Hablar de ‘Blade Runner’ es hacerlo de varias cosas. Es hablar de la magia del cine, es hablar de arte, es hablar del ser humano, es hablar de una experiencia que transforma al espectador. Hace unos días, tuve la santa suerte de poder ver, en una sala de los Kinépolis de la ciudad de Granada, esta extraordinaria película que dirigió Ridley Scott a partir de una novela de Philip K. Dick. La había visto ya, si no recuerdo mal, cinco veces, pero jamás de esta forma, en pantalla grande y con una calidad de sonido y de imagen sencillamente inmejorables. ‘Blade Runner’ es una película que se enmarca tanto en la ciencia ficción como en el cine negro, terrenos ambos donde camina con paso firme y ejemplar, pero sobre todo es una visión pesimista y trágica de la condición humana.

El ser humano está en declive, muerto; esto es lo que ponen de manifiesto sus creaciones más perfectas, unas “máquinas” que se han desarrollado hasta tal punto que, en contraposición con las personas “reales”, quieren vivir intensa y eternamente. Gracias al precioso envoltorio de ciencia ficción, ‘Blade Runner’ plantea de forma fascinante una pregunta que siempre nos ha acompañado: ¿qué nos hace humanos? Lo orgánico ha perdido todo su sentido y las gentes deambulan sin sentido por calles ruidosas y superpobladas donde la lluvia refleja perfectamente el estado de ánimo que el film quiere transmitir. La fantástica banda sonora de Vangelis, la increíble visión de Scott y unos actores en estado de gracia logran que nos quedemos totalmente pegados a la butaca, independientemente de las veces que hayamos viajado hasta el barroco futuro de los replicantes.

El argumento de ‘Blade Runner’ (1982) se centra en Rick Deckard, un policía especializado en cazar replicantes. Los replicantes son algo así como robots biológicos, seres humanos artificiales, creados para cumplir las tareas que los hombres ya no quieren hacer, en lugares donde se necesita una mayor mano de obra. Las nuevas generaciones de replicantes, los Nexus-6, han empezado a desarrollar emociones y llegan a cometer crímenes contra personas, por lo que son declarados ilegales. Los Blade Runners son los ocupados de eliminarlos. Estamos en Los Angeles, año 2019. Deckard se ve obligado a cumplir con una peligrosa y desagradable misión…

Lo que pasó por mis encendidas retinas el pasado 1 de diciembre (por cierto, infinitas gracias desde aquí tanto a una deliciosa jovencita como a un amable amigo, por hacer posible la memorable velada), fue concretamente una versión llamada ‘Blade Runner: The Final Cut’ (o ‘Blade Runner: El Montaje Final’, que básicamente es el director´s cut más una mano de pintura digital para, supuestamente, hacer más creíble el mundo futurista donde se desarrolla la acción.

No hacía falta, desde luego, tal tarea, como ya quedó en evidencia cuando el pesetero de George Lucas volvió a vendernos su (también mágica) saga de las galaxias; pero, por otro lado, no molesta lo más mínimo y apenas se nota, salvo porque sabes que “eso” no estaba ahí la última vez que viste el film. Igualmente, se han añadido algunos planos nuevos, pero pasan desapercibidos y personalmente me lo tomé del mismo modo que los retoques de efectos especiales (como si no estuvieran). La (quizá exagerada) explotación comercial que se está haciendo de esta mítica película ha llevado a muchos a desprestigiar las diferentes versiones, punto de vista que considero equivocado. Porque otro aspecto increíble de ‘Blade Runner’ es que, por un lado, es única, pero por otro, tiene varias versiones que funcionan a las mil maravillas. He llegado a la conclusión (no probada científicamente) de que la primera versión que ves es la que amas; pero en cualquier caso, la magia que desprende la obra está reside en los fotogramas de todas las diferentes variaciones de la misma historia. Personalmente, me quedo con el director´s cut, pero, por ejemplo, Alberto prefiere la versión que se estrenó en un primer momento. Muy curioso.

Elegante, sutil, preciosista, perfeccionista… Podríamos usar cualquiera de éstos y más calificativos para referirnos y subrayar la magistral labor de dirección de Ridley Scott en este film. Un señor que lleva el cine en sus venas, como se demuestra en incontables momentos de su envidiable filmografía; un señor que tiene en su haber ‘Alien’, ‘Thelma y Louise’, ‘Black Hawk Derribado’ o la para mí sobrevalorada ‘Gladiator’, pero que no tiene en su poder un Oscar (quizá ‘American Gangster’ se lo proporcione). Scott nos sitúa siempre dónde hay que estar, imprime el ritmo adecuado para cada momento (nos deja sin aliento con el primer “retiro” y nos relaja con las escenas íntimas de Deckard) y nos sumerge en un oscuro y lluvioso entorno que se muestra tan desolador como bellísimo. En este sentido, el diseño de producción es sublime. Scott se aprovecha de todos los elementos a su disposición para mover la cámara sin que nos demos cuenta, señal inequívoca de que no podía hacerse de otra forma. Por cierto, se suele decir que “el libro siempre va a ser mejor que la película”, pero con una película tan especial como ‘Blade Runner’ las normas no valen. La obra de Dick no podría lucir mejor en la pantalla, recibiendo una dosis de poética complejidad pocas veces vista. El genial escritor no pudo verla, pero seguro que estaría muy agradecido por esta adaptación. A fin de cuentas, le saca brillo a una de sus novelas menos inspiradas.

Al igual que los temas de Vangelis, los rostros de ‘Blade Runner’ no se olvidan. Inevitablemente, el impresionate y emotivo monólogo final (lo puedes ver mil veces, te eriza la piel siempre) que recuerda todo el mundo hace que sean Harrison Ford y Rutger Hauer los actores más recordados, pero es también memorable la preciosa fragilidad de Sean Young, la salvaje belleza de Daryl Hannah o las extrañas facciones de Edward James Olmos, que encarna a un personaje muy secundario pero tan fascinante que el resto. Pero evidentemente, repito, puestos a destacar, hay que mencionar por encima de todos a Ford y a Hauer, que comparten un duelo final que es un prodigio en todos los sentidos, trepidante, oscuro, reflexivo y de maravilloso desenlace. Tanto uno como otro están simplemente perfectos; el primero compone a un detective melancólico, a un antihéroe, con el que nos podemos identificar desde el primer fotograma, y el segundo interpreta (y crea) a uno de los mejores villanos que ha dado el cine en toda su Historia, con lo cual sobran las palabras. Por cierto, atención a las frases que le dedica el replicante al Blade Runner, ¿se conocían anteriormente? ¿Era Deckard ese sexto replicante que menciona su superior? ¿Por eso Deckard tiene ese reflejo dorado en los ojos? Los adoradores de la versión comercial, aun quitando el sueño del unicornio, tenéis que admitir que Deckard… bueno, me callo que seguro que hay alguien que no la ha visto.

‘Blade Runner’ pasa por ser una de esas razones por las que amar el cine, uno de los pocos títulos realmente imprescindibles del séptimo arte. Es tal la belleza y la complejidad de la obra que uno se queda casi sin palabras al querer describirla. Podéis daros un buen viajecito por la red y comprobar la cantidad de debates y análisis que ha originado la película (catalogada como la de mayor contenido filosófico en numerosos sitios). Como bien sabéis, hay cosas que es mejor no ensuciarlas contándolas, hay que verlas y experimentarlas por uno mismo. Si eres de los que aún no han sentido en tu propia piel el monólogo final del replicante Roy Batty, no dudes más, tienes una tarea pendiente y urgente. Y si ya lo has sentido, ¿a qué esperas para repetir? Ah, vale, esperas al día 11 de diciembre, que sale a la venta una edición apabullante, con maletín y discos para pasar horas sentado, de esta genial e incontestable obra maestra.

Sigue siendo única y genial. Para mí es como si acabara de rodarse, como si la hubiese hecho ayer. Es una de esas películas que se te quedan dentro”.

Aquí el resto de la entrevista a Rutger Hauer. Sin embargo, ‘Blade Runner’, que cumple veinticinco años, tiene detractores.

‘Carretera la Infierno’, ‘The Hitcher’ en el original, tiene un argumento sencillísimo: una noche lluviosa un joven que lleva toda la noche conduciendo recoge a un autoestopista un tanto misterioso, que enseguida amenazará con matar a nuestro protagonista, quien en un descuido de su inesperado psicópata logrará echarlo del coche. Pronto se establecerá un juego del gato y el ratón entre el autoestopista y el muchacho, quien también se convierte en el objetivo de la policía, que le culpa de todos los asesinatos que va cometiendo el autoestopista.

La película se centra prácticamente todo el tiempo en el enfrentamiento entre los dos personajes centrales, ganando enteros cuando John Ryder (nombre del personaje “malo”) aparece en pantalla, momentos esos en los que el film adquiere una dimensión fantasmagórica, ya que son muchas veces las que se insinúa muy sutilmente que tal vez dicho personaje no sea humano. Sus apariciones en los momentos más fastidiosamente oportunos para el protagonista, su resistencia a morir, y el hecho de parecer saber más cosas que el resto, le infieren un carácter casi sobrenatural que le queda de miedo (nunca mejor dicho) al personaje. Personaje interpretado por un inmenso Rutger Hauer, que se convierte en lo mejor de la película, aunque por momentos parece una extensión de su rol en ‘Blade Runner’. La interpretación de Hauer es tan certera y convincente que traspasa la pantalla, logrando que nos acordemos de él cuando vemos a alguien hacer autostop. Pocas veces se consigue ese efecto.

Robert Harmon también logra crear una atmósfera muy adecuada, y su puesta en escena es realmente brillante, logrando conjuntar con éxito la apariencia del psicópata con su entorno para el que parece haber nacido. La dosificación de acción es la justa, y aunque el film tiene cierta estética visual y argumental típicamente ochentera, ha resistido bastante bien el paso del tiempo. Es curioso que Harmon nunca fuese capaz de lograr ni la mitad de lo que logró con este film, siendo todo lo que realizó posteriormente verdaderamente penoso. Incluso intentó volver a la fórmula de esta película hace poco con un film titulado ‘Sin Aliento’, en el original ‘Highwaymen’, pero creedme que es mejor que nos olvidemos de él.

Harmon siempre será recordado por esta película y no por ninguna otra. Tal vez tenga algo que ver que aquí colabora el antaño interesantísimo Eric Red, con un guión realmente sencillo y corto, pero increíblemente efectivo, a pesar de las típicas cosas que se suceden en una persecución de coches. Pero todo lo demás está perfectamente expuesto y narrado. Una pena que Red se perdiera en sabe Dios qué, por cierto, os recomiendo una de sus películas como director, ‘Cohen & Tate’.

Tal vez los peros de esta película haya que ponérselos en alguna de sus interpretaciones, como por ejemplo la de Jennifer Jason Leigh, que aquí estaba empezando, y demostrando lo limitadita que es, aunque todo lo que le termina ocurriendo a su personaje es verdaderamente valiente en una película de estas características, y totalmente inesperado. C. Thomas Howell siempre fue considerado por encima de la media de los jóvenes actores de aquellos años; sin embargo en el film parece que por momentos no sabe actuar, y en otros está algo más convincente, sobre todo en la parte final en la que su personaje ha evolucionado. Al lado de su oponente se empequeñece un poco, aunque está muy bien tratada su relación, sugiriendo una atracción sexual por parte del psicópata atrevida para la época, y lograda.

Un film estupendo y lleno de fuerza, que evidentemente referencia a la maja pelíucla de la gran Ida Lupino, ‘El Autoestopista’, de la que toma prácticamente todo lo importante, aunque tiene la suficiente inteligencia como apartarse de aquélla en intenciones que adolecía de cierta escasez de medios. En ‘Carretera al Infierno’ todo está aprovechado al máximo, y desde luego siempre permanecerá en nuestra memoria gracias a ese inquietantemente perverso Rutger Hauer. El dvd ya descatalogado (a saber por qué) viene con un segundo disco de extras realmente interesante.

Afortunadamente, algo ha cambiado en el mundo – y, concretamente, en Europa – cuando una superproducción en holandés como ‘Zwartboek’ es posible. De la misma forma que Oliver Stone pudo realizar su ‘Alexander’ sin plegarse a los homófobos dictados de las majors norteamericanas y, a la vez, contar con una distribución que logró que su enajenada obra diese beneficios, es más que probable que Verhoeven pueda triunfar con una película que promete ser todo menos complaciente.

‘Zwartboek’ nos cuenta la historia de una Ellis (Carice van Houten), una judía que, en plena Segunda Guerra Mundial, se une a la resistencia para infiltrarse entre los nazis y, de esta manera, llevar a cabo su venganza contra quienes ejecutaron a toda su familia. El problema surge cuando el plan es saboteado y tanto los nazis como la resistencia van a por ella. En última instancia, la victoria aliada no será suficiente para Ellis, que verá un culpable en cada superviviente.

El guión, coescrito por Verhoeven con el mítico colaborador de su etapa holandesa, Gerard Soeteman, promete tener tantas aristas como su lúcida reflexión sobre el heroísmo en ‘Soldaat Van Oranje’. Ojalá una escena tan ideológicamente dura como el tango entre Rutger Hauer y Derek de Lint tenga una digna competidora en Zwartboek.

De momento, aquí tenemos un trailer donde Verhoeven demuestra no haber perdido un ápice de la espectacularidad aprendida en Estados Unidos. A la vez, su hiperrealismo y su dosis de sexualidad y violencia van a estar presentes. Las expectativas son optimistas, porque, después de Zwartboek, Verhoeven ya se halla inmerso en la preproducción de un nuevo film holandés, ‘Knielen op een bed violen’ (Arrodillándose en un lecho de violetas) de la que daremos más información en breve. Ahora, es el turno de Zwartboek. Seis años han sido una espera muy larga…