Hay películas destinadas a marcar una etapa determinada de nuestra vida como los clásicos Disney durante nuestra más tierna infancia (me cuesta creer que haya alguien que de niño no cantase cada dos por tres alguna de sus canciones). El problema es que no todas las películas resisten igual de bien el paso del tiempo o, si preferéis llamarlo así, nuestra evolución como personas. Lo que un día nos emocionó puede que años después nos parezca una tontería de mucho cuidado, o también lo que en cierto momento de nuestra vida no supimos asimilar como es debido acabe convirtiéndose en una de nuestra películas favoritas. La cuestión es que el cine permanece inmutable (salvo cosas raras rollo George Lucas), por lo que el concepto de la objetividad a la hora de valorar una película es, como mínimo, discutible. Puede ser un tipo de humor con el que no comulgamos, un drama personal con el que no somos capaces de empatizar o ese cine diferente que busca únicamente crear sensaciones en el espectador, pero que no tiene porqué lograrlo.

Todo lo anterior viene a raíz de que me cuesta creer que alguien que vea ‘Willow’ por primera vez en la actualidad y no sea un niño llegue a disfrutar de verdad. De hecho, ya tengo dificultades para creer que un niño llegue a disfrutarla como la pequeña legión de fans que tiene la cinta de Ron Howard. Y es que ‘Willow’ es un exponente de película elevada por la acción de la nostalgia, ese elemento que nos hace sobrevalorar cosas de nuestro pasado que en realidad no eran para tanto. Ojo, no creáis que ésta es la primera vez que la veo y por eso vaya a optar por una aproximación cínica ante vuestra petición de hablar sobre ella, pero tampoco me voy a dedicar a alabarla futilmente. Lo primero que tengo que dejar claro es que ‘Willow’ ya no me convenció en un primer visionado, y eso que esté sucedió en horas de clase y me permitió pasar un poco de asuntos escolares. Ni por esas disfruté la película cuando parecía la situación ideal (la única salvedad es que tuve que verla doblada al euskera, la única cinta que recuerdo haber visto así), así que id imaginando lo que pasó con este revisionado ex profeso para hablaros de ella.

Uno de los primeros puntos que hay que comentar sobre ‘Willow’ es la importancia de la implicación de George Lucas como creador de la historia, ya que ésta guarda varios puntos en común con la mitología de Star Wars. Eso sí, el primer error que cometió fue delegar su historia en manos menos competentes de loa habitual, ya que confiar en las habilidades como director del insulso Ron Howard esperando encontrar en él a un complice del nivel de Steven Spielberg es el primer gran error de ‘Willow’. Howard no es un realizador que sepa imprimir personalidad a un proyecto, y eso es algo que puede pasarse por algo en según que tipo de producciones, pero una cinta de aventuras sin un director que sepa qué hacer con el material de base suele estar condenada a ser una memez de mucho cuidado. Y ‘Willow’ no es un oasis en su carrera, ya que se muestra incapaz de dotar de auténtica emoción a la aventura, un ritmo vibrante que lo compense o de un apartado visual fascinante. Y es que, soy consciente de que ‘Willow’ se hizo en 1988, pero cuesta entender la firmación de Lucas sobre que tardó tanto (el germen de la película data de 1972) en conseguir llevar su idea a la pantalla porque era entonces cuando los efectos visuales habían alcanzado una evolución suficiente.

No tengo problemas en reconocer en el hecho de que me encantan las escenas de combates con espada (los sables láser, al ser básicamente lo mismo, también me sirven), y es que, en su mejor nivel, creo que transmiten una épica especial que los peleas a golpes o los tiroteos no llegan a alcanzar. Por eso, mi decepción con ‘Willow’ fue más notoria, ya que nos ofrece nada relevante en este apartado cuando lo tenía todo de cara para dar el do de pecho. En el apartado de magía y hechicería tampoco mejora la cosa, ya que los animales parlantes, si bien no resultan particularmente ridículos (eso hay que dejárselo a cintas como ‘Zooloco’), no logran transmitir misticismo a la historia, sino que casi parecen sacados de una capa de comedia que la película nunca llega a remarcar lo suficiente. El combate de hechizos y todo lo relacionado con el uso individual de la magia es un fracaso categórico, ya que nunca te transmite la sensación de poder que debería, y ya mejor no hablemos de la batalla final. Por el camino, sí que aparece alguna criatura curiosa en el camino de Willow para completar su misión personal, pero ninguna trasciende lo suficiente para permanecer en la memoria colectiva.

Ya he atacado a Ron Howard, pero tengo que hacer justicia y comentar que es en el guión de Bob Dolman donde surgen las principales deficiencias de la película, algo que llegó a ser reconocido con una nominación a los Razzie. Creo que todos recordaréis la existencia de una película llamada ‘La princesa prometida’, otro relato con un marcado componente de cuento infantil que se estrenó un año antes que ‘Willow’. ¿Cuál es la diferencia? El primero la estructura, y es que la cinta de Rob Reiner acierta sobremanera a la hora de presentarnos la historia como un relato que un abuelo cuenta a su nieto, ya que esa cercanía emocional es algo con lo que cualquiera puede empatizar. Lo segundo es que la diferencia como guionistas entre William Goldman y Bob Dolman es similar a la que hay entre un bistec y una hamburguesa, ya que el primero construye un relato mágico con grandes personajes (puede gustar o no la película, pero cierta frase de la película ha pasado a la historia por méritos propios) y que funciona en casi todo lo que se propone. Eso no es lo que pasa en ‘Willow’, donde la todopoderosa villana nunca infunde temor, los héroes carecen de suficiente empaque y la historia se desarrolla de forma monótona y previsible en el mal sentido de la palabra. Si hay algo que merece salvar es a Val Kilmer y su Madmartigan, ya que la escena en la que el camino del protagonista se cruza con el suyo es lo más disfrutable de la función, y lo es gracia al carisma y socarronería de la que Kilmer dota al personaje. Luego, por desgracia, el personaje decae y nunca llega a estar a la altura de ese momento, pero con eso le sobra para comerse con patatas a Warwick Davis (un héroe no demasiado insulso, pero sin la capacidad para liderar una historia como la que nos cuenta ‘Willow’ y a cualquiera que se cruce en su camino.

En definitiva, ‘Willow’ es un clásico menor, pero ese concepto (el de ‘clásico’) no va necesariamente asociado al hecho de ser una buena película. Sí que sucede más menudo que cuando hablamos de una película de culto, algo que también podríamos asociar a este film, pero no es garantía de nada. Personalmente, creo que estamos ante un divertimento que nunca llega a enganchar al espectador, que tiene una duración desproporcionada y que únicamente el personaje de Madmartigan llega a ser interesante. El resto, una aventura un tanto monótona con ecos de Star Wars, pero sin siquiera llegar a igualar el nivel de la más floja de sus seis entregas, y unos elementos de hechicería que carecen de garra. Vamos, una película muy prescindible.

La rivalidad entre Ferrari y McLaren, que hoy en día se vive en las figuras de Fernando Alonso y Lewis Hamilton, por mucho que los Red Bull hayan dejado a ambas escuderías casi sin opciones para el campeonato de este año; viene de antiguo. En los años setenta, encontrábamos a dos insignes representantes de estos dos equipos: el austríaco Niki Lauda y el británico James Hunt.

Como casi todos recordaréis –y, si no, está la divertida, aunque cruel, canción de los Petersellers para recordarlo–, Lauda sufrió un accidente casi mortal en agosto de 1976, más concretamente en Nürburgring, que le causó graves quemaduras en la cabeza de las cuales ni las operaciones estéticas le contrarrestaron los efectos. Solo seis semanas después del accidente, el austríaco volvió a sentarse en su bólido de Ferrari, pero no pudo evitar que Hunt, en su McLaren, ganara al final el campeonato con un punto de ventaja. El año anterior y el siguiente, Lauda ganó el mundial de Fórmula 1 con Ferrari. Y en 1984 lo logró con McLaren.

No obstante, Lauda sigue entre nosotros, mientras que su rival, Hunt, sucumbió a sus excesos vitales en 1993. Aparte del campeonato del ’76, que ganó en las circunstancias ya descritas, en un circuito de Fuji en el que la lluvia no permitía apenas correr, obteniendo por los pelos el quinto puesto que le hacía falta para ganar y, lo que es más grave, sin saber él mismo que había obtenido la victoria; no volvió a hacerse con otro mundial.

Fuera de los circuitos, no existía una enemistad entre Lauda y Hunt, que se admiraban mutuamente por sus caracteres opuestos. El austriaco es calculador y político, inteligente y diplomático, y sobre el asfalto ganaba a la menor velocidad posible. El inglés era una figura antiestablishment, incorrecto, mujeriego, materialista y descarado, y en la pista demostraba los mismos malos modales contra sus contrincantes.

Todas estas circunstancias se verán reflejadas en la película ‘Rush‘, en la que Daniel Brühl y Chris Hemsworth serán Niki Lauda y James Hunt, respectivamente. El guion lo ha escrito Peter Morgan (‘La reina’ o ‘El desafío. Frost contra Nixon’) y se comenta que estará dirigida por Ron Howard, aunque también se ha hablado de que se podría encargar de ella Paul Greengrass, lo que me parece bastante más adecuado. Se espera que el rodaje comience este mismo año y que el estreno llegue en 2013.

Vía | Fotogramas.

Tanto hablar de esto y al final no se va a hacer. La noticia del día es que Universal Pictures no seguirá adelante con la adaptación de ‘La torre oscura’ (‘The Dark Tower’), un ambicioso proyecto capitaneado por Ron Howard, a través de su productora Imagine Entertainment, que iba a consistir en tres películas y una serie de televisión, con Javier Bardem como protagonista. El motivo es el que os podéis imaginar, un presupuesto demasiado alto (se dice que superaba los 200 millones de dólares), un riesgo que no han querido asumir.

Por lo que he leído, los numerosos fans de la extensa obra de Stephen King se dividen entre los que se alegran de la noticia, pues no deseaban ver la historia en manos de un director tan blando como Howard, y los que se entristecen por la cancelación, cuando ya se habían hecho a la idea de ver las aventuras del pistolero Roland Deschain tanto en la pequeña como en la gran pantalla. Si te encuentras en el segundo grupo, quizá te consuele saber que el hecho de que a Universal no le interese el proyecto, no significa que no se pueda llevar a cabo próximamente. Simplemente, Ron Howard y sus socios, Brian Grazer y Akiva Goldsman, deberán negociar con otro estudio (quizá la Warner, ahora que se quedó sin Harry Potter), lo que seguramente conllevará hacer modificaciones en el plan original, y un retraso en la producción que puede significar la marcha del solicitado Bardem. Ya veremos. Pero si Howard deja el mando a otro realizador, mucho mejor.

PD: Recientemente, Universal también canceló la adaptación de ‘Las montañas de la locura’ de Lovecraft, que estaba preparando Guillermo del Toro.

Vía | Deadline

Si no se lo cuentas a tu mejor amigo, es como si te lo montaras con ella.

Es curioso cómo cuando afirmas que has visto la peor película del año (o la mejor) no tardas mucho en ver otra que te obliga a rectificar. Así que no voy a tener a la suerte, y para evitar encontrarme algo peor en las próximas semanas, voy a decir solamente que ‘¡Qué dilema!’ (‘The Dilemma’, 2011) es una de las peores películas de 2011. Por el tráiler, uno podía esperar otra de esas intrascendentes comedias norteamericanas que resuelven complicados enredos con un montón de tópicos y soluciones cobardes que culminan en un forzado “happy end” que deja al público con la reconfortante idea de que, da igual lo que pase o los errores que uno cometa, al final todo se resuelve. Luego sale uno al mundo real, echa un vistazo a su alrededor y se pregunta dónde demonios viven los que hacen cine. ¿En la zona más pija de Disneyworld? Me encanta la fantasía y el cine como evasión, pero simplificar y pintar de rosa las relaciones humanas me resulta cada vez más inaguantable.

Al igual que la endeble ‘Sólo una noche’ (‘One Night’, 2010), actualmente en nuestras carteleras, ‘¡Qué dilema!’ reúne a un puñado de rostros populares para hablar de la pareja, la confianza, la honestidad, el amor y la fidelidad, pretendiendo decir cosas importantes y profundas en medio de una cansina verborrea plagada de clichés, y llegar al fondo de tan complicadas cuestiones con consejos baratos de revistas para zombies (esas que siempre encuentras en las peluquerías), sin profundizar ni sentir interés por ninguna de ellas; te plantan la situación, los giros previsibles, las charlas de siempre, y se queda uno igual que antes de sentarse en la butaca (o peor, molesto por haber perdido el tiempo). Desde luego no es cuestión de buscar a Bergman (más que nada porque fue un creador irrepetible y sería frustrante), sino de un mínimo de exigencia al retratar cómo nos relacionamos, nuestras convenciones y nuestros pensamientos, las decisiones que marcan nuestra existencia, algo en lo que podamos vernos reflejados y creer lo que nos cuentan. Decía que cabía esperar muy poco de ‘¡Qué dilema!’, pero la película Ron Howard (un tipo simpático y uno de los realizadores más limitados del cine norteamericano) va más allá, es un insulto al género, de lo más absurdo que he visto en años.

A diferencia del otro título mencionado, ‘¡Qué dilema!’ intenta buscarle la gracia a la infidelidad y abarcar también el tema de la amistad (la traición entre amantes y entre amigos), centrando la trama en un hombre enfrentado al mayor dilema de su vida (pobrecillo), decirle a su mejor amigo que ha visto a su esposa liada con otro o cerrar el pico. Al parecer, la idea surgió del productor Brian Grazer, que creyó ver a la señora de su socio Ron Howard en brazos de un extraño. Ronny (Vince Vaughn) cree haber encontrado a la mujer de su vida (Jennifer Connelly, no tiene un pelo de tonto) y va a pedirle matrimonio, siguiendo los consejos de su colega Nick (Kevin James) y la esposa de este, Geneva (Winona Ryder). Hasta que un día Ronny ve a Geneva morreándose con un joven (Channing Tatum) lleno de tatuajes, idiota e inestable (para subrayar la locura de la mujer infiel); quiere hablar con su amigo, pero tienen entre manos un importante negocio que requiere la concentración total de Nick, así que Ronny trata de negociar con Geneva para que deje de ver a su amante. Va pasando el tiempo, nada se resuelve y Ronny se agobia. Su novia cree que ha vuelto a perder dinero apostando. Y él cree que ella quiere dejarle para irse a otra ciudad. Pero no, son buenas personas.

Si la idea de los productores, con el visto bueno del director (obligado, porque si no buscan a otro), es simplemente la de fabricar un churro con “gente graciosa” para entretener al respetable durante un rato a cambio de unas monedas, poco va a importar lo que haya escrito el guionista, porque además los actores van a querer cambiar diálogos y acaparar la atención con sus “geniales ocurrencias”; pero jamás debieron empezar a trabajar con el torpe libreto de Allan Loeb, nefasto al intentar desarrollar las conversaciones y las situaciones que plantea, Ron Howard tendría que ser un maestro de la puesta en escena y el ritmo narrativo para levantar un texto tan malo y lograr entretener al espectador. Pero evidentemente no lo es, es solo uno de esos profesionales cortos de ingenio y carentes estilo que calificamos de “artesanos”, gente que rueda de la misma manera un thriller, un drama o una comedia, fácilmente accesible y digerible, que jamás se sumergen realmente en lo que están narrando y cuya única preocupación parece ser la de entregar el producto encargado en la fecha prevista, sin salirse del presupuesto y con todos los ingredientes solicitados. El éxito o el fracaso no depende de ellos.

La comedia siempre ha estado infravalorada, y me refiero a la buena comedia, mientras que se sobrevalora el drama, y da igual que sea bueno o no, tiene más prestigio, cuando en realidad cuesta más hacer reír que hacer llorar. Pero por culpa de gente que no tiene ningún respeto por el género, como la que ha hecho posible ‘¡Qué dilema!’, se refuerza esa falsa idea de que la comedia es algo fácil; y solo lo es cuando consiste en juntar un par de chistes malos, unas vagas referencias cinéfilas, algún momento escatológico, poner caras raras, bailar de manera extraña y darse golpes con todo. No digo que eso no pueda ser gracioso, pero hay que saber prepararlo, anticiparte a las expectativas del público, retrasar el momento para crear tensión o crear situaciones de las que uno desea reírse (un político que intenta freír un huevo y se le incendia el bigote, por ejemplo). Aquí no te crees nunca lo que ocurre con los personajes porque son seres falsos e inverosímiles, que no sienten como auténtico lo que están representando (no hay química alguna entre las parejas) y fuerzan demasiado sus reacciones y sus frases, tratando de subrayar y complicar una situación que nunca parece tan grave como nos la pintan. No hay verdaderos conflictos en la película, solo una mentira que tarda demasiado en ser revelada, y cuyos efectos no serán tan dramáticos como teme el personaje principal. Son 110 minutos vacíos de cualquier cosa que uno espera encontrar en una película.

Y si quieres saber por qué actores de renombre hacen este tipo de, ejem, “cine alimenticio” (un nombre gracioso porque verlo puede provocar algo parecido a la indigestión), te animo a que eches un vistazo a la siguiente entrevista (lo mejor está a partir de 6:20). Quizá la clave es que no tienen ni pajolera idea de lo que hacen, pero oye, da dinero.

“No tiene sentido estar chalado si no puedes divertirte un poco” – John Nash

En una crítica cinematográfica abundan expresiones como “buena” o “mala” película, y sus equivalentes. Pero hay otras que, quizá, debieran emplearse con mayor asiduidad ya que dan una idea mucho más nítida al lector de lo que se quiere decir, por mucho que se esté de acuerdo o no. “Mediocre” es una expresión que suena fatal, si bien quiere decir que el título en cuestión, o el artista, está en la media, lo que no es necesariamente negativo. Otra expresión que suena muy mal es “deforme”, es decir, algo cuya forma es completamente equivocada, desastrosa o inútil, y que sirve para muchas películas que vemos, aunque se usa muy poco. Eso sí, a la película de Ron Howard ‘Una mente maravillosa’ (‘A Beautiful Mind’, 2001) le va a la perfección, porque aunque podrían utilizarse otras que yo, por ejemplo, utilizo mucho (grotesca, mentirosa, vacía, inepta, tendenciosa, incluso abyecta), lo que más llama la atención, viéndola una vez más, es lo equivocada que está en su forma, pues siempre, siempre, importa infinitamente más cómo se hace el arte a qué se quiere contar con ese arte.

‘Una mente maravillosa’ pertenece a esa estirpe de películas que uno, en su ingenuidad, y en pleno siglo XXI, creería ya extinguidas, pero te descubres muy equivocado. De esas que te cuentan la historia de personajes casi angelicales, cuya vida queda trastornada por la tragedia (aquí, en forma de esquizofrenia paranoide aguda) pero que, pese a todo, triunfan en la vida, vencen a la adversidad, crecen como personas y terminan su historia felices y demostrando que el espíritu humano es extraordinario. Nada en contra, realmente, si esta clase de productos, destinados al disfrute de los espectadores menos exigentes, pasara desapercibido. Pero luego recibe importantes premios, atención mediática e importantes dividendos en taquilla, y ya la cosa cambia. Me veo en la obligación moral de denunciar que se ha aupado a los altares (por suerte, no por todos los que la vieron) a un producto que no se lo merecía en absoluto. No ya por mala película, algo tan relativo y hasta superficial, sobre todo porque pocas veces he tenido la sensación de que se de “gato por liebre” de una forma tan descarada. Y de formas hablamos, que a la hora de escribir críticas de cine, es lo que más debería importarnos.

Carta a Ron Howard

Señor Howard, dice usted mismo, y otros lo han corroborado, que frente a su mesa de trabajo posee usted un cartel que reza: “¿Cómo lo haría Martin Scorsese”?. Magnífica iniciativa, sin duda, aunque viendo el trabajo de usted, da la impresión de que, más que procurar buscar formas cinematográficas dignas del trabajo de ese eminente director, usted se dedique a hacer todo lo contrario. Baste ver ‘Toro salvaje’ (‘Raging Bull’, Scorsese, 1980), en la que, con insuperable pudor, compasión ilimitada, salvaje grafismo y escaso aprecio por la taquilla, el maestro italoamericano nos contaba el ascenso y caída de un sujeto arrasado por el dolor, la violencia y el autodesprecio: un paranoico cuya tragedia nos estremece hasta la médula. Baste verla, y luego ver ‘Una mente maravillosa’ para darse cuenta de lo que digo. Mientras Scorsese cuenta su propia historia a través de la de Jake LaMotta en una búsqueda desesperada de redención fílmica, usted, en connivencia con Akiva Goldsman, da la impresión de que lo que busca es un material apropiado para manipular a las masas, tocarles la fibra sensible, arrasar en taquilla, y obtener el Oscar al mejor director. Desde luego, logró todos esos objetivos, de modo que hablamos de un éxito en su empresa, aunque un fracaso total en ese otro asunto que es hacer gran cine.

Usted, señor Howard, es uno de esos niños mimados de Hollywood, que estuvieron en el lugar justo y en el momento propicio (y ese lugar y momento tienen un título, la magistral ‘American Graffiti’ (id, George Lucas, 1973), que tantas cosas significó), y cuya carrera como director es la quintaesencia de la mediocridad. Pero, ya se sabe, si se quiere triunfar hoy día se requiere de una condición imprescindible: ser un mediocre absoluto. Atienda, Ron: un director es un individuo que se dedica a investigar, sobre todo, en las formas, sin tomar jamás al espectador por imbécil (por mucho que haya algunos que lo pidan a gritos). Contar una historia real, además, implica una honestidad a prueba de bombas, más aún si es la historia de un hombre que ha sufrido indeciblemente una de las enfermedades más aterradoras que quepa imaginar. No se puede, por razones obvias, convertir esa enfermedad en un espectáculo audiovisual para que el respetable crea que está viendo una buena película. Momentos como el primer plano de Crowe, con una lágrima cayéndole por el rostro después de ser inyectado con insulina, o el plano cenital con su cuerpo convulsionándose en el hospital, provocan las ganas de vomitar por la zafiedad, el mal gusto, el morbo fácil, lo tendencioso de unas imágenes que deberían aspirar a la contención y a la compasión. No le voy a mentir, Ron.

Pero más allá de decisiones de guión y de representación, algo profundamente amorfo sacude la secuencia de eventos de su película. Exceptuando el breve lapso en que Nash, ya medicado, se enfrenta a una vida gris (y ya llegaré a eso), todo lo que se nos muestra está en el lugar equivocado, y es descarado el intento de ofrecer un espectáculo vibrante con un asunto, enfrentarse a una enfermedad espantosa, que ya de por sí debería bastar. Me explico: aunque lo que se nos promete es la historia de un hombre que un día descubre que gran parte de su vida es una mentira porque su mente le está suministrando hechos falsos, lo que obtenemos es un pastiche descabellado, en el que tienen lugar los códigos del cine negro, los del melodrama romántico más meloso, los del cine de suspense más trillado. ¿Por qué? Para mí la respuesta es fácil: a usted, a su guionista Goldman, y a sus productores y actores, les importa bien poco la historia de Nash, realmente. Se aprovechan de ella para engañar al espectador, utilizando el punto de vista de un hombre muy enfermo para que el espectador no sepa si lo que ve es falso o verdadero, lo que es una decisión lamentable, pues así pueden emplear esos códigos genéricos, “entreteniendo” al espectador, antes que centrarse en el terrible drama personal que, se supone, es lo que les interesa.

De esta manera, pasamos de los años universitarios, al matrimonio feliz de Nash, y de ahí a una historia de suspense, y de ahí...a que todo, o casi todo, lo que se nos ha contado es mentira. Muchas gracias, señor Howard. Por otra parte, Russell Crowe, un gran actor desperdiciado, que con ese cuerpo de gimnasio esculpido en la escuela de gladiadores y esos ojos azules de golfo irredento no pega mucho como matemático, cae en la incoherencia más absoluta a la hora de interpretar a su personaje, pues ora es un tipo seguro de sí mismo y seductor, ora es un individuo mezquino y sin personalidad, ora es genial, ora es un cobarde, un valiente, y así hasta el infinito. Entregado, además, a toda una colección de tics de actor, su caracterización es opaca y sería imposible empatizar con él si, como ya hemos comentado, usted Howard no procurara mostrarnos momentos terribles con el mayor morbo posible, para así exigir nuestra pena y nuestra atención. Tan exagerado es todo que cuando por fin accedemos a las imágenes inventadas por la mente de Nash, producen más risa que terror o pena, pues tu puesta en escena, Ron Howard, carece de empatía, tanto con tu personaje protagonista como con el espectador.

Ahora bien, de pronto, cuando a Nash le medican y deja de ser matemático, algo de cine vemos en pantalla. De pronto, ya no hay cine negro, ni cine romántico, ni cine de terror. Simplemente accedemos a la vida diaria, tediosa y sin esperanza, de este matrimonio. Y algo de verdad y de dolor auténtico puede sentir el espectador. Hay más cine ahí que en todo lo demás. Lamentablemente, dura muy poco, y una vez Nash decide no tomar más su medicación, y somos testigos de su enorme esfuerzo para distinguir, sin ayuda de las drogas, lo que es real y lo que no, todo vuelve a derrumbarse. Porque, señor director Howard, ganador de uno de los Oscar a mejor director más injustos de la historia, todo lo que no sea narrado en tiempo real, es inservible para el espectador, pues sólo lo que se percibe como una segunda realidad vale para algo. Y contar la lucha de Nash a lo largo de décadas por alejar sus fantasmas y las imágenes terribles que le acosan, mientras se convierte en un famoso matemático, eso es la historia que, en teoría, tú deberías contar, algo despachas en cinco minutos a base de elipsis, sin la menor fuerza dramática, sin aportar nada al espectador ni al cine. Este sub-producto no es más que otra oda al American Way of Life, al esfuérzate y triunfarás, al cine convertido en cuentacuentos infantiles.

‘X-Men: Primera generación’

Título original: X-Men: First Class. Dirección: Matthew Vaughn. País: USA. Año: 2011. Duración: 132 min. Género: Acción, ciencia-ficción. Interpretación: James McAvoy (Charles Xavier), Kevin Bacon (Sebastian Shaw), Michael Fassbender (Erik Lehnsherr / Magneto), Rose Byrne (Dra. Moira MacTaggert), Jason Flemyng (Azazel), Nicholas Hoult (Hank/Bestia), Jennifer Lawrence (Raven/Mística), January Jones (Emma Frost), Zoë Kravitz (Angel Salvadore/Alas), Lucas Till (Alex Summers / Kaos), Álex González (Janos Questad/Riptide), Oliver Platt (The Man in Black Suit). Guion: Matthew Vaughn, Jane Goldman, Ashley Miller, Jamie Moss y Zack Stentz; basado en un argumento de Sheldon Turner y Bryan Singer. Producción: Gregory Goodman, Simon Kinberg, Lauren Shuler Donner y Bryan Singer. Música: Henry Jackman. Fotografía: John Mathieson. Montaje: Eddie Hamilton y Lee Smith. Diseño de producción: Chris Seagers. Vestuario: Sammy Sheldon. Distribuidora: Hispano Foxfilm. No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: La acción se sitúa en los años 60, en los inicios de la era espacial, el punto álgido de la Guerra Fría, cuando las crecientes tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética amenazaban a todo el planeta, y cuando el mundo descubrió la existencia de los mutantes. También fue durante este período cuando Charles Xavier conoció a Erik Lehnsherr. Antes de que Charles y Erik adoptasen los nombres de Profesor X y Magneto, eran dos jóvenes inmersos en el proceso de descubrir sus poderes. Antes de ser archienemigos trabajaban juntos y con otros mutantes para detener la mayor amenaza que el mundo hubiera conocido nunca. En ‘X-Men: Primera generación’ tendremos respuesta a las preguntas que nos han intrigado desde hace tiempo: ¿cómo llegaron a juntarse los X-Men? ¿por qué está Charles en una silla de ruedas? ¿cuál es el origen de la Mansión X y de Cerebro?

¿Qué podemos esperar? Siendo positivos, una imaginativa película de acción y fantasía, un regreso al mejor nivel de la saga, cuando Bryan Singer estaba al mando (el infravalorado cineasta se implicó en la historia y la producción de este film). Siendo negativos, un espectáculo sin alma lleno de personajes vacíos, como las dos últimas entregas de una marca que, a pesar de todo, sigue dando mucho dinero. He leído buenas críticas, pero no me fío, porque también las leí de ‘Kick-Ass’ y luego encontré un producto falso y aburrido, con solo algunos destellos ingeniosos.

‘¡Qué dilema!’

Título original: The Dilemma. Dirección: Ron Howard. País: USA. Año: 2011. Duración: 110 min. Género: Comedia. Interpretación: Vince Vaughn (Ronny), Kevin James (Nick), Jennifer Connelly (Beth), Winona Ryder (Geneva), Channing Tatum (Zip), Queen Latifah (Susan). Guion: Allan Loeb. Producción: Brian Grazer, Vince Vaughn y Ron Howard. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Salvatore Totino. Montaje: Daniel Hanley y Mike Hill. Diseño de producción: Daniel Clancy. Vestuario: Daniel Orlandi. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: El solterón empedernido Ronny y el felizmente casado Nick son amigos inseparables desde la universidad. Han fundado su propia empresa y ahora pugnan por conseguir un proyecto de ensueño que les daría un fuerte empujón. Apoyados por Beth, la novia de Ronny, y por Geneva, la mujer de Nick, no hay quien pueda con ellos. Al menos eso creía Ronny, hasta que sorprende a Geneva en brazos de otro hombre y la imagen del matrimonio perfecto de su amigo se hace pedazos. Ronny decide que debe enterarse de lo que está pasando antes de comunicarle la mala noticia a su mejor amigo, por lo que se embarca en una investigación muy poco profesional que amenaza con sembrar el caos en su vida personal.

¿Qué podemos esperar? Nada. Y así, quizá, no nos parecerá que estamos viendo una de las mayores tonterías del año. Conste que no la he visto, solo expongo mis sospechas, por el argumento, el tráiler, el director (increíble que este hombre tenga un Oscar) y los dos protagonistas principales, Vaughn y James, un cómico al que no le encuentro gracia alguna. Supongo que la película es para fans de esta insulsa pareja.

‘La doctrina del shock’

Título original: The shock doctrine. Dirección: Michael Winterbottom y Mat Whitecross. País: Reino Unido. Año: 2009. Duración: 80 min. Género: Documental. Guión: Naomi Klein; basado en su libro “The Shock Doctrine: The rise of disaster capitalism”. Producción: Andrew Eaton, Alex Cooke y Avi Lewis. Fotografía: Ronald Plante y Rich Ball. Montaje: Paul Monaghan. Distribuidora: Isaan Entertainment y Karma Films. No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Basada en el libro de Naomi Klein, ‘La doctrina del shock’ trata del auge del llamado “capitalismo del desastre”. Éste insta a los gobiernos a aprovechar periodos de crisis económicas, guerras, desastres naturales, ataques terroristas y epidemias, para saquear los intereses públicos y llevar a cabo todo tipo de reformas a favor del libre mercado. Medidas tan despiadadas que sólo han podido imponerse mediante el miedo, la fuerza y la represión. La película rastrea los orígenes de este capitalismo salvaje en las teorías radicales el Premio Nobel de Economía Milton Friedman y su posterior implementación en todo el mundo, desde las dictaduras en Chile o Argentina de los años 70, a la Gran Bretaña de Margaret Thatcher, la Rusia de Yeltsin, o las no tan lejanas invasiones neoconservadoras en Afganistán e Irak.

¿Qué podemos esperar? Posiblemente, otro puñetazo de verdad, poco después de que llegara a nuestras pantallas el documental ‘Inside Job’, ganador del Oscar. Imagino que todo lo que está pasando con los indignados y la Plaza Cataluña ha tenido algo que ver, porque hace dos días no estaba previsto que se estrenara esto. Por cierto, otro trabajo de Winterbottom; otros tardan años en sacar adelante sus proyectos y este hombre no para, además abarcando temas de lo más diversos. Qué suerte. En fin, un plato para espectadores con ganas de considerar un interesante punto de vista sobre la realidad en la que vivimos. Lo malo es que quizá tengas que vivir en Madrid o Barcelona para poder verlo, suele pasar. Al contrario que las de Disney, que la proyectan en todas partes.

‘El árbol’

Título original: The Tree. Dirección: Julie Bertuccelli. Países: Francia y Australia. Año: 2010. Duración: 102 min. Género: Drama. Interpretación: Charlotte Gainsbourg (Dawn), Marton Csokas (George), Morgana Davies (Simone), Aden Young (Peter), Gillian Jones (Vonnie), Christian Bayers (Tim), Tom Russell (Lou), Gabriel Gotting (Charlie), Zoe Boe (Megane). Guion: Julie Bertuccelli; basado en la novela de Judy Pascoe. Producción: Yaël Fogiel y Sue Taylor. Música: Grégoire Hetzel. Fotografía: Nigel Bluck. Montaje: François Gedigier. Dirección artística: Steven Jones-Evans. Vestuario: Joanna Mae Park. Distribuidora: Golem. No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: La historia nos lleva a Australia, a un pequeño pueblo donde Dawn y Peter viven felices con sus cuatro hijos. Pero la muerte de Peter deja a la familia totalmente devastada. Y cada uno de ellos, para continuar viviendo, reacciona a su manera. La pequeña Simone, de ocho años, rechaza el duelo, prefiere trepar a la inmensa higuera que ocupa el jardín. Allí pasa horas y horas con su padre… Para ella, su papá se ha ido a vivir al árbol. La vida vuelve a la normalidad poco a poco y Dawn recupera fuerzas, un trabajo, ¿quizás un nuevo amor?

¿Qué podemos esperar? Una tremenda decepción para todos aquellos que piensen que ésta es la película que ganó la Palma de Cannes. Pero no, ‘El árbol’ (‘The Tree’, 2010) no es ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’, 2011), aunque curiosamente también compitió en la sección oficial del certamen más relevante del planeta. Cuenta con el protagonismo de Charlotte Gainsbourg y la historia no pinta nada mal (tiene rasgos comunes con la de Malick, pero supongo que solo superficialmente), así que parece la propuesta ideal para todos los espectadores que busquen uno de esos dramas anclados en problemas reales (nada de mutantes con superpoderes o baratos dilemas hollywoodienses), pero desde una óptica cinematográfica, con su suavidad y su belleza, sin la crudeza del documental.

Vía | Labutaca

Se rifan al español. Javier Bardem, que como sabréis recientemente ha sido padre y está nominado al Oscar por tercera vez, se encuentra en el punto de mira de dos de las mayores superproducciones que se están preparando en estos momentos. Tal como nos adelantó Beatriz, el actor canario es la primera opción del director Ron Howard y el productor Brian Grazer para encabezar el reparto de la adaptación al cine de ‘La torre oscura’ de Stephen King. Viggo Mortensen era el otro candidato que sonaba con más fuerza, pero la semana pasada dejó de hablarse de él, pues está negociando su posible incorporación a ‘Snow White and the Huntsman’ (‘Blancanieves y el cazador’), que podría protagonizar junto a Kristen Stewart. Sin Mortensen, y con Bardem pensándoselo, la otra opción que se baraja es llamar a Christian Bale, que al parecer está interesado en el proyecto, pero Howard está decidido y quiere al español a toda costa.

Por otro lado, hoy es noticia que la MGM también quiere a Javier Bardem para la nueva película de James Bond. Ya os comenté que Judi Dench ha confirmado que tanto ella como Daniel Craig han firmado para volver a repetir sus papeles en la 23ª entrega de la franquicia, y que Sam Mendes estará al mando. Se rumorea que Rachel Weisz dará vida a la primera gran villana de la saga, pero mientras se resuelve ese asunto (la actriz ha sonado para el tercer Batman de Nolan), los productores Michael G Wilson y Barbara Broccoli quieren que Bardem se incorpore al proyecto para dar vida a otro enemigo de Bond, al parecer, uno similar al que encarnó Mathieu Amalric en ‘Quantum of Solace’ (2008). Teniendo en cuenta lo caprichoso que se ha mostrado el español eligiendo sus proyectos, rechazando incluso una oferta de Steven Spielberg (porque no quería correr detrás de Tom Cruise), sería raro que aceptase participar en la saga de 007, sin ser el protagonista. Aun así, no es descartable, recordemos su cameo como mafioso en ‘Collateral’ o su breve papel de seductor padre brasileño en ‘Come, reza, ama’. Pronto saldremos de dudas.

Actualización: Se ha confirmado que Bardem estará en ambas producciones.

PD: Naomie Harris, Jennifer Carpenter y Ghita Tazi suenan como favoritas para lograr el papel de Susannah Dean (‘La torre oscura’).

Vía | Deadline

Ya nos había anunciado mi compañero Juan Luis que Ron Howard tenía la ambiciosa intención de adaptar las siete novelas de Stephen King que llevan por título ‘La torre oscura’ (‘The Dark Tower’).

El proyecto vuelve a ser noticia porque se están barajando actores para interpretar el papel principal y los nombres que más se han escuchado son los de Javier Bardem y de Viggo Mortensen. O la Universal no se decide entre ellos dos o son las fuentes de noticias las que no lo tienen claro.

El New York Post asegura que será el español quien interprete a Roland Deschain, mientras que Mortensen sería simplemente un repuesto. Sin embargo, pocos días antes, a mediados de diciembre, Howard habló de su proyecto durante la campaña de promoción de ‘The Dilemma’ y ni mencionaba a Bardem. En aquella ocasión, Ron Howard declaró al LA Times que no descartaba a Viggo Mortensen, una de las opciones más aclamadas por los fans de la saga.

Parece que lo de Bardem suena más seguro, pues la información sobre su elección es posterior. Por mi parte, preferiría que se quedasen con Viggo, ya que lo veo más adecuado para este tipo de héroe, aunque quienes conozcáis bien al personaje, quizá tengáis otra opinión.

Este reparto se mantendría tanto para la serie de televisión, como para las tres películas. La idea es arrancar con una película épica y lanzar posteriormente la serie. Más adelante, se estrenaría el segundo largometraje cinematográfico para pasar a una nueva temporada de la serie en la que Deschain sería joven. Una tercera cinta larga daría pie a la tercera temporada televisiva, con un Deschain viejo. Las series servirán de apoyo a los films, pero no serán necesarias para su comprensión. Ahora que escribo todo esto, creo que la palabra del primer párrafo, «ambiciosa», se queda muy corta.

En una mezcla de géneros que incluye la literatura fantástica, la fantasía científica, el terror y elementos del Western, la serie de novelas de Stephen King cuenta la búsqueda de la metafórica Torre Oscura y de su verdadera naturaleza, por parte de Roland Deschain, un pistolero que imagino que toma el nombre del poema épico de caballerías ‘El Cantar de Roldán’ (‘La Chanson de Roland’), atribuido al monje normando Turoldo.

Universal Pictures ha lanzado ya el tráiler de ‘The Dilemma’, la nueva película de Ron Howard (‘Una mente maravillosa’, ‘El código Da Vinci’). Como os comenté, se trata de una comedia, inicialmente titulada ‘Cheaters’, que gira en torno a un tipo que descubre que la mujer de su mejor amigo está liada con otro. El vídeo dura más de dos minutos y deja bastante claro lo que nos podemos encontrar. Personalmente, la veré sólo si estoy obligado por alguna razón que ahora mismo no soy capaz de imaginar.

Escrita por Allan Loeb, ‘The Dilemma’ se centra en el mayor problema de Ronny, esto es, ¿decirle la verdad a su mejor amigo, que su esposa tiene una relación con otro hombre, o debería quedarse callado y hacer como que no sabe nada? No sé qué os habréis encontrado vosotros, pero en mi caso siempre he visto que acaban de la misma forma: el pájaro canta, y cuanto antes. Vince Vaughn, Kevin James, Winona Ryder, Jennifer Connelly, Queen Latifah, Channing Tatum y Amy Morton protagonizan la película, que cuenta con música de Hans Zimmer, y se estrena en EE.UU. el 14 de enero de 2011.

Actualización: La película llega a España el 3 de junio con el título ‘¡Qué dilema!’.

PD: Howard ya está trabajando en su próximo film, la primera parte de una trilogía basada en ‘La torre oscura’ de Stephen King.

Antes de embarcarse en el complicado y polémico proyecto de trasladar al cine ‘La torre oscura’, Ron Howard rodará este próximo verano una película ligera y sencillita, de las que le gustan a él, que se titula ‘Cheaters’ (algo así como ‘Infieles’). En las últimas semanas se ha ido cerrando el reparto protagonista del que dispondrá Howard, integrado por rostros muy conocidos: Vince Vaughn, Kevin James, Winona Ryder, Jennifer Connelly, Queen Latifah y Channing Tatum.

‘Cheaters’, cuyo guión firma Alan Loeb, es una comedia que gira en torno a un hombre (Vaughn) que descubre que la esposa (Ryder) de su mejor amigo (James) está teniendo una aventura con un tipo más joven (Tatum, que al parecer llevará muchos piercings y tatuajes); entonces el protagonista se encuentra con un gran dilema, debe decirle la verdad a su amigo, que es un cornudo, o debe callarse, intentar olvidarlo, y dejar las cosas como están. Bueno, al menos no su mujer. En fin, no creo que nadie se sienta fascinado por esta trama, pero vamos a esperar a ver un tráiler, puede que no esté tan mal. El rodaje comenzará el próximo mes de junio en Chicago y ya tiene fijada una fecha de estreno: 14 de enero de 2011.

PD: Ya que estamos, ¿qué creéis que debería hacer el protagonista?

Vía | TheHollywoodReporter