ed Harris. La película narra la historia de amistad entre dos chicos y que abarca desde los años 60 a los 80. Una relación especial entre dos amigos bien diferentes entre sí, pero que los marcará profundamente, tanto a ellos como a todo aquel que se acerque lo suficiente, emocionalmente hablando.

La película fracasa en todos sus aspectos. Primero por una puesta en escena por parte de Michael Mayer, totalmente anodina, y sin garra ni personalidad. Y segundo porque todo en ella resulta de lo más obvio y facilón, recurriendo en muchas de sus situaciones a lo más típico, sin ni siquiera preocuparse por tratarlo con un mínimo de calidad. La historia, a pesar de su evidente interés, el cual sólo debió existir sobre el papel, no llega a enganchar en ningún momento, entre otras cosas porque no existe la más mínima progresión dramática. Por mucho que los años pasen y los personajes crezcan, éstos no evolucionan, y el final es como el principio, y el principio como el medio, y así sucesivamente. Por otro lado, el director cae en bastantes convencionalismos a la hora de emplear ciertos elementos narrativos, como el hecho de adornar los distintos años con canciones típicas de la época, pero incluso esa elección de canciones resulta de lo más evidente, y ni siquiera apoya narrativamente a la película.

Pero el aspecto que me ha parecido el peor en ‘Un Casa en el Fin del Mundo’ es la interpretación de su protagonista principal, Colin Farrell, el cual sorprende por no convencer ni lo más mínimo, dando además la sensación de estar enormemente incómodo en su personaje, algo que en Farrell llama bastante la atención. Incluso la química con sus compañeros de reparto no existe, a pesar de intentarlo profundamente con Dallas Roberts, más entregado que Farrell en su personaje. Cuando entra en escena Robin Wright Penn como la tercera en discordia, la película desaprovecha la oportunidad de darle una vuelta de tuerca a la trama, prefiriendo recorrer caminos ya andados, y desaprovechando también el enorme potencial de la señora Penn como la excelente actriz que es. También sale Sissy Spacek, como la madre de uno de los protagonistas, estableciéndose en cierto momento una situación de lo más atrevida, pero que tanto guionista como director no se atreven a llevar hasta sus últimas consecuencias.

Una película muy mala que no consiguió ningún tipo de repercusión allá donde se haya estrenado. Aquí, desde el pasado Abril ya está disponible en dvd. Desde luego es mejor que la anterior película de la que os he hablado, pero por muy poco. Imaginaos.

El pasado Marzo se estrenó en nuestro país ‘Breaking and Entering’, la última película dirigida por Anthony Minghella. Lo curioso es que su distribución fue limitadísima sin que aún conozcamos el motivo de ello. Decían por ahí que en la productora no sabían muy bien cómo vender un film de estas características, el cual no termina de definirse en ningún género. Ese es el problema de muchos productores, cuando se les presenta algo inclasificable se ponen nerviosos y lo más lógico es que no apuesten por el producto. Y resulta más curioso aún cuando en el reparto de la película figuran nombres tan conocidos como Jude Law, Juliette Binoche y Robin Wright Penn. Es evidente que esos tres no son garantía de un bombazo comercial, pero sí lo suficientemente conocidos por el público como para que la película pueda responder en la taquilla.

‘Breaking and Entering’ narra la historia de una pareja con ciertos problemas que viven en Londres. Él es un importante arquitecto que un día sufre un robo en su empresa, prepetrado por unos jovenzuelos que repiten el robo. Una noche siguien a uno de esos ladrones, nuestro protagonista conocerá a la madre del mismo, con la que comenzará una relación especial, planteándose muchas cosas al respecto de su propia vida.

Minghella siempre se ha caracterizado por narras historias íntimas, aunque en el caso de ‘El Paciente Inglés’ (si no fuera por su primera media hora estaríamos hablando de una gran película), ‘El Talento de Mr. Ripley’ (excelentes actores, pero historia sin pasión) y ‘Cold Mountain’ (con el enorme problema de tener que aguantar a una insoportable Nicole Kidman), estaban apoyadas por cierto halo de grandiosidad típico de una superproducción (‘Un Marido para mi Mujer’ vamos a dejarla de lado a pesar del simpático Matt Dillon). Precisamente eso es lo que no tiene esta película, es como si Minghella haya descendido un poco sus intenciones de querer contar algo grandioso, y haya querido hacer un film mucho más cercano y tranquilo, por así decirlo.

Esto juega a favor y en contra del film al mismo tiempo. A favor porque tenemos un film sencillo, fácil de seguir, realizado muy correctamente y bastante bien interpretado en el que se ve que todos han estado muy cómodos realizándolo. Y en contra, porque curiosamente esa falta de pretensiones hacen que la película no tenga ni la más mínima trascendencia, y ahí es donde Minghella fracasa, pues no logra dejar huella contando una historia sencilla, algo que sí lograba por ejemplo un Robert Bresson, y no trato ahora de comparar a los dos directores, porque sería enormemente injusto para Minghella, pero éste nunca ha sido un gran director, aunque sí ha tenido a su alcance los elementos adecuados, que por sí solos ya lograban cierta calidad.

La película no aburre y se sigue con cierto interés, pero hay algunas cosas de su trama que no están bien mostradas. Al respecto cabe citar la relación entre Jude Law y Robin Wrigth Penn, la cual nunca termina de estar clara, y ella anda como un poco perdida, hasta cierto giro final en el que todo se decide y uno se pregunta si no le estarán tomando un poco el pelo. No es que sea demasiado alarmante, pero el final del film desentona bastante con el resto, peca un poco de incoherente y lastra por supuesto algunas de sus posibilidades. Los actores indudablemente están todos en su salsa y muy creíbles, uno de los aciertos de la película. Al lado de Law y Wright Penn tenemos a una Juliette Binoche demostrando una vez más lo mucho que le gusta poner acentos, y en un papel secundario está Vera Farmiga, mucho mejor actirz de lo que parece, interpretando a una prostituta que mantiene una curiosa relación de amistad con el protagonista.

Una película correcta, que inexplicablemente casi ha pasado desapercibida. Me pregunto qué ocurrirá cuando la editen en dvd, si correrá la misma suerte. Esperemos que no y que la gente la descubra. No es un gran film y no pasará a la historia, pero tampoco es un producto desdeñable, tiene su interés, a parte de ir un poco a contracorriente dentro del actual panorama norteamericano, y sólo por eso mereció mejor suerte en su distribución.