Cuando en esta capciosa sección de crítica a la carta, salió elegida ‘Amor a quemarropa’ (‘True Romance’, Tony Scott, 1993), servidor se alegró, dentro de lo poco sorpresivo de la petición, porque durante años consideró el film como el mejor de toda la irregular filmografía de su director. Pero una vez más me ha tocado revisar un film que hacía tiempo no veía y del que siempre he guardado excelente recuerdos, para comprobar que el inexorable paso del tiempo no perdona absolutamente nada. Pero que no cunda el pánico entre los sufridos lectores, que mi percepción del trabajo de Scott no lo pone ahora como uno de esos bodrios que me encanta despreciar. Simplemente no me parece la maravilla que creí ver con 23 años. El guión del tan admirado —no por un servidor— Quentin Tarantino fue cambiado de forma radical por Tony Scott, tanto que el director de ‘Pulp Fiction’ (id, 1994) reniega en cierto modo de este film, del mismo modo que reniega de ‘Asesinos natos’ (‘Natural Born Killers’, Olvier Stone, 1994).

La razón de este rechazo se encuentra en el hecho de que las historias de ambos films formaban en principio un guión único firmado por el propio Tarantino y su amigo Roger Avary —extraño y desconcertante guionista que también tiene una olvidable filmografía como director—. El mismo estaba construido a base de saltos en el tiempo, al estilo de su obra más conocida, influenciado, cómo no, por la poderosa película de Sergio Leone ‘Érase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’, 1984). Tony Scott optó por realizar una historia siguiendo el orden cronológico de los acontecimientos. Curiosamente no puede evitar el carácter segmentario del mismo, tal vez su mayor defecto.

‘Amor a quemarropa’ narra la drástica historia de amor entre Clarence Worley (Christian Slater) y Alabama Whitman (Patricia Arquette), el dependiente de una tienda de cómics, enganchado a las películas de artes marciales y ferviente admirador de Elvis Presley, y una prostituta que es contratada para alegrar el día de cumpleaños de Clarence. Lo que empieza como un encuentro pactado termina siendo una ardiente relación amorosa, que deja a su paso un montón de muertos. Así pues en la más pura tradición de su guionista, Tony Scott nos ofrece todo un festival de excesos, a veces muy controlados por sus actores, y otras no tanto. A pesar de que Scott rueda con un mínimo de eficacia —otro tema es el poco control que tiene sobre el montaje en determinados instantes, en los que se deja llevar por la euforia, confundiendo dinamismo con efectismo—, son sus actores, aunque no todos, los que sostienen un film cuya historia está poblada de momentos intensos, pero cuyo entramado dramático es prácticamente inexistente.

Así pues la película parece una oportunidad para que unos cuantos actores de mayor y menor valía se luzcan delante de la cámara, apoyados en la típica verborrea vacía de Quentin Tarantino, solventada en ocasiones por la experiencia de los intérpretes. De esta forma ‘Amor a quemarropa’ es un conjunto de set pieces con el numerito estrella del actor correspondiente. Christian Slater ser queda pequeño ante una de las sorpresas de la película, y que a día de hoy sigue conservando toda su frescura: Patricia Arquette. La hermana de Rosana Arquette compone una Alabama frágil, juguetona, inocente, sensible y con un carisma arrollador. Es imposible no sentir deseo, simpatía y cariño por ella, todo lo contrario que Clarence que parece un gilipollas con suerte. Aunque Slater era un actor muy de moda aquellos años, su interpretación es de las peores de la película y la química con Arquette es extrañamente intermitente.

De su extenso y espectacular reparto, el primero en hacerse notar es Gary Oldman, un año después de convertirse en el vampiro más famoso de todos los tiempos a las órdenes de Francis Ford Coppola. Oldman da vida a Drexl, el chulo de Alabama y al que Clarence visita para dejar claro que su chica le pertenece sólo a él y a nadie más. Antes de que este tramo termine violentamente, como todos, Oldman hará gala de su camaleonismo, dando vida a un blanco con acento de negro, algo que se pierde en el lamentable doblaje. Val Kilmer es Elvis, aunque jamás se le enfoca con claridad, uno de los grandes aciertos del film, y un primerizo Brad Pitt hace de fumao bocazas. Bronson Pinchot, famoso en nuestro país por ‘Primos lejanos’ (‘Perfect Strangers’) exagera su patético personaje hasta límites insospechados, al igual que Chris Penn y Tom Sizemore.

Pero si ‘Amor a quemarropa’ posee un momento verdaderamente intenso y que demuestra la importancia de los actores, ése es sin duda el diálogo entre Christopher Walken y Dennis Hopper. Una secuencia en la que el Scott más inspirado se revela como un perfecto controlador del tempo narrativo y la planificación. En ella somos testigos además de lo alto que pueden llegar dos actores de la talla de Walken y Hopper, en un duelo interpretativo único de una precisión y entendimiento mutuo envidiables. Scott acierta en la elección del tema musical ‘Sous le dôme épais où le blanc jasmin’ de Léo Delibes, ya utilizado por Scott en ‘El ansia’ (‘The Hunger’, 1983), perfecto marco para la fascinante historia de los sicilianos y los negros que Worley (Hopper) narra con satisfacción con la única esperanza de una muerte rápida.

A ratos entretenida, a ratos insufrible —sobre todo esa parte final, una ensalada de tiros mareante y confusa—, ‘Amor a quemarropa’ es una de esas películas que no resisten bien el paso del tiempo —en realidad los que cambiamos somos nosotros—. Con todo, supone uno de los mejores trabajos del mediocre Tony Scott, y evidencia el penoso guionista que es el sobrevalorado Tarantino, que con cuatro frases chulas ya se cree que tiene una historia.

Por favor, sean ustedes más certeros a la hora de pedir películas en esta sección. Sorpréndanme, que aún no se han acercado ni un poquito.

Antes del estreno de ‘Beowulf’, lo nuevo de Robert Zemeckis, Antonio Toca nos refrescaba la memoria y nos mostraba cómo los responsables de este film se habían “inspirado” en la exitosa ‘300’. Y es curioso lo que ha pasado con estas dos películas. Os cuento. El título de esta crítica hace referencia a aquella que publicó Alberto Abuín cuando vio la película de Zack Snyder.

En ese texto, mi querido amigo comentaba, más o menos, y no perdiendo la oportunidad para señalar la diferencia de edad entre él y yo, que la perfección visual del film estaba reñida con el “alma” de la historia. Sin embargo, como sabéis, no opina lo mismo de ‘Beowulf’, que le parece una muy buena película. A mí me ha pasado al contrario. Considero que ‘300’ es bastante superior a la película de Zemeckis, a la que le pierde ese intento por asombrar con la animación digital y no cuenta apenas nada. No sólo por esto, pero es que el Leónidas de Gerard Butler deja en pañales al muñecajo al que pone voz Ray Winstone. Y en cuanto a la edad, creo que ambos productos se destinan al mismo público (independientemente de la calidad de los mismos). Por cierto, ¿qué opináis vosotros?

‘Beowulf’ se estrenó en España el pasado 23 de noviembre pero aún resiste en muchas salas. Basada en un poema anónimo, con guión de Neil Gaiman y Roger Avary, la película gira en torno a un héroe llamado Beowulf, que llega para derrotar al temible monstruo Grendel, que tiene aterrorizados a todos. Lo consigue y se convierte en rey, gracias a un misterioso pacto con una mágica mujer, que realmente es la madre del monstruo. Pronto, la verdad saldrá a la luz y se iniciará una terrible venganza.

Zemeckis utiliza la poca historia que tiene entre manos para desplegar un espectáculo visual sorprendente. ‘Beowulf’ es un festival de efectos especiales. Pero no tiene una historia bien desarrollada y sus personajes, casi todos, son vacíos y carecen de interés. Y da igual. A Zemeckis le interesa que veamos lo espectacular que resulta ver un cuerpo despedazado o cómo vuela un objeto a lo largo de una habitación o lo realista que ha quedado un cuerpo musculoso modelado por ordenador. No sé a vosotros, pero a mí eso me importa un pepino. Sí, desde luego, impresiona el avance técnico. Pero, ¿qué dura esa impresión? Un instante. La película dura casi dos horas. Se hace pesada, Beowulf no tiene carisma y lo que sucede a su alrededor se puede resumir en que hay un par de monstruos que deben ser eliminados. El salto temporal para avanzar la escasa trama sólo evidencia lo que interesa a Zemeckis. La acción digital preciosista. Sólo así se entiende que también nos muestre un relato sobre Beowulf luchando contra monstruos marinos. Muy espectacular, sí, pero totalmente innecesario.

Cada vez nos volvemos más insensibles a los grandes repartos, dado que se está convirtiendo en algo habitual que los grandes estudios pueden permitirse incluir en sus productos un buen puñado de nombres conocidos y hasta de prestigio. En la película no lo vemos, pero gente como Ray Winstone, Anthony Hopkins, John Malkovich, Robin Wright Penn, Brendan Gleeson, Crispin Glover, Alison Lohman y Angelina Jolie han trabajado en ‘Beowulf’. En general, todos podrían pertenecer a mi querido club de los muñecos de cera; si los rostros fueran reales, claro. La peor parada es la reina tras la que se esconde Wright-Penn, cuyo personaje es el colmo de la inexpresividad, su rostro es el de una muñeca inmaculada sin facciones humanas. Y eso que los demás no llegan a ser humanos en ningún momento. Creo que el haber pretendido imitar tan perfectamente a los actores que interpretan a los muñecos ha jugado en contra de la película. Miren los personajes de Disney, no son realistas pero emocionan. Se han olvidado que una rata azulada totalmente imposible puede llegar a transmitir mucho más que la simulación perfecta de una persona. O quizá les ha dado igual. En todo caso, este aspecto es muy perjudicial para el seguimiento de la historia. Si nos da igual Beowulf, ¿cómo vamos a estar implicados en lo que le ocurre? ¡Y durante dos horas! Es totalmente excesivo, injustificado.

‘Beowulf’ debería haber jugado en la liga de ‘El Señor de los Anillos’. Es decir, queremos contar una historia fantástica, por tanto necesitamos los efectos especiales para hacerla creíble y ofrecer un espectáculo cinematográfico gratificante. No al revés. Que, por otra parte, es lo que suele ocurrir, para nuestra desgracia. Tenemos la posibilidad de ofrecer adelantos tecnológicos brillantes, por tanto necesitamos una excusa, una historia mínima que requiera mucha acción, para que el público se maraville con los efectos especiales. Pero claro, así pasa que estas películas mueren en poco tiempo. No se recuerdan, porque son superadas en lo que pretenden destacar. En la memoria no va a quedar esta ‘Beowulf’. ‘El Señor de los Anillos’ sí. Y es que la técnica se mejora cada día. Las buenas historias cada día escasean más. Si tu película se destaca porque has ofrecido unos personajes digitales cuyos pelos de la nariz pueden distinguirse plenamente incluso en una noche lluviosa, da por hecho que mañana te superan en eso. Preocúpate mejor de que tu historia sea atractiva para el público y quieran estar todo el tiempo pensando en cómo el protagonista va a superar sus conflictos.

En resumen, ‘Beowulf’ no es más que una demostración de lo rápido que avanza la tecnología aplicada al cine, pero no una buena película, ni mucho menos. Sin una historia bien desarrollada, sin personajes interesantes, sólo con efectos digitales impresionantes. Resulta muy clarificador que la mejor secuencia de la película sea ya al final, cuando el personaje de Jolie se encara con el de Gleeson. Ahí, por fin, Zemeckis juega con lo mínimo necesario, con la magia del cine, con miradas, con tensión, con la complicidad del espectador. Un momento inquietante y muy poderoso que supera con creces cualquier ataque superespectacular de un dragón que vomita fuego y debe ser acuchillado brutalmente en el corazón de la garganta. Lástima que Zemeckis no lo viera así.

¡Y mejor que los anteriores! Este segundo trailer unrated de ‘Beowulf’, aparte de incorporar un poco de sangre y carne digital, me parece bastante mejor que los otros que habíamos visto. El 23 de noviembre llega a nuestras pantallas.

Recordemos que la película se basa en un poema anónimo, que han guionizado Neil Gaiman y Roger Avary, y cuenta la historia de un guerrero llamado Beowulf, que llega para acabar con un monstruo que tiene aterrorizada a una población. Dirige Robert Zemeckis y ponen voces a los personajes gente como Anthony Hopkins, Ray Winstone, Angelina Jolie, Crispin Glover, Robin Wright Penn y John Malkovich. Para ver el trailer, sólo tenéis que indicar vuestra fecha de nacimiento (sólo para mayores de 18 años). El mecanismo de seguridad es uno de los más brillantes que he visto en mi vida.

Seguimos con los trailers sin restricciones. En esta ocasión, un tanto inexplicable, porque lo único medianamente llamativo que incorpora este avance de ‘Beowulf’ que haga necesaria la condición de “para mayores de edad” es que Angelina Jolie aparece desnuda y, durante un breve instante, puede verse de frente. Bueno, mejor dicho, la que se ve desnuda es la versión animada de Jolie. ¿Y para qué? ¿Para que los técnicos de efectos especiales se monten sus propias películas pornográficas animadas? La actriz, la de verdad, la de carne y hueso, ya ha aparecido como Kubrick la trajo al mundo en otras ocasiones, en títulos como ‘Vidas Ajenas’ o ‘Gia’ (sí, son malas, pero ésa no es la cuestión).

En fin, todo sea por ayudar a promocionar el film, que, recordemos, ha sido dirigido por Robert Zemeckis a partir de un guión escrito por el prestigioso Neil Gaiman y el ex-coleguilla de Tarantino, Roger Avary. El estreno de ‘Beowulf’ en España será el próximo 23 de noviembre.

‘Beowulf’ | Ver trailer sin censura

‘Silent Hill’ cuenta la (simple) historia de una madre que quiere conocer el motivo de las pesadillas de su hija adoptada, la cual sufre de insomnio y, por ello, tiene comportamientos extraños (como dibujar iglesias). Para lograrlo, decide que debe ir a un lugar llamado Silent Hill (gran idea), pues su hija lo menciona obsesivamente mientras duerme. Su marido decide, valientemente, quedarse en casa y esperar a que ambas regresen. A pesar de dificultades como una policía curiosa o una carretera cortada, la madre y la hija llegan a Silent Hill tras sufrir un leve accidente con el coche. La niña desaparece y esto origina la trama principal de la película pues la madre saldrá en su busca, sola, en un pueblo fantasma lleno de criaturas horribles.

El francés Christophe Gans es el responsable de adaptar al cine el videojuego de Konami que revolucionó el género del ‘survival horror’. Este cineasta se ganó un cierto prestigio con la realización de la elegante y vacía ‘El pacto de los lobos’, aunque casi nadie se acordaba de su bodrio anterior, ‘Crying Freeman’, y su designación tranquilizó a la legión de fans que tiene Silent Hill en todo el mundo. No seré yo quien diga lo contrario. De hecho, ésta es su mejor película. Aunque esto no es nada extraordinario, viendo sus dos anteriores obras. Gans repite sus errores pero mejora en sus virtudes, aunque bien podría deberse a que el proyecto se lo pone en bandeja. ‘Silent Hill’ conserva la misma belleza visual de ‘El pacto de los lobos’ y, en general, un similar recargamiento formal, pero también su deficiente ritmo, provocando un severo daño a la narración. A este déficit hay que sumarle un guión pésimo, obra del impresentable Roger Avary, famoso por compartir el guión de ‘Pulp Fiction’ con Tarantino. Los diálogos son lamentables durante casi toda la película, llegando a producir vergüenza ajena en alguna escena (como la de los maullidos o cualquiera con Kim Coates en pantalla). Eso aparte de la ridícula explicación de todo lo misterioso que acontece en Silent Hill, tan absurda que provoca justo el efecto contrario al deseado: la risa.

En el terreno interpretativo, destaca Radha Mitchell, al llevar todo el peso de la película y ejercer de puente entre el espectador y lo que ocurre en pantalla. Su interpretación es correcta y sólo tiene algún momento flojo hacia el final, cuando el guión la obliga a soltar burradas para ganar la partida a sus oponentes. Resulta curioso como vuelve a cumplirse el tópico de que toda protagonista de película de terror tiene que aparecer siempre muy guapa y, sobre todo, con los pechos bien marcados, independientemente de la actriz de turno. Este topicazo llega a ser aún más evidente cuando entra en escena una policía cuya gran delantera está tan apretada por el uniforme que le llega casi al ombligo (Laurie Holden). Pero bueno, no seré yo quien me queje, que lo haga otro (u otra). En cuanto a Sean Bean o Deborah Kara Unger, simplemente están, él más que ella, pero para el caso es lo mismo. Se plantan delante de la cámara y ponen cara de circunstancias. Nadie les recordará por esta película, eso seguro.

Y paso ahora a comentar lo mejor de ‘Silent Hill’. En pocas palabras, tiene algunas escenas verdaderamente logradas, angustiantes. Gran parte de ‘culpa’ la tiene la inquietante banda sonora y una fotografía sobresaliente. Particularmente, me quedo con tres escenas que me parecieron brutales (no recomiendo leer lo que viene ahora si no se ha visto la película): la primera vez que la protagonista se interna en las profundidades de Silent Hill, bajando las escaleras y recibiendo la visita de los primeros seres aterradores; toda la escena en los servicios, con ese monstruoso ser deforme que sale arrastrándose; y, en último lugar, la aparición y el ataque de la enorme criatura con la menos enorme espada y una pirámide por cabeza. Dejando a un lado el acelerado y ridículo final, la película consigue transmitir el miedo que viven los personajes y ahí es donde radica su mayor logro. Lo cierto es que ‘Silent Hill’ es una película encorsetada por las concesiones necesarias para satisfacer al público masificado al que va destinada. Necesidades que los productores o jefazos de turno intuyen y sólo el éxito económico puede darles la razón (sólo buscan eso, está claro). Al parecer, no tenían razón del todo, pues la película no está funcionando tan bien en taquilla como para calificarla de gran éxito (según mis fuentes). Eso sí, si no fuera porque, irónicamente, muchos de los destinatarios de este producto comercial no quieren pagar la entrada del cine (para invertirlo en el botellón, claro) pero sí verla en el pc y opinar luego sobre la escenografía y la fidelidad de la adaptación, el montante económico sería mayor. No es que me afecte, pero es un aspecto a considerar.

En definitiva, una entretenida película de terror, fallida en su intento de destacar por encima de la media, bastante tópica, deudora de un pésimo guión y donde destaca la increíble labor de ambientación (la gran baza del origen de la película) de un universo grotesco, cuya cima se logra en algunas escenas impactantes, que cortan la respiración. Una lástima, porque hay momentos realmente buenos y el planteamiento inicial (parecía que) daba para más. Es posible que haya secuela y es posible que sea mejor. Sólo tienen que centrarse en lo que más interesa (el terror) y olvidarse de tanto tópico y explicaciones finales. Hay material para más y mejor.

En Blogdecine | Otra crítica de ‘Silent Hill’