Pierrot Le Fou (1965) de Godard (me resisto a llamarla Pierrot el Loco, ya sea por el nombre, ya sea por capricho) es todavía la película más libre de su etapa con Anna Karina. No es la más hermosa, de esa ya hemos hablado, pero sí la más libre. Era el cierre de una época, Godard lo sabía, y parecía llegar a uno de los límites con su estilo.

La conversación que mantiene Jean-Paul Belmondo es con Samuel Fuller, para Godard el gran resistente secreto del cine americano, también para cualquier espectador más o menos sensible, más o menos educado. Nada es casual con Godard. Ni la elección de Fuller ni la de Belmondo, el protagonista de su primera película.

Godard es un ensayista.

El espectador también. Por eso Fuller dice que una película es un campo de batalla.

Para estrenarme en el programa de radio Conversacines tenía que elegir una película de la que luego hablaríamos durante una hora. Como aquella semana había fallecido el actor Cliff Robertson, enseguida vino a mi memoria ‘Underworld U.S.A.’ (id, Samuel Fuller, 1961), que había visto hacía mucho tiempo en un pase televisivo. Homenajear en cierta medida a Robertson y de paso, recomendar una de las mejores película de Fuller, me parecía una buena forma de empezar mis esporádicas colaboraciones —llevo más de quince años haciendo radio y he de reconocer que me aburre soberanamente— en el mencionado programa. A tenor de lo vertido en el mismo, la elección no pudo ser mejor, y creo que es un título más que idóneo para hablar de él en esta sección. Lo cierto es que revisando el film, he echado de menos muchas de las virtudes que caracterizaban al cine estadounidense a principios de los años 60.

Contundencia, pocas o ninguna concesión, economía narrativa y sutileza eran algunas de las principales virtudes de Samuel Fuller, quien a esas alturas ya había filmado alguna que otra joya como ‘La casa de bambú’ (‘House of Bamboo’, 1955) y ‘40 pistolas’ (‘Forty Guns’, 1957). Con ‘Underworld U.S.A.’ daba comienzo su etapa cumbre, aquella en la que se volvería más violento, oscuro y directo de lo que ya era. Una cinta en glorioso blanco y negro, y por supuesto la maravillosa gama de grises, que es lo que verdaderamente caracteriza al mejor cine negro, como preámbulo al cine de género que vino después de la mano de Don Siegel, Martin Scorsese o incluso Quentin Tarantino. Fuller abrió un camino que los mencionados cineastas seguirían explorando en sus obras, con mayor o menor fortuna

La película es, según su director, una especie de adaptación de ‘El conde de Montecristo’, al menos en lo que a la visión de la venganza se refiere. Tolly Devlin es un muchacho que pasa sus días metiéndose en líos al margen de la ley. Una noche presencia como su padre es asesinado a golpes, logrando identificar a uno de los asesinos. Desde ese instante Devlin sólo pensará en una cosa, vengar la muerte de su progenitor, algo que le llevará años. Fuller divide la película en dos bloques, uno de ellos, el primero, un prodigio de síntesis, y el tercero el que ocupa la mayor parte del metraje. En el primer bloque se nos narra la infancia del personaje central, su vinculación con la delincuencia, su relación con la dueña de un viejo bar, cómo presencia el asesinato de su padre, el paso del tiempo hasta que provoca su encarcelamiento en la misma prisión donde cumple condena uno de los asesinos. Justo antes de que aquel muera, Devlin le arranca la identidad de los otros tres asesinos. Todo ello en unos ajustados y concisos quince minutos más o menos.

Una perfecta muestra del estilo de un director que no se andaba con florituras e iba directo al grano, con una furia arrolladora, no dejando respiro al espectador. El resto del film es una montaña rusa que muestra sin miramientos el poder de la venganza, y también sus fatales consecuencias. Devlin —un perfecto Cliff Robertson con la mejor de sus sonrisas cínicas— se las ingeniará para ingresar en la banda de hampones que antaño mataron a su padre, y uno a uno irá haciendo que eliminen a los asesinos. Una misión suicida mostrada con rabia por Fuller, que mima con la cámara a uno de sus anti héroes más conseguidos, un personaje que está por encima del bien y del mal, no sintiendo respeto por ningún bando, y abocado a un cruel destino. Para muestra ese aterrador final, un largo travelling que devuelve a Devlin al lugar que le vio nacer y crecer, y al que verdaderamente pertenece. Ecos de ‘Los violentos años 20’ (‘The Roaring Twenties’, Raoul Walsh, 1939) con un James Cagney moribundo, luchando contra lo inevitable con una larga caminata de épicas connotaciones.

Además de la furia y el dinamismo con el que Fuller narra la peligrosa odisea de Devlin, y que envuelve al espectador en una espiral de violencia como pocas veces se ha visto en una pantalla —escenas como la del asesinato en la piscina, o la sorprendente muerte de una inocente niña a mano de uno de los villanos, son buena prueba de ello—, el realizador no escatima en detalles que visten el film y aportan consistencia. No podemos dejar de fijarnos en esa oficina del fiscal encargado del caso, descrita como si de una redacción de periódico se tratase, y en la que Fuller no oculta sus orígenes periodísticos, mostrando respeto por una profesión que conoció muy bien. Y tampoco podemos obviar ese retrato sobre los hampones, duros hombres de negocios turbios, que no dudan en realizar obras benéficas, para así tener ganada la partida ante las autoridades, pero que va más allá de ser una tapadera, puesto que algunos de ellos disfrutan haciéndolo. Asesinos que dejan entrever un lado humano y bondadoso, que realmente se queda en nada, puesto que la violencia sólo engendra violencia, y Fuller lo lleva hasta sus últimas consecuencias.

Sin apenas lugar para la esperanza, débilmente mostrada en el aterrador final, ‘Underworld U.S.A.’ supone uno de los trabajos más sólidos de su director. Un magistral relato sobre la venganza y sus trágicas consecuencias que se adelantaría a su tiempo, sirviendo de inspiración a muchos films posteriores —hasta en ‘Heat’ (id, Michael Mann, 1995) pueden verse ecos de este film—, y que nos descubre la fuerte personalidad de Samuel Fuller. Con el paso del tiempo, el realizador se convirtió en una curiosa figura que dio muchas conferencias, ganándose fama de extravagante y más un personaje de culto que un director de culto. Craso error que sólo demuestra insensatez, al dejar que los últimos días de un artista nublen o eclipsen los verdaderos logros de su carrera. Fuller fue un cineasta de la cabeza a los pies, firmante de un cine desgarrador, sincero y violento. Recordarle por sus últimos años sería injusto.

Cuando se habla de cine clásico entre las nuevas generaciones de cinéfilos los nombres más comunes suelen ser los de siempre, John Ford, Orson Welles, Alfred Hitchcock, Akira Kurosawa, Howard Hawks, Billy Wilder —pronto os hablaré de su mutilada obra maestra—, Ernst Lubitsch o François Truffaut, por citar sólo unos ejemplos de los más conocidos. Pero hay una serie de autores, no tan conocidos por el gran público, y que incluso la crítica en su momento no consideró como debía. Dicen que el paso del tiempo pone las cosas en su sitio, y ahora gente como Phil Karlson, Samuel Fuller o André de Toth —grandísimo olvidado entre los olvidados— tienen el respeto que merece, aunque sólo sea en cierto sector.

Es para mi un placer presentar a todos aquellos cinéfilos a los que les interese, tres películas, ninguna una obra maestra, todo hay que decirlo, que representan a la perfección los estilos y formas de tres directores injustamente olvidados. Sin duda el menos conocido de los tres es Phil Karlson, director que como muchos de la época —años 50— dedicaban buena parte de su tiempo a realizar trabajos en televisión, el nuevo gigante que empezaba a hacer sombra al cine acaparando la audiencia del público. ‘El imperio del terror’ (‘The Phenix City Story’, 1955) es su film más recordado, un duro drama sobre el poder de la corrupción.

El poder del pueblo

La historia de ‘El imperio del terror’ narra cómo en una ciudad del estado de Alabama todo está controlado por el crimen organizado. Allí los mafiosos campan a sus anchas sin preocuparse por la policía a quien tienen comprados. Sólo unos pocos hombres se rebelarán ante tal situación, tratando de que el miedo del pueblo se convierta en valentía para plantar cara al crimen. John Patterson es un abogado que convence a su padre —un hombre muy respetado en la comunidad— para que se presente a fiscal del estado, para así poder vencer a los criminales en un lugar mejor: las urnas. Pronto los acontecimientos se precipitarán, poniendo en peligro la vida de muchas personas.

Karlson presenta la historia como si de un documental se tratase, logrando un gran verismo en su puesta en escena con un excepcional trabajo de fotografía por parte de otro olvidado, el experimentado Harry Neumann, logrando que el espectador se vea totalmente involucrado en la historia. Una historia llena de una violencia inusitada para la época, llegando a alcanzar por momentos una dureza indescriptible, haciéndose patente las claras intenciones del autor, que el público sienta repugnancia ante las injusticias de la corrupción. Karlson lo maneja todo con un sentido del ritmo envidiable, y el problema de la cinta llega en su tercio final, cuando una salida de tono enturbia la capacidad de sugestión del film.

Lo que impide que ‘El imperio del terror’ sea una obra maestra absoluta es sacarse de la manga las connotaciones religiosas que la historia presenta en su tramo final, resultando una conclusión un poco insatisfactoria. Aún así es una estimable película, adornada además con la excelente labor de un elenco de actores, entre los que sobresalen John McIntire y Richard Kiley, en los papeles centrales. Si todos los films actuales de denuncia tuviesen la fuerza de éste, otro gallo cantaría, es increíble comprobar cómo, más de 50 años después de su realización, la película sigue vigente en su mensaje.

Amor y guerra

De Samuel Fuller ya os he hablado con anterioridad en estas páginas. Sin duda el más conocido de los tres, el nombre de Fuller se asocia sin remedio a tres géneros clave, el western, el bélico y el film noir. Películas como ‘40 pistolas’ (‘Forty Guns, 1957), ‘La casa de bambú’ (‘House of Bamboo’, 1955), ‘Corredor sin retorno’ (‘Shock Corridor’, 1960) o ‘Uno rojo: división de choque’ (‘The Big Red One’, 1980) son excelentes muestras del talento de un hombre, cuyo sentido de la narración se encuentra entre lo mejor de una época de continuos cambios en el séptimo arte. Y como todo buen narrador, sabía que todo radicaba en el adecuado uso de la imagen.

‘Verboten!’ es el film bélico más extraño en toda la filmografía de Fuller, y aún no estando en el grupo de las mejores películas de su autor, se trata de un filma nada desdeñable, muy entretenido, y que entre otras cosas es un clara denuncia y crítica hacia los ideales presentados por el nazismo, ideales que terminaron con la vida de millones de personas en la lamentable Segunda Guerra Mundial. Por primera vez de forma tan clara, en el cine de Fuller, que en otras épocas de su vida había ejercido de periodista, aparece la denuncia. Es por eso que el film posee un aspecto que recuerda en cierto modo al trabajo de los neorrealistas italianos al estilo de ‘Paisá’ de Roberto Rossellini. Otra película con marcado tono documental.

El film, ambientado en la posguerra, tiene lugar entre ruinas de una ciudad destruida por los bombardeos, y en ella Fuller nos mezcla dos tramas que terminan entrelazándose; por un lado, una peculiar historia de amor entre un soldado americano y una mujer alemana, y por otro, el plan de cierto sector rebelde alemán para alzarse de nuevo con el poder que Hitler tuvo en su día. El film mezcla drama amoroso —con sus conflictos y todo, pues una pareja entre un americano y una alemana no está bien visto—, y drama criminal, en una mixtura no siempre afortunada. La historia de amor se ve descuidada por la parte bélica —cuya mejor baza es que es mostrada como si de cine negro se tratase—, y la película accede a convencionalismos que provocan un happy end a todas luces injustificado.

Adelantándose a su tiempo

En los últimos años, el infravalorado cine de acción ha gustado de ofrecernos sus historias imposibles en marcos europeos. La trilogía sobre Jason Bourne, ‘Venganza’ (‘Taken’, Pierre Morel, 2008), o más anteriormente, ‘Ronin’ (John Frankenheimer, 1998), son una clara muestra de ello, pero los antecedentes de este tipo de historias se encuentran en cintas como ‘Hidden Fear’ (1957), uno de las cintas de cine negro que realizó André de Toth, y que es tratada como la menos afortunada de todas. En mi opinión, creo que nos encontramos ante un film espléndido de pasmosa modernidad, que encierra no pocas virtudes. No alcanzo a comprender como la crítica de la época, y aún ahora, no quiso ver en ‘Hidden Fear’ la estupenda película de acción que es, ¿falta de la perspectiva que ahora nosotros tenemos?

Probablemente la respuesta se encuentre en que André de Toth nunca estuvo bien considerado. Su nombre asociado siempre a la serie B, también menospreciada, no hacía que se le tratase con el respeto que merecía. Además, su película más famosa, ‘Los crímenes del museo de cera’ (‘House of Wax’, 1953), aún tratándose de una maja cinta no es precisamente de las mejores, de Toth sólo la realizó porque creía interesante las posibilidades del formato 3D. Afortunadamente, la obra de este director puede encontrarse fácilmente, y descubrir algunas de las joyas que abarcan su interesante filmografía, necesitada de una urgente y justa reivindicación.

‘Hidden Fear’ es un relato criminal, en el que se investiga la presunta culpabilidad de una mujer en un asesinato, investigación llevada a cabo por el hermano de ésta, un policía que destapará un turbio asunto de dinero falsificado. De Toth imprime al film un ritmo brutal, permitiéndose extraños juegos con el montaje, y sacando un enorme provecho a su actor principal, John Payne. Por primera vez, la inexpresividad del actor sirve para vestir a su personaje, una especie de superhombre —su habilidad para salir de todos los entuertos en los que se mete le convierte en un claro antecesor de Jason Bourne, con quien compite en invencibilidad—, y que incluso no duda en tratar como escoria a su propia hermana, a la que considera una mujerzuela. En este aspecto, ‘Hidden Fear’ es una película llena de violencia, plasmada de forma muy directa por de Toth, sin concesiones ni florituras, además de poseer cierto atractivo exótico al estar filmada en suelo europeo.

Las tres películas son claros ejemplos de un tipo de cine que ya no se hace, y que corre serio peligro de caer en el olvido. Para que os hagáis una idea, comprobad la cantidad de votos que tienen en la IMDb.

La película narra como un pequeño pelotón queda a cubrir la retaguardia, mientras su compañeros se retiran, y hacen creer al enemigo que son todo un ejército. Ocultos en un cueva de unas montañas pondrán en jaque a los coreanos, incapaces de atravesar un pequeño estrecho (Dios, parece que estoy contando el argumento de ‘300’). En la angustiosa espera porque el enemigo se trague el anzuelo, y con la necesidad de volver a sus hogares, iremos siendo testigos de las relaciones entre los soldados del pelotón, y veremos los miedos internos de cada uno de ellos.

A Fuller una vez más le interesan los personajes de la historia que filma, mucho más importantes que la acción en sí, y como algunas situaciones desencadenadas provienen de la evolución del personaje central, un cabo, que ve desesperado como poco a poco sus superiores van cayendo uno tras otro, y deberá cargar con un cargo que ni ha pedido ni desea, la de comandar el grupo, aguantando con las responsabilidades que eso conlleva, como la de ser responsable de las vidas de los hombres que están a su mando. A ello se suma el dato de que nuestro héroe, por así llamarlo, no ha matado aún a ningún enemigo en combate, ya que cree no tener el suficiente valor para hacerlo, de lo que también se deriva su inseguridad para soportar presión. Toda la película juega alrededor de esa premisa, dosificando muy bien las acciones paralelas a ello, bien sean las concisas secuencias de guerra, las ideas que se les van ocurriendo para engañar a los coreanos, o las consecuencias de las mismas. El enfrentamiento es inevitable, tanto el físico, como el hacerlo con sus propios miedos, quizá más importantes y determinantes.

Fuller consigue crear un film, de enrarecida, y hasta cierto punto fantasmagórica, atmósfera, con un ritmo interno muy conseguido, y que siempre logra captar la atención del espectador. Se permite el lujo, además, de juguetear con el western, al insertar personajes que parece salidos del lejano oeste por su comportamiento (cítese al respecto el superior que mientras le curan una herida en el brazo, no cesa de dar órdenes, puro en boca), e incluso con el suspense (la extraordinaria secuencia en la que el protagonista atraviesa un terreno plagado de minas para rescatar a un superior herido), extendido sorprendentemente hacia otros instantes bélicos, plagados todos ellos de una latente tensión, que apartan un poco a la película de los tópicos. Además, el enemigo, es mostrado lo justo y necesario en un par de ocasiones, con lo que se hace hincapié en lo de la amenaza invisible, y la dificultad de enfrentarse a ella.

Richard Basehart y Gene Evans dan vida a los dos soldados sobre los que la película se centra más. El primero, un hombre que no quiere tener a sus órdenes a nadie, está interpretado con la típica cara de tormento de Basehart, actor que no llegó a ser tan famoso como otros de su generación, aunque en la televisión tuvo una larga trayectoria. A su lado, el actor fetiche de Fuller por aquella época, Gene Evans, que da vida al Sargento Rock, pero no el de los cómics, perfecto complemento al personaje central. Ambos se compenetran a la perfección y ofrecen escenas memorables, como la última entre ellos dos, de inusitado carácter intimista. Como anécdota decir que en el reparto aparece un desconocido James Dean, en la que fue su primera aparición cinematográfica.

‘A Bayoneta Calada’ es una estupenda película, hecha en un tiempo en el que el cine bélico estaba en pleno esplendor. Lograba apartarse un poco de lo de siempre, caminando por senderos que terminarían de cristalizar en la imprescindible ‘Fuego en la Nieve’, de William A. Welmann, mucho más densa y trascendental. Samuel Fuller empezaba a destacar como un narrador de primera en ésta su cuarta película, y aún faltaban unos años para que nos regalase sus mejores trabajos. Por si os interesa, tenéis editada en dvd ‘A Bayoneta Calada’ (‘Fixed Bayonets!’, 1951) por Vella Visión, con extras tan interesantes como imágenes del rodaje.

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Mala época para un servidor. Después de tragarme ese bodrio de proporciones cósmicas llamado ‘La Brújula Dorada’, tenía que resarcirme de algún modo, reconciliarme con el séptimo arte. Así que tiré de un clásico, de una de esas viejas películas que tanto me gustan. Que Samuel Fuller fuera su director era un aliciente más, después de la cantidad de veces que este realizador me lo había hecho pasar tan bien disfrutando de una película. Si a eso añadimos que su protagonista principal es Richard Widmark, pues podemos contar con un mínimo de alicientes para que la experiencia fuera algo más que agradable.

Pues no. Poco mejoraron las cosas con el visionado ‘El Diablo de las Aguas Turbias’ (‘Hell and High Water’, 1954), film que se puede encuadrar en el género de cine bélico, en el de espionaje, en el del drama, y también en el del aburrimiento y en el de las historias sosas. En la película un capitán de submarino es el encargado de comandar un misión científica en Alaska, donde las cosas se complican cuando él y los dos científicos que lleva consigo descubren un plan para hacer estallar la Tercera Guerra Mundial.

‘El Diablo de las Aguas Turbias’ es una película muy típica de la época de la Guerra Fría, pareciendo por momentos muy propagandística, dando la sensación de que fue realizada única y exclusivamente para ser nada más que eso, sin arriesgarse siquiera a aspirar a ser al menos un digno producto de entretenimiento como lo eran otros films coetáneos del mismo estilo. Sorprende en alguien como Fuller, ejemplo de narración cinematográfica donde los haya, que acabara resultando casi soporífero, no aportando apenas nada de su característica forma de hacer cine, ni siquiera aprovechó en todo su esplendor el formato cinemascope, algo que Fuller utilizó más de una vez de forma bastante inteligente. Para colmo, el argumento no ayuda demasiado a animar la función. Apenas existe interés en lo que se nos narra, al moverse por caminos demasiado trillados de forma tan anodina y cansina, y sólo se ve algo de fuerza en alguna que otra escena de suspense con la que se intenta dar vida a la función sin llegar a conseguirlo.

El papel estelar del film es para el excelente Richard Widmark, quien ya había protagonizado para Fuller la maja ‘Manos Peligrosas’, un título con cierta importancia en el cine negro y que también poseía claras connotaciones hacia la Guerra Fría. Lo cierto es que este extraordinario actor, al que se le daban de miedo los personajes malvados, cumple mínimamente en esta película, lo cual no es suficiente. Probablemente su personaje sea el mejor de toda la película, el que más matices tiene, no resultando plano y vacío como casi todos los demás que no pasan de estereotipos poco desarrollados. La actriz polaca Bella Darvi pone la nota femenina al asunto, pero su rol no aporta demasiadas cosas más allá de la inevitable y predecible historia de amor, y no desarrolla como es debido la situación de mujer encerrada en un submarino con un montón de hombres. En roles secundarios nos podemos encontrar con Cameron Mitchell y Gene Evans, rostros habituales en el cine de Fuller, sobre todo el segundo. Sus apariciones no pasan de ser meramente anecdóticas, formando parte de una galería de personajes secundarios muy tópica.

Una enorme decepción, indigna de su realizador y su estrella principal. Ni siquiera vale para pasar el rato, algo sorprendente en la filmografía de Fuller, experto en entretenimientos de primer orden. Si por casualidad os interesa ver la película la tenéis editada en dvd por Sherlock, pero os diría que si queréis acercaros a la obra de Fuller eligierais cualquier otro título que esté editado, saldréis ganando.

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Su argumento nos lleva al Nueva York del año 1880, en el que un periodista escandalizado por los métodos del periódico en el que trabaja, provoca su propio despido, y con la ayuda de un soñador lleno de dinero levanta su propio negocio: un periódico nuevo, caracterizado por contar la verdad sin manipular ningún tipo de información (este film no gustaría a ninguno de los directores de nuestra queridísima prensa actual). El éxito que obtiene es inmediato, pero también provocará el enfado de su más directa competencia, y pronto estallará una lucha de intereses.

Lo mejor de ‘Park Row’ es el trabajo de dirección con la increíble puesta en escena de Fuller, en la que no se corta ni lo más mínimo a la hora de realizar extraordinarios planos-secuencia, que le infieren al film un ritmo absolutamente trepidante, con lo que se logra que el film no aburra ni lo más mínimo. Por otro lado, estamos hablando de una película cuya duración son unos escasos 80 minutos, tiempo relativamente corto como para que uno se aburra viendo un film. Aún así, es imposible no sentirse maravillado por las resoluciones visuales a las que llega Fuller, jugando con el decorado y los actores en todo momento, quizá para expresar visualmente el ajetreado mundo del periodismo, en el que todo está continuamente en movimiento. Fuller es de los pocos directores que no se limitiban simplemente a filmar sin más una historia. Esa forma de filmar, de rodar cada secuencia, iban en perfecta armonía con lo que estaba retratando.

Quizá su argumento no está del todo bien terminado, o bien cerrado. Su comienzo es espectacular, y también duro, directo y conciso. Uno diálogos brillantes enganchan enseguida a un espectador asombrado de que a principios de los 50 se pudieran soltar esas frases en una película. Pero según va avanzando la acción, la película va perdiendo algo de su fuerza temática, por culpa de un exceso de idealismo, que desentona un poco con el tono de su historia. Un final demasiado precipitado y que deja un poco vacío, no termina de convencernos, y nos hace preguntarnos si quizá Fuller no se atrevió a llegar hasta sus últimas consecuencias.

Por otro lado, a pesar de que todos los actores secundarios están sobresalientes, de la pareja protagonista no se puede decir lo mismo. Gene Evans, actor fetiche de Fuller por aquellos años, está bastante forzado y exagerado en su interpretación, con cara de haberse enfadado con el mundo entero. Y Mary Welch se nota que era su primera película (y la última, pues moriría 6 años después dando a luz), vistiendo casi siempre de negro, detalle argumental un poco incomprensible, y no sabiendo muy bien cómo responder en algunas escenas. Además, la química entre los dos es simplemente inexistente.

Una película correcta, altamente disfrutable por la impecable labor de Fuller, de la cual podrían aprender muchos directores modernos, que al lado de este viejo maestro se quedan viejos. Evidentemente, no estamos hablando de uno de sus mejores trabajos, pero sí es un producto recomendable y que si se hiciera hoy día levantaría más de una ampolla.