El infierno está desbordado, y Satán nos envía sus muertos. ¿Por qué? Porque tenéis sexo fuera del matrimonio, matáis bebés nonatos, tenéis relaciones homosexuales, matrimonios del mismo sexo. ¿Cómo pensáis que Dios os juzgará? Bueno amigos, ya lo sabéis. Cuando no haya más espacio en el infierno, los muertos caminarán sobre la tierra.

Cuando hoy en día se habla de remakes, y se buscan ejemplos de buenos ejercicios de revisión o reinterpretación cinematográfica, películas cuyo valor va más allá del simple objetivo de llenar los bolsillos de aquellos que desean reducir el cine a un negocio puro y duro, siempre se destaca la actualización de ‘Amanecer de los muertos’ (‘Dawn of the Dead’, 2004), ópera prima de un realizador curtido en publicidad, adorador de la cámara lenta, llamado Zack Snyder. Hasta hace poco, y a falta de ver la reciente y vapuleada ‘Sucker Punch’ (2 sobre 10 en RottenTomatoes, 3,3 en Metacritic), no tenía claro qué película de este cineasta me gustaba más, su celebrado debut, que parece ser el título favorito de la mayoría, o su siguiente trabajo, la adaptación del cómic ‘300’, el mayor éxito de Snyder hasta la fecha. Hoy escribo con la duda resuelta, me quedo con la segunda.

Y eso que siento especial debilidad por las tramas apocalípticas y los relatos que giran en torno a la aparición de muertos vivientes, me entretienen con facilidad (de hecho escribí alguna cosa cuando estudié audiovisuales, soñando con construir el guion definitivo sobre el tema), pero cuando uno ve ‘Amanecer de los muertos’ después de ‘300’, resulta evidente (o al menos me lo resulta a mí) que Snyder se muestra más seguro y libre con la segunda. Pese a no encuadrarse en lo que comúnmente llamamos cine de autor, detrás de ambos trabajos hay alguien que está mostrando sus pasiones, sus intereses, sus habilidades, sus debilidades y sus torpezas; cuando tuvo la oportunidad de volver a rodar, con más medios y más tiempo, Snyder pudo planificar con más detalle, depurar los errores de su debut, y demostrar más claramente qué puede ofrecer al público. Lo que no cambió fue su voluntad de impactar al espectador, de no dejarlo indiferente, de destruir las expectativas, y ofrecer su propia visión de las cosas. ‘Amanecer de los muertos’ es el trabajo de alguien que está dispuesto a comerse el mundo. Nunca mejor dicho…

Al igual que ocurría en ‘La noche de los muertos vivientes’ (‘Night of the Living Dead’, 1968), la película de Zack Snyder no explica la repentina resurrección de los muertos, lo cual es un alivio, muchas películas mejorarían si sus guionistas hubieran descubierto las ventajas de lo misterioso, de los enigmas sin resolver, cuando en bastantes ocasiones es ilógico que la solución esté en manos de los protagonistas. La película presenta un día aparentemente corriente (hay indicios de lo que está a punto de ocurrir, pero lógicamente nadie presta atención) en la vida de una joven enfermera; a la mañana siguiente, se ha desatado un auténtico infierno y hay que luchar por sobrevivir. ¿Puede ser más aterrador y al mismo tiempo más realista? Nadie nos va a avisar de algo así, y tampoco lo creeríamos, confiados en nuestra cómoda rutina. Pero entonces pasa algo como el desastre de Japón. Vaya, ¿qué civilización? Viendo las imágenes, uno casi espera que de pronto, en medio de las ruinas, aparezcan los primeros zombies, arrastrándose por el suelo, alzándose, ansiosos por algo que no pueden entender. Qué más da el porqué y el cómo, lo importante es que cada vez son más numerosos, y van a despedazar a los vivos, no hay salvación.

Esa sensación de pánico y desesperación que se apodera de la gente, enfrentada a la devastación de la sociedad y la aparición de feroces caníbales, es fundamental en un relato de terror como ‘Amanecer de los muertos’, y por fortuna está conseguida. Puede que para George A. Romero (que aún sigue extendiendo su saga sobre muertos sin reparo alguno) y sus más fieles seguidores sea un ultraje que los zombies de este remake corran (hay debates sobre eso, por absurdo que parezca), pero Snyder y su equipo, en el que hay que destacar al guionista, James Gunn (Scott Frank y Michael Tolkin no aparecen acreditados), hacen una apuesta por la energía y la agresividad de unos seres rabiosos, casi se diría que furiosos con los que aún siguen vivos, unos frenéticos monstruos similares a los infectados de ’28 días después’ (‘28 Days Later’, 2002). Como marcan los cánones, solo se frena a los muertos vivientes destruyendo su cerebro; lo raro es que, en 2004, todavía nadie supiera que había que hacer eso. A ningún personaje se le ocurre, ¿ninguno lo había visto antes en una película? Supongo que es posible, lo bueno es que no te lo planteas durante el (primer) visionado.

Curiosamente, quien da la clave sobre disparar a la cabeza de los muertos es un sheriff que aparece en televisión (imitando las entrevistas de las películas de Romero) interpretado por Tom Savini, autor del remake de ‘La noche de los muertos vivientes’ de 1990 y uno de los actores que intervinieron en ‘Zombi’ (‘Dawn of the Dead’, 1978), la película original que se versiona aquí; no es el único guiño, el telepredicador que habla de un castigo divino por tanta depravación también lo encarna un actor que estuvo en ‘Zombi’, Ken Foree. La película de Snyder rinde el justo homenaje a sus raíces, pero uno de sus mayores aciertos es que no se limita a ser una mera repetición, con actores actuales y estética moderna; sigue el esquema argumental, un grupo de supervivientes resisten en un centro comercial una invasión de zombies, pero a partir de ahí se libera y va a dónde quiere, sin más límite que el presupuesto (exprimido al máximo, sorprendiendo con unos efectos especiales y de maquillaje extraordinarios). Uno de los aspectos más interesantes de ‘Amanecer de los muertos’ es que en cierto modo es un collage donde Snyder incluye una serie de referencias cinéfilas que van más allá de Romero y su saga; hay ecos de ‘El resplandor’ (‘The Shining’, 1980), ‘El exorcista’ (‘The Exorcist’, 1973), ‘Pink Flamingos’ (1972) o ‘El álamo’ (‘The Alamo’, 1960) en su primera película.

El director también está muy acertado con la selección musical; en los audiocomentarios del DVD, el productor Eric Newman reconoce que en principio todos estaban en contra de incluir algunas de las canciones sugeridas por Snyder. Sin duda, su mejor idea fue incluir el tema ‘When the man comes around’ de Johnny Cash en los créditos iniciales, acompañando un excelente montaje sobre el fin del mundo. Unos créditos que aparecen después de una de las secuencias más dramáticas y salvajes que se han filmado en mucho tiempo, con la aparición de la niña zombie y la protagonista huyendo en su coche mientras todo a su alrededor parece derrumbarse, y su novio, ya muerto, la persigue como si fuera el T-1000 de ‘Terminator 2’ (1991). Cabe destacar asimismo la estupenda labor del reparto (Sarah Polley, Ving Rhames, Michael Kelly, Matt Frewer, Ty Burrell…) dando vida a un abanico de variopintos caracteres de manera muy convincente, demostrando una inusual química en la pantalla y viviendo intensamente cada escena; flojea el personaje de Andre (Mekhi Phifer), en especial por cómo afronta la situación de su esposa. Sangrienta, contundente, divertida, no cambiará la vida a nadie, pero cumple su principal objetivo: tener al espectador pegado al asiento durante una hora y media.

‘Sed de mal’

Mi película favorita de Orson Welles, una de las piezas maestras del Film Noir, que posee uno de los arranques más celebrados de la historia del cine. Primer plano de un hombre con una bomba en sus manos, la cual acaba en el maletero de un coche que se convierte en el centro de atención del espectador. La cámara se eleva majestuosamente por encima de los edificios mientras seguimos al coche con nuestros ojos, al mismo tiempo que entran en escena dos de los personajes claves del film, en los rostros de Charlton Heston y Janet Leigh. Este travelling fue mil veces imitado y nunca superado. ¿Tiene Welles otro arranque tan espectacular?

‘Amanecer de los muertos’

Tras la presentación del personaje central, a cargo de una convincente Sarah Polley, la acción se traslada al hogar de la misma, donde en compañía de su marido experimentará el despertar más animadito de su existencia. El instante de la niña en el marco de la puerta es sobrecogedor, y la explosión posterior de violencia todo un deleite para los sentidos. Zack Snyder nunca ha estado tan inspirado como en esta película, que además logra superar al endeble film de George A. Romero. Y encima usa a Johnny Cash en los títulos de crédito.

‘Up’

Aún tengo que aguantar las lágrimas cada vez que veo este segmento de una de las obras maestras salidas de la Pixar. ‘Married Life’ es el título del tema musical con el que Michael Giacchino adorna esta secuencia prácticamente muda, un prodigio de escenas encadenadas que nadie se esperaba cuando fue el cine a verla. Si en ese instante encendiesen las luces de la sala de cine, muchos niños descubrirían a sus padres con el corazón encogido y los ojos rojos. La demostración palpable de que Pixar hace cine para todas las edades.

‘Salvar al soldado Ryan’

Probablemente el arranque más celebrado de Steven Spielberg, quien se llevó su segundo Oscar como director por esta obra maestra. La máxima de Cecil B. DeMille queda aquí má patente que nunca. Crueldad, sangre, realismo, la guerra en primer plano, mientras el espectador queda completamente abrumado por la pericia técnica de la escena y la dureza de la misma. Spielberg y Tom Hanks quisieron repetir la jugada del realismo en las escenas bélicas en televisión con la estupenda ‘Hermanos de sangre’ (‘Band of Brothers’) y la aburrida ‘The Pacific’.

‘El caballero oscuro’

Christopher Nolan se corona con la que sigue siendo su mejor película. El inicio es un atraco a un banco filmado con precisión y ritmo. Nolan además se permite un guiño a ‘Atraco perfecto’ (‘The Killing’, Stanley Kubrick, 1956): los atracadores llevan caretas de payaso, mientras se juguetea con el espectador con respecto a la identidad del Joker. Mención especial para la breve participación de William Fichtner, y cómo no, la música de Hans Zimmer y James Newton Howard, que deberían colaborar juntos más veces.

‘Vértigo’

Una persecución por las azoteas de los edificios en el que dos policías persiguen a un hombre. James Stewart, en uno de sus personajes más memorables y también de los demás complejos de su carrera, queda suspendido asido a una cañería, el agente deja de perseguir al sospechoso y se vuelve para ayudar a nuestro protagonista pero algo sale mal. Tensión y miedo a las alturas marcan una de las obras más importantes de Alfred Hitchcock. Bernard Herrmann, del que deberían aprender muchos, pone la impecable nota musical.

‘El guateque’

El inicio de esta gran película deja claro cómo comenzar una buena comedia marcando cómo será el personaje central en la misma. Un corneta que da la nota, nunca mejor dicho, y que en realidad es un actor de poco monta que sueña con un papel importante. La escena del vídeo aún continúa con un par de cafradas más por parte del personaje, que estropea el rodaje de una película. Su nombre es apuntado en una lista con la intención de que no consiga trabajo como actor en ningún lado, pero se apunta por error en una lista de invitados a una fiesta que será desternillantemente inolvidable. Como Peter Sellers.

‘Centauros del desierto’

Una puerta se abre y sale una mujer a la que sigue la cámara curiosa de John Ford en uno de sus mejores trabajos. La expectación que se crea es por el regreso al hogar de Ethan Edwards —un magnífico John Wayne, como casi siempre—. Martha Edwards, su cuñada, será la primera en verlo llegar, y no por casualidad. Unas pocas escenas más tarde, cuando Ethan deba partir de nuevo acompañado en una larga búsqueda que le obsesionará, seremos testigos de una de las historias de amor más calladas del celuloide. Y todo con miradas y gestos delicados. Como esa cámara que sale al porche al principio.

‘Indiana Jones y el templo maldito’

La escena del vídeo es la delos créditos, en la que Steven Spielberg homenajea al cine musical americano clásico con un número excelente, en el que además vemos a Kate Capshaw, actual esposa del director, mostrando sus aptitudes para el baile y el canto. Tras el “directed by” viene una de la secuencias más trepidantes que se han visto. Un diamante, un antídoto, cubitos de hielo, confusión, y ritmo, mucho ritmo. A partir de ahí el espectador queda atrapado en un torbellino de emoción y aventura que no desaparece.

‘Poder absoluto’

Aún no hemos llegado a ella en el especial de Clint Eastwood, pero lo haremos. El inicio es una ejemplar muestra de suspense por parte de su director. Un ladrón que ha entrado a robar en una casa debe ocultarse cuando recibe la visita inesperada del presidente de los Estados Unidos, que tiene ciertos vicios sexuales que le costarán caro. Oculto tras un espejo, el ladrón deberá ingeniárselas para salir de allí con vida pues ha sido testigo de un homicidio cometido por uno de los hombres más poderoso del plantea. Tensión en su pura esencia.

Su turno, damas y caballeros.

Adrien Brody y Sarah Polley son dos científicos de nombre Clive y Elsa, dos nombres que aluden directamente a los actores Colin Clive y Elsa Lanchester por sus respectivos papeles en una de las obras maestras del cine de terror, ‘La novia de Frankenstein’ (‘Bride of Frankenstein’, 1935, James Whale). En dicho film Clive daba vida al mítico doctor Frankenstein y Lanchester a la criatura que creaba el doctor para hacer compañía al monstruo encarnado por Boris Karloff en una secuela en la que se daba un paso más a lo expuesto en el film anterior. Toda una declaración de intenciones, pues, por parte de Vincenzo Natali a la hora de embarcarse con su ‘Splice: Experimento mortal’ (‘Splice’, 2009) en ese tipo de películas que versan sobre científicos que amparándose en la importancia de la ciencia para la evolución, rompen todas las reglas ético morales que existen.

Clive y Elsa son aquí nuestros Frankensteins particulares que jugueteando con la genética y el ADN de especies animales crean híbridos para una empresa farmacéutica. Con la ambición que caracteriza a los científicos, ambos dan un paso más creando un híbrido que lleva ADN humano. La criatura resultante, a la que llaman Dren, resulta ser un espécimen espectacular en todos los aspectos. Como vemos no hay mucha diferencia del argumento de los míticos títulos de Whale, pero Natali decide introducir un elemento pocas veces explorado en este tipo de películas: el sexo.

Si hacemos un poco de memoria el maestro Terence Fisher —probablemente el origen de terror moderno, y sobre el que volveremos en multitud de ocasiones en el especial Vampiros de verdad y en otro sobre la Hammer— introdujo el elemento sexual en la gran ‘Frankenstein creó a la mujer’ (‘Frankenstein Created Woman’, 1967), en la que el mad doctor más famoso de todos los tiempos se atrevía a crear a una mujer perfecta que le acarrearía algunos problemas. El sexo estaba presente en la historia como pocas veces se ha visto y su atrevido subtexto parecen servir de inspiración ahora a Natali para una historia que se mueve entre lo osado, con sus gotas de morbo, y lo directamente ridículo. Dos mad doctors, pareja emocional para más inri, enfrentados al dilema moral de sus vidas.

Siempre he creído que Vincenzo Natali era uno de esos directores sobre los que recaían proyectos interesantes malogrados por una falta de pulso increíble. A falta de ver ‘Nothing’ (id, 2003), tanto ‘Cube’ (id, 1997) —su película más prestigiosa hasta el momento— como ‘Cypher’ (id, 2002) me parecen films vacíos que partían de ideas muy buenas pero malogradas a la hora de la realización. Ahora con ‘Splice: Experimento mortal’ —dichosa manía la de los subtítulos supuestamente llamativos— vuelve a hacer gala de lo mismo, esto es, una idea con multitud de posibilidades que se pierden incomprensiblemente en una primera parte interesante pero aburrida y un tercio final en el que Natali sucumbe a las concesiones. Extraño en un film que se supone arriesgado, atrevido y diferente.

Natali evita presentaciones de todo tipo, algo que a mi parecer es un acierto, nos introduce de lleno en la historia con los dos científicos creando el híbrido. Lamentablemente el director emplea demasiado tiempo en la creación y desarrollo de la criatura, aún a pesar de que ésta crece a velocidad vertiginosa. En dicha parte se encuentran lo más interesante del relato, las alusiones a una maternidad fervientemente deseada por un lado —Elsa— y evitada por otro —Clive— y que se materializa en Dren, quien a su vez experimenta curiosos y determinantes sentimientos hacia sus progenitores. Natali irá más allá en un par de escenas de lo más atrevidas, aunque su resolución navega por el más amplio de los ridículos en la primera —Natali dice que ha introducido humor en la historia pero creo que se trata más de un humor involuntario que da lugar a instantes completamente ridículos— y en la segunda parece caer ante todo tipo de concesiones.

‘Splice: Experimento mortal’ tiene dos partes bien diferenciadas; una primera demasiado larga pero en la que Natali pone sobre la mesa lo más interesante del relato, y otra en la que parece una película totalmente diferente que camina por el cine de terror facilón que transcurre de forma muy apresurada hacia un final abierto que deja la historia para una posible segunda entrega. Tal vez la historia dé para más a partir de lo planteado en su parte final —por otro lado previsible—, pero si Natali lo hace con la misma falta de energía que aquí me temo que será más de lo mismo. Queda para el recuerdo la composición de Delphine Chanéac, que realiza una buena creación de su personaje estando muy por encima de unos muy apagados Adrien Brody y Sarah Polley.

Splice traducido al español significa error. Buen título que define a la perfección el film significa empalme, lo que no vais a tener viendo la película.

Otra crítica en Blogdecine:

• Sitges 09 | Quinta jornada | Decepcionante ‘Splice’, excelente ‘Metropia’ y absurdo remake de ‘Teniente corrupto’

Esta semana el estreno que más destaca, aunque sólo sea por todo lo que se ha anunciado, es el de ‘El equipo A’ (‘The A-Team’), una película ante la cual siento tantas ganas de verla como miedo a que me decepcione. Todos sabemos que la serie en la que se basa no era buena, con su regla de que no muriese nadie, a pesar de las explosiones y los tiros; pero no podemos negar que para toda una generación, resulta entrañable. Así que será fácil que echemos de menos durante la película emociones que sentíamos entonces. También estrenan films Vincenzo Natali y Todd Solondz, freaks cada uno a su manera, de los cuales, el segundo me parece más interesante, sobre todo en esta ocasión, que va a retomar los personajes de su tremenda ‘Happiness’.

‘El Equipo A‘  (‘The A-Team’, 2010)

Director: Joe Carnahan.

Intérpretes: Bradley Cooper (Fénix), Sharlto Copley (Murdock), Liam Neeson (Hannibal Smith), Jessica Biel (teniente Sosa), Patrick Wilson (Lynch), Quinton Jackson (M.A.).

Sinopsis: Adaptación a la gran pantalla de una de las series de televisión de mayor éxito en los años ’80, ‘El Equipo A’ cuenta que cuatro de los mejores hombres del ejército americano que formaban un comando, fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en fugarse de la prisión donde se encontraban recluídos. Hoy, buscados todavía por el Gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si usted tiene algún problema y se los encuentra, quizás pueda contratarlos.

Qué podemos esperar: Me apetece bastante verla, por la acción y el humor que seguro que contiene. Pero me va a costar ver a estos personajes con otras caras. Está claro que no puedo decir nada malo sobre Liam Neeson, pero no sé si le pega hacer de Hannibal Smith. Y con los demás me sucede más o menos lo mismo: me parecen buenos actores, pero no los veo en sus papeles. Me imagino, no obstante, que a los pocos minutos de film, estas consideraciones se olvidarán y nos acostumbraremos a los intérpretes, para poder disfrutar de la acción. Los intérpretes tienen la ventaja de heredar un carisma que ya todos conocemos, así que espero que, partiendo de ahí, vayan sólo hacia arriba.

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• ‘El equipo A’, desvergonzada adaptación

‘Splice. Experimento mortal’ (‘Splice’, 2009)

Director: Vincenzo Natali.

Intérpretes: Adrien Brody (Clive Nicoli), Sarah Polley (Elsa Kast), David Hewlett, Delphine Chanéac (Dren adulta), Abigail Chu.

Sinopsis: Adrien Brody y Sarah Polley interpretan a un matrimonio de científicos que crean una nueva raza híbrida, en principio inofensiva, pero que pronto desarrolla rasgos de depredación. La película muestra que un ser no del todo humano puede ser más sensible que muchas personas

Qué podemos esperar: Film que mezcla el terror con lo poético, la ciencia ficción con las emociones, en un intento de asemejarse a Cronenberg al mostrar sentimientos cuestionables o, digámoslo así, chungos; pero que se parece más a las producciones de Filmax en determinadas imágenes. Una cinta con sus pequeños fallos, que puede incluso tomarse a risa en ciertos instantes, pero competente en general. Ni la considero la obra maestra que algunos han defendido ni tampoco me despierta tanta negatividad como para obligarme a abandonar la sala, como les ha ocurrido a otros.

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• Decepcionante ‘Splice’.

‘La vida en tiempos de guerra’ (‘Life During Wartime’, 2009)

Director: Todd Solondz

Intérpretes: Shirley Henderson, Michael K. Williams, Roslyn Ruff

Sinopsis: Retomando los personajes de las tres hermanas de ‘Happiness’ —Allison Janney, Shirley Henderson y Ally Sheedy— y sus vidas, a cada cual más surrealista, lo que es utilizado por el director para realizar un retrato sin contemplaciones de la sociedad estadounidense actual y sobre la obsesión sexual a modo de comedia negra.

Qué podemos esperar: Me encanta Solondz y yo veo todo lo que hace, así que con ésta no tengo ninguna duda de que acudiré al cine. No creo que esté a la altura de su predecesora, ‘Happiness‘, pero si el director declaró que también era hermana de ‘Bienvenidos a la casa de muñecas’, pues me espero lo mejor. Me alegro, por otro lado, de que el autor haya vuelto al estilo de sus primeros trabajos, pues últimamente se estaba radicalizando demasiado incluso para él. En este enlace, podéis ver el tráiler.

‘El silencio de Lorna’ (‘Le silence de Lorna’, 2008)

Directores: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

Intérpretes: Arta Dobroshi (Lorna), Jérémie Renier (Claudy), Fabrizio Rongione (Fabio), Alban Ukaj (Sokol), Morgan Marinne (Spirou), Olivier Gourmet, Anton Yakovlev (Andreï), Grigori Manoukov (Kostia), Mireille Bailly (Monique).

Sinopsis: Para adueñarse de un puesto de snaks con su novio, Lorna, una joven albanesa que vive en Bélgica, se hace cómplice de un diabólico plan ideado por el mafioso Fabio. Fabio ha orquestado un falso matrimonio entre ella y Claudy. El matrimonio permite a Lorna obtener la nacionalidad belga, para después poder casarse con un mafioso ruso que está dispuesto a pagar mucho dinero para adquirir la misma nacionalidad rápidamente. Sin embargo, para que el segundo matrimonio de Lorna sea posible, Fabio ha planeado matar a Claudy. ¿Se mantendrá Lorna en silencio?

Qué podemos esperar: Supongo que una buena película, con una gran carga de crítica social y con un importante personaje femenino como eje de la acción.

‘Mamá está en la peluquería’ (‘Maman est chez le coiffeur’, 2008)

Directora: Léa Pool.

Intérpretes: Céline Bonnier, Marianne Fortier y Élie Dupuis.

Sinopsis: Corre el verano de 1966, es tiempo de disfrutar de las vacaciones, de la libertad, de correr por los campos y de reír con los amigos. Pero a medida que se va dando cuenta de los sueños, las penas y las mentiras de la gente que la rodea, Élise es testigo de cómo el abandono repentino de su madre trastorna completamente a la familia. Mientras su hermano Coco busca refugio en la construcción de un supercoche, el más pequeño, Benoît, se sumerge en su propio mundo. En cuanto a su padre, está simplemente superado por la situación. Élise decide coger el timón de una familia a la deriva en un desesperado intento por salvarla. Con el trasfondo de una naturaleza en plena ebullición y el consuelo que le ofrece el señor Mouche, Élise está a punto de vivir un verano único.

Qué podemos esperar: Costumbrismo, despertar sexual, nostalgia de una época pasada… Todo ello junto puede quedar bien y revestir cierto interés o ser otra vez lo de siempre.

‘Mi segunda vez’ (‘The Rebound’, 2009)

Director: Bart Freundlich.

Intérpretes: Catherine Zeta-Jones (Sandy), Justin Bartha (Aram), Lynn Whitfield (Laura), John Schneider, Sam Robards, Joanna Gleason, Jake Cherry, Kate Jennings Grant, Samantha Ivers, Alice Playten.

Sinopsis: Cuando una bella ama de casa descubre que su marido la engaña, decide escapar a Nueva York y empezar una nueva vida. Allí conoce a un joven de 25 años con el que comienza un inesperado romance.

Qué podemos esperar: Pues no sé, yo creo que si Catherine Zeta-Jones quisiese tener un romance con un jovencito, podría aspirar a algo mejor que Justin Bartha. Aparte de eso, la peli no tiene ninguna buena pinta, así que prescindiré de ella de momento, hasta que escuche algo a su favor… si es que eso alguna vez llega a ocurrir.

‘Niños grandes‘ (‘Grown ups’, 2010)

Director: Dennis Dugan.

Intérpretes: Adam Sandler, Kevin James, Chris Rock, David Spade, Rob Schneider, Salma Hayek, Maria Bello, Maya Rudolph, Jamie Chung, Tim Meadows.

Sinopsis: Cinco amigos se reúnen el fin de semana del 4 de julio para celebrar que han pasado treinta años desde que se graduaron en el instituto. Juntos se lo pasarán como niños grandes, pero sus respectivas parejas no tanto; sólo quieren que dejen a un lado ese comportamiento infantil y maduren de una vez.

Qué podemos esperar: El actor David Spade me caía muy bien en su papel de Finch en la serie ‘Dame un respiro’. Pero no creo que por ese motivo vaya a darle una oportunidad a ‘Niños grandes’. Si creíamos que ‘Mi segunda vez’ era lo peor que ofrecía la cartelera esta semana, preparémonos para este producto. Es verdad, le podría poner «sub-» delante, pero no precisamente para convertir la palabra en “subproducto”.

Crítica en Blogdecine |

• ‘Niños grandes’, otra comedia basura.

Vía | La butaca.

Cuando mi compañero Juanlu, que dicho sea de paso se ha operado los ojos de rasgados a puramente occidentales, habló sobre ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’ (‘Mr. Nobody’, 2009, Jaco Van Dormael) enseguida puse esta película entre las primeras de la lista del cine actual, últimamente de capa caída. No es que mi compañero y yo coincidamos bastante, algo que hacemos sobre todo en obras que necesitan ser reivindicadas o no son del gusto popular, pero aunque todos tengamos nuestro propio criterio siempre hay personas de las que, sin fiarte completamente de ellas, sirven como brújula para saber por dónde van los tiros. Si hubiera sido Massanet, a través de su verborrea autocomplaciente —escribe como Dios, aunque yo no soy creyente—, el que me hubiera dicho que la película es brutal, habría tomado mis precauciones.

A lo mejor, en otras realidades paralelas, en plan ‘Lost’ —que no es paralela por cierto— o la película que nos ocupa, ambos me la recomiendan, y no, y sí, y otra vez no, lo mismo que hace Van Dormael en ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’ —¡qué manía de estropear los títulos!— , un film tan fascinante como pretencioso. Tras días de reflexión dejando que la película repose en mi memoria, aún no tengo claro del todo si me ha encantado o me ha parecido una soberana memez. Lo que está claro es que es una de esas películas que va a provocar tantos amores como odios, destinada a convertirse en un título de culto, si no lo es ya. Servidor va a quedarse en un término medio —sí, también existen— pues creo que la labor de Van Doarmel es elogiable, pero al final me queda una extraña sensación de frialdad y vacío.

Lo que considero difícil es intentar explicar la trama de esta película, de ofrecer una sinopsis clara para aquellos qué quieren saber de qué va la película, una de las principales razones que mueven a la gente a las salas de cine. Podríamos decir que es la historia de un mortal en mundo futuro poblado de inmortales, o las posibles caminos que pudo tomar la vida de Nemo Nobody —excelente elección de nombre para un personaje— a partir de un hecho muy significativo en su existencia. Van Dormael no construye una historia de forma tradicional, no le interesa, puesto que su intención es más bien provocar una serie de sensaciones, de formular preguntas, a través de una puesta en escena cuidada al mínimo detalle logrando escenas de una belleza impresionante. ¿Lo consigue? Sí, pero ¿quedan éstas imágenes en el recuerdo? No. Y lo que es más importante, ¿interesa lo que Van Dormael nos cuenta? Creo que a ratos sí y otros muchos no. Y he ahí su mayor problema.

La laberíntica estructura narrativa de ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’ puede llegar a ser un verdadero problema para el espectador, que lejos de entender lo que está viendo opta por sumergirse en sus imágenes dispuesto a dejarse llevar por el torrente sensorial que es la película. Creo que Van Dormael saca al espectador —por lo menos conmigo, supongo que no lo tengo que matizar, pero por si acaso— de la película por culpa precisamente de ese laberinto en el que se desarrollan una serie de historias, algunas de las cuales no interesan lo más mínimo. Sin ir más lejos todo lo que sucede con el personaje de Sarah Polley me resulta incluso insoportable, desde la aparición de ella cuando es adolescente hasta la parte de Polley llenando la pantalla todo el rato de caras y muecas. Tal vez el desorden con el que lo cuenta el director sirve más para disfrazar el enorme vacío que tiene la película en ocasiones, consciente de que ahí no hay mucho que contar o de lo que se pueda sacar.

Durante la mayor parte de su metraje la película juega a varias bandas, confundiéndonos sobre qué es real, qué imaginado, qué recuerdo, qué pasado, qué futuro, en definitiva sobre la existencia o no de las cosas, a partir de una historia sobre las decisiones que Nemo podría tomar en cierto momento de su vida. Van Dormael dispone de muchas opciones a lo largo del trayecto, algunas más claras que otras, pero la elegida al final, llamémosle sorpresa, se me antoja caprichosa y facilona. La ambigüedad con la que jugaba el director —aún con trampas narrativas en el nudo del film— desaparece por completo, y sólo nos quedan instantes enormemente bellos visualmente —toda la parte de ciencia ficción— y la sorpresa que da Jared Leto como actor aguantando con dignidad el enorme peso de un film tan ambicioso. Porque si intentar reunir en una sola película prácticamente todos los misterios de la existencia —teoría de cuerdas, el Big Bang, el efecto mariposa, etc— no es ambicioso, entonces no sé qué lo es.

Dejo para el final la labor de Jared Leto, actor con cara de niña pija que no ha roto un plato en su vida, pero que realiza una interpretación estimable, muy por encima de lo esperado. Sus instantes como anciano en ese futuro en el que la gente no muere —toma pensamiento pretencioso— son los mejores de todo el relato, y en los que el actor está sensacional aún con kilos de maquillaje en manos y rostro. A su lado, actores como Rhys Ifans, Diane Kruger —sustituyó a Eva Green a mitad de rodaje— y sobre todo Sarah Polley están bastante desaprovechados, tal vez porque no son más que piezas de un gran puzzle sin final con el que se intenta reflexionar sobre toda nuestra existencia.

Por fin hay una fecha oficial concreta para el estreno en España de lo último del cineasta Vincenzo Natali, el thriller de ciencia-ficción ‘Splice’. Aunque en Estados Unidos la podrán ver el próximo viernes, será el 30 de julio cuando llegue a nuestros cines, con el nuevo título de ‘Splice: Experimento mortal’, no sólo más feo sino también un tanto inapropiado. Imagino que cuando haya pasado media película y no haya sangre ni muertes, mucha gente se va a sentir muy defraudada. Ya sabéis que yo tuve la oportunidad de verla en su estreno mundial durante el Festival de Sitges, y la verdad es que me dejó una terrible sensación de indiferencia, una película que no emociona y que sólo se anima al final. No obstante, soy el último en no deciros que no vayáis a verla; ya me contaréis, afortunadamente queda poco para que podáis verla, sé que algunos llevan mucho tiempo esperándola.

Producida por Guillermo del Toro y Joel Silver, ‘Splice’ se centra en Clive (Adrien Brody) y Elsa (Sarah Polley), una pareja de brillantes científicos especializados en la combinación de ADN que se dedican a diseñar híbridos de especies animales para un laboratorio farmacéutico. Tras el éxito de su último experimento, deciden en secreto ir un paso más allá y usar ADN humano en la creación de un nuevo híbrido que les ayude a revolucionar la medicina moderna. Pero la especie resultante es mucho más que un nuevo escalón en el árbol evolutivo… Y hasta aquí puedo leer.

A continuación tenéis el tráiler (en v.o., porque en español no lo encuentro) y los cuatro carteles de la película que hay en la red, uno de ellos es muy bueno; por cierto, tras la criatura, Dren, está Delphine Chanéac.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Os recuerdo que por ahí anda disponible la entrevista que le hice a Natali en Sitges, sobre este mismo film.

Vía | Impawards

Lo sé, lo sé. Este artículo debería haber estado en la portada de Blogdecine hace horas, pero la pasada noche me fue totalmente imposible acabarlo. Estaba más agotado que nunca, y dado que ahora estoy solo en mi apartamento, sin nadie que me apoyara o me diera ánimos, la verdad, darme una larga ducha e irme a la cama era lo único en lo que podía pensar. Os pido disculpas por ello. Estoy viendo más películas, unas cuatro por día, y si hacéis cuentas comprobaréis que me falta comentar bastante. Sin más, ¡vamos a ello!

Durante mi quinta jornada en el Festival de Sitges tuve la gran suerte de poder entrevistar al realizador Vincenzo Natali, que presentaba aquí, en primicia, su último trabajo, ‘Splice’. Las palabras “world premiere” se oyeron mucho por los pasillos del Hotel Meliá, seguida de expresiones de sorpresa. ¿Sitges ha conseguido un estreno mundial de una película tan esperada? Bueno, sí, lástima que finalmente la obra esté muy por debajo de las expectativas. Natali es un tipo encantador (ya lo comprobaréis cuando veáis la foto que me hice con él), y siente un gran respeto por este Festival, su público y la prensa, así que me jode hablar mal de su trabajo, que ha estado preparando durante tanto tiempo y donde ha puesto todo su amor. Fallida, creo que es una de las palabras que mejor la resumen.

No hagáis caso a cómo os van a vender ‘Splice’. En primer lugar, no es una película de terror, es más bien un drama sobre un matrimonio y su “hija”; sí, Guillermo del Toro es productor ejecutivo y Adrien Brody y Sarah Polley la protagonizan, pero lo más importante es que os quedéis con que es lo nuevo de Vincenzo Natali (‘Cube’ la ha visto mucha gente, ¿no?). La película es totalmente suya, el producto de un trabajo constante durante años, una obra que sale de su cabeza y que cuenta lo que él quiere que cuente. El director de ‘Cypher’ y ‘Nothing’ (aún inédita en España) plantea con ‘Splice’ los peligros de la experimentación científica y nos presenta a una criatura extraordinaria, un monstruo artificial que explorará sus semejanzas con los seres humanos.

Es obvio que a Natali le interesaba hacer una “monster movie” diferente, original, y que ha sabido aprovechar a la perfección los efectos especiales, para lo cual ha tenido que esperar años (la criatura parece real), pero le ha quedado una película intrascendente, que deja frío. Los actores no están mal, de hecho creo que Brody tiene un par de escenas bastantes buenas, pero es imposible conectar con ellos, por lo que la historia con su terrible creación se ve desde la distancia, sin emocionar o afectar, sin que sientas peligro o hagas tuyas las dudas que plantean los protagonistas. Natali pierde demasiado tiempo en charla insustancial y en ver crecer a la criatura, y cuando quiere acelerar las cosas ya es demasiado tarde, quedando un tramo final muy atropellado. Una gran decepción.

Mirad esa imagen. ¿No sentís la necesidad de ver la película, de saber qué pasa ahí? Personalmente, no podía perderme ‘Metropia’, y afortunadamente lo que vi sí que estuvo a la altura de las expectativas. Más de un compañero acreditado me había comentado que la animación era alucinante, pero que el guión era muy pobre y típico. Bueno, confirmo que visualmente la película es una auténtica gozada, una maravilla (creo que esto está fuera de toda duda), pero no estoy de acuerdo con el segundo punto. ‘Metropia’ tiene un guión muy trabajado y muy interesante, aunque sea cierto que Tarik Saleh no ha inventado nada nuevo en este sentido. Si os menciono ‘Fahrenheit 451’ seguro que os hacéis una idea muy aproximada de lo que le pasa al protagonista, Roger.

‘Metropia’ nos presenta un futuro oscuro, triste, agobiante, en el que las grandes corporaciones han llegado a controlar a la población hasta tal punto que ahora pueden alterar los pensamientos, meterse en la cabeza de las personas y obligarlas a actuar conforme a sus intereses. A través de la televisión también pueden ver el interior de los hogares, por lo que la intimidad no existe. En este entorno surge un hombre que empieza a darse cuenta de lo podrido que está el mundo. Tarik Saleh ha realizado una película inteligente e inquietante, también muy entretenida, donde nunca sabes qué va a pasar después. Todo lo que vive Roger se siente al otro lado de la pantalla, Saleh logra que la animación no sólo sea sorprendente, sino que ayude a contar la historia y sentir cómo sería habitar en ese futuro distópico, donde nadie parece darse cuenta que está siendo manipulado. Exacto, hoy en día también pasa, supongo que por eso me gustó más que a otros.

Por último, debo hablar de ‘Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans’, que se va a estrenar en España como ‘Teniente corrupto’. Evidentemente, se trata del remake de la película de Abel Ferrara con Harvey Keitel como protagonista, y como podéis suponer, es algo que no recomiendo ver. En pocas palabras, es absurdo hacer una nueva versión de esta historia, porque para empezar la original tampoco era gran cosa, por más que ahora sea una obra de culto. Sin Keitel y sin la mano de Ferrara, esto no tiene sentido alguno. Básicamente, Werner Herzog cumple con un encargo que le habrá dado bastante dinero y Nicolas Cage pone todo de su parte para dar la impresión que es el policía más loco, desesperado y desquiciado del planeta.

La historia sigue más o menos la línea de la anterior, pero incorpora bastantes novedades, bobas y que no llevan a ninguna parte, pero novedades al fin y al cabo. Hay escenas muy similares, pero en general podrían haberla llamado ‘Este poli es una ruina’ y no pasaría nada, no es un remake de esos que plagian la original. Tenemos un caso difícil que hay que resolver, tenemos las apuestas del protagonista, las prostitutas y las drogas, claro. Lo mejor, la parte final, en la que Cage se libera y se desmadra como nunca, siendo imposible no partirse de risa en varias escenas (cuando apunta a la vieja, por ejemplo). Lo peor, que dura dos horas y es totalmente innecesario; como mucho, esto debería durar 80 minutos, y sólo así sería medianamente soportable. Muy aburrida, y muy mal narrada. Herzog debería pagarnos por perder el tiempo viendo esta cosa.

Esta noche os cuento más. Entre otras cosas, os hablaré sobre ‘Moon’, dirigida por Duncan Jones, que está por aquí, en el Meliá, junto con el protagonista, Sam Rockwell. Mientras tanto, centráos en las tres películas de arriba y, por favor, dejáos de polémicas y malos rollos, que mi único propósito es contaros, de primera mano, qué está pasando aquí, de forma que os pueda resultar entretenido. Nada más, y nada menos.

PD: Esa foto la tomé hace un par de noches y refleja un poco cómo me siento ahora. Sólo que es de día.

En uno de los comentarios al tráiler de ‘The Time Traveler´s Wife’, josu mencionaba otra película de temática parecida, ‘Mr. Nobody’, de la que no habíamos dicho nada hasta ahora en Blogdecine. Bueno, vamos a remediarlo. La verdad es que tenía pendiente echar un vistazo el tráiler, pero como salen tantos cada semana… no ha sido hasta el toque de atención de este lector cuando me he decidido a verlo, sin más demora. Lo tenéis ahí arriba, a mí me ha encantado.

‘Mr. Nobody’ gira en torno a Nemo, un hombre que vive una vida normal con su mujer y sus tres hijos, hasta que un día se despierta en una piscina de una lujosa mansión, en el año 2092, cuando nadie está destinado a morir; Nemo, el hombre más viejo de ese futuro, tratará de recordar toda su existencia, pero no parece poder separar lo real de lo inventado.

La película, un drama de ciencia ficción, ha sido escrita y dirigida por Jaco van Dormael (su primer largometraje en trece años) y está protagonizada por Jared Leto, Sarah Polley, Diane Kruger y Rhys Ifans, entre otros. Normalmente, debe ocurrir un milagro para que este tipo de obras se lleguen a estrenar en salas comerciales, y ésta no iba a ser una excepción (con Adam Sandler y Sandra Bullock, otro gallo cantaría). Por el momento, en Francia la verán el 7 de octubre, tendremos que ser pacientes. A continuación os dejo con las primeras imágenes oficiales que ya circulan por la red.

Actualización: La película se estrena en España el 23 de julio de 2011, con el (absurdo) título de ‘Las posibles vidas de Mr. Nobody’.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: ¿Cuántas películas os han venido a la cabeza viendo el tráiler?

Vía | TheCinemapost y Shockya

He leído en alguna parte que Sarah Polley se acerca a Ingmar Bergman en su debut como directora. Puede ser cierto, sobre todo al Bergman de los últimos años. Pero también tiene cosas, quizá menos reconocibles, de Isabel Coixet. Pero dejando a un lado influencias sean del tipo que sean, y dado que cualquier realizador las tiene, Polley ha conseguido una obra propia sin necesidad de que la comparan con películas de otros directores. Un trabajo exquisito de dirección por parte de esta excelente actriz que la descubre como una realizadora a tener muy en cuenta.

‘Lejos de Ella’ (‘Away from Her’, 2006) está basada en un relato corto de Alice Munro, ‘The Bear Come Over the Mountain’, y narra los últimos días de relación de un matrimonio en el que ella empieza a sufrir de alzheimer y tiene que ser ingresada en un centro. Allí él intentará visitarla siempre, e intentará hacer que recuerde su historia de amor. Aunque su argumento pueda tener ciertos parecidos con la floja ‘El Diario de Noah’, poco se parecen entre sí ambas películas, afortunadamente.

Uno de los mayores aciertos de ‘Lejos de Ella’ es su pareja protagonista, unos actores totalmente entregados y perfectos físicamente para los personajes. Unos personajes llenos de arrugas, cada una de las cuales es un episodio en su inolvidable historia conjunta, sus alegrías, sus tristezas, sus secretos, sus reproches, sus verdades, sus mentiras. Unos rostros llenos de vida y de dolor, de angustia por todo lo que les está pasando ahora en el tramo final de sus vidas, que uno de los dos olvide cuánto se quisieron, probablemente de lo peor que le pueda pasar a un ser humano. Es absolutamente enternecedor, y a la vez sorprendente y cercano, la encomiable química que existe entre Gordon Pinsent, actor que más bien se especializó en el mundo de la televisión, y una maravillosa y espléndida Julie Christie, para la que Polley escribió expresamente el guión de la película.

Julie Christie, excelente actriz, da un verdadero recital de interpretación a todos los niveles. Uno de esos trabajos en los que vemos un personaje y no una actriz, algo a lo que aspiran todos los actores del mundo. Sus miradas, silencios, risas, dudas, enfados, poses, absolutamente todo en ella es perfecto. Indudablemente es la reina de la función, y una nominación al Oscar está más que asegurada. Es más, me atrevería a decir que será la ganadora al premio a la mejor actriz, que de ser así, sería su segundo Oscar 42 años después de haberlo ganado por ‘Darling’.

Sarah Polley dirige con una seguridad envidiable, de esa seguridad que sólo parecen disponer los que llevan años dirigiendo películas. La cámara parece no existir en manos de ella, y con esto no quiero decir que no la sepa utilizar, sino precisamente lo contrario. Además, utiliza en todo su esplendor la técnica de los flashbacks para explicar ciertas cosas importantes del pasado de los protagonistas, y no por el simple hecho de recordar. Impresionante la forma de mostrar cómo él fue infiel con alumnas a las que les daba clases. También la vemos a ella cuando era una joven preciosa, y su rostro se nos presenta varias veces, en contraposición con el actual, cansado y viejo, pero todavía con cierto resplandor en su mirada. A pesar de que pueda haber cierta previsibilidad en algún que otro momento, el film da un giro sorprendente a partir del instante en el que ella es internada en un centro. Una subtrama que aparte de arriesgada, es totalmente coherente con lo que nos están contando, y que nos hace prever que tal vez las cosas no terminen como uno quisiera, sino de una forma más dolorosa.

SPOILERS. La película es principalmente una historia de amor, pero Polley con carácter de denuncia no renuncia a dar alguna que otra colleja a la terrible realidad de nuestro reciente pasado. En la película existe la que probablemente sea la mejor denuncia jamás hecha a la Guerra de Irak. Sentados los protagonistas delante de un televisor, con la enfermedad de ella ya avanzada, dan un noticiario sobre la mencionada Guerra, y en lo que para mí es un alarde de inteligencia a la hora de escribir un buen guión, ella suelta toda entristecida: “¿pero cómo fueron capaces de olvidarse de lo de Vietnam?”. Una frase demoledora, coherente con la historia, y toda una declaración de principios. Simple y llanamente impresionante. FIN SPOILERS.

Una magnífica película, nada sensiblera, y muy madura. Una pena lo de su distribución limitada, ya estoy harto de que títulos como éste se distribuyan con cuentagotas. Si aún la proyectan en alguna de vuestras ciudades id corriendo antes de que la retiren, si no, esperad al dvd, o compradlo en amazon, o usad lo que uséis para conseguirla por otro medios. No os arrepentiréis, es de lo mejor de este año que ya termina y con gusto la incluiría entre mis películas favoritas estrenadas durante el 2007.

‘Lejos de ella’, que se estrena el 21 de diciembre, es la historia de amor de Fiona y Grant (Gordon Pinsent), que, casados desde hace mucho tiempo, han superado juntos los momentos difíciles de sus vidas. Hoy disfrutan de una convivencia tan cómoda y tranquila como merecida. La estabilidad desaparece cuando ella comienza a sufrir pérdidas de memoria. Dado que sus descuidos son cada vez más frecuentes, Fiona insiste en ingresar en una residencia. A partir de ese momento, el universo de Grant también se desestabiliza, llevándole a una vida nueva en todos los sentidos.

La prensa ha dicho:

“Conmovedor debut” – Calle 20

“Filme bonito, sabio, hondo, con una Julie Christie en su hermosísima senectud”- Cinemanía

“Madurísima ópera prima”- Fotogramas

“La actriz fetiche de Isabel Coixet brilla en su debut tras la cámara” – La Vanguardia

“Valiente, delicada, segura y tierna. Deslumbrante trabajo de interpretación de Julie Christie” – Abc

“Polley construye una intensa, sensible y tranquila reflexión sobre la relación entre felicidad y la memoria” – Ep3

“Es un prodigio de sensibilidad y capacidad de observación, una obra pendiente de los pequeños detalles, poco grandilocuente y con unos actores gloriosos” – Imágenes De Actualidad

En Blogdecine | Sarah Polley, guionista y directora.

Fuente | Notro Films.