En un festival que está priorizando el drama hasta límites insospechados, apetecía una comedia desenfadada que encima, es una ópera prima de la hija de un viejo conocido, Robert Redford. ‘The Guitar’ es el primer trabajo de Amy Redford y cuenta con Saffron Burrows, una actriz a la que nunca le he visto ni el más mínimo talento, como protagonista absoluta.

En cuestión de medio día, en unos primeros 10 minutos intensísimos, a Melody (Burrows) se le diagnostica un cáncer de laringe que la convierte en enferma terminal con un mes de esperanza de vida. Además, pierde su trabajo por continuos retrasos y su novio la abandona inexorablemente. A pesar de su fuerza, este inicio cae en lugares comunes y en el tremendismo más propio de un novato, basado en primeros planos de la chica y en situaciones un tanto chocantes.

Luego vienen unos horrendos flashbacks que vienen a demostrar que la verdadera pasión de la mujer es una guitarra que siempre veía de pequeña. No hace falta ni decir que sobran completamente en la historia, pero es que además son bastante molestos. En fin, que Melody aprovecha su situación para irse a un apartamento de lujo y realizar un canto al consumismo más depravado, pasearse desnuda por su nuevo hogar, y rendir tributo a la libertad extremadamente irresponsable. Así que lo que más podemos decir es que ‘The Guitar’ es la versión más irreverente de ‘Mi vida sin mí’, pero a años luz de ésta, claro.

He dicho que Burrows me parece una pésima actriz (¿lo he dicho?), pero aquí resulta hasta convincente, porque soporta la labor de aparecer en todos los planos de la película, y aunque no resulta simpática, su mirada no es vacía como otras veces, y sabe mantener el ritmo.

Por supuesto, la mayor virtud de la película es su corta duración, ya que tras ese forzado pero prometedor inicio todo se desvanece en favor de un supuesto estado de felicidad chabacana, repleta de gula, lascivia y salvaje, con la que descubrimos que Melody es una apasionada de lo cool y le da igual la carne que el pescado. Se supone que debemos fascinarnos con un impresionante giro que en realidad es de lo más predecible, todo ello con mucho humor, sí, pero facilón, y desde luego el final es desconcertante por su torpeza y falta de honestidad.

‘The Guitar’ es una película nada recomendable, con un mensaje dudoso y artificial, y que pretende (dejen que me ría) rendir homenaje a la música, cuando ésta apenas tiene protagonismo alguno en esta historia. Como oí ayer a un compañero: “no tendría que llamarse ‘La Guitarra’, sino ‘La Tarjeta’”, referente a la tarjeta de crédito que ella usa para comprar sin parar. Un ejercicio autocomplaciente y algo impersonal, mucho más cercano a un caprichito cinematográfico que a un film decente.

Reacción del público: aplausos muy tímidos y por lo demás abucheos o indiferencia.

En Blogdecine:

• Mi cobertura de la Seminci 08.

Parece que Kevin Spacey, considerado por muchos como uno de los mejores actores del planeta, está poco interesado en su carrera cinematográfica últimamente, así que cualquier proyecto al que se sume resulta de interés. Ahora sabemos que va a protagonizar un drama titulado ‘Shrink’ (psiquiatra en inglés). Jonas Pate es el hombre tras las cámaras de este film independiente, que ya inició su producción en Los Angeles.

En la película, Spacey interpreta el papel de un psiquiatra que intenta solucionar los problemas de las estrellas; no estamos hablando de la secuela de ‘K-Pax’, así que “estrellas” tiene el significado de “personas muy famosas que ganan mucho dinero”. Al protagonista de ‘L.A. Confidential’ o ‘Superman Returns’ le acompañarán en el reparto Robin Williams, Saffron Burrows, Jack Huston, Griffin Dunne, Pell James, Robert Loggia, Keke Palmer, Laura Ramsey, Gore Vidal, Dallas Roberts y Mark Webber, que encarnarán a todo tipo de personajes relacionados con el mundo de Hollywood.

Según parece, el guión (escrito por Thomas Moffett) muestra al psiquiatra que encarnará Spacey como un crónico fumador de hierba, despreocupado al máximo por su aspecto físico, que se muestra incapaz de superar una tragedia reciente (trauma, ¿elemento imprescindible de todo guión de cine independiente?), lo que le ha llevado a perder la fe en sus propias habilidades para ayudar a sus pacientes. Será interesante ver a este actor en este papel, seguiremos la pista a este proyecto.

Vía | Variety

El tiempo es el gran amigo, e igualmente el enemigo, del séptimo arte. Con el paso de los años, evidentemente las cosas cambian, y nosotros con ellas. Hay películas hijas de su tiempo, que representan a la perfección la época en la que se hicieron, aunque fuera de ahí casi pierden su valor. Hay otras que pierden según avanzan los años, y por supuesto, hay otras que ganan enteros, a las que el paso incólume del tiempo no les hace el más mínimo daño sino que las mejoran. Películas atemporales. Lo mismo le ocurre a ciertos modos de hacer cine. Hay directores o autores cuyo momento ha pasado, y no me refiero al éxito, sino a que su forma de hacer películas queda totalmente desencajada cuando se estrenan.

Recuerdo a principios de los 90, cuando Hal Hartley estaba de moda, y sus films tenían cierta repercusión en circuitos cinéfilos, críticos, y por supuesto, festivales. Películas como ‘Trust’ o ‘Amateur’ estaban en boca de muchos, y sus trabajos eran casi siempre recibidos con los brazos abiertos. Pero de repente, y sin saber porqué, los distribuidores dejaron de traernos sus films, a pesar de que Hartley no ha dejado de trabajar todos estos años. Bueno, por lo menos hasta el 2006, que es el año de producción de ‘Fay Grim’ (sí, otra película que nos llega con más retraso que un vuelo de Iberia).

‘Fay Grim’ es una secuela de ‘Henry Fool’, de la que ya no se acuerda ni Dios, ahora centrada en el personaje de Fay, la cual viaja por medio planeta, a lo James Bond, intentado averiguar qué se esconde tras la misteriosa muerte de su marido, el cual escribió hace años sus memorias, un delirio de libro, que en realidad contenía información secreta de vital importancia para el gobierno americano. Y es que el marido de Fay era probablemente un espía que sabía demasiadas cosas, las justas y necesarias para poner en peligro la seguridad de los Estados Unidos.

Hartley no ha cambiado en su manera de hacer cine. Todas las constantes de su cine se pueden ver en ‘Fay Grim’, sus personajes raros, por así definirlos, su peculiar sentido del humor, y su puesta en escena, que aquí opta por filmar todas las escenas con planos inclinados. No hay ni uno solo derecho, y en vez de responder a una necesidad argumental, por ejemplo, los confusos hechos que visten todo el film, en el que apenas se sabe qué está pasando, parece más bien un capricho. Plano torcido a la derecha, y a partir de ahí en cada corte, para el otro lado la inclinación, y así sucesivamente, hasta que le da por cambiar el orden. Ni siquiera esos cambios responden a una lógica. Incluso termina alejando al espectador de lo que Hartley, una vez más guionista de su película, está contando.

Y si hay algo realmente interesante en ‘Fay Grim’ es su guión, lleno de recovecos, quizá demasiados, y simbolismos que van más allá de lo que en apariencia vemos, o sea, una historia de espías. El seguir tantos hilos provenientes de la cantidad de personajes que salen en la película, es lo mejor del film, junto con la presencia de una Parkey Posey casi deslumbrante. La actriz, con un morbo increíble, saca provecho de ello, desprendiendo una gran sensualidad, y cargando con todo el peso de la película. A su lado, una cantidad de actores, dando vida a confusos personajes, y que parecen perdidos sin enterarse muy bien dónde están. Jeff Goldblum nunca podrá sacarse de encima esa imagen de tío raro, por mucho que interprete a un agente de la CIA. Y Saffron Burrows (¿ha tirado Hartley de actores un poco olvidados, o de aquellos que le salían baratos por precisamente estar un poco olvidados?) compite en belleza y sexappeal con la Posey, pero su personaje resulta absurdo por momentos. Algo que le pasa a todos, y que algunos verán como elemento intrínseco del mundo de Hartley, al lado de su sentido del humor. Lo cierto es que tanto una cosa como otra han pasado de moda, y Hartley ya no hace interesante su universo. En el fondo nos da igual lo que le ocurra al personaje central, o el destino de los demás personajes, algunos de los cuales guardan alguna que otra sorpresa mostrada sin fuerza.

‘Fay Grim’ es una película floja. Aburridamente extraña y demasiado larga. Hartley lleva dos años sin trabajar, y aunque no es de esos directores que todos los años nos regalan un trabajo, es de suponer que un día regrese con un nuevo proyecto. O tal vez no, nunca se sabe. Pero allí estaremos para comprobar si su universo nos sigue pareciendo tan interesante como lo fue hace más de una década.

Más información | Imdb

Y seguimos con los atracos. Aquí tenemos el nostálgico y estupendo póster de ‘The Bank Job’, película de la que ya pudimos ver un trailer y que, a priori, tiene buena pinta. El reparto está encabezado por el popular y efectivo Jason Statham, a quien acompañan otros como Stephen Campbell Moore, James Faulkner y Saffron Burrows. ‘The Bank Job’ ha sido dirigida por Roger Donaldson y se estrena en Estados Unidos el próximo 7 de marzo; aquí, a saber.

Vía | Impawards

Los vampiros han sido protagonistas a lo largo de más de un siglo de cine, de películas inolvidables, de otras que no lo eran ni por asomo y de alguna que otra rareza. A día de hoy todas las vertientes que tan atrayente tema podía dar han sido tratadas y vueltas a tratar en un sinfín de variaciones. Encontrarnos en la actualidad con la clásica historia de vampiros sería algo raro, por eso se les ubica en películas de la más diversa índole, intentando siempre cambiar algo en lo ya conocido para resultar original, o simplemente diferente.

Antes de que el mes que viene nos llegue la esperada ‘30 Días de Oscuridad’, hace presencia en nuestras salas un film poco conocido y que nos llega con un montón de retraso. ‘La Criatura Perfecta’ es una película del 2004, por mucho que en distintas webs famosas se dé la errónea información que es del 2006; si tenéis la sana costumbre de quedaros hasta el final de los títulos de crédito, podréis comprobar dicha información, que no es que tenga una mayor importancia o relevancia, pero podemos hacernos eco una vez más de la mala distribución que muchas películas sufren en nuestro país, aunque en el caso del film que nos ocupa, su distribución mundial empezó en el 2006.

‘La Criatura Perfecta’ tiene una interesante premisa que sitúa la acción en unos ficticios años 60 en los que seres humanos y una raza de vampiros coexisten en paz. Los vampiros, conocidos como Los Hermanos, preservan la vida de los humanos a los cuales sólo les pide sangre. Todo da un vuelco, cuando por culpa de unos experimentos genéticos, un Hermano hace algo que ningún Hermano había hecho jamás: cazar humanos. Uno de los vampiros jefe, con la ayuda de una mujer policía, tratará de detener al vampiro descarriado.

Tal y como dice mi compañera Beatriz en su crítica de la película, lo más llamativo e interesante del film es su ambientación retro-futurista, aunque no suene del todo a original. Una ciudad superpoblada, en cuyas calles oscuras apenas da el sol, y en donde todo tipo de gente se mezcla, nos lleva directamente a la ambientación de ‘Blade Runner’, de la que pilla su desesperanzadora visión de una sociedad totalmente decadente, a los que la continua lluvia no limpia. A esto yo le añadiría que la idea de mezclar seres humanos y vampiros coexistiendo en paz hace cuatro décadas me parece cuanto menos original y atrayente, pero si miramos la trama en sí, la cosa ya cambia. La película camina por unos derroteros más que conocidos y termina siendo lo de siempre pero con un envoltorio distinto.

Y es que la historia tiene demasiados cabos sueltos, parece narrada a trompicones y la puesta en escena por parte de Glenn Standring, resulta de lo más confusa, ya que en ningún momento parece decantarse por un estilo concreto, y de escenas a cámara lenta con el “efecto Matrix”, pasa a saltos de montaje extrañísimos que entorpecen la narración, sobre todo en las escenas de acción, las cuales no tiene ni la más mínima personalidad. A eso tenemos que sumar la poca profundidad de unos personajes poco interesantes, y aunque en un film de estas características no hay que pedirle peras al olmo, tenemos la sensación de que a todos les falta algo. El único salvable es curiosamente el más tópico, el de la mujer policía, al que da vida una bella Saffron Burrows. Su partenaire masculino es el eficaz Dougray Scott, que aquí está bastante distante e inexpresivo, quizá tal y como es su personaje, pero tanta frialdad termina perjudicando algunos puntos de su relación con la mujer, en la que hay varios puntos forzados e increíbles.

Una idea tan buena como la que presenta ‘La Criatura Perfecta’ debería haber tenido una mayor profundidad en su historia, y algo más de garra a la hora de rodarla, sin preocuparse tanto por una más que conseguida ambientación, que al final termina engullendo al film impidiendo que éste termine de erigirse como una nueva vuelta de tuerca al tan manido tema vampírico.

Un título como ‘La criatura perfecta’ nos lo pone demasiado a huevo para escribir los titulares de las críticas. Con un inmenso retraso, el 18 de este mes se estrena en nuestro país ‘Perfect Creature’ (2004), de Glenn Standring, autor de ‘The Irrefutable Truth About Demons’. Está producida por Tim Sanders (‘El Señor de los Anillos’ y ‘Whale Rider’).

En un alternativo y retro-futurista 1960, vampiros y humanos coexisten en “harmonía” (como dicen los carteles del inicio). Pero cuando un vampiro empieza a alimentarse de humanos, este delicado equilibrio se rompe y una violenta guerra civil amenaza a la sociedad. Dougray Scott interpreta al hermano de este vampiro descarriado, que se aliará con una agente de policía, Saffron Burrows, para detenerlo. Pronto los hermanos comenzarán a disputarse a la agente.

Aunque sea lo que suena más raro, lo del 1960 retro-futurista es lo más interesante de ‘La criatura perfecta’. La ambientación que combina la elegancia de una época pretérita con un empleo de la tecnología muy similar al actual y una sociedad avanzada, es un valor que se podría constituir en razón suficiente para acercarse a las salas a contemplar este espectáculo. A la plasticidad de la apuesta estética hay que sumar el atractivo de sus protagonistas, en especial la admirable belleza de Saffron Burrows, pese a su delgadez.

Pero incluso en los aspectos externos se puede reprochar al film uno de los montajes más caóticos e ininteligibles que he visto en mucho tiempo, no sé si debido a un intento de acercarse a lo innovador o si por pura torpeza. Además de cortes que casi dotan a los personajes de ubicuidad, el empleo de un fingido estrobo, creado probablemente eliminando fotogramas, es muy cuestionable.

Resulta triste comprobar que esta atmósfera tan lograda no va acompañada de un guión brillante. No es que se puedan encontrar fallos en la trama, pero el argumento peca de simple y canónico. Nos repartimos entre momentos previsibles y otros que nos importan poco. A pesar de que se intentan introducir motivaciones emocionales en los personajes, todo el film despide una frialdad pasmosa que te aleja de cualquier posible identificación. Un antagonista amenazador por su fuerza, pero que no supone un reto intelectual impide que la película tenga mayor profundidad o juegue en un nivel más alto de exigencia argumental. Aunque hay escenas de acción rodadas con solvencia, predominan los parlamentos serios y las explicaciones que pueden hacerse pesadas. Por lo tanto, aunque ‘La criatura perfecta’ no llega ni a la hora y media, da la impresión de haber sido mucho más larga.

Los actores no están mal, pero se ven contagiados de esa frialdad que mencionaba. La voz original de Dougray Scott (Ian en ‘Mujeres desesperadas’ y ‘Hitman’) es un tanto fea y monocorde, así que ni siquiera será un problema ver la película doblada.

‘La criatura perfecta’ no se puede decir que sea una buena película, pero quizá tampoco desdeñable para los coleccionistas de títulos del género que quieran añadir una muesca más al elevado número de ellos que probablemente habrán visto. Para deleitarse, pero no para engancharse.

En Blogdecine | Tráiler de ‘La criatura perfecta’, un film de vampiros retro-futurista.

La película llega a nuestras pantallas tras su paso por algunos de los festivales de género más reconocidos, como la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián o la Semana Internacional de Cine Fantástico de Málaga. En los dos enlaces siguientes se puede ver la presentación de Glenn Strandring en San Sebastián.

• ”... el poderío del estilo visual de Standring se impone. Glenn Standring da la vuelta al género de vampiros y sin renunciar a sus constantes vitales (la sangre, los colmillos, los movimientos espasmódicos y veloces)”. Ricardo Aldarondo – EL DIARIO VASCO

• “Podría aventurar que llegará a ser considerada como una película de culto gracias a su justa mezcla de nuevas ideas con las ya tradicionales para convertirse en una propuesta única.” DREAD CENTRAL

• “Elegante, original, buen ritmo y sobretodo interesante en su fresco y nuevo enfoque sobre el tradicional género de vampiros.” – IF MAGAZINE

• “Su personal y única visión de esta realidad alternativa resulta fascinante.” 7M PICTURES

Fuente | Flins y Pinículas

No es la secuela de ‘The Italian Job’ ni la de ‘Ases Calientes’, como tampoco la nueva de Guy Ritchie. Pero podría pasar por alguna de ellas, sobre todo en el último caso. Aquí os traigo el trailer de ‘The Bank Job’, la última película de Roger Donaldson; un tipo del que es mejor no esperar nada, tenéis una prueba de ello en esa película ridícula con Colin Farrell y Al Pacino. La historia de ‘The Bank Job’ mezcla a la mafia, al gobierno británico y especialmente a unos ladrones de poca monta metidos en un buen lío tras un robo donde el botín era mucho mayor de lo esperado. El reparto está encabezado por Jason Statham, Saffron Burrows, Stephen Campbell Moore, James Faulkner y Daniel Mays. Se estrena en Estados Unidos el próximo 7 de marzo. A ver cuándo llega a España, que conozco a uno que debe estar babeando ahora mismo…

Nos informaba Teresa hace más de un año de que John Malkovich estaba interpretando al pintor romántico Gustav Klimt. El director encargado de llevar a la gran pantalla la vida del artista de principios de siglo pasado, en el film ‘Klimt’, es Raúl o Raoul Ruiz, cineasta chileno que reside en Francia y que recientemente ha comenzado la preproducción de ‘Love and Virtue’, en la que repiten Malkovich y Burrows y de la que también os informamos recientemente.

El trailer de ‘Klimt’, que se estrenará el 26 de enero, se puede ver aquí y ésta es la página oficial.

La película nos transporta a principios de s. XX, en concreto al año 1918 cuando el pintor Gustav Klimt (John Malkovich) yace en su lecho de muerte. A partir de ahí, le acompañaremos a través de sus visiones febriles hasta el pabellón austriaco de la Exposición Internacional, celebrada el año 1900 en París. Allí recibirá la medalla de oro por su obra y presenciaremos su eterna, pero platónica relación con Emilie Flöge (Verónica Ferres), así como sus encuentros con el mago del cine Méliès, con el Secretario de Estado, una opresiva figura paterna que persigue al artista como una inquietante sombra durante toda la película, y con la misteriosa bailarina francesa Lea de Castro (Saffron Burrows), con la que el pintor mantiene una apasionada relación.

La obra de Gustav Klimt revela una expresividad, pasión y sensualidad fascinantes, y, como su propia vida, están consagrados a las mujeres. El pintor tuvo romances con casi todas sus modelos y musas, relaciones de las cuales nacieron 30 hijos aproximadamente. En sus cuadros y dibujos, Klimt creó una imagen de la feminidad completamente nueva, un canon de belleza incomprensible para la época basado en el erotismo, la sensualidad, la palidez y una delgadez extrema que ha llegado con total vigencia a nuestros días. Sin duda, Gustav Klimt era un artista adelantado a su tiempo, lo que le reportó un importante reconocimiento en París, pero el rechazo y la censura en su ciudad natal, Viena. El director Raoul Ruiz no se reprime al reflejar el enfrentamiento de Klimt con las autoridades austríacas y la alta sociedad vienesa, que desembocó en un dramático incidente: el robo por parte del artista de sus propios cuadros que le había incautado el Estado y que finalmente se verá obligado a comprar para evitar el encarcelamiento.

Raúl Ruiz se sirve de hechos, citas y conversaciones del entorno cercano a Klimt para dotar de autenticidad a la acción. La amistad íntima que unió a Klimt con el pintor Egon Schiele compone la voz narrativa de la película. Además, en la película se hace constante alusión a figuras artísticas de la talla de Wedekind, Altenberg o Bahr, personalidades que junto a Klimt labraron el tejido cultural de la Viena del cambio de siglo. Tanto la obra de Gustav Klimt, como la propia película de Ruiz, son una magistral lección de historia, una extraordinaria evocación visual y musical de la agitación que vivió Viena con la llegada del siglo XX, el declive del Imperio de los Habsburgo y la Belle Époque como sugerente telón de fondo, con su repertorio de mentes brillantes, intrigas y tensión sexual. Según el propio Ruiz, “esta película es, en muchos sentidos, un vals. Da vueltas y más vueltas, se acelera, marea y llena de júbilo. Al fin y al cabo, incluso el vals vienés era chocante en aquel entonces”.

Gustav Klimt nació en Baumgarten, cerca de Viena, el año 1862 y falleció a la edad de 56 años. Klimt no tardó en desarrollar su interés artístico, gracias a la pronta influencia de su padre, grabador de oro y plata. En 1897, Klimt fundó la Secesión de Viena, grupo de pintores que se rebelaron contra el arte académico en favor de un estilo decorativo similar al Art Nouveau. Poco después pintó tres murales alegóricos para el techo del auditorio de la Universidad de Viena, que fueron objeto de airadas críticas: el simbolismo erótico y el pesimismo de estas tres obras originaron tal escándalo que los murales fueron rechazados. Sus posteriores obras, el Friso de Beethoven y los murales del Palacio Stoclet se caracterizan por un trazo preciso y lineal, y por el uso decorativo de figuras planas de diversos colores y de láminas doradas. Algunas de las obras más celebradas de Klimt son El beso y los retratos que hizo de damas de la alta sociedad vienesa, como el de Fritza Riedler y el de Adele Bloch-Bauer, que ejercieron una gran influencia en el movimiento Art Nouveau. Precisamente este último retrato batió todos los récords al alcanzar durante mucho tiempo la suma más alta jamás pagada por una pintura (más de 107 millones de euros según informó The New York Times).

Pero, tal y como aclara el director, “esta película no es una biografía lineal de la vida y la época de Gustav Klimt. Es más bien una fantasía o, si lo prefieren, una fantasmagoría, como si fuera uno más de sus cuadros, donde se funden figuras materiales e imaginarias que revolotean en torno a un punto central: el pintor Klimt. Mi intención es servirme de las características estilísticas únicas de la obra de Klimt, la preponderancia de la belleza, el exceso de color, la distorsión espacial y los ángulos complejos, para dotar de vida e iluminar una de las épocas más ricas, contradictorias y extravagantes de la historia moderna”.

El cineasta chileno Raúl Ruiz goza de reconocimiento internacional desde principios de la década de 1980, ya que se le ha considerado uno de los directores más innovadores de los últimos años, habiendo aportado mayores dosis experimentación artística que cualquier otro cineasta desde Jean-Luc Godard. Este prolífico creador (con un currículo de más de 50 películas realizadas en veinte años) inició su carrera escribiendo obras de teatro de vanguardia, y a continuación hizo sus pinitos en la dirección cinematográfica en 1968, con el estreno de su película ‘Tres tristes tigres’ (1968). Ruiz, junto con Miguel Littin y Aldo Francia, se situó así en la cresta de la ola del cine chileno. Siendo un activista de izquierdas que apoyó el gobierno de Salvador Allende, Ruiz se vio obligado a huir de su país tras el golpe fascista de 1973. Exiliado en París desde entonces, en Europa le llegaría su primer gran éxito con ‘La hipótesis del cuadro robado’ (1978), una intrincada adaptación de la novela de Pierre Klossowski.

Ricardo Aronovich, uno de los directores de fotografía de mayor reconocimiento internacional, es el que ha retratado las imágenes de este film. Aronovich inició su carrera hace casi 40 años, junto al brasileño Ruy Guerra y, desde entonces, ha colaborado con directores de la talla de Alain Resnais, Ettore Scola, Constantin Costa Gavras, Patrice Leconte o Andrzej Zulawski, entre otros.

Vía: EUROCINE