‘El dictador’ (‘Finchley Dreams’)

‘El dictador’ (‘Finchley Dreams’), de la que ya habíamos informado, es una coproducción de Paramount Pictures con participación de la productora española Kanzaman Productions. Está dirigida por Larry Charles y escrita y protagonizada por Sacha Baron Cohen en el papel de un dictador que podría ser Saddam Hussein. Se basa ligeramente en la novela ‘Zabibah y el rey’ (‘Zabibah wal-Malik’), que apareció publicada como anónima en Irak en 2000 y que la CIA piensa que puede haber sido escrita por “negros” siguiendo las órdenes de Saddam Hussein, que últimamente está en todas partes.

Aunque la parte principal del rodaje ya había tenido lugar fuera de nuestro país, ‘The Dictator’ –todavía no está claro cuál será el título oficial en inglés– completa su filmación entre ayer y hoy con unas tomas en la Plaza de España de Sevilla, donde ya se rodó ‘La guerra de las galaxias’. Un buen número de extras españoles están interpretando al séquito del dictador protagonista. La popular plaza simulará la entrada de un palacio, por lo que se ha construido un escenario en el que destaca una puerta que sirve de entrada a la plaza. Está previsto que la producción de la cinta, tras el rodaje en Sevilla, se traslade a la isla de Fuerteventura.

‘Fin’

Hace justo un año, os informaba de que Alejandro Amenábar había comprado los derechos de la novela ‘Fin’, de David Monteagudo. Hoy ya sabemos quién va a encargarse de dirigirla, pues Jorge Torregrossa, hasta ahora cortometrajista y realizador televisivo, acaba de comenzar, este lunes, el rodaje de lo que para él supone su debut en el largometraje.

Maribel Verdú, Clara Lago, Daniel Grao, Blanca Romero, Andrés Velencoso, Carmen Ruíz y Antonio Garrido protagonizan ‘Fin’, que trata sobre un grupo de amigos que se reúne para rememorar la noche que vivieron quince años atrás en un refugio de montaña. Uno tras otro, empezarán a desaparecer en una historia que se ha comentado que se encuentra “entre el drama generacional y la ciencia ficción oscura”.

‘Todo es silencio’

Este mes ha dado comienzo en Galicia el rodaje de ‘Todo es silencio’, la nueva adaptación que, tras ‘La lengua de las mariposas’, lleva a cabo José Luis Cuerda de una obra de Manuel Rivas.

La cinta cuenta cómo un grupo de jóvenes guarda silencio con respecto a las actividades contrabandistas del capo de la droga Mariscal. Pero el narcotráfico lo envenena todo y estos jóvenes pronto se toparán con una violencia que no habían previsto.

Miguel Ángel Silvestre, Quim Gutiérrez, Celia Freijeiro, Juan Diego y Xoque Carvajal son los intérpretes de ‘Todo es silencio’.

‘El futuro’

La directora chilena Alicia Scherson (1974), galardonada en 2005 en el Festival de Cine de Tribecca de Nueva York por ‘Play’, está dirigiendo en Roma, Colonia y Santiago de Chile, ‘El futuro’, la versión cinematográfica de ‘Una novelita lumpen’ (Anagrama), último libro que Roberto Bolaño publicó en vida y el primero que logra llegar al cine. La coproducción entre varios países, contará con la participación de la productora española Astronauta.

Bianca y Tomás, huérfanos apenas adolescentes de emigrantes chilenos, viven de la pensión de orfandad. Pero cuando esta no les alcanza, la muchacha comienza a vender favores sexuales a domicilio a actor retirado y ciego para averiguar dónde esconde las joyas.

Scherson declara que lo que más le gustó de la novela de Roberto Bolaño y le impulsó a adaptarla fue la voz femenina que narra la historia, años después, cuando ya es madre y se ha alejado de ese mundo. Para este papel, escogió a Manuela Martelli. A la joven la acompañan en el reparto Luigi Ciardo, Alessandro Giallocosta y Nicolas Vaporidis. Al actor jubilado le dará vida Rutger Hauer.

‘Serie B’

El 22 de agosto se inició el rodaje de la nueva película de Richard Vogue (seudónimo de Ricard Reguant), ‘Serie B’.

Esta película nos lleva hasta un famoso actor de Hollywood retirado en una lujosa mansión en España, quien se encuentra casualmente con unas chicas y las invita a su casa. Un cúmulo de circunstancias imprevistas convertirán la casa en un infierno, tanto para su propietario y sus especiales habitantes como para las chicas y sus amigos, mientras los encontramos a todos intentando salir con vida de la casa. Hechos insospechados permitirán descubrir las más bajas pasiones de cada personaje y sus historias ocultas. Por lo que daría a pensar el cartel y la filmografía de Reguant/Vogue no faltará el toque gore.

Manuel Zarzo, Roger Pera, Jaume Fuster, Cata Munar, Marta Simonet, Nuria de Cordoba, Sonia Monroy y Eva Losada son los actores principales de la cinta.

‘La soledad del triunfo’

Ha comenzado en Sevilla el rodaje de ‘La soledad del triunfo’, película dirigida por Álvaro de Armiñán que realiza una aproximación nueva y contemporánea al mundo del toro para demostrar que hoy en día los toreros son personas preparadas y con una sensibilidad moderna.

El guion de Ana López, revisado por Ana Graciani, sobre la novela homónima de Rafael Moreno, entrecruza las pasiones e historias de los diestros, los apoderados, los empresarios taurinos y los ganaderos.

Samuel Galiardo y Ana Cuesta son los protagonistas, así como el torero y actor Óscar Higares y Enrique Romero, del programa de televisión ‘Toros para Todos’.

• También se ha rodado ‘La reina de tapas’, de Daniel Diosdado, con César Camino y Antonio G. Celdrán.

Vía | Cine y Tele.

La reciente publicación en Blogdecine del que en teoría será el tráiler final de la nueva versión cinematográfica de Conan (el más famoso de los muchos personajes creados por la fértil imaginación del malogrado Robert Erwin Howard), deja pocas esperanzas (aunque alguna queda) de que en agosto llegue un buen espectáculo de aventura y de sano salvajismo. Personalmente, y no creo ser el único, viendo esas imágenes me sobreviene un antojo irresistible de ver una buena película de rudas, bestiales y físicas aventuras, muy alejadas de lo que hoy está en boga: un edulcoramiento del cine de aventuras convertido en un videojuego epidérmico para niños (y eso que hay videojuegos que son obras de arte, como la segunda y la tercera parte de ‘Assassins Creed’). Ya hablé en su momento, cuando tuve otro antojo, de la estupenda ‘El guerrero nº 13’ (‘The 13th Warrior’, John McTiernan, 1999) y hoy toca hablar de otra que también te deja satisfecho y te redime a partes iguales, porque es un divertimento magnífico a través de una buena historia de espadachines, guerreros y valientes perdedores.

A menudo pienso que si un director que está empezando quiere inspirarse con una película hecha con verdaderas agallas, ‘Los señores del acero’ (‘Flesh+Blood’, Paul Verhoeven, 1985) es perfecta para eso. Manidas expresiones como descarnada, brutal, cruel, feroz, bárbara, ultraviolenta, escabrosa, adquieren una nueva dimensión cuando se aplican a la película número ocho del cineasta holandés. Verhoeven es uno de los artistas europeos con más huevos de las últimas décadas, capaz de filmar secuencias (en sus mejores películas, las más completas) que otros directores de fuste y prestigio no se atreverían ni en sueños, de plantear dilemas morales y filosóficos no a través de la palabra o el diálogo, sino a través de imágenes muy ásperas y casi ignominiosas, que dejan a gran parte del cine supuestamente duro, violento y oscuro a la altura de una película Disney, y con una fabulosa música de Basil Poledouris, un compositor que ha sabido capturar las esencias más bárbaras gracias a su formidable sensibilidad y poderío sinfónico. Sin ser una película perfecta, ni mucho menos, ‘Los señores del acero’ no defrauda a quien busca acción e intensidad en una pantalla.

Hay quien dice que el cine de acción y aventura no necesita de un buen guión ni de unos buenos actores, que basta con una realización dinámica y una buena atmósfera, buenas escenas de acción, tiros, combates y golpes. Por supuesto, no estoy nada de acuerdo con esta apreciación. Una película de aventuras necesita de un buen guión y de un reparto ajustado tanto como cualquier otra, y ‘Los señores del acero’ es buena prueba de ello. Verhoeven y Gerard Soeteman escribieron un guión muy inteligente con tres personajes memorables, enmarcada en un contexto histórico muy definido y detallado (que no se erige en una exhibición de elementos históricos, sino que sirve más bien como capricho estético), en una trama sencilla pero muy eficaz, que aunque avanza con un par de arritmias se sostiene gracias a la fuerza de los personajes y al brío de Verhoeven en la puesta en escena, que sigue las andanzas de sus criaturas con vehemencia y compasión (sólo los grandes directores son capaces de ello, creo…) y que reincide en algunos de los temas que hasta la fecha había explorado en anteriores títulos, y que en un futuro seguiría explorando con singular lucidez.

Ni dios ni amo

Martin, un apuesto Rutger Hauer en su última colaboración con su amigo Verhoeven, es uno más de los antihéroes del cineasta, que como el Gerard Reve de ‘El cuarto hombre’ (‘De vierde man’, 1983), el Erik lanshof de ‘Eric, oficial de la reina’ (‘Soldaat van Oranje’, 1977), el Nick Curran de ‘Instinto básico’ (‘Basic Instinct’, 1992), o el Ludwig Müntze de ‘El libro negro’ (‘Zwartboek’, 2006), se construye sobre su virilidad y se destruye por elegir mal sus compañías sexuales. Su sensualidad rivaliza con su violencia y amoralidad, en un mundo que le ha dado la espalda y al que él da la espalda, convencido de que puede sobrevivir según sus propias reglas, después de perder la fe en el hombre, el ejército, Dios y la sociedad. Reconvertido en un mercenario y un ladrón, Martin encarna el cinismo y la depravación que, para Verhoeven, representan la única libertad posible. Viajando, robando y masacrando como líder de su grupo por una devastada Europa occidental (probablemente Italia, aunque nunca se nombra) de 1501, en la que la ignorancia, la superstición, la sed de poder y la depravación hacen sombra al fulgor del Renacimiento.

Pero Rutger Hauer no está solo, pues la gran (y desaprovechada) Jennifer Jason Leigh borda su papel de dama reconvertida en aventurera, capaz de adaptarse con total naturalidad a una nueva vida de pillaje y violencia, al lado de su nuevo amante Martin. La magnífica secuencia en que los compañeros de Martin van a violarla, interrumpidos porque el líder quiere tomarla para sí, y que termina con él violado por ella, no solamente está muy bien filmada, sino que rebosa morbo y degeneración por todos sus poros. Algunos vieron un machismo inherente en la mirada hacia Agnes, pero a mi entender esta secuencia, y el devenir de la relación de Agnes y Martin, demuestra lo contrario: la supremacía mental y amoral de la mujer frente al hombre, rendido a las habilidades sexuales de su compañera, transformado en un ser más primario aún, que teme perder su objeto de deseo frente al rival, interpretado con gran solidez por el también apuesto Tom Burlinson, cuyo Steven es como el reflejo en el espejo de Martin: un individuo cuya ambición y gelidez se oponen a la búsqueda de anarquía y el placer del segundo.

Así que de nuevo tenemos la historia de una mujer dividida entre dos hombres, que les utilizará como mejor le convenga, manejando los tiempos y los deseos de ambos con total maestría, llevándoles siempre a donde ella quiere (impagable la secuencia bajo los dos ahorcados putrefactos…), desembocando todo en una orgía sanguinaria, bestial, cuyo ambiguo final (que por supuesto, no desvelaré) y desesperado tono de derrota, deja al espectador exhausto de tanta furia. Coproducción española/norteamericana, filmada en espléndidos paisajes de Belmonte, Cáceres, Cuenca y Ávila, con estilizada aunque muy realista fotografía de Jan de Bont (sí, el futuro director de ‘Speed: Máxima potencia’ (‘Speed’, 1994) y otras), con un muy ajustado diseño de producción del gran Félix Murcia, que supo aprovechar cada centavo invertido en la película. Pero títulos como este, tan sinceros y sanguinarios, hay pocos, pese a sus desequilibrios. De vez en cuando viene bien recordar que el mundo no es más que una roca asolada por guerras y odios, y que el regocijo de la aventura, la pura supervivencia y la sensualidad, es muchas veces lo único que queda.

Conclusión y momento favorito

Una película netamente verhoeveniana, con momentos magníficos, y otros algo más pedestres, que sin duda el gran director holandés habría pulido en su añorado y nunca cristalizado proyecto de las Cruzadas. Mi momento favorito, sin duda, la secuencia final. Pocas miradas se han filmado así en los años ochenta. Sin ser ninguna obra maestra, ‘Los señores del acero’ merece, y mucho, verse con deleite casi malsano.

Aquí os traigo los resultados de la última encuesta, centrada en frases de cine. Si recordáis, el cuestionario estaba dividido en cuatro categorías, frase más emocionante o inspiradora, mejor reflexión, diálogo más contundente y ocurrencia más divertida oída en una película. Como era de esperar, ha habido mucha igualdad, no hay ninguna opción que se haya llevado más de un cuarto del total de votos. Y como siempre, hay sorpresas, ganadores previsibles y ausencias notables, echad un vistazo a ver qué os parece:

• Frase más emocionante o inspiradora:

Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”

La mágica ‘Blade Runner’, con el memorable monólogo que inventó para la película el actor Rutger Hauer, se lleva el triunfo en este apartado con el 25% de los votos, siendo el título más votado de todo el cuestionario, incluyendo todas las preguntas. En segundo lugar, ha quedado la oscarizada ‘Braveheart’ (”Puede que nos quiten la vida, pero jamás nos quitarán… ¡¡la libertad!!“), con el 12% de votos, y completa el podio ‘Star Wars’ o ‘La guerra de las galaxias’ (gracias a su mítico “Que la fuerza te acompañe.”), con el 10%.

• Mejor reflexión:

“Cuando matas a alguien no sólo le quitas todo lo que tiene, sino también lo que podría llegar a tener”

La frase es de Clint Eastwood en ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’), una de sus películas más famosas y aplaudidas. Queda en primer lugar con el 17% de los votos; el 11% votó una frase de ‘El caballero oscuro’ (”Lo que no te mata, solo te hace más extraño.”) y el 10% prefirió una reflexión de ‘El tercer hombre’ (”En Italia, en 30 años de dominación de los Borgia hubo guerras, terror, sangre y muerte, pero surgieron Miguel Angel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. En Suiza hubo amor y fraternidad, 500 años de democracia y paz y ¿que tenemos? El reloj de cuco.”), que parece que sirvió de inspiración para uno de los diálogos de ‘Destino oculto’ (‘The Adjustment Bureau’), cuando uno de los “vigilantes” habla de lo que ocurre en el mundo cuando ellos no intervienen.

• Frase más contundente:

Aquí me tienen, cascándomela en la ducha. Para mí el mejor momento del día. A partir de aquí, todo va a peor”

El 13% de los lectores se ha decantado por esta frase de Kevin Spacey en ‘American Beauty’, escrita por Alan Ball. El 12% votó por ‘Apocalypse Now’ (“Hueles eso? ¿Lo hueles muchacho? Es napalm. Nada en el mundo huele así. ¡Qué delicia oler napalm por la mañana! Un día bombardeamos una colina y cuando todo acabó, subí. No encontramos un solo cadáver de esos chinos de mierda. ¡Qué pestazo a gasolina quemada! Aquella colina olía a… victoria.”) y el 10% prefirió ‘Lo que el viento se llevó’ (“Francamente, querida, me importa un bledo.”), la película más veterana entre las más votadas.

• Frase más divertida:

Bueno, no empecemos a chuparnos las pollas todavía.

De nuevo aparece ‘Pulp Fiction’ como sorprendente ganadora en una de nuestras encuestas; hace poco también ganó en “inicio más inesperado”. La película que le proporcionó un Oscar a Quentin Tarantino se lleva el triunfo con la frase del Sr. Lobo (Harvey Keitel), votada por el 22% de los lectores; el 15% votó por una frase de ‘Los hermanos Marx en el Oeste’ (”No piense mal de mí, señorita. Mi interés por usted es puramente sexual”) y el 9% se decantó por una de ‘Die Hard’ o ‘Jungla de cristal’ (“15 millones de terroristas en el mundo y mato a uno que tiene pies de mujer.”), dejando fuera del podio a Woody Allen.

PD: Mañana espero poder publicar la siguiente encuesta, la número 20 ya. Como de costumbre, tendré en cuenta vuestras sugerencias.

“Ten cuidado Michael, elegir no creer en el diablo no te protegerá de él.”

Padre Lucas (Anthony Hopkins)

Creo que nunca lo he pasado peor en una sala de cine que cuando vi ‘El exorcista’ (‘The Exorcist’), en el reestreno del montaje extendido en el año 2000. Ya no era ningún niño, y había visto partes de la película con anterioridad, supongo que en televisión, además recuerdo haberme burlado con la idea de que una niña atada a una cama pudiera ser algo aterrador. No sé si llegué a reírme alguna vez, puede que por puro pánico, pero sí sentí auténticos escalofríos, encogido en la butaca, y desde entonces las películas con posesiones demoníacas me causan una especial inquietud. Me he dado cuenta que no es necesario que alguien como William Friedkin maneje la cámara entre las tinieblas, ni el Roman Polanski de ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary´s Baby’) o el Richard Donner de ‘La profecía’ (‘The Omen’); me llega a bastar el correcto trabajo de un realizador que se limite a seguir la fórmula, cuide un poco la atmósfera, no abuse del montaje frenético y cuente con actores comprometidos.

Y sin embargo, no encuentro a menudo propuestas que lleguen a esos mínimos, resultándome imposible seguir con interés supuestos relatos de horror con estética y ritmo de videoclip, protagonizado por pijas de silicona y niños de gimnasio que se dedican a posar ante la cámara y ser bañados con litros de sangre. Más que asustarme, me causa bochorno. Sin ser ninguna joya, ni tampoco merecedora de ser recordada en los próximos años, ‘El rito’ (‘The Rite’, 2011) es una película de claras intenciones que cumple su objetivo, que satisface la demanda inmediata de un público que desee pasar un mal rato con una historia sobrenatural (algunos más que otros, pero reconozcamos que a veces nos gusta pasarlo mal). A eso hay que sumar el siempre estimulante protagonismo de Anthony Hopkins, que aunque se empeñe en ensuciar su carrera con mediocridades, posiblemente por una mezcla de necesidad y diversión, sigue siendo uno de los intérpretes más carismáticos del planeta.

Oh sí, también aparece Rutger Hauer. Y Toby Jones y Ciarán Hinds. Gente con una experiencia y un saber estar impagables. Por su parte, el joven Colin O´Donoghue apenas había hecho cine, teniendo aquí su primer papel protagonista, y debo destacar que hace un trabajo estupendo, es la mayor sorpresa de ‘El rito’. Menos acertada está Alice Braga, pero no por juventud o falta de talento, sino porque le toca el personaje más desdibujado y prescindible del guion de Michael Petroni, al parecer inspirado en hechos reales. Sé que esta etiqueta resulta atractiva en términos comerciales, hay un público al que le emociona saber que la historia tiene un fondo de realidad, pero a veces resulta un tanto perjudicial, pues uno no puede evitar pensar que le están tomando por tonto, cuando por ejemplo una chica vomita enormes clavos como si nada. Así que un consejo si tienes una historia de terror entre manos: pasa de investigar la realidad y céntrate en la puesta en escena, es donde fracasa la gran mayoría de cineastas actuales.

‘El rito’ se basa en un libro del periodista Matt Baglio que narra la historia de Michael Kovak, un joven norteamericano que viaja a Roma para asistir a un curso de exorcismo que se imparte en el Vaticano. No le convencen las clases, cree que todo es una patraña, así que le envían a conocer al padre Lucas, un experto exorcista. Lo más interesante de la película (y dudo que esto sea solo cosa mía) tiene lugar con esos dos personajes en pantalla, el muchacho expresando su escepticismo y el viejo respondiendo con su experiencia, lo que permite no solo comprender a ambos y tener la sensación de realidad que no aporta ningún letrero de “basado en hechos reales”, sino también implicarse uno más en lo que está pasando, para descubrir quién se equivoca, si de verdad existen las posesiones demoníacas. Por eso el primer caso resulta muy entretenido, pues se mantiene un conflicto entre las dos visiones, se mantiene la duda y cabe la posibilidad de que Michael tenga razón y Lucas sea un maldito chalado. Por desgracia, se siente la necesidad de incluir un personaje femenino que subraye la falta de fe de Michael, además de posibilitar un sugerente romance; una mala idea, O´Donoghue y Braga no funcionan juntos, no hay química.

Mikael Hafström hace bien en mantenerse pegado al texto y dejar el peso del relato a los actores, a veces con planos estáticos donde simplemente los vemos reflexionar o expresarse, en lugar de recurrir a llamativos movimientos de cámara o una realización dinámica para agilizar la narración, lo que en estos tiempos, en el cine comercial, es poco habitual. Y se agradece, por momentos uno tiene la impresión de estar viendo un film de otra época. Pero, quizá por presiones de los productores, quizá porque no estamos ante un director brillante (ni mucho menos), no tardan en surgir las prisas y los efectismos baratos, recurriendo a desafortunados arreglos digitales para intentar dotar de espectacularidad al último tramo. En una escena, Lucas dice que el demonio intenta pasar desapercibido, que es como un ladrón que entra en una casa y no enciende las luces; sin embargo, no hay ningún caso en la película en la que no se nos enseñe que realmente están sufriendo una posesión, contradiciendo esas palabras y haciendo más obvio el viaje de Michael.

‘El rito’ es un film vacilante que despega cuando se entrega a los actores, al conflicto interno y la emoción, como el accidente bajo la lluvia, el derrumbe psicológico de Lucas o el flashback de la madre de Michael, y se va al suelo cuando recurre a explicaciones o busca el susto, en tramos muy corrientes y artificiales. Se equivocan los responsables buscando el más difícil todavía y el lucimiento de los efectos especiales, cuando tenían en sus manos una historia pequeña pero muy interesante, con el aprendizaje de Michael, desde su complicada niñez a su búsqueda de fe, y la relación con un mentor cada vez más hundido en la oscuridad, mientras intentan solucionar el extraño caso de la muchacha embarazada que dice estar poseída. No hacía falta estirar el chicle ni pintar digitalmente los rostros de los actores para hacerlos más terribles. Lo cotidiano ya es suficientemente terrible.

No os perdáis esto, en especial los amantes del cine de acción más desenfadado, cutre y gamberro. Os acordáis de ‘Machete’, ¿verdad?, pues ‘Hobo with a Shotgun’ (‘Vagabundo con escopeta’) es algo similar. Al igual que el film de Robert Rodriguez y Ethan Maniquis, el que nos ocupa también nace a raíz de un “fake trailer” realizado para ‘Grindhouse’, aquel experimento de Quentin Tarantino y Rodriguez que en España no pudimos ver de la forma que fue concebido (una sesión doble con avances de películas falsas en el intermedio).

El falso tráiler de ‘Hobo with a Shotgun’ ganó un concurso promovido por Rodriguez y pudo verse en algunos cines norteamericanos que proyectaron ‘Grindhouse’, entusiasmando tanto al público que su máximo responsable, Jason Eisener, decidió probar suerte y adaptarlo a largometraje. Ya está listo, y aquí os dejo el material promocional que circula por la red, un avance de dos minutos (con un arranque sensacional) y tres carteles, uno de ellos destinado a convertirse en objeto de culto. La película se ha presentado en el festival de Sundance, y parece que le ha ido muy bien, quizá la veamos por nuestro país algún día no muy lejano.

Como su propio título indica, ‘Hobo with a Shotgun’ gira en torno a un triste hombre cuyo hogar son las sucias calles de una ciudad sin ley, totalmente corrompida, hasta que un día consigue un arma y decide impartir justicia. Sin duda, una de las razones para quedarse con el título de esta película es que el reparto está encabezado por el gran Rutger Hauer (‘Blade Runner’, ‘Carretera al infierno’, ‘Batman Begins’), en la piel del violento personaje que David Brunt encarnó en el falso avance original, que por cierto os dejo a continuación, por si queréis compararlo con el de la película verdadera. Os arrancará algunas carcajadas, os lo aseguro.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Gracias a Harry Powell por el aviso.

Vía | Impawards

Solo se le puede vencer si se cree en él.

Probablemente sea una tontería, otra más del cada día más aburrido género de terror, pero debo reconocer que me ha llamado mucho la atención el tráiler de ‘El rito’ (‘The Rite’), que se está proyectando en los cines desde hace unas semanas. Puede que sea porque el subgénero de las posesiones demoníacas logra inquietarme con facilidad (ya os comenté que ‘El último exorcismo’ me dejó helado en algunos momentos). Os dejo el avance en esta entrada junto al cartel español, centrado en el poderoso rostro de Anthony Hopkins, un actor de carácter, tremendamente versátil, que no ha estado muy afortunado eligiendo proyectos en los últimos años; pero qué duda cabe que es uno de los grandes, y cuando está inspirado, le basta un gesto para tener al espectador a sus pies. Esperemos que aquí nos ofrezca su mejor versión.

Basada en el libro de Matt Baglio, supuestamente inspirado en hechos reales, ‘El rito’ se centra en un joven seminarista escéptico, que asiste con reparos a la escuela de exorcismo del Vaticano; durante su estancia en Roma, conoce a un sacerdote nada ortodoxo, que le muestra el lado más oscuro de la fe. Eso ha sonado raro, ¿verdad? Bueno, la película la ha escrito Michael Petroni, ha sido dirigida por Mikael Hafström (‘Evil’, ‘1408’, ‘Sin control’) y, además de Hopkins, está protagonizada por Toby Jones, Ciarán Hinds, Alice Braga, Rutger Hauer y el debutante Colin O´Donoghue. ‘El rito’ se estrena en España el próximo 18 de marzo.

PD: Y el 28 de abril veremos a Hopkins en la piel de Odin, padre de Thor, en el film de Kenneth Branagh.

Vía | Cinemascomics

Los primeros años 80 fueron especialmente difíciles para Sam Peckinpah. Su salud empezaba a deteriorarse peligrosamente, y el polémico director optó por llevar una vida más tranquila. Cinematográficamente se vio obligado a considerar proyectos a los que no encontraba ningún interés. Dirigir el cine que quería ya no era tan fácil, en realidad para él nunca lo había sido, pero en una época en la que la forma de hacer cine en Hollywood estaba cambiando, Peckinpah tuvo de repente la necesidad, indudablemente económica, de someterse a los estudios y demostrar a los productores que podía hacer perfectamente una película sin salirse de presupuesto y días de rodaje.

Esa película fue ‘Clave: Omega’ (‘The Osterman Weekend’, 1983), que sería la primera adaptación cinematográfica de una novela de Robert Ludlum, hoy de moda gracias a las películas de Jason Bourne. Una historia de espionaje que sería escrita para el cine por Alan Sharp, guionista de prestigio por trabajos como ‘La venganza de Ulzana’ (‘Ulzana´s Raid’, 1972, Robert Aldrich) o ‘La noche se mueve’ (‘Night Moves’, 1975, Arthur Penn), y que Peckinpah adaptaría a su propio universo cumpliendo profesionalmente con lo acordado con la productora. Sin embargo cuando el director presentó su montaje los productores le despidieron y remontaron el film con fines meramente comerciales.

‘Clave: Omega’ narra la historia de John Tanner (Rutger Hauer), un famoso y polémico presentador de televisión, a quien un agente de la CIA pide ayuda para desenmascarar a cuatro espías rusos que se están haciendo pasar por ciudadanos norteamericanos en una operación secreta llamada Omega. Se trata de amigos personales de Tanner, quien por amistad le resulta difícil creer en su culpabilidad, aunque su alto sentido del patriotismo le hace colaborar con la CIA en un tormentoso fin de semana que tendrá lugar en la vivienda de Tanner. Éste, con la ayuda del agente de la CIA, tratará de que sus amigos se descubran como lo que son realmente.

Un típico argumento de película de espionaje en el que nada es lo que parece, sus acontecimientos no son nada previsibles, el film contiene unos cuantos giros de guión que lo hacen sumamente atractivo, ya no sólo por la historia en sí, sino por todo lo que se desprende de ella. Siendo una película de hace ya 27 años, resulta sorprendente lo terroríficamente profética que resultaba por aquel entonces, y lo moderna que se mantiene. Más allá del relato de espionaje y acción existe toda una irónica crítica al poder de la información y a cómo ésta se utiliza para fines oscuros, además de enseñar la obsesión del ser humano por el control de las vidas de los demás.

Este detalle puede apreciarse claramente en el personaje al que da vida John Hurt, Lawrence Fassett, el agente de la CIA que tiene toda la casa de Tanner llena de cámaras con las que tener acceso a cualquier rincón de la casa, una decisión de guión que en principio parece tener su sentido en el hecho de que así el agente puede controlar en todo momento la situación y no dejar que ésta se salga de madre. Pero Peckinpah va más allá filmando una escena en la que Tanner vigila a sus invitados de noche, mientras es a su vez vigilado por Fassett. ¿Quién vigila al que vigila? Resonancias de George Orwell, con la presencia de John Hurt un año antes de la adaptación de ‘1984’.

El resto es un excelente film de acción y suspense llevado con mano maestra por Peckinpah. Un poco de mala leche, un poco de humor y alguna que otra exageración típica en el cine de los últimos trabajos del realizador. A pesar de que los productores no fueron capaces de destrozar la mirada de Peckinpah en este singular relato, con un montaje recortado, sí es cierto que hay, sobre todo en su parte final, saltos bruscos que estropean la continuidad. Sobre el famoso montaje de Peckinpah, que a día de hoy ya no existe, decir que los que lo vieron coincidían en sus superioridad sobre el montaje estrenado. Sea como fuera, ahora nunca lo sabremos y sólo nos queda disfrutar con la última película que dirigió este gran director, que para la ocasión contó con un suculento reparto que estaba ansioso de trabajar con Peckinpah.

Rutger Hauer, recién salido de ‘Blade Runner’ (id, 1982, Ridley Scott), Craig T. Nelson, que venía de protagonizar ‘Poltergeist’ (id, 1982, Tobe Hooper) y tuvo que luchar por el papel, John Hurt, de renombre gracias a su nominación por ‘El hombre elefante’ (‘The Elephant Man, 1980, David Lynch), Dennis Hopper y Burt Lancaster, los más veteranos del film, nombre conocidos para dar más prestigio al film; y actores menos conocidos como Chris Sarandon, Helen Shaver o Meg Foster. Todos están fantásticos en una película que en cierto sentido puede considerarse como la otra cara de la moneda de ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’, 1971), dándole la vuelta a la situación: en lugar de un hombre enfrentado a extraños en una tierra que no es la suya, aquí tenemos a un hombre enfrentado a sus propios amigos y en su propio hogar.

Sam Peckinpah murió el 28 de diciembre de 1984. Un ataque al corazón le arrebató la vida, que le gastó la gran broma de su existencia pidiéndole cuentas precisamente ese día.

Aquí hemos repasado toda su obra cinematográfica como realizador —tiene algún que otro trabajo como guionista o actor—, una de las más importantes que han existido. Con una película inició un cambio en el género cinematográfico por excelencia, y con otra cambió radicalmente la forma de hacer cine. Nunca veremos la violencia retratada como la retrató Sam Peckinpah. Espero que hayáis disfrutado con este especial como yo haciéndolo.

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético
• ‘Duelo en la alta sierra’
• ‘Mayor Dundee’
• ‘Grupo salvaje’
• ‘La balada de Cable Hogue’
• ‘Perros de paja’
• ‘Junior Bonner’
• ‘La huida’
• ‘Pat Garret y Billy the Kid’
• ‘Quiero la cabeza de Alfredo García’
• ‘Los aristócratas del crimen’
• ‘La cruz de hierro’
• ‘Convoy’

• Ayudando a Don Siegel

Antes que nada, una advertencia: no escribo mi crítica sobre ‘Blade Runner’ en este blog (ya he escrito otros textos sobre ella aquí y en otros blogs) para justificarme ante algunos comentarios que “me exigían” argumentos después de leer que la considero sobrevalorada. Más bien este texto me va a servir para dejar las cosas claras de una vez, y va a ejercer de pozo de indignación de todos aquellos fanáticos que oyen nombrar el título de esta película y si a continuación no se dice obra maestra se te tiran a la yugular. Así podré enlazarla en el futuro, y cada vez que diga que está sobrevalorada, o algo por el estilo, aquí el lector podrá leer mis argumentos.

Tampoco es mi intención escribir un texto con el ánimo de ofender a nadie. Sí con el de provocar polémica, la madre de todas la buenas ideas de este mundo. No es lo mismo una cosa que la otra. Yo creo sinceramente que el tercer largometraje del director más creído de la historia del cine es una ficción científica aburrida y confusa, además de poseer, claro que sí, una formulación plástica fascinante, y algunos buenos momentos aislados que no logran levantar un conjunto pesado, autocomplaciente e insatisfactorio. Mi única exigencia es escribir lo que pienso.

Allá por 1982 se estrenaba esta película, en la que algunos no confiaban demasiado, a pesar de estar dirigida por un tipo cabezota y brillante, con muchas ideas de fotografía, que ya había sorprendido al mundo entero con una obra maestra: ‘Alien, el octavo pasajero’. Nadie sabía por entonces, como es lógico, que nunca más repetiría, ni siquiera se acercaría, a aquella perfección. Y su siguiente película iba a empezar a confirmarlo. En un rodaje caótico, con un guión mutante (mil veces reescrito) sobre una novelita insustancial, con Harrison Ford harto de tener que esperar horas para hacer una mísera toma, el director acabó pidiendo varias semanas de retomas para retocar la luz y la misma historia.

Esos retoques se prolongan hasta la actualidad, pues durante más de dos décadas el director ha estado vendiéndonos varias versiones de esta película. No como un verdadero “work in progress”, sino como un evidente intento de satisfacer la curiosidad de los seguidores de la película, a los que les han sacado, una y otra vez, el dinero del bolsillo. Yo no he visto la ultimísima versión (mi compañero Alberto me asegura que no hay ningún cambio sustancial, salvo un lavado de cara…bien, eso no es una nueva versión según mi diccionario), por eso sobre lo que voy a escribir es sobre la primera y sobre los interesantes cambios que se introdujeron en la segunda. Todo lo demás es aire y marketing. Yo de marketing no hablo, me pagan para hablar de cine.

Y hay cine en ‘Blade Runner’, aunque amorfo y demasiado consciente de su propia importancia, como si desde el primer plano quisiera dejarnos bien clarito la obra maestra que debe ser, y que desde luego nunca será para mí. Scott, como buen hijo de la publicidad, comienza con dos planos que podrían haber formado parte de un comercial fastuoso: las chimeneas de un L.A. infernal escupiendo fuego, y esa misma imagen reflejada en un ojo en primerísimo primer plano, o en plano detalle, mejor dicho, de su iris azul. La excesiva y engolada música de Vangelis hace enseguida acto de aparición. Hemos llegado a un futuro distópico, en permanente lluvia y claroscuro.

En este comienzo, y en diversos intervalos, veremos grandes planos generales de una ciudad futurista que según muchos ha influenciado a la mayoría del cine posterior de ficción científica. En realidad es una amalgama de logros anteriores de creadores mucho más originales. El aspecto arquitectónico es deudor de una obra fundacional de la ficción científica cinematográfica: ‘Metrópolis’, de Fritz Lang, cincuenta y cinco años anterior, y el aspecto cyber-punk es algo que en Japón llevaba muchos años en cómics y películas. Es decir, ni Scott ni su fabuloso equipo (porque era un equipo técnico de primer orden) inventaron nada. Y en cuanto a su repercusión posterior, yo no la encuentro.

Películas posteriores, y muy superiores, como ‘Strange Days’ o, sobre todo, ‘Hijos de los hombres’, por hablar de dos películas recientes con futuros distópicos. De ambas, y otras, han dicho que siguen la estela de la película de Scott. Y no es cierto. En concreto la de Cuarón se aleja premeditamente, con grandísimo acierto, de los postulados preciosistas y grandilocuentes de Scott, y se centran en algo que él no puede: las personas. Siempre he pensado que el cine va sobre las personas, no sobre los escenarios. No tengo ningún problema en asignar a Scott el título de mejor escenógrafo de la historia. Nadie puede superarle a la hora de armar el juego de luces, reflejos y humos dentro de un cuadro. Al menos en algo es el número uno.

Pero Scott, aunque algunos no quieran o no puedan verlo, no es ni un humanista, ni un filósofo, ni un intelectual, ni un poeta. Pocas veces hemos asistido a un desaprovechamiento tan brutal de un director de tanto talento, a causa de un ego desmedido y de una ambición comercial que, como prioridades, han dejado en la cuneta a la coherencia y la personalidad. Y todas las carencias, y todo el truquerío con el que maquilla esas carencias, comienzan a evidenciarse ya en ‘Blade Runner’. Y viéndola hoy, casi tres décadas después, si uno no es un fanático intransigente, las oquedades son obvias, y es que todo acaba cayendo por su propio peso.

Deckard y los replicantes

Además, Deckard no es un personaje precisamente fascinante (como sí lo es Roy), y es una suerte que lo interpretara un esquivo y acerado Harrison Ford (que siempre he pensado que es un actor instintivo, muy físico y muy natural) que parece tan aburrido y harto como seguramente lo estuviera en el rodaje. Lo malo del asunto es que en ningún momento podemos sentir, o eso me parece a mí, ninguna empatía por él. Es decir, a mí personalmente no me produce ningún dolor, ni siquiera preocupación, lo que pueda pasarle a este hombre, y su gran dilema, tan pésimamente tratado, de matar replicantes y sentirse como un asesino, parece un tema de videoclip, disciplina a la que se debería haber dedicado Scott, antes de firmar una obra tan fallida.

El momento en que mata a su primer replicante, la salvaje Zhora (interpretada por Joanna Cassidy, que varios años más tarde encarnaría a uno de los personajes más excéntricos de la inolvidable ‘Six Feet Under’) es un ejemplo perfecto. Deckard, en su voz en off (algo es algo) nos cuenta cómo se siente, o lo intenta, pero nunca entramos en su estado anímico. Ridley no incluye el rostro de su protagonista en primer plano, para ver cómo se siente, pero sí una fastuosa secuencia de persecución, con la replicante rompiendo con su cuerpo varias paredes de cristal. Eso sí le importa a Ridley mostrarlo muy bien.

Pero menos importa aún la muerte del siguiente replicante (al final, parecen más un mcguffin que personajes de entidad) la cual ocurre muy poco después, a manos de Rachel (insípida, pero guapísima Sean Young). Esta es la excusa para que comience una historia de amor cuyos integrantes, Ford y Young, carecen de la más mínima química juntos. Cómo se nota lo mal que se llevaron y lo distintos que son. Es imposible creerse que surja un amor desesperado entre ambos (qué diferente es el amor desesperado y maravilloso de Sarah Connor y Kyle Reese en ‘The Terminator’), aunque guapos y melancólicos son un rato. Si la caza de los replicantes carece de toda fuerza o intensidad, la historia de amor es de una frialdad que asusta.

Menos mal que nos queda Roy.

Dios y la mortalidad

Y tiene la suerte esta película de que su última gran secuencia sea precisamente el clímax final, en el que por fin Roy y Deckard se encuentran. Nos identificamos más con Roy que con Deckard, pero a quien seguimos en este final es al poli, de modo que es imposible saber con quién debemos situarnos. Por supuesto vence el replicante, pero en el último segundo decide no matar a Deckard y morir en paz. Este es uno de esos finales más recordados por los fanáticos, y que según ellos define a la perfección lo que significa ser un mortal. Hauer improvisó las mejores escenas del mismo, con Scott en contra. El impertérrito Ford asiste a su final sin mostrar la menor emoción, una vez más. La paloma que sujetaba Roy (???) sale volando, corporeizando una metáfora del alma recién adquirida de Roy, que sube al cielo. Una figura tosca y pueril.

Pienso que el principal problema de esta película es que se queda a medio camino entre el cine de autor, y el cine comercial más noble. Al intentar combinar ambas, se acaban matando entre sí. Muy pocos directores han fusionado el estilo más personal con la ambición comercial y han salido triunfantes. Coppola, Lean, Spielberg o Cameron son de los pocos. Scott, no. Como dice Harry, el sucio, lo que mejor es conocer tus propias limitaciones.

La ficción científica es mucho más que un aburrido ejercicio de autocomplacencia, que un impostado truquerío de maquetas y fondos matte que buscan una forzada poesía. Su valor es el de proporcionarnos una verdad que acontecerá en el futuro, como sigamos así. ‘Blade Runner’ podría haber sido prodigiosa. Y aunque tiene buenos momentos se queda en eso, un aburrimiento confuso y encantado de haberse conocido.

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• ‘Blade Runner’, mágica obra de arte sobre la condición humana

A diferencia de su secuela, que llega por fin mañana a los cines españoles, ‘Batman Begins’ no se estrenó a bombo y platillo. No se anunció con tanto ruido ni con tanta antelación. Quizá no lo necesitaba. Batman es un personaje de sobra conocido por todos, un icono muy popular. A ello han contribuido dos directores muy diferentes: Tim Burton y Joel Schumacher. Dejando al margen aquella peliculilla de Adam West, que continuaba la cómica serie televisiva, Burton y Schumacher llevaron a la gran pantalla, con presupuesto y medios, con estrellas de Hollywood, la historia y las aventuras del señor de la noche, un Batman que empezó siniestro, triste, oscuro y acabó lleno de colores, dando saltitos en un traje con pezones.

Y entonces llegaron Christopher Nolan y David S. Goyer y le dieron la vuelta al personaje. A empezar de cero. A recuperar el prestigio perdido. ‘Batman Begins’ no contaría con nada de lo visto en ninguna de las películas anteriores, creando un nuevo universo para el caballero oscuro. Recuerdo que me quedé bastante sorprendido cuando supe que Nolan iba a dirigir un film de Batman y que contaría con Christian Bale para el papel principal. ¿El director de ‘Memento’ y el protagonista de ‘American Psycho’ recomenzando una saga de Batman? Eso había que verlo. Doblemente sorprendido porque parecía que los medios especializados no le daban demasiada importancia al proyecto (tanta como merecía, en mi opinión). Quizá por el pasado reciente del hombre murciélago en el cine, quizá por desconfianza hacia Nolan, pues su anterior film, el remake de ‘Insomnia’, como no podía ser de otra forma, no convenció al público.

Nolan empezó su carrera como director con la estupenda ‘Following’, un amago de lo que luego sería ‘Memento’, un impresionante rompecabezas sobre la conciencia que puso su nombre en boca de todos. Yo al menos le puse en un altar y no dejo de recomendar esa película, algo más que un simple y eficaz juego de montaje, como muchos, aficionados a darse demasiada importancia, han querido etiquetarla. Luego llegó la menos popular pero igualmente brillante ‘Insomnio’, sobre el remordimiento y la culpa. Sin duda, un director más que interesante para encargarse de un personaje como Batman, un niño multimillonario que vio cómo asesinaban a sus padres y decidió transformarse en un justiciero al margen de la ley en una ciudad controlada por el crimen.

Uno de los mayores aciertos de ‘Batman Begins’, quizá el más importante, es centrarse en Bruce Wayne, en cómo ese niño aterrado se convierte en el temible hombre murciélago. Nolan y Goyer toman de los comics (especialmente al imprescindible ‘Batman Año Uno’ de Frank Miller) lo que más les interesa y recontruyen un origen más que convincente para un personaje que había caído en el ridículo más absoluto. El reparto también se cuidó en ese mismo sentido. Nolan tendría a su servicio no sólo al mencionado Christian Bale para encarnar a Bruce Wayne y a su alter ego, sino que también contaría con actores de la talla de Michael Caine, Morgan Freeman, Liam Neeson, Gary Oldman y Tom Wilkinson. A ellos había que sumar dos jóvenes y prometedores estrellas, Katie Holmes y Cillian Murphy, así como la recuperación de un señor como Rutger Hauer que sólo por su labor en ‘Blade Runner’ ya se ganó la inmortalidad (por cierto, Nolan puso la película de Ridley Scott como modelo para crear la ciudad de Gotham). El empezar de nuevo afectaba a todo, incluyendo la banda sonora, de la que se ocuparían Hans Zimmer y James Newton Howard, muy discutida al principio por las comparaciones con la obra de Danny Elfman.

Con todos los ingredientes puestos sobre la mesa, sólo faltaba unir las piezas y hacerlas funcionar. Y vaya si se hizo. ‘Batman Begins’ fue un éxito de taquilla, de público y de crítica. Tanto que desde su triunfador paso por los cines y las televisiones de todo el mundo, se convirtió en un título de referencia, no sólo para las películas centradas en superhéroes, sino para toda adaptación de un cómic y, más aún, para toda película de acción espectacular que quisiera ser algo más que eso. Ahí radica la grandeza del guión escrito por Nolan y Goyer, en que ‘Batman Begins’ tiene de todo. Batman debe protagonizar una película donde la acción y el espectáculo sean fundamentales, pero tanto como el contenido dramático, sin olvidarse del humor, algo que el público siempre agradece.

La película de Nolan partía del hecho de que el público ya había visto mucho a Batman. Ver otra vez a un actor disfrazado de murciélago no era algo especialmente atractivo, más aún después de la lamentable ‘Batman & Robin’. Así que Nolan nos esconde a Batman. Y lo hace hasta casi la mitad de la película, que dura más de dos horas, por cierto. ¿Una película de Batman sin el hombre murciélago? Exacto. Era algo que no se había hecho y precisamente era lo que se buscaba, ofrecer algo diferente. Bruce Wayne sería el centro de atención y aunque pudiéramos dudarlo, lo cierto es que el personaje merecía ese trato. Era un personaje que tenía mucho que decir pero aún no había tenido el espacio suficiente para hacerlo.

Al parecer, uno de los elementos que más interesaron a Nolan de este proyecto fue la idea de que un multillonario emplease su fortuna en convertirse en un arma contra el crimen. Y de ahí vamos a la pregunta fundamental, ¿cómo surge Batman? En esta película tenemos por fin una respuesta para esa pregunta. La construcción del pasado de Wayne es magnífica y sirve de apoyo para su crecimiento, para que el público crea en todo lo que hace. Así, tenemos a una familia que lo tiene todo… luego a un niño que ve cómo sus padres son asesinados y se queda solo… después a un joven que sólo desea que el asesino reciba su castigo… posteriormente a un hombre perdido en busca de algo que dé sentido a su existencia… y ahí es cuando empieza verdaderamente ‘Batman Begins’. Con un hombre que descubre su verdadera misión.

Se criticó mucho (yo también lo hice) el modo en el que Nolan rodó las escenas de lucha. Por lo visto, eso se debió a que se quiso introducir un estilo de combate novedoso, el “keysi”, que le venía como anillo al dedo al nuevo Batman. Sin embargo, o Nolan no lo captó bien o no tuvieron el tiempo suficiente para planificar los combates. Lo cierto es que es uno de los pocos pero importantes defectos de una película que, afortunadamente, se crece rápidamente una vez que acaba la lucha. De hecho, a uno (al menos a mí) le quedan otros momentos en la memoria. Me quedo con el Wayne niño siendo abrazado por Alfred, con Wayne recibiendo un sermón en el bar de Falcone, con Batman gritando enfurecido a un policía corrupto colgado boca abajo, con ese gas que despierta el miedo, con la frase de “es lo que hacemos lo que nos define“... Culpa de que en una película como ésta lo que menos importe es la acción la tiene el director, el sobresaliente el guión, pero también, y no menos, el trabajo de los actores protagonistas.

El reparto de ‘Batman Begins’ es fundamental para entender su éxito. Bale, como casi siempre, lo da todo para crear un Bruce Wayne y un Batman sencillamente inmejorables. Él es la cima de la película, desarrollando a Wayne y creando a Batman, pero es imposible no reconocer el mérito de los demás actores, que aportan algo más que sus rostros a todos los personajes que aparecen en la pantalla, muchos y ninguno gratuito, todos con sentido, con buenos diálogos y con profundidad, nada de marionetas. Michael Caine como Alfred, Oldman como Gordon (un personaje que renace como la saga, ganando en protagonismo), Wilkinson como Falcone, Murphy como el Espantapájaros (un primer aviso del Joker que vendría después) y Neeson como Ra´s Al Ghul, fueron muy aplaudidos, con razón, pero personalmente nunca entenderé las demoledoras críticas que recibió Holmes en el papel de Rachel Dawes; motivo por el cual, al parecer, la sustituyeron por Maggie Gyllenhaal para la siguiente película. Destaca que Batman tenga en esta película hasta cuatro enemigos, sin contar con la policía o sus propios miedos, pero ninguno le roba el protagonismo; y también resaltar el realismo con el que se trata a personajes salidos directamente del mundo del cómic.

Entretenidísima, tenebrosa, espectacular, emocionante, ‘Batman Begins’ fue la prueba de que se puede hacer una buena película, buen cine, que guste a todos, a partir de un personaje de cómic, de un superhéroe. La mejor prueba hasta que llegó su continuación, ‘The Dark Knight’ (‘El Caballero Oscuro’), leve pero claramente superior. Pronto hablaremos de ella.

Hablar de ‘Blade Runner’ es hacerlo de varias cosas. Es hablar de la magia del cine, es hablar de arte, es hablar del ser humano, es hablar de una experiencia que transforma al espectador. Hace unos días, tuve la santa suerte de poder ver, en una sala de los Kinépolis de la ciudad de Granada, esta extraordinaria película que dirigió Ridley Scott a partir de una novela de Philip K. Dick. La había visto ya, si no recuerdo mal, cinco veces, pero jamás de esta forma, en pantalla grande y con una calidad de sonido y de imagen sencillamente inmejorables. ‘Blade Runner’ es una película que se enmarca tanto en la ciencia ficción como en el cine negro, terrenos ambos donde camina con paso firme y ejemplar, pero sobre todo es una visión pesimista y trágica de la condición humana.

El ser humano está en declive, muerto; esto es lo que ponen de manifiesto sus creaciones más perfectas, unas “máquinas” que se han desarrollado hasta tal punto que, en contraposición con las personas “reales”, quieren vivir intensa y eternamente. Gracias al precioso envoltorio de ciencia ficción, ‘Blade Runner’ plantea de forma fascinante una pregunta que siempre nos ha acompañado: ¿qué nos hace humanos? Lo orgánico ha perdido todo su sentido y las gentes deambulan sin sentido por calles ruidosas y superpobladas donde la lluvia refleja perfectamente el estado de ánimo que el film quiere transmitir. La fantástica banda sonora de Vangelis, la increíble visión de Scott y unos actores en estado de gracia logran que nos quedemos totalmente pegados a la butaca, independientemente de las veces que hayamos viajado hasta el barroco futuro de los replicantes.

El argumento de ‘Blade Runner’ (1982) se centra en Rick Deckard, un policía especializado en cazar replicantes. Los replicantes son algo así como robots biológicos, seres humanos artificiales, creados para cumplir las tareas que los hombres ya no quieren hacer, en lugares donde se necesita una mayor mano de obra. Las nuevas generaciones de replicantes, los Nexus-6, han empezado a desarrollar emociones y llegan a cometer crímenes contra personas, por lo que son declarados ilegales. Los Blade Runners son los ocupados de eliminarlos. Estamos en Los Angeles, año 2019. Deckard se ve obligado a cumplir con una peligrosa y desagradable misión…

Lo que pasó por mis encendidas retinas el pasado 1 de diciembre (por cierto, infinitas gracias desde aquí tanto a una deliciosa jovencita como a un amable amigo, por hacer posible la memorable velada), fue concretamente una versión llamada ‘Blade Runner: The Final Cut’ (o ‘Blade Runner: El Montaje Final’, que básicamente es el director´s cut más una mano de pintura digital para, supuestamente, hacer más creíble el mundo futurista donde se desarrolla la acción.

No hacía falta, desde luego, tal tarea, como ya quedó en evidencia cuando el pesetero de George Lucas volvió a vendernos su (también mágica) saga de las galaxias; pero, por otro lado, no molesta lo más mínimo y apenas se nota, salvo porque sabes que “eso” no estaba ahí la última vez que viste el film. Igualmente, se han añadido algunos planos nuevos, pero pasan desapercibidos y personalmente me lo tomé del mismo modo que los retoques de efectos especiales (como si no estuvieran). La (quizá exagerada) explotación comercial que se está haciendo de esta mítica película ha llevado a muchos a desprestigiar las diferentes versiones, punto de vista que considero equivocado. Porque otro aspecto increíble de ‘Blade Runner’ es que, por un lado, es única, pero por otro, tiene varias versiones que funcionan a las mil maravillas. He llegado a la conclusión (no probada científicamente) de que la primera versión que ves es la que amas; pero en cualquier caso, la magia que desprende la obra está, reside en los fotogramas de todas las diferentes variaciones de la misma historia. Personalmente, me quedo con el director´s cut, pero, por ejemplo, Alberto prefiere la versión que se estrenó en un primer momento. Muy curioso.

Elegante, sutil, preciosista, perfeccionista… Podríamos usar cualquiera de éstos y más calificativos para referirnos y subrayar la magistral labor de dirección de Ridley Scott en este film. Un señor que lleva el cine en sus venas, como se demuestra en incontables momentos de su envidiable filmografía; un señor que tiene en su haber ‘Alien’, ‘Thelma y Louise’, ‘Black Hawk Derribado’ o la para mí sobrevalorada ‘Gladiator’, pero que no tiene en su poder un Oscar (quizá ‘American Gangster’ se lo proporcione). Scott nos sitúa siempre dónde hay que estar, imprime el ritmo adecuado para cada momento (nos deja sin aliento con el primer “retiro” y nos relaja con las escenas íntimas de Deckard) y nos sumerge en un oscuro y lluvioso entorno que se muestra tan desolador como bellísimo. En este sentido, el diseño de producción es sublime. Scott se aprovecha de todos los elementos a su disposición para mover la cámara sin que nos demos cuenta, señal inequívoca de que no podía hacerse de otra forma. Por cierto, se suele decir que “el libro siempre va a ser mejor que la película”, pero con una película tan especial como ‘Blade Runner’ las normas no valen. La obra de Dick no podría lucir mejor en la pantalla, recibiendo una dosis de poética complejidad pocas veces vista. El genial escritor no pudo verla, pero seguro que estaría muy agradecido por esta adaptación. A fin de cuentas, le saca brillo a una de sus novelas menos inspiradas.

Al igual que los temas de Vangelis, los rostros de ‘Blade Runner’ no se olvidan. Inevitablemente, el memorable impresionante y emotivo monólogo final (lo puedes ver mil veces, te eriza la piel siempre) hace que sean Harrison Ford y Rutger Hauer los actores más recordados, pero es también inolvidable la preciosa fragilidad de Sean Young, la salvaje belleza de Daryl Hannah o las extrañas facciones de Edward James Olmos, que encarna a un personaje muy secundario pero tan fascinante como el resto. Pero evidentemente, repito, puestos a destacar, hay que mencionar por encima de todos a Ford y a Hauer, que comparten un duelo que es un prodigio en todos los sentidos, trepidante, oscuro, reflexivo y de maravilloso desenlace. Tanto uno como otro están simplemente perfectos; el primero compone a un detective melancólico, un antihéroe, con el que nos podemos identificar desde el primer fotograma, y el segundo interpreta (y crea) a uno de los mejores villanos que ha dado el cine en toda su Historia. Por cierto, atención a las frases que le dedica el replicante al Blade Runner, ¿se conocían anteriormente? ¿Era Deckard ese sexto replicante que menciona su superior? ¿Por eso Deckard tiene ese reflejo dorado en los ojos? Los adoradores de la versión comercial, aun quitando el sueño del unicornio, tenéis que admitir que Deckard es… bueno, me callo que seguro que hay alguien por aquí que todavía no la ha visto.

‘Blade Runner’ pasa por ser una de esas razones por las que amar el cine, uno de los pocos títulos realmente imprescindibles del séptimo arte. Es tal la belleza y la complejidad de la obra que uno se queda casi sin palabras al querer describirla. Podéis daros un buen viajecito por la red y comprobar la cantidad de debates y análisis que ha originado la película (catalogada como la de mayor contenido filosófico en numerosos sitios). Como bien sabéis, hay cosas que es mejor no ensuciarlas contándolas, hay que verlas y experimentarlas por uno mismo. Si eres de los que aún no han sentido en tu propia piel el monólogo final del replicante Roy Batty, no dudes más, tienes una tarea pendiente y urgente. Y si ya lo has sentido, ¿a qué esperas para repetir? Ah, vale, esperas al día 11 de diciembre, que sale a la venta una edición apabullante, con maletín y discos para pasar horas sentado, de esta genial e incontestable obra maestra.