La película está actuada con solvencia y después de todo no voy a quejarme de ninguna interpretación, ya sea el siempre histriónico y aquí perfecto Russell Crowe o la bienvenida delicadeza de Rachel McAdams, capaz de dotar de inteligencia y fragilidad a su joven e inexperta reportera. Por supuesto, los secundarios son de lujo (Helen Mirren, un sobrio Jeff Daniels, Robin Wright Penn) y Ben Affleck sorprende con un registro perfecto como el senador Stephen Collins, cuya lucha tal vez oculte algún que otro secreto.

Uno se pregunta qué anda mal en los grandes estudios, y estamos hablando de uno con gusto, cuando atiende a la vigorosa construcción de la serie original de la BBC, seis episodios en los que cada maquiavélico plan encuentra su espacio narrativo adecuado. La Focus Features, dirigida gustosamente por James Schamus, merece desde luego otro destino y también su director, autor de la estimable ‘El último rey de Escocia’ (The Last King of Scotland, 2006) que protagonizaron James McAvoy (uno de los protagonistas, por cierto, de la serie que inspiró esta película) y Forrest Whitaker y cuyas resonancias en los circuitos de premios le dieron visibilidad pero menor atención de la que merece.

El problema, ah, el eterno problema, está en el tercer acto. Desastrosa construcción de un momentum que nunca llega, con un trasfondo ideológico muy subversivo, en el que los congolomerados corporativos pueden decidir el destino por encima de los gobiernos y como esos intereses concluyen con un aislamiento político y una impotencia, para luego desvelar una maraña sentimental, mucho más nihilista si se quiere, en la que todo el mundo es corrupto y, por ende, se olvidan las implicaciones políticas de la trama, aquellas que conciernen a las consecuencias de una privatización de la seguridad nacional. Ya había disculpado el espectador más exigente las forzosas conexiones, pero estaba dispuesto a llegar al final con una interesante reflexión periodística y política sobre lo que no aparece en los medios y las razones por las que no lo hace.

Ni tan siquiera esos melancólicos títulos de crédito finales, describiendo el aspecto ya anacrónico de la imprenta de un periódico en sus últimas horas de vida. La pregunta que queda es si puede el cine hecho para las audiencias generales ser realmente subversivo o las correcciones de guión fuerzan a toda idea que contenga propuestas inquietantes termine de un modo más bien inofensivo. Tal vez sea exagerar un poco, pero esta película dice mucho sobre la situación estética, política y ética de cierto cine de masas.

Dirige McDonald, sin demasiado alardes más allá de una rutinaria aplicación del poderío de los Alan J. Pakula de los setenta, el guión, basado en la (superior) serie de la BBC, fue escrito por Billy Ray, Matthew Michael Carnahan, Tony Gilroy y Peter Morgan. Todos estos guionistas parecen capaces de escribir progresiones dramáticas con más sentido que la de esta película. En general, estoy de acuerdo con Alberto Abuín. Mis compañeros Juan Luis Caviaro y Beatriz Maldivia fueron más partidarios en su día.

“Hola, me llamo Íñigo Montoya. Tú mataste a mi padre. Prepárate a morir”

-Ínigo Montoya (Mandy Patinkin)

Hubo un tiempo en que Rob Reiner nos tenía a todos desconcertados, tanto por su buena fortuna como por un singular talento que parecía capaz de salir airoso de todo tipo de proyectos, por muy dispares y complejos que fueran, y de todos ellos salía con notable alto. Entre 1986 y 1992 dirigió cinco películas que han quedado como el ejemplo de un cine comercial de altísima calidad, y en las que cabía el suspense, la aventura juvenil, el retrato de pareja, el terror, el cuento de hadas, el humor negro…Realmente era un director que se había ganado un respeto y un lugar entre los mejores artesanos de su tiempo. Desgraciadamente se le acabó la buena fortuna, y desde 1994 ha dirigido media docena larga de películas que apenas han despertado el interés del respetable, por mucho que el bueno de Reiner haya intentado regresar a esa época dorada, que cada vez queda más lejos en la memoria.

Sin embargo, bastante antes de que se le terminase la inspiración o el talento o la suerte, Reiner tuvo la suerte de dirigir uno de los mejores guiones de aventuras de los últimos treinta años, escrito por el gran guionista William Goldman (Chicago, 1931), el cual adaptaba su propia novela. ‘La princesa prometida’ (id, 1987) es una magnífica película de comedia, de aventuras, de fantasía, de venganza. Pero sobre todo y ante todo es una celebración del cine, un cuento que podemos ver una y mil veces, y siempre lo pasamos en grande. El título perfecto para ver un día de lluvia, preferiblemente con una buena taza de chocolate caliente, y sin olvidarnos de las imprescindibles sustancias psicotrópicas. ‘La princesa prometida’ jamás tuvo mayor pretensión que la de divertir y dejarnos bien a gusto, y quizá por eso ha pasado a la historia del cine americano.

Resulta dificilísimo, por no decir imposible, encontrar una película de aventuras, incluidas todas las de animación que en los últimos años nos están llegando, y que de alguna forma imitan o parten de algunas de las ideas y chistes de esta película, que llegue al nivel de surrealismo y de subversión narrativa de ‘La princesa prometida’, relato de libertad absoluta. Y que, sin embargo, gocen de un guión tan asombrosamente férreo, construido en apariencia sin costuras, pero que se sospecha elaborado hasta el mínimo detalle, pues en su esqueleto nada sobra y nada falta. Es decir, nos encontramos ante un ejemplo de ascetismo y de austeridad que, a la postre, se revela riquísimo en imaginación, fecundo en personajes llenos de vida y dibujados con precisión, y casi inagotable en ideas, chistes, inventiva y amor por el cine y los cuentos. Filmada en impresionantes paisajes de Inglaterra e Irlanda, hacen faltas más películas de la belleza de esta.

Espadas, acertijos, resurrecciones

Con ‘La princesa prometida’ el cine parece volver a nacer, rejuvenecido y revitalizado. Tras empezar con el recurso del abuelo que le lee un cuento al nieto, recurso que no se encontraba en la novela, y que la enriquece aún más, pasamos a la pura aventura sin más preámbulos, con la fenomenal persecución en los Acantilados de la Locura, y posterior secuencia de esgrima, secuencia que puede ser, fácilmente, una de las mejores, más divertidas e ingeniosas de esgrima desde que Errol Flynn encarnara a Robin Hood. El hombre de negro se bate en duelo, pero antes un diálogo inolvidable sobre una espada, un padre muerto y una venganza en ciernes. Aquí da la impresión de que hay tiempo, energía y talento para todo. Aún le quedarán dos pruebas al hombre de negro, de astucia y de fuerza, para rescatar a Buttercup, pero claro…nada es lo que parece.

La película posee dos mitades bien diferenciadas: hasta que la princesa es liberada por el hombre de negro es la primera, y la segunda de nuevo el intento de rescate, con un Westley hecho polvo y ayudado en la empresa por los dos antiguos enemigos. Se habla de amor y de venganza en todo momento, pero no hay ni rastro de ñoñería ni de violencia comercial en todo el metraje, pues Reiner obra el milagro de un equilibrio estético muy notable, capaz de cautivar a personas de cualquier edad y, sospecho, de cualquier parte del mundo, ya que este cuento es completamente universal y disfrutable, aunque se esfuerce uno por lo contrario. Vamos, que te obligan a pasártelo a lo grande, quieras o no.

Y para la princesa perfecta, pocas más adecuadas que la bella y magnífica actriz Robin Wright, que hace una pareja muy estimulante con el divertido Cary Elwes (siempre un actor un poco bizco, pero a quién le importa), que va de guaperas aventurero y lo borda. Eso sí, ambos están rodeados de un grupazo de actores y rostros de primer orden: para el inefable y casi inmortal Íñigo Montoya (quizá el personaje más recordado) contaron con el estupendo Mandy Patinkin, que tiene algunas de las mejores frases. Para el gigantón turco Fizzik tuvieron la suerte de que André el Gigante, uno de los luchadores profesionales más famosos de la historia. Y hay más gente estupenda: Chris Sarandon como el odioso príncipe Humperdinck, Fred Savage, Peter Falk, Billy Cristal...

Magníficamente fotografiada por Adrian Biddle, en su segundo trabajo después del infierno de rodaje de ‘Aliens’ (id, James Cameron, 1986), y con un fabuloso, por decir algo suave, diseño de producción de Norman Garwood, que desgraciadamente se ha prodigado poco, y que contó con la ayuda de Richard Holland y Keith Pain en la dirección artística, todos nos acordamos siempre, al final, del magistral diseño de vestuario de Phyllis Dalton, toda una leyenda de su oficio, con títulos como ‘Lawrence de Arabia’ (id, 1962) y ‘Doctor Zhivago’ (id, 1965), ambas de David Lean, a sus espaldas, y por supuesto de la música de Mark Knopfler, que no se sabe por qué, pero es el acompañamiento ideal a sus imágenes. ‘La princesa prometida’, dentro de cincuenta años, seguirá tan joven, o más, que ahora. Tiempo al tiempo, el más justo de todos los jueces.

Rebecca Miller es una de esas autoras cuyo nombre no le dice demasiado al aficionado al cine, puede que al de la literatura sí, y aún así esta señora partiría con desventaja pues es muy probable que sea más recordada por ser hija de Arthur Miller o por estar casada con el ganador dos veces del Oscar, Daniel Day-Lewis, que por sus trabajos. Autora de cuatro largometrajes, en nuestro país sólo han conocido estreno los dos últimos incluyendo el que hoy nos ocupa y siempre con una más que limitada distribución, el gran mal de las películas pequeñas. Cintas como ‘La vida privada de Pippa Lee’ (‘The Private Lives of Pippa Lee’, 2009) tienen un bajo coste pero luego deben enfrentarse, en la mayoría de los casos, a estrenos tardíos y un rápido pase por las carteleras. Ni que decir tiene que muchas veces este maltrato por parte de las distribuidoras desemboca en un fracaso en las salas por lo que las productoras cada vez querrán arriesgar menos en films pequeños.

Esto tampoco quiere decir que todos estos films menores, por llamarlos de algún modo, posean una gran calidad. Puede que la mayoría —no me atrevería a decir todos, que luego me crucifican— sea muy superior a la interminable y pesada lista de blockbusters vacíos y sin sentido que nos llegan a lo largo del año, pero también hay excepciones. ‘La vida privada de Pippa Lee’ es una película que podría haber sido grande, memorable, y sin embargo una falta total de arrojo agua casi por completo un trabajo en el que Miller no pone demasiada pasión, quizá porque carece de ella.

Rebecca Miller adapta su propio libro, de tintes autobiográficos, narrando la historia de una mujer llamada Pippa Lee, casada con un hombre 30 años mayor que ella, un importante editor de prestigio. Un matrimonio basado sobre todo en el respeto mutuo, la tranquilidad y la amistad, que empieza a debilitarse cuando él cumple 80 años. Pippa no se siente feliz y algo en su interior despierta, el recuerdo de su vida de juventud, un pasado turbulento lleno de malas compañías, excesos y ganas de ser libre. Presente y pasado se enfrentan para dar solución a las inquietudes de una mujer que empieza a vivir de verdad en su etapa de madurez. Un drama en toda regla en el que parece haber espacio para un sinfín de temas, desde la diferencia de edad en una pareja, la juventud desperdiciada, las segundas oportunidades, lo poco que se conoce a la gente que está cerca, y traumas varios, entre otras cosas.

Pero lo que sobre el papel a lo mejor tenía un gran interés o era material suficiente para desarrollar un drama familiar de altura, sabe a poco en una película cuya factura remite en todo momento al típico telefilm por mucho que Miller intente escapar de ello mediante una estructura narrativa a base de flashbacks. En algún sitio leí que Pippa Lee bien podría haber sido uno de los personajes centrales de la serie de televisión ‘Mujeres desesperadas’ (‘Desperate Housewives’) —por cierto, yo lo dejé en la primera temporada, ¿me pierdo algo?—, el típico personaje femenino que tanto se lleva ahora. Una de esas mujeres resignadas a una vida que no soñaron, con un punto de rareza en su forma de ser, y con ganas de estallar frente a todo el mundo. Y así es, Pippa Lee se erige como lo más interesante de un film que termina cayendo en demasiados lugares comunes utilizando excusas argumentales bastante forzadas.

Y aunque Miller propone apuntes interesantes alrededor de su personaje, es gracias al excelente trabajo de la actriz Robin Wright Penn —pronto habrá que dejar de utilizar el apellido de Penn para referirse a esta preciosa mujer— quien realiza una de las mejores interpretaciones de toda su carrera. Uno casi llega a compadecerse de su personaje al que Wright viste con todo un muestrario de expresiones faciales y un saber mantener el plano que pocas actrices de hoy día son capaces de hacer. La pena es que Miller no ponga la misma entrega en lo que nos narra, dejando en manos de sus actores el verdadero peso del film, un mal muy extendido últimamente. La mayor parte de las situaciones planteadas carecen del más mínimo interés, ya sea por estar narradas con desgana o por quedarse en la superficie. Al menos allí los actores están fulgurantes. Todos menos uno.

Keanu Reeves es de lejos lo peor de la película, incluso por debajo del poco vigor de su realizadora. Lo de este actor es increíble, no es capaz de hacer creíble ni una sola de las escenas en las que sale, tal y como nos viene demostrando desde hace ya muchos años. Da igual que tenga que tenga que estar rabioso, o que tenga que besar y poner cachonda a una mujer, o se tenga que sorprender, el tío pone siempre la misma cara de palo para todo. Hay una secuencia de sexo entre él y Robin Wright que pone en evidencia las limitaciones del actor, insufrible donde los haya. Afortunadamente está Wright acompañada por gente como Alan Arkin, quien despliega toda su sobriedad en un personaje quizá algo maniqueo, y Julianne Moore, quien despliega toda su grandeza en un personaje muy secundario pero curiosamente mucho más interesante que otros más centrales. Por otro lado Maria Bello demuestra lo polifacética que puede llegar a ser, y Winona Ryder tal vez eche de menos otros tiempos mejores.

De agradable visionado ‘La vida privada de Pippa Lee’ transcurre sin sobresaltos, no aburre pero no entusiasma, todo en ella es demasiado amable, y lo poética que pretende resultar a veces —ese uso de la banda sonora que casi le da un carácter de cuento— no llega para elevar la película a donde quizá mereciera.

“¡Y que Dios nos bendiga a todos!”

Tiny Tim

Mañana viernes se estrena en España la nueva película de Robert Zemeckis, ‘Cuento de navidad’ (‘Disney´s A Christmas Carol’), el siguiente paso del realizador en la animación 3D y la técnica de la captura del movimiento, tras ‘Polar Express’ y ‘Beowulf’. A través de su empresa, ImageMovers, Zemeckis, que está convencido que la tecnología que está contribuyendo a desarrollar va a transformar el cine y hacerlo evolucionar, firmó un acuerdo con Disney cuyo primer fruto ha sido esta nueva versión del clásico cuento de Charles Dickens, la primera película de la empresa de Mickey Mouse que se estrena en salas IMAX 3D. Ya os conté que pude verla la semana pasada, en el estreno mundial que Disney preparó en Londres.

La historia de Dickens, como sabéis de sobra, gira en torno al viejo, gruñón y mezquino Ebenezer Scrooge (Jim Carrey), a quien en una nochebuena le visitan tres fantasmas, que harán que se replantee su vida y su actitud con los demás. Es el 24 de diciembre en el Londres de la era victoriana, y cuando todos se alegran por la llegada de la navidad, Scrooge es el único que vive amargado. Es una isla de egoísmo, cinismo y tristeza. Pero esa misma noche, en su casa, se le aparece el atormentado espíritu de su viejo socio, quien le anuncia que durante las próximas horas será visitado por los fantasmas del pasado, el presente y el futuro.

El ‘Cuento de navidad’ de Robert Zemeckis empieza con el libro de Dickens. Es su forma de decirnos que ha intentado ser lo más fiel posible con el original. El libro se abre (leemos “Marley estaba muerto”) y la primera página cobra vida. La ilustración del cadáver de Marley pasa del 2D al 3D. Ya estamos en el terreno de Zemeckis. Oímos la trabajada voz de Jim Carrey como Scrooge y seguidamente le vemos en una escena muy oscura, rodeado por otros dos personajes, a los que asombra con su avaricia; paga dos monedas para el entierro pero luego se lleva las dos que tapaban, de forma ceremoniosa, los ojos del muerto.

También asombra, al menos a un servidor, el realismo logrado en la animación por la compañía de Zemeckis. Los personajes parecen reales y el sus movimientos en el entorno digital impresionan. Pero algo falla ya desde el principio. Como pasaba en las dos anteriores películas del director, uno no ve personas ahí, por más que sean actores los que hayan prestado sus interpretaciones y sus voces a los personajes. Uno ve muñecos. Realistas y fantásticamente animados, pero muñecos, al fin y al cabo, que imitan personas. Lo que tiene de especial la historia de Dickens, la humanidad y la emoción, se pierde estando protagonizada por criaturas artificiales. Queda muy forzado y vacío, carente de sentido.

¿Qué le interesa a Zemeckis del cuento de Dickens? Nada más y nada menos que las posibilidades para el espectáculo, para el lucimiento de los efectos especiales y el trabajo de los animadores de su empresa. Y eso es la película. Un constante lucimiento de lo que ImageMovers es capaz de hacer, a día de hoy, creando “personas” en 3D a partir del trabajo de actores reales. No sé si Zemeckis cree de verdad que esto es lo que le interesa al público, pero dudo mucho que su intención sea otra que la de hacerse aún más millonario y popular, imaginándose a sí mismo como uno de los grandes creadores de la tecnología del cine del futuro (me temo que veremos muchas cosas así de aquí en adelante).

Quizá en unos años le visite el fantasma de Walt Disney o Frank Capra y le demuestre que estaba muy equivocado, que lo importante es la historia, que el público conecte con los personajes y lo que se cuenta en la pantalla, no meterlos en una montaña rusa de hora y media de persecuciones en tres dimensiones. De hecho, el atropellado viaje comienza justo tras la primera secuencia de presentación de Scrooge, en la funeraria. Zemeckis nos ofrece a continuación una exagerada (y seguro que muy costosa) panorámica por el Londres del siglo XIX, mostrándonos lo mucho que han trabajado sus empleados en crear una ciudad llena de vida, con gente por todas partes, paseando, corriendo, jugando o comprando en el mercado. Todos alegres y saltando como ranas.

Eso es algo que me chirrió bastante viendo ‘Cuento de navidad’. Porque nos venden la animación ultra-realista, que creamos que esos muñecos son personas, que estamos presenciando efectivamente su humana historia en una ciudad y un momento verdaderos… Pero los personajes no dejan de comportarse como dibujos animados. Corren, saltan y se golpean como si estuvieran hechos de goma, no de carne y hueso. Hay un momento, al principio, en el que Scrooge va a abrir la puerta de su casa y se asusta al ver la cara del fantasma de Marley; el suelo está helado, se resbala y da con la espalda contra los escalones de la entrada. ¿Le pasa algo? No. Enseguida se incorpora y aquí no ha pasado nada. No está mal para un anciano que usa bastón y apenas podía levantar el brazo para meter la llave unos segundos antes. Antes, su empleado, Bob (Gary Oldman), se había lanzado alegremente por una calle deslizándose como si fuera un patinador profesional, cayendo contra el duro asfalto sin ningún daño. Bueno, es que es navidad, ¿no?

Uno de los grandes atractivos de la película es, sin duda, contar con un reparto encabezado por Jim Carrey, Colin Firth, Robin Wright Penn, Cary Elwes y Bob Hoskins, entre otros. Bueno, en realidad, luego no es así, todo es un show protagonizado por Carrey, quien llega a dar vida hasta a ocho personajes diferentes (los tres fantasmas y Scrooge en cinco momentos diferentes de su vida), resultando que no pasa ni un minuto sin que veamos a alguno de ellos en pantalla; a veces hay hasta tres Carreys en la escena. Oldman y Firth tienen algo de presencia, pero lo del resto es muy secundario, sólo hay espacio para un actor. Pero lo peor es, repito, que la película fracasa cuando se supone que debemos emocionarnos, porque es imposible sentir empatía por estos muñecos.¡ Es todo tan falso! Zemeckis debería ver lo que se hace en los estudios Pixar o Ghibli, porque el hombre no se entera.

Por otro lado, hay algo de timo en esta nueva 3D estereoscópica. Al menos, en la usada en ‘Cuento de navidad’, que se supone que es lo más ahora mismo. Si os fijáis, en la mayoría de las escenas, lo que está en primer plano es un elemento verdaderamente irrelevante, puesto ahí para dar la sensación de profundidad, pero lo importante, lo que de verdad pasa, está al fondo, como en las películas corrientes. Esto es, que la película la hacen en 2D y en realidad da igual, sólo quitas los sustos para niños. Pero claro, no se vende igual. Ahora todo tiene que ser en 3D para luchar contra la piratería y convencer a la gente de que vaya al cine, a gastarse diez o más euros en el nuevo espectáculo de Hollywood. Pero esto va a durar poco, si lo que nos ofrecen es cosas como la de Zemeckis. La gente no es tan tonta, se va a cansar muy pronto de ver siempre lo mismo. James Cameron dice que el 3D de ahora se hace mal, que lo suyo es diferente, que ‘Avatar’ es otra cosa. Ojalá.

La taquilla norteamericana parece dar la razón al director que un día nos dejó maravillados (de verdad) con películas como ‘Regreso al futuro’ o ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’, pues ‘Cuento de navidad’ ha sido número uno el fin de semana de su estreno, pero las cifras son mucho más bajas de lo esperado. No tenía gran competencia para arrasar, y el presupuesto con el que contaron asciende a la friolera de 200 millones de dólares, sin contar con el dineral que habrá costado la intensa promoción; 34 millones en la primera semana no es para tirar cohetes, mirándolo con la perspectiva adecuada. Pero el acuerdo de Zemeckis con Disney todavía tiene años por delante, y el realizador parece tan contento en su burbuja que cuesta pensar que su próxima película será mejor. ‘Cuento de navidad’ es un paso más respecto a ‘Beowulf’ en cuanto a la tecnología, pero sigue careciendo de alma y emoción. Sigue faltando, en definitiva, verdadero cine.

Es todo lo que tengo que decir sobre eso…

-Forrest Gump

Hay películas que extrañamente, al menos para mí, gozan de un estatus de intocables, pues son “vacas sagradas”. Es decir, que basta que digas algo negativo sobre ellas para que sus seguidores se abalancen a por tí. Supongo que sus razones no tendrán (o sí, que sorpresas te da la vida), pero nunca he creído en las vacas sagradas, ni en los consensos generalizados. Siempre me han hecho sospechar que detrás de ellos lo que se esconde es pereza para cuestionar las cosas. ¿Por qué no se puede disentir?

La tentación es demasiado grande para no sucumbir a ella. No es cuestión de crear polémica (bueno, no en parte), sino de decir lo que se piensa por el mero placer de hacerlo. Me siento tan marciano cada vez que algún cinéfilo me cuenta lo mucho que ama esta película, que al menos tengo que concederme el capricho de escribir que ‘Forrest Gump’ es mucho más que el ‘E.T’ particular de Zemeckis. Este delirio yanqui es, probablemente, la más calculada y presuntamente ingenua oda a la grandísima falacia en que se ha convertido ese chiste llamado Estados Unidos.

Poética de las barras y las estrellas

Imaginemos por un momento que ésta película, en lugar de ser norteamericana, es española, o francesa (tampoco quiero dañar sensibilidades…). Así, en lugar de contarnos la vida de un chico que vivió y creció en la América Profunda, pues vivió y creció en Ávila, o en Normandía. Y en lugar de ir a la Guerra de Vietnam, pues sirvió en la Guerra de Ifni, o fue un activista de Mayo del 68. ¿Podría tener cabida ahí un retrasado mental y un tono de cuento de hadas? Creo que sería una historia ridícula. Pero, cosa curiosa, a pocos le parece ridículo si tiene lugar, como en esta memez de película, en los Estados Unidos. Hasta ese punto hemos llegado en la colonización (pseudo)cultural de ese país a otros territorios, europeos por ejemplo.

En otras palabras, la poética de la historia (que comenzó con el western…menos mal que tenemos a Peckinpah o al tito Clint) de Estados Unidos no puede tener lugar en ningún otro país del mundo, y las más de las veces no es más que una mentira, un romanticismo que encubre y justifica atrocidades históricas. Es decir, un impulso ultraconservador con el que el cine estadounidense, que estoy pronto a admitir que es el de más vitalidad del mundo (le pese a quien le pese) impregna a veces películas que requieren de un poco de perspectiva para ser juzgadas como merecen.

Porque de ingenuidad, mucho me temo, aquí no hay nada. Ingenuos seríamos nosotros, espectadores, si defendiéramos que, a fin de cuentas, Forrest va a la guerra, sí, pero allí pierde a su mejor amigo, además de que su superior (Gary Sinise, lo mejor de la película, pues es un gran actor) resulta terriblemente mutilado y sufre una vida, desde entonces, llena de miseria, y que sólo retomará cuando haga las paces con Dios… A mí no me basta nada de eso, pues me parece mucho más importante constatar que Zemeckis retrata aquella guerra con todos los tópicos a su alcance, y dota a ese evento de una superficialidad que, personalmente, me causa náuseas.

Ya, se supone que lo vemos todo según los ojos de Forrest. Pero eso es un arma de doble filo, porque si nos identificamos con él pasamos de la superficialidad a un ultraconservadurismo feroz, maquillado por la óptica del personaje, que justo cuando va a decir algo sobre Vietnam, ¡voilá!, se queda sin micro. Así, para Zemeckis (antes el gran director de ‘Regreso al futuro’ o ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’), este gran fresco de Estados Unidos le sirve para crear un cómic vistoso y bienintencionado, en el que nos cuenta la preciosa y un poquito sangrienta, pero en definitiva entrañable, historia de su nación.

Porque, a fin de cuentas, el mismo Forrest no es más que una parábola de lo más hermoso de ese país. Forrest representa el corazón roto de Estados Unidos, lo más puro y lo más noble que hay en él, su esperanza de futuro y su capacidad para olvidar el pasado. Es la cristalización definitiva del Sueño Americano, pues triunfa en los deportes, va a la guerra y se hace millonario gracias al duro trabajo. Y, para rematar esa vida que le espera a todo americano, si no se cuestiona las atrocidades de su país, conoce a varios presidentes. Qué vida más maravillosa…

Todo ello aderezado por un bonito piano cuando la cosa se pone triste, y con preciosas imágenes creadas por ordenador de atardeceres y paisajes exóticos. ¿Qué más se le puede pedir al cine?

‘El Juramento’ es la tercera película dirigida por Sean Penn, mucho más conocido como actor que como director, y cuenta con un reparto sencillamente impresionante que llama la atención incluso para el que no sepa absolutamente nada sobre esta película. Jack Nicholson, Robin Wright Penn (mujer de Penn), Aaron Eckhart, Tom Noonan, Helen Mirren, Vanessa Redgrave, Benicio del Toro, Mickey Rourke y Patricia Clarkson aparecen, en mayor o menor medida, en una película que, disfrazada de thriller, es más bien un drama repleto de melancolía y con trazos de tragedia griega antes que la convencional historia policiaca de suspense.

En ‘El Juramento’, hay un acercamiento a la América rural, tranquila y apacible donde nunca ocurre nada de trascendencia, y que de repente se ve sacudido por un acontecimiento pesadillesco, después de la cual la vida de sus habitantes nunca volverá a ser la misma. En este caso, el detective Jerry Black (Nicholson) interrumpe su ansiada jubilación para ayudar en la investigación del asesinato de una niña de ocho años. Conmovido por la dureza de las circunstancias que rodean a todo el caso, Jerry Black jura encontrar al asesino para evitar que algo así vuelva a ocurrir. Que se lo tome a modo tan personal pronto le provoca una sensación de alerta permanente, casi paranoica, donde no puede fiarse de nadie, todo el mundo miente y oculta los detalles que podrían hacerle avanzar en sus pesquisas.

El estilo preciosista de Sean Penn, que más tarde ha mostrado también en la floja ‘Hacia rutas salvajes’, inunda todos los aspectos de la película. El escenario rural, nevado, en que se ambienta la historia ayuda a condensar todo en un tono puramente melancólico, y junto a la música discreta aunque emotiva de Klaus Badelt y Hans Zimmer, ofrece una experiencia inolvidable. Porque, ante todo, ‘El Juramento’ no es una película fácilmente digerible, más bien es el éxtasis, la cumbre de una perspectiva única dentro del séptimo arte. De esto deben haberse dado cuenta los actores, porque todos se muestran igualmente implicados. El por entonces semidesconocido Aaron Eckhart, que ahora interpretará a Harvey Dent en ‘El Caballero Oscuro’, salpica de carisma todos los planos donde sale. Pero claro, enfrente tiene al todopoderoso Jack Nicholson en una de las (no me van a creer) mejores interpretaciones de su carrera. Jerry Black es un detective apocado, pasivo, que resuelve los casos de forma entregada pero su eficiencia habla por sí sola. La más floja seguramente es Robin Wright Penn, pero tampoco lo hace mal, simplemente queda en un segundo plano si la comparamos con el resto del reparto.

A pesar de la estética minuciosamente preparada para exprimir belleza de donde no la hay, la película no omite escenas cruentas, como la protagonizada por Benicio del Toro. Asimismo, Helen Mirren y Mickey Rourke tienen su propia escena (en singular), y desarrollan todo su talento al servicio de la consistencia de la trama, que progresivamente va tornándose en una historia sobre la paranoia, la obsesión por cumplir el juramento realizado, el de encontrar a un asesino que se escabulle, que no se deja ver fácilmente. Jerry Black podría estar jubilado, y lo ha aplazado para capturarle él mismo. Y eso le corroe por dentro, a la vez que ha reinventado el sentido de su propia vida. ‘El Juramento’ es, pues, una película con una interesantísima evolución de personaje, SPOILER que acaba de la manera menos esperada posible, con una situación tan injusta como “lógica”, a juzgar por lo visto a lo largo del metraje. Esos dos minutos finales, en los que Jack Nicholson hace literalmente lo que le da la gana, son realmente demoledores, y dejan al espectador con la boca abierta sin mucho esfuerzo FIN SPOILER.

Habrá quien diga que ‘El Juramento’ acusa demasiado un ritmo no lento pero sí relajado. Y es cierto. De ahí que dure 125 minutos, y pudiera dar la sensación de que con más empeño, Jerry Black podría haber dado con las claves del misterio en menos tiempo pero con mayor agilidad. Pero justifico enteramente la duración de la película, porque esos actos, que no son más que diálogos con esos personajes nómadas en la trama, son el perfecto contrapunto para el envolvente mensaje que se insinúa poco a poco: la cosa no va a acabar del todo bien, y Jerry Black es el primero que lo sabe, muy a su pesar.

Sean Penn no explica, insinúa. Trata con muchísimo respeto al espectador, y sabe dar silencios en sus escenas, no para dotar a su film de pretenciosidad, sino para alternar momentos de “acción” con otros de libre albedrío para quien se digne a ver su película. ‘El Juramento’ exige de uno el pensar sobre la historia. Su aire hipnótico, gracias a la intensa fotografía, está más que preparado para este propósito. En la película se intuye sabiduría, resignación ante un mundo imperfecto que se mira con un prisma equivocado, que no es indulgente con los buenos y los malos pueden quedar impunes. Un mundo con más preguntas que respuestas. En definitiva, ‘El Juramento’ observa nuestro mundo de forma reflexiva, y todo bajo la tutela de un habilidoso thriller policiaco. Nada menos.

‘El Juramento’ es, en resumidas cuentas, una obra maestra absoluta. Un prodigio de dirección y guión, y una inolvidable ambientación. Quizá sería exagerado afirmar que se encuentra entre las mejores de la década, pero desde luego es imperdible. Les dejo con una escena memorable: la de Mickey Rourke, que encarna al padre de la niña asesinada, que en menos de un minuto actúa insuperablemente, se come la pantalla y de paso muestra la cara visible de la historia que se cuenta: la del dolor.

Compruebo estupefacto, aunque a estas alturas ya no debería sorprenderme nada, que ‘Hurlyburly’ tiene un buen número de adeptos, y curiosamente también todo lo contrario. Lo segundo me parece muy lógico, pero no deja de llamarme la atención qué verán ciertas personas en este tipo de películas (las que son malas, por supuesto), y cómo las opiniones son tan dispares (y enriquecedoras, por supuesto). A un servidor, ‘Hurlyburly’ le ha parecido uno de los films más pretenciosos, aburridos y pedantes que he visto en mucho tiempo. Más detestable aún que ese tipo de cine palomitero, vacío, pero con un sentido y una intención. Lo de esta película no tiene nombre, es simplemente querer tocar las narices, y no es precisamente esa parte anatómica en la que estoy pensando.

SPOILERS

‘Hurlyburly’ está basada en una obra teatral de David Rabe, la cual tuvo su estreno allá por a1984 en la ciudad de Chicago, con un casting espectacular: William Hurt, Christopher Walken, Sigourney Weaver y Harvey Keitel. Lo que hubiera dado yo por ver a estos actores en la adaptación cinematográfica, ya que los veo mucho más aptos que Sean Penn, Kevin Spacey, Robin Wright Penn y Chazz Palminteri. La película habla de un grupo de personas pertenecientes a la clase social alta del mundo de Hollywood, y de cómo sus vidas son enormemente vacías, con ridículos problemas existenciales, y viciadas por el exceso con el sexo y las drogas. Gente literalmente podrida por dentro.

Todo esto queda bien constatado en menos de diez minutos de metraje. Todos los personajes de la película ya han hecho acto de presencia y las cartas quedan sobre la mesa. A partir de ahí no hay nada más, la película no evoluciona hacia ningún lado, y con ella los personajes quedan muertos, estancados en un mismo punto, el de su miserable existencia. Si al menos esto sirviese para explotar el universo interior de una serie de personajes a cada cual más lamentable, y que éstos no tienen solución ni salida de un mundo en el que se encuentran demasiado sumergidos, pues la experiencia de ver ‘Hurlyburly’ hubiera valido para algo. Pero no, la película está narrada de forma aleatoria, presentando situaciones absurdas, una tras otra, y en la que el uso de la palabra termina siendo algo realmente insoportable. Evidentemente, el film no oculta su origen teatral, y si tal vez sobre un escenario el material presentado puede funcionar a la perfección, en cine, el asunto es de lo más soporífero. Palabras y más palabras, sin sentido, locas, incoherentes, metidas en frases recitadas por unos personajes perdidos, sí, y al mismo tiempo inútiles.

El trabajo actoral de ‘Hurlyburly’ es de lo más decepcionante del conjunto. Podríamos considerar a Sean Penn el personaje central, y el actor, aunque parece encontrar en su salsa, está muy lejos de algunos de sus grandes trabajos, algunos de los cuales vendrían años después. Histriónico hasta decir basta, al lado de un Kevin Spacey en el que probablemente sea el peor papel de su más que fructífera carrera, un numerito en el que parece estar imitando a Christopher Walken (quien interpretaba el mismo personaje en la obra teatral) como si se tratase de una de sus imitaciones e el Actor´s Studio. Robin Wright Penn hace gala de una belleza sin parangón, y siempre me ha parecido muy mal el poco reconocimiento que ha tenido esta actriz ya lleva unos cuantos años haciéndonos disfrutar de su presencia. Chazz Palminteri está muy, pero que perdido. Garry Shandling y Meg Ryan aparecen lo justo para ser reconocidos, y lo de Anna Paquin, en un rol realmente sorprendente, no tiene nombre. La introducción de su personaje en la trama sirve únicamente para subrayar lo evidente y obvio.

Cualquiera de todos ellos está francamente mal, y el director, Anthony Drazan, quien curiosamente no volvió a dirigir ninguna película más para el cine, no hace absolutamente nada para intentar arreglar el caos. Y si lo que se quería es representar precisamente el mundo caótico de una serie de personajes sin futuro como seres humanos, la operación le ha salido rana. Se puede realizar un estudio incisivo y sin piedad sobre lo planteado en la película, pero sin ser tan pedante y pretenciosamente aburrido. No os perdáis las entrevistas a los actores en los extras del dvd. No tienen desperdicio.

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Miller, hija de Arthur Miller y esposa de Daniel Day-Lewis, ha adaptado para la gran pantalla su propia novela, aún por publicar. La historia se centra en una mujer de 50 años cuyo marido la deja por otra más joven, desestabilizando su vida y haciendo que se replantee su sexualidad.

En cuanto a los papeles que interpretarán los actores recién incorporados, decir que Reeves se ocupará de encarnar al amante de la protagonista. Arkin, último ganador del Oscar al mejor actor de reparto (por ‘Pequeña Miss Sunshine’), interpretará al marido que deja a Wright Penn por Ryder. Bellucci encarnará a su primera esposa. Un momento… ¿¿Arkin?? Si fuera Sean Connery, a lo mejor colaba… En fin, supongo que estará todo muy bien explicado en el guioncito…

El rodaje de ‘The Private Lives of Pippa Lee’ comienza el próximo mes de abril en esa ciudad tan bonita que es Connecticut.

Colin Farrell está ahora de actualidad en nuestro país gracias al estreno de ‘Cassandra´s Dream’. Yo siempre he defendido a este actor, el cual siempre me parece muy entregado en sus papeles, a pesar de ese aire de rebeldía que tiene, y que alguna que otra vez ha jugado en su contra. Pero creo que nada tiene que ver su vida personal con su vida artística, aunque los espectadores muchas veces nos dejemos llevar y confundamos una cosa con otra. Desde que se dio a conocer en la pasable ‘Tigerland’, Farrell ha demostrado ser bastante polifacético interviniendo en todo tipo de películas, algunas destacables, otras no tanto.

‘Una Casa en el Fin del Mundo’ pertenece al segundo grupo, y ya no sólo por tratarse de una película muy mala, sino porque contiene la que muy probablemente sea la peor interpretación de Farrell. La película, que entre nosotros se estrenó de tapadillo hace poco más de un año, está basada en la novela de Michael Cunningham, de quien hace tiempo vimos otra adaptación suya, la estupenda ‘Las Horas’, y en Diciembre veremos otra: ‘El Atardecer’.

De hecho la historia de ‘Una Casa en el Fin del Mundo’ tiene algunas coincidencias con la de ‘Las Horas’, sobre todo en cierto personaje que en aquélla estaba protagonizado por Ed Harris. La película narra la historia de amistad entre dos chicos y que abarca desde los años 60 a los 80. Una relación especial entre dos amigos bien diferentes entre sí, pero que los marcará profundamente, tanto a ellos como a todo aquel que se acerque lo suficiente, emocionalmente hablando.

La película fracasa en todos sus aspectos. Primero por una puesta en escena por parte de Michael Mayer, totalmente anodina, y sin garra ni personalidad. Y segundo porque todo en ella resulta de lo más obvio y facilón, recurriendo en muchas de sus situaciones a lo más típico, sin ni siquiera preocuparse por tratarlo con un mínimo de calidad. La historia, a pesar de su evidente interés, el cual sólo debió existir sobre el papel, no llega a enganchar en ningún momento, entre otras cosas porque no existe la más mínima progresión dramática. Por mucho que los años pasen y los personajes crezcan, éstos no evolucionan, y el final es como el principio, y el principio como el medio, y así sucesivamente. Por otro lado, el director cae en bastantes convencionalismos a la hora de emplear ciertos elementos narrativos, como el hecho de adornar los distintos años con canciones típicas de la época, pero incluso esa elección de canciones resulta de lo más evidente, y ni siquiera apoya narrativamente a la película.

Pero el aspecto que me ha parecido el peor en ‘Un Casa en el Fin del Mundo’ es la interpretación de su protagonista principal, Colin Farrell, el cual sorprende por no convencer ni lo más mínimo, dando además la sensación de estar enormemente incómodo en su personaje, algo que en Farrell llama bastante la atención. Incluso la química con sus compañeros de reparto no existe, a pesar de intentarlo profundamente con Dallas Roberts, más entregado que Farrell en su personaje. Cuando entra en escena Robin Wright Penn como la tercera en discordia, la película desaprovecha la oportunidad de darle una vuelta de tuerca a la trama, prefiriendo recorrer caminos ya andados, y desaprovechando también el enorme potencial de la señora Penn como la excelente actriz que es. También sale Sissy Spacek, como la madre de uno de los protagonistas, estableciéndose en cierto momento una situación de lo más atrevida, pero que tanto guionista como director no se atreven a llevar hasta sus últimas consecuencias.

Una película muy mala que no consiguió ningún tipo de repercusión allá donde se haya estrenado. Aquí, desde el pasado Abril ya está disponible en dvd. Desde luego es mejor que la anterior película de la que os he hablado, pero por muy poco. Imaginaos.

El pasado Marzo se estrenó en nuestro país ‘Breaking and Entering’, la última película dirigida por Anthony Minghella. Lo curioso es que su distribución fue limitadísima sin que aún conozcamos el motivo de ello. Decían por ahí que en la productora no sabían muy bien cómo vender un film de estas características, el cual no termina de definirse en ningún género. Ese es el problema de muchos productores, cuando se les presenta algo inclasificable se ponen nerviosos y lo más lógico es que no apuesten por el producto. Y resulta más curioso aún cuando en el reparto de la película figuran nombres tan conocidos como Jude Law, Juliette Binoche y Robin Wright Penn. Es evidente que esos tres no son garantía de un bombazo comercial, pero sí lo suficientemente conocidos por el público como para que la película pueda responder en la taquilla.

‘Breaking and Entering’ narra la historia de una pareja con ciertos problemas que viven en Londres. Él es un importante arquitecto que un día sufre un robo en su empresa, prepetrado por unos jovenzuelos que repiten el robo. Una noche siguien a uno de esos ladrones, nuestro protagonista conocerá a la madre del mismo, con la que comenzará una relación especial, planteándose muchas cosas al respecto de su propia vida.

Minghella siempre se ha caracterizado por narras historias íntimas, aunque en el caso de ‘El Paciente Inglés’ (si no fuera por su primera media hora estaríamos hablando de una gran película), ‘El Talento de Mr. Ripley’ (excelentes actores, pero historia sin pasión) y ‘Cold Mountain’ (con el enorme problema de tener que aguantar a una insoportable Nicole Kidman), estaban apoyadas por cierto halo de grandiosidad típico de una superproducción (‘Un Marido para mi Mujer’ vamos a dejarla de lado a pesar del simpático Matt Dillon). Precisamente eso es lo que no tiene esta película, es como si Minghella haya descendido un poco sus intenciones de querer contar algo grandioso, y haya querido hacer un film mucho más cercano y tranquilo, por así decirlo.

Esto juega a favor y en contra del film al mismo tiempo. A favor porque tenemos un film sencillo, fácil de seguir, realizado muy correctamente y bastante bien interpretado en el que se ve que todos han estado muy cómodos realizándolo. Y en contra, porque curiosamente esa falta de pretensiones hacen que la película no tenga ni la más mínima trascendencia, y ahí es donde Minghella fracasa, pues no logra dejar huella contando una historia sencilla, algo que sí lograba por ejemplo un Robert Bresson, y no trato ahora de comparar a los dos directores, porque sería enormemente injusto para Minghella, pero éste nunca ha sido un gran director, aunque sí ha tenido a su alcance los elementos adecuados, que por sí solos ya lograban cierta calidad.

La película no aburre y se sigue con cierto interés, pero hay algunas cosas de su trama que no están bien mostradas. Al respecto cabe citar la relación entre Jude Law y Robin Wrigth Penn, la cual nunca termina de estar clara, y ella anda como un poco perdida, hasta cierto giro final en el que todo se decide y uno se pregunta si no le estarán tomando un poco el pelo. No es que sea demasiado alarmante, pero el final del film desentona bastante con el resto, peca un poco de incoherente y lastra por supuesto algunas de sus posibilidades. Los actores indudablemente están todos en su salsa y muy creíbles, uno de los aciertos de la película. Al lado de Law y Wright Penn tenemos a una Juliette Binoche demostrando una vez más lo mucho que le gusta poner acentos, y en un papel secundario está Vera Farmiga, mucho mejor actirz de lo que parece, interpretando a una prostituta que mantiene una curiosa relación de amistad con el protagonista.

Una película correcta, que inexplicablemente casi ha pasado desapercibida. Me pregunto qué ocurrirá cuando la editen en dvd, si correrá la misma suerte. Esperemos que no y que la gente la descubra. No es un gran film y no pasará a la historia, pero tampoco es un producto desdeñable, tiene su interés, a parte de ir un poco a contracorriente dentro del actual panorama norteamericano, y sólo por eso mereció mejor suerte en su distribución.