Se habla mucho estos meses de reciclados, homenajes y revisitaciones de formas y estilos de tiempos pasados. Tal y como apuntaba en mi texto sobre la infame ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’, Rod Lurie, 2011), los remakes llevan haciéndose desde que el cine es cine. Lo mismo ocurre con esas películas que parecen tomar prestado de otras, puesto que el séptimo arte, como todas las demás artes, se retroalimenta para dar paso a nuevas formas de narrar historias. Nicolas Winding Refn lo ha entendido muy bien, y con ‘Drive’ (id, 2010) —recientemente ninguneada en las nominaciones a los Oscars, optando sólo al montaje de sonido— nos ha regalado un thriller, cuyas fuentes de inspiración son de lo más variopintas, no quedándose únicamente en eso. ‘Drive’ es un claro ejemplo de influencia bien asimilada y respira con vida propia en cada uno de sus intensos fotogramas.

La historia es sencilla, que no simple, y el provecho que se saca de ella es máximo. Ryan Gosling, también ninguneado en las nominaciones y ya no sólo por este film, da vida a un conductor de coches que trabaja en un taller y de especialista de cine, pero también tiene otro curioso trabajo: es chófer en atracos. Su vida se complica cuando conoce a una chica y su hijo pequeño. El marido de ésta acaba de salir de la cárcel y debe dinero por protección. Nuestro héroe, por amor, decidirá ayudarle y como consecuencia una serie de hechos fatídicos tendrá lugar. En la mejor tradición del Film Noir, la fatalidad y el destino por el que están marcados los personajes, serán los principales elementos de una historia que esconde más de lo que parece a simple vista. Pero si se mira con atención, ‘Drive’ se descubre ante nuestros ojos como algo más que un simple thriller.

En el excelente inicio Refn parece entender a la perfección una de las máximas de Cecil B. DeMille, dándole la vuelta hasta límites insospechados obteniendo así resultados mayores. Si DeMille decía que una película debía empezar con una explosión y de ahí para arriba, para obtener la atención del espectador, ‘Drive’ consigue lo mismo pero de forma inversa. En estos tiempos de efectos digitales por doquier, donde parece importar más la parafernalia visual, Refn apuesta por una escena que deja atado a la butaca con muy pocos elementos. Una persecución de lo más original, y en la que el fuera de campo posee un significado vital. Dicha escena no sólo es un ejemplo perfecto de palnificación, montaje y sobre todo sonido; también sirve para definir, casi sin palabras, al personaje central. Un personaje del que nunca sabremos su nombre y que toda su vida ha permanecido oculto o pasando inadvertido, exactamente igual que en dicha persecución. Pero ese dibujo del personaje, que tan bien perfila Refn con su cámara, se extiende a los demás personajes.

Y es que ‘Drive’ es una historia sobre la soledad, la de personajes perdidos en la inmensidad de una ciudad, y abocados al peor de los destinos. La misma soledad que hereda de sus referentes más directos, aquellos que van desde el Melville más reconocido de ‘El silencio de un hombre’ (‘Le samouraï’, 1967), cualquier cinta de Robert Bresson, con el existencialismo incluido, o la de ‘Driver’ (‘The Driver’, Walter Hill, 1978), esa maravilla en la que el personaje de Ryan O´Neal se mostraba tan hierático y frío como aquí el de Ryan Gosling, cuya composición, que bordea la parodia, parece una mezcla del mencionado y Steve McQueen. Podemos ir más hacia atrás y comprobar como Refn alude sin prejuicios a la romántica soledad del héroe del western. ‘Raíces profundas’ (‘Shane’, George Stevens, 1953) sería el ejemplo adecuado, y la historia es prácticamente la misma. El eterno pistolero cambia el caballo por un coche, la mujer casada por una joven que ha sido madre demasiado pronto, y las praderas por una ciudad, que se torna tan salvaje y peligrosa que parece engullirlos a todos.

Refn sabe perfectamente que todas las historias han sido contadas. El milagro está en la forma, y lejos de querer contentar al espectador actual le invita a la reflexión con un tratamiento en la imagen realmente exquisito. Todo está ahí. Todo. El conductor sin nombre parece no tener pasado y tampoco futuro. La dilatación del tiempo haría las delicias del mismísimo Sergio Leone, al igual que los largos silencios en los que una mirada dice más que muchas palabras, y en los que la historia de amor nace a raíz del afecto más que del deseo sexual. Éste aparece únicamente en la antológica secuencia del ascensor, donde Refn detiene literalmente el tiempo para un beso ansiado, quizá anhelado, como metáfora del deseo de otra vida mejor; y si aceptamos el sexo como un acto violento por naturaleza, la explosión de violencia posterior es de lo más lógica y coherente. Pocas escenas en el cine actual han dicho tanto como esa, mezclando sabiamente elementos de lo más reconocido.

La violencia en ‘Drive’ es prácticamente necesaria. Su contundencia recuerda a Peckinpah —tal vez sin su sentido de la coreografía—, aunque el realizador declara haberse inspirado en Gaspar Noé, pero la finalidad es otra. Aunque al igual que en las mejores cintas del maestro, los personajes no pueden escapar de su destino, Refn la utiliza para asestarnos duros golpes de realidad. Y la operación resulta de lo más curiosa y satisfactoria, pues siempre navega alrededor de la fábula, cual buen cineasta que demuestra ser. Si durante toda la historia, donde la acción física no tiene lugar, cierta irrealidad parece llenar todo el relato, la cual es interrumpida por brotes bestiales de violencia en los que incluso hace acto de presencia el gore. La exageración bien entendida como herramineta de narración, recibiendo el espectador puñetazos que más allá de desagradarnos sacude nuestras mentes.

Ryan Gosling, haciendo la interpretación de su vida, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks y Ron Perlman están simplemente perfectos. El duro solitario, la fragilidad, el perdedor, y la maldad, todos marcados por un destino común: la soledad, la irremediable y real soledad que va en consonancia con la eterna noche de una ciudad que enamoraría a Michael Mann. Kavinsky y College, entre otros, como trasunto de Morricone marcando el carácter de los personajes. Y como decía Billy Wilder, cuando una película termina otra historia comienza. Podemos imaginar así a un conductor sin nombre, de misterioso pasado llegando a otra ciudad, tal y como haría Shane, y conociendo a otra mujer, agarrándose a lo poco bueno de la vida, llena de dolor y muerte. Así es ‘Drive’.

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El ejemplo de Tarantino puede ir por eso, también por el uso de la cultura pop para reutilizar caminos ya transitadas: el sonido de Kavinsky o College no es pop ochentero New Wave sino un revival: una reproducción auto-consciente y que prolonga aquellos sonidos. En sus títulos de crédito, la poética de Windign Refn, danés que había dirigido antes películas como ‘Bronson’ o ‘Valhalla Rising’, llega a su extremo: partiendo de un homenaje a ‘Risky Business’ (id, 1983), llevando la película por una ruta insólita, a medias entre un Michael Mann deliberado (grandes panorámicas, héroe solitario) y con toques sutiles, artificiales, propios de, pongamos, DePalma (atentos al breve plano secuencia del primer encuentro entre Gosling y Mulligan en el apartamento).

La película transcurre por rutas ya conocidas, un tránsito en cualquier relato fatídico de cine negro, ese film noir que a todos nos chifla por razones no del todo exactas. Un chico conoce a una chica. El chico es Ryan Gosling, estólido, temperamental en su reproducción estoica de Steve McQueen, punteando la parodia sin que apenes medie la caricatura. Ella es Carey Mulligan. Pronto llegaran los gángsteres. Un encargo que resolver con el ex decididamente peligroso de ella, encarnado por un demente Oscar Isaac. Y una misión que cumplir con ¿adivináis? la tragedia, el fatalismo como elementos más seguros para el desenlace. No es nada que no haya sucedido antes, pero tampoco conviene protestar: el cine negro de esta película es absolutamente perfecto, su maquinaria parece funcionar a un nivel casi superior. Es una película que han reseñado y admirado ya mis compañeros Juan Luis Caviaro y Beatriz Maldivia, así que vamos por materia.

¿Me permiten recordar las palabras de Dave Kehr a propósito de ‘Driver’ (The Driver, 1978) de Walter Hill? Les traduzco yo para evitar molestias.: “Las referencias cruzadas aquí son Howard Hawks, Robert Bresson y Jean-Pierre Melville; una extraña, embriagadora y bastante efectiva gama de influencias”. También advertía al principio que la película era “tan altamente estilizada que estaba garantizado que alienara al 90 por ciento de la audiencia’. Advertencia que en el caso de la película que nos ocupa me parece idéntica.

Es cierto, Refn sustituye la metafísica y el estilo existencialista de un Bresson por la superación que hace Hill, Melville se mantiene y el estilo de Hawks queda eclipsado por el de su magnífico continuador, John Carpenter, otro maestro de la panorámica, y da paso también a Michael Mann. Todas estas figuras eclipsan los referentes originales, algo natural en el curso de la historia del arte, pero en este caso eclipsan también los referentes de mayor calado filosófico y artístico: estilizar es todo lo que vemos y todo lo que no.

No me parece casual que Albert Brooks, encarnando al despiadado gángster Bernie Rose, pronuncie un monólogo muy divertido, tanto que uno diría que es obra del propio Brooks, pese a que su interpretación sorprenda gratamente – dando una amenazadora elocuencia a su personaje, obviando cualquier tic más o menos neurótico. En él dice que ‘un crítico las llamó europeas, yo creo que son una mierda’. ¡Hay tanto por discutir en esa escena! ¿A quién habla Winding Refn? ¿Se ríe del propio sistema de la película, a la postre premiada en el certamen galo quintaesencialmente europeo o hace referencia a esa tradición de embolados sobre la que despega? Tal vez su respuesta sea igual de sospechosa. Al fin y al cabo es un danés, educado en producciones espídicas e hiperviolentas como la trilogía ‘Pusher’. Winding Refn no tiene una identidad más allá de la cinéfila, el juego de máscaras no es nuevo a su cine y su pasado fílmico es norteamericano y europeo a la vez.

Porque esta película es neo noir, claro, no entra en el período clásico que tanto debate a los historiadores sobre su final, pero sí se percibe hija de esa ruta que abrió para siempre Roman Polanski con ‘Chinatown’ (id, 1974).: el noir empieza a ser convención, la convención sujeta a revisitación y abstracción conveniente. Neo noir, como todas las etiquetas, nos genera problemas y debates que debemos discutir, pero lo que parece claro es que hay una diferencia, abismal, entre Scorsese y Tarantino, del mismo modo que entre Hill y Winding Refn.

College cantan en un momento unos versos magníficos: ‘No quiero ser un héroe / Quiero ser un verdadero humano’. ¿Está Winding Refn anunciando su feliz parodia? Siempre ha dicho que concebía la película como una versión chiflada de ‘Dieciséis Velas’ (Sixteen Candles, 1984) y esto indica dos cosas: la primera es que Windign Refn tiene un gran sentido del humor, la segunda es que muy posiblemente neutralizar el sentido del humor en su traspaso a la pantalla forme parte de ese sentido del humor. La violencia de Gosling, su tono revanchista puntea la parodia. El romanticismo modelado tras un empacho de Hughes o de la perversión de los arquetipos western empleada en clásicos populares como ‘Top Gun’ (id, 1986) puede desconcertar al espectador más centrado.

La película carece de cualquier apunte, por supuesto, metafísico. Todo está en sus imágenes. Todo está en la bellísima secuencia del ascensor – donde esas luces dignas de un cuadro de Edward Hopper, como ha señalado ya el intelecto indomable de Eulalia Iglesias en Cahiers España – en la que la acción se detiene para un estallido-vals de violencia en el que Refn pone a prueba nuestras propias expectativas sobre la realidad infundada de la película. Es posible que los planteamientos sobre los que Refn construye este texto fílmico, esta pequeña y magnífica especulación, sean decididamente discutibles, pero su ejecución demuestra talento, brillantez, sobrada maestría.

Sin duda, Ryan Gosling es uno de los actores del momento. En la cima de su todavía joven carrera, el actor canadiense no deja de encadenar interesantes proyectos, y el próximo parece que será a las órdenes de Gaspar Noé (‘Irreversible’). Gosling se ha reunido con el controvertido director de origen argentino para hablar sobre la adaptación al cine de ‘The Golden Suicides’ y discutir su posible incorporación como protagonista. En estos momentos no hay nada seguro, pero salvo que haya problemas con el calendario (el actor va a rodar con Terrence Malick y con Nicolas Winding Refn) todo apunta a que Gosling acabará al frente del reparto; se da la circunstancia de que antes de conocer a Noé declaró que la mejor película que había visto el año pasado era ‘Enter the Void’ (se supone que se estrenó este año, ¿alguno de los presentes la vio?). Quizá al realizador no le convenza el intérprete y no veamos la colaboración, pero lo dudo, ahora mismo es de los pocos que, además de ofrecer garantías de un buen trabajo, puede ayudar a sacar adelante una película.

Fue el polémico escritor Bret Easton Ellis (‘American Psycho’) quien desveló, a través de su cuenta de Twitter, que Gosling se había reunido con Noé para conversar sobre el proyecto. Ellis es el autor del guion de ‘The Golden Suicides’, un texto en el que lleva trabajando desde hace años. Está basada en la vida de la pareja de artistas Jeremy Blake y Theresa Duncan, quienes se suicidaron en 2007 tras (según una nota que dejó Blake antes de morir) ser perseguidos por la Iglesia de la Cienciología. Al parecer, Gus van Sant fue el primero en querer llevar la historia a la gran pantalla, y durante un tiempo se dijo que Angelina Jolie y James Franco deseaban ser los protagonistas. Veremos en qué acaba todo, y si el rodaje puede arrancar pronto con los tres señores de la imagen implicados.

PD: Ellis también ha dejado caer que Joaquin Phoenix está interesado en el proyecto. Ojalá coincidan ambos actores.

Vía | The Playlist

Esta tarde El 28 de diciembre se estrena ‘Drive’, de Nicolas Winding Refn, una película sobre la que se ha corrido tanto la voz laudatoria, que en los dos meses largos que ha tardado en estrenarse en nuestro país, muchas han sido las personas que han preferido adelantarse a la premier oficial y tirar de métodos alternativos para verla y, por lo que se ha leído en comentarios y votaciones, con una recepción muy favorable en todos los casos. Basada en la novela homónima de James Sallis, la película no sitúa ante un mecánico que también se gana la vida como especialista de coches y hace algunos trabajitos al otro lado de la ley para obtener un dinero extra. Cuando su jefe consigue introducirlo como piloto de carreras, él decide abandonar el mundo delictivo.

‘Drive’ tiene un arranque ejemplar, ya que nos permite descubrir una persecución diferente a las que estamos acostumbrados a ver en cine: emocionante y cargada de tensión, pero basada más en los parones y en la ocultación que en la velocidad y el destrozo. Es decir, la forma de huir de alguien que piensa y no aplica únicamente una habilidad mecánica ante la que, de todas maneras, no tiene rival. Los títulos de crédito, rotulados en rosa y con una tipografía de las películas de los años ochenta, se acompañan de ‘Nightcall’, de Kavinsky, que imita las canciones populares de esa época, que abusaban de los teclados y de los efectos especiales tecnológicos.

La estética de la película es impecable, en ese afán de emular el cine de género de los años 60 y 70, pero al mismo tiempo con una fotografía sumamente actual que firma Newton Thomas Sigel. Cada uno de los planos está iluminado con tanta exquisitez que podemos pasarnos el rato contemplándolos sin necesitar más. Gran parte de la banda sonora se basa en las composiciones ambientales de Cliff Martínez, que crean un acompañamiento muy potente ya que, al tener poco diálogo, la película confía mucho en la música.

Ryan Gosling se utiliza y se moldea para hacer de él otro elemento que es casi estético. Tomando de cierta forma la dureza de un Steve McQueen o de un Michael Caine y gracias a su aparente inexpresividad y su parquedad en palabras, compone una representación de la imperturbabilidad, una figura que encierra lo que, abusando de los extranjerismos, podríamos llamar “cool”.

Ron Perlman, Bryan Cranston, Christina Hendricks, Albert Brooks y Oscar Isaac están en el bando criminal o, como mínimo, mezclados en negocios cuestionables. Cada uno de ellos sorprende gracias a su caracterización y ofrece papeles tirando a lo extremo, pero dentro de la verosimilitud, que también se disfrutan en todas sus intervenciones. Carey Mulligan me parece una buena elección para su personaje, ya que, para trasladar un enamoramiento respetuoso y basado más en el afecto que en la atracción sexual, no se podría haber elegido a un pibón exuberante, sino a una chica, guapa como es ella, aunque de rostro aniñado e inocente.

No obstante, es en este punto donde encuentro mi mayor dificultad para comulgar por completo con la película. Si bien estéticamente me parece que no se podría haber facturado mejor, en lo que se refiere a lo narrativo, pasados los sorprendentes primeros minutos y antes de llegar al explosivo final, encuentro un área un tanto gris y plomiza. Me creo que él sienta algo por esta mujer y por su niño, ya que se establece así. Sin embargo, emocionalmente no se me contagia ninguno de esos sentimientos. No porque él sea callado, sino porque, en lugar de química entre ellos, percibo una especie de asunción de que así es como tiene que ser. La película le dedica mucho tiempo a consolidar esta relación y, a pesar de ello, personalmente, no termino de verla. De todas maneras, estos tramos carentes de acción también existían en las películas de los sesenta a las que ‘Drive’ hace homenaje, por lo que todo podría considerarse como parte de esa recreación.

En definitiva, aplaudo la labor del director de la película y del director de fotografía, así como la logradísima atmósfera y la ambientación general, a caballo entre varias décadas, que, además de gracias a los trabajos de estas dos personas mencionadas, se logra por obra de un buen diseño de producción y gracias a la elección de la música y los sonidos. En la parte no tan positiva señalaría que se haya optado por un tempo tan pausado para acercarnos a todo lo que en la película es personal y que, a pesar de ello, no se haya, al menos para mí, conseguido transmitir una profundización en esos personajes o en sus sentimientos. Me gustaría haber sido capaz de entrar más en ese aspecto, ya que el inicio del film me suponía un deleite incuestionable y todo lo que parece difícil de hacer, en ‘Drive’ me parecía que estaba logrado de manera magistral. Una película de estética depurada y que hace de su protagonista la encarnación de lo “cool” y que, por lo tanto, supondrá una gozada para todos aquellos espectadores que busquen un disfrute artístico.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Drive’, la conciencia del escorpión, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

‘Crazy, Stupid, Love’, dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, (‘Phillip Morris, ¡te quiero!’, 2009), sobre el guion de Dan Fogelman, trata de demostrar que el amor es absurdo, contando varias historias en paralelo de personas de distintas edades y sus relaciones o intentos amorosos. Steve Carell interpreta a un hombre casado cuya mujer, a quien da vida Julianne Moore, le pide el divorcio y le cuenta que se ha acostado con un compañero de trabajo, que más tarde descubriremos que está encarnado por Kevin Bacon –así a Carell ya le sobran cinco grados de separación–. Desolado, ahogando sus penas en alcohol –nada muy fuerte, vodka con arándanos– conoce en u pub a un seductor que se toma sus conquistas como un trabajo, con método y dedicación. Este hombre, a quien presta la faz Ryan Gosling, que parece opuesto a él, decide enseñarle sus técnicas, como el maestro Miyagi, y realizar con él una transformación.

Las tramas no solo se han contado ya, es que se han contado hasta el hartazgo, pero aquí se enfoca todo de forma muy distinta, haciendo que la historia de siempre parezca nueva. Para empezar, está esa apariencia de película de historias cortas, a la manera de ‘Love Actually’ o similar. Para continuar hallamos un acercamiento desenfadado, pero no gamberro; una sofisticación en ciertas cosas que a la vez permite mucho realismo. Los excelentes diálogos, ocurrentes y graciosos, y determinadas actitudes sorprenden en boca y cuerpo de grandes personajes, por supuesto, interpretados con acierto y carisma. Desde el instante inicial, va concatenando momentos que son de aplauso y estos no dejan de sucederse a lo largo de la extensa duración. Con bastante humor, repartido de forma equilibrada por todo el metraje, el film incluye también una mirada profunda y en ocasiones amarga que, sumada a lo cómico, conforma un tono muy particular y apreciable.

Aunque los protagonistas, no por cantidad de minutos en pantalla, sino porque ser los que llevan la historia, son los hombres, a las mujeres se les deja mucha cancha cómica, lo cual es de agradecer. El personaje de Moore es capaz de dar la réplica a su marido con ocurrencias igual de humorísticas que las de él. Una actriz que ha demostrado poder darlo todo dramáticamente, aquí hace palpable que la comedia también es lo suyo. Lo mismo le ocurre a Marisa Tomei, que está divertidísima en el único papel del que se hace escarnio y con el que el humor se basa en la exageración y el ridículo. Me resultó imposible evitar imaginarme a Neil Patrick Harris en el personaje de Jason, ya que parece escrito para él. Pero el verlo interpretado por actor que se asocia menos a ese tipo de hombre, Ryan Gosling, el efecto de novedad es mayor y la evolución que sufre me la creo más en él que probablemente en NPH.

(Spoilers) No suelen gustarme las historias de reconciliaciones. Cuando veo rupturas o divorcios en las películas, mi emoción va con que sean capaces de seguir adelante y de rehacer sus vidas, ya sea individualmente o encontrando nuevas y mejores parejas. Mientras iba viendo el film y temiéndome que ese sería el final, mascullaba que muy bien lo tendrían que hacer para que no me causase rechazo esa resolución. Y, en efecto, en este caso, la componenda está conseguida, ya que entiendes que están destinados a estar juntos. Y, sobre todo, porque no se percibe que se conformen o que no hayan sabido dar el paso necesario ni, lo que sería peor aún, que lo hagan por los hijos. Llegas a ver amor real entre ellos y no rutina. La escena de la llamada telefónica en la que él está escondido en el jardín y ella finge pasar un apuro es intensa y funciona muy bien. Me recordó a la secuencia de las langostas de ‘Annie Hall’.

Hablando de eso y aprovechando que he avisado sobre posibles destripamientos de la trama, comento aquí la sorpresa que se da de que el personaje de Emma Stone es la hija. En un principio, durante la escena en la que desea que el patán le pida matrimonio, me pareció que ellos dos formaban un álter ego de los protagonistas. Pero no llegué a esperarme que la joven fuese su retoño y eso que suelo olerme todos los giros. La incógnita está bien guardada y se disimula, principalmente gracias a la escasa diferencia de edad. Lo que sí podríamos debatir es cómo de lícito resulta guardarse esa información o si el efecto que tiene este twist posee algún valor en la historia. A mí particularmente, me gustó, pero puedo entender que se cuestione. (Fin de los spoilers)

Lo único que le reprocharía a ‘Crazy, Stupid, Love’ es que tiene algún momento ñoño, especialmente hacia el final, es decir, que su conclusión tira un poco hacia lo convencional. Sin embargo, no sé si comentar esto como un defecto o más bien como una virtud, ya que, a pesar de que el trasfondo tiene esos tintes, el tono de la película y la forma de actuar de los intérpretes eliminan casi por completo la moñez. Y a eso no se le puede negar el mérito, pues no cualquiera que se lo proponga lo conseguiría. Se estropea hacia el final, como ocurre casi siempre con este tipo de comedias, pero de alguna forma, logra hasta salvar ese rendimiento a lo sentimental, más o menos como lo lograba Hugh Grant en ‘Un niño grande’ cuando debía cantar ‘Killing me Softly’ –lo asesinado era su vida social– ante todo el instituto. El gesto es redomadamente blando, pero la forma de llevarlo a cabo con cierta dignidad, los redime.

Quizá el ocho sobre diez es exagerado y merecería más bien un siete, entre esas dos calificaciones me debato. Pero de lo que no hay duda es de que el film me ha sorprendido gratamente. ‘Crazy, Stupid, Love’ es entretenida y muy refrescante y consigue asombrar con cada uno de sus momentos, en los que los diálogos insólitos y los comportamientos inesperados se van turnando. Los actores resultan elecciones excelentes para cada uno de los papeles y aportan, no solo vis cómica en todos los casos, sino también una gran facilidad para empatizar con sus personajes.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Crazy, Stupid, Love’, la estúpida locura del amor, de Alberto Abuín.

Mi puntuación:

2012 está cada vez más cerca y aquí seguimos con los artículos centrados en el cine más destacado de 2011, en opinión de los lectores de Blogdecine. Ya habéis podido votar la mejor película y el mejor director, hoy os proponemos elegir al mejor intérprete masculino del año. No es necesario que sea protagonista, no vamos a diferenciar entre actor principal y secundario o de reparto.

Más abajo tenéis el cuestionario, con diez posibles respuestas y la opción “otro”, donde podéis escribir el nombre del actor que prefiráis (vuelvo a aclarar que solo se tendrán en cuenta los intérpretes que hayan participado en películas estrenadas en España desde el 1 de enero al 31 de diciembre de 2011). Al igual que se hizo con las películas y los realizadores, para llegar a la selección de los diez mejores actores se han tenido en cuenta los favoritos de los editores y de los lectores, a través de un post en Respuestas. No podíamos incluirlos a todos pero recordad, no es obligatorio votar a uno de estos diez para poder participar, son solo propuestas, sugerencias. Venga, animaos, no os quedéis sin opinar:

PD: La siguiente encuesta estará centrada en la mejor actriz de 2011.

Tremendo el homenaje que se ha sacado de la manga The New York Times. Ha reunido a los mejores actores y actrices del año para que, a las órdenes de Alex Prager, interpreten a sus villanos favoritos de la gran pantalla en una serie de imágenes y vídeos. Bueno, faltan algunos intérpretes que han entusiasmado a lo largo de 2011, no están Michael Fassbender, Leonardo DiCaprio o Michelle Williams, por ejemplo, así que como suele decirse, no están todos los que son, pero desde luego, sí son todos los que están.

Ojo a la selección: Brad Pitt, George Clooney, Rooney Mara, Ryan Gosling, Jessica Chastain, Glenn Close, Gary Oldman, Kirsten Dunst, Mia Wasikowska, Viola Davis, Michael Shannon, Jean Dujardin y Adapero Oduye. Trece actores que posiblemente conseguirán la nominación al Oscar en la próxima edición, encarnan cada uno a un personaje malvado habitual del cine. Algunos interpretan un rol concreto muy reconocible (William Bligh, Alex DeLarge o Gordon Gekko) pero se supone que la idea es representar un arquetipo (el tirano, el sociópata o el magnate), a partir de elementos extraídos de famosas películas concretas (el peinado de Henry Spencer, el uniforme de Mildred Ratched o los espejos del final de ‘La dama de Shanghai’).

El periódico ha subido todos los vídeos del reportaje a Youtube pero no permite insertarlos, así que los cuatro que os dejo a continuación son los que han subido otros usuarios. Tenéis disponible el de Pitt (os va a sorprender), Clooney, Mara y Gosling. Los demás, así como las fotos, están en la web de NYTimes. No os lo perdáis.

PD: No estoy seguro, pero creo que Clooney hace de Llourinho…

Parece que ya tenemos título para esa misteriosa película de Terrence Malick de la que hablamos a finales de septiembre, cuando se filtraron fotos y un vídeo donde se veía al director trabajando con Christian Bale y Haley Bennett. Se titula ‘Lawless’ (“descontrolado” o “sin ley”) y entre sus protagonistas también se encuentran Ryan Gosling, Rooney Mara y Cate Blanchett. Repartazo.

Como podéis ver, ya han aparecido imágenes de Gosling y Mara filmando alguna escena para la película, aunque oficialmente ésta se encuentra en pre-producción, con el rodaje (o la mayor parte del mismo) previsto para el año que viene. Las fotos recuerdan mucho a las que vimos de Bale y Bennett, y también se tomaron durante la celebración de un festival de música en Austin, Texas, donde vive Malick. Por el momento no hay ninguna información sobre el argumento, pero se rumorea que se centra en el mundo de una importante figura musical. No se espera que esta vez haya hueco para dinosaurios.

Por otro lado, hace días que FilmNation Entertainment anunció el rodaje de OTRA película de Terrence Malick, quien, recordemos, todavía está ocupado con la post-producción de un drama romántico (sin título oficial) protagonizado por Javier Bardem, Rachel McAdams, Ben Affleck, Rachel Weisz, Olga Kurylenko y Jessica Chastain. El último proyecto anunciado por FilmNation se conoce como ‘Knight of Cups’ (“caballero de copas’) y tiene en su reparto a Bale, Blanchett e Isabel Lucas (‘Transformers 2’, ‘Immortals’).

PD: Gosling también está filmando ‘Gangster Squad’. No para.

Vía | ComingSoon

En plena preparación del especial “El amor en 32 películas” —sí, la cifra va variando según pasa el tiempo— ha resultado gratificante ver una película como ‘Crazy, Stupid, Love’ (id, Glenn Ficarra, John Requa, 2011), película que prácticamente pasa desapercibida, más bien ignorada, por nuestras carteleras. No me extraña cuando la comedia romántica estadounidense nos ha regalado durante años productos infumables cuyos títulos es mejor abrazar con el manto del olvido. Los directores nos habían ofrecido hace unos meses ‘Philip Morris ¡Te quiero!’ (‘I Love You Phillip Morris’, 2009), una historia de amor homosexual, basada en hechos reales, bastante arriesgada y de nula productividad en las taquillas a pesar de estar protagonizada por Jim Carrey y Ewan McGregor. Un film bastante estimable, y sincero, que no consiguió todo la atención que merecía.

En su segundo trabajo se han cuidado bien las espaldas y han cedido un poco a los convencionalismos típicos en Hollywood, pero sin dejar de hacer cine mínimamente inteligente. La gran ironía del asunto es que esta vez tampoco han saboreado las mieles del éxito, consiguiendo resultados más bien discretos. Una vez más Ficarra y Requa permanecen injustamente en la sombra —de cara al público general la presencia de un buen reparto es más importante que un director de nombre poco conocido, por muy bien que lo haga dicho director—, cuando es precisamente su labor lo mejor del film al lado de un guión, obra de Don Fogelman, que sabe manejar con inteligencia los tópicos y clichés del cine de este tipo. El resultado es una buena película que ahonda sin demasiadas complicaciones en ese sentimiento tan fascinante como complicado llamado amor.

‘Crazy, Stupid, Love’ da comienzo con la separación del matrimonio formado por Cal y Emily (Steve Carell y Julianne Moore) después de que la segunda le pida el divorcio al primero. La inseguridad y la comodidad han dado paso a la rutina y Emily siente que no ha hecho cosas importantes en su vida, por lo que el pobre Cal queda solo y desfasado. Pronto recibirá la ayuda de Jacob (Ryan Gosling), un experto don juan que instruirá a Cal en las artes de la seducción. Una premisa no demasiado atractiva sino fuera por la habilidad de directores y guionista en hacerla interesante. Sus puntos fuertes son, sin duda, un reparto más que correcto entregado con total convicción, y una historia típica tal vez, pero servida con frescura y buen humor. En ella se nos habla de lo inestables que nos vuelve el mayor de los sentimientos, y de cómo esa inestabilidad nos puede llevar a hacer locuras de la más diversa índole, tal y como les ocurre a los distintos personajes del relato.

La primera hora de ‘Crazy, Stupid, Love’ resulta ejemplar. Tras presentar las cartas con el matrimonio, y ante la soledad que parece esperar a Cal, entra en escena Ryan Gosling, con un personaje tan agradecido como un seductor infalible, que en cierto modo se apiada de Cal y le instruye en el arte del amor, el cual parecía haber olvidado debido a la rutina del matrimonio. Ficarra y Requa controlan en todo momento el tono en las distintas situaciones que las enseñanzas del seductor provocan en un renovado Cal. Así pues, episodios como el de Marisa Tomei, muy divertida como mujer desquiciada por no tener suerte en el amor, no resultan excesivos gracias a que no se carga la tinta en ellos. Hay que señalar que el guión de Fogelman está muy bien estructurado, manejando con gusto los tópicos del género, e incluso sorprendiendo al espectador con algún que otro detalle argumental y que nos trae a la memoria películas de similar corte como ‘Jugando con el corazón’ (‘Playing by Heart’, Willard Carroll, 1998), pequeña maravilla del género que hay que reivindicar YA.

Cierto es que la película en su tramo final cae en algunas concesiones —la secuencia del discurso de graduación es realmente prescindible y demasiado moralista—, tal vez porque sus creadores tenían miedo de que su producto no tuviese mayor aceptación popular que su anterior y comentado film. Sin embargo, un final quizá demasiado facilón y complaciente no termina de lastrar lo visto hasta ese instante, pues uno siente simpatía por muchos de los personajes, y la historia, sin ser ninguna maravilla, consigue cierto interés por parte de la platea al ahondar con precisión, y sobre todo humor, en las relaciones amorosas. Por otro lado, los directores confían lo suficiente en sus actores para que éstos hagan el resto, y así nos encontramos con un reparto en el que la sorpresa proviene de un equilibrio colectivo en el que ninguno está por encima o debajo del otro.

Steve Carell, que nunca ha sido santo de mi devoción, asume con profesionalidad el papel de marido aburrido y cansado que ha de renovarse por completo. Gosling se convierte en un inesperado seductor con “armas” de sorprendente efectividad —lo de ‘Dirty Dancing’ no tiene precio—, y de carisma arrollador. Julianne Moore y Emma Stone son las dos mejores pelirrojas que pueden poblar el cine en estos momentos. La veteranía y la juventud juntas en una película, demostrando la primera que sigue enamorando a la cámara como nadie, y la segunda mejorando poco a poco como actriz mientras demuestra una enorme inteligencia a la hora de elegir las películas en las que participa. Quedan a un lado Marisa Tomei y Kevin Bacon como secundarios de lujo, dando vida a “los otros” que en toda relación amorosa suele haber. Todos en un cocktail realmente refrescante que merece mayor reconocimiento.

‘Real Steel’, que en nuestras pantallas se titulará ‘Acero puro’, cuenta con Hugh Jackman y Evangeline Lilly —una de las actrices de ‘Lost’ intentando desligarse de su imagen televisiva—, y está ambientada en un futuro cercano en el que el boxeo es un deporte practicado por robots. Jackman da vida a un entrenador que un día descubre que tiene un hijo que desea conocer a su padre. Shawn Levy, cuyo currículum es mejor no citar, dirige la película. La crítica no se deshace en elogios, y el público votante en la IMDb parece bastante contento, imagino que por los efectos visuales. En nuestras salas se estrena el próximo 2 de diciembre.

‘The Ides of March’ es la cuarta película como director de George Clooney. En ella se nos narran los últimas días de unas elecciones impugnadas en Ohio. Ryan Gosling, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman, Evan Rachel Wood y el propio Clooney integran el espectacular reparto de una película que ha conseguido cierta aceptación crítica, y una mayor relevancia entre el público votante, mucho menor al anterior film.

Vía | IMDb