A continuación, diez casos en los que precisamente eso me pasa a mí. Como siempre, sin orden y sin sentar cátedra. Disfrutad.

‘El último Boy Scout’

Una de las mejores películas de Tony Scott, normalmente perdido entre filtros y un montaje caótico. Bruce Willis realiza una de sus memorables interpretaciones, una especie de variante de su John McClane, que en esta secuencia hace gala de su peculiar forma de ver las cosas. Un puñetazo mortal es uno de los momentos álgidos de una película que logró en su momento dos récords: tener el guión más caro de la historia del cine, y ser la película con más palabrotas que hay. Cuidado si decidís comprar la película en DVD, esta escena no viene incluida en muchos de los montajes —censura por violencia—, tenéis que elegir aquella que en su portada pone “montaje íntegro”.

‘Alta fidelidad’

Ian (Tim Robbins) entra en la tienda de discos de Roy (John Cusack) para advertirle que deje de acosar a su ex-novia. Antes de la cruda realidad, Roy se imagina tres situaciones a cada cual más delirante, sobre todo la tercera, que en un servidor en concreto, provoca una de las risas más incontrolables que tengo. Se puede ver una y otra vez, que sigue resultando muy efectiva, como el resto del film, probablemente lo mejor que ha filmado nunca Stephen Frears. Y menuda recopilación de canciones.

‘Alien’

Sin duda, el parto más original e impactante de toda la historia del Cine. El punto de inflexión de una historia que habla acerca del miedo a lo desconocido, en este caso siete tripulantes de una nave espacial que deberán enfrentarse al bicho que han visto nacer, aunque un poco más cambiado. De cuando Ridley Scott estaba inspirado y nos ofrecía obras maestras. Más de 30 años han pasado y la escena sigue impresionando como el primer día.

‘Amor a quemarropa’

Mi película favorita de Tony Scott, basada en una historia del irregular Tarantino, que posee una de las escenas más bellas de su cine, el asesinato de Clifford (Dennis Hopper) a manos de Vincenzo (Christopher Walken) después de que el primero le explique la verdadera historia de los sicilianos. ‘Sous le dôme épais où le blanc jasmin’ de la ópera ‘Lakmé’ suena de fondo, los dos actores brillan en todo su esplendor y Scott alcanza el mismo nivel que su hermano.

‘Un pez llamado Wanda’

La escena en la que Otto —merecido Oscar para Kevin Kline por su interpretación más recordada— confunde a Archie —un como siempre divertido John Cleese— con un ladrón en su casa, es de las más delirantes de una película que muy probablemente sea la última gran comedia que se ha realizado. Charles Crichton, en una operación que recuerda a sus films para la Ealing, se reúne con dos de los Monty Python y nos sirven un cóctel desternillante lleno de inolvidables momentos cómicos. El señalado es mi favorito.

‘Érase una vez en América’

- ¿Qué has hecho todos estos años?

- Acostarme pronto

La música de Ennio Morricone empieza a sonar y los recuerdos se agolpan, uno tras otro, hasta encontrar el agujero en la pared que llevará a Noodles —impresionante Robert De Niro— a ver lo mejor de una época que nunca ha abandonado. Lo cierto es que es pillar esta película en televisión y uno se la traga entera a pesar de sus tres horas y media. El mejor trabajo del gran Sergio Leone, lleno de múltiples lecturas, pero ya hablaremos de ella en la sección críticas a la carta.

‘Blade Runner’

- Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad tras las puertas de Tannhauser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.

¿Es necesario decir más?

‘Heat’

La escena más recordada de una de las tres obras maestras de Michael Mann es sin duda el atraco al banco y posterior tiroteo. Acción y violencia sin tapujos y un ritmo endiablado —de los de verdad— meten al espectador de lleno en una secuencia prodigiosa, donde la utilización del sonido es esencial. Robert De Niro y Al Pacino en dos de su mejores papeles.

‘Un mundo perfecto’

Todo el tramo final de esta película, una de las más perfectas jamás filmadas por Clint Eastwood, es un puñetazo directo al corazón. Con ecos de ‘La jungla de asfalto’ (‘The Asphalt Jungle’, John Huston, 1950), Eastwood monta una set piece de profundo calado emocional, difícil de soportar por todo lo que representa. Sin duda, la mejor interpretación de Kevin Costner.

‘Psicosis’

Que una televisión proyecte cine clásico en blanco y negro ya sería suficiente para quedarse pegado al televisor a causa del shock sufrido, pero en esta lista no podía faltar una muestra del maravilloso blanco y negro con su estupenda gama de grises. La escena de la ducha de ‘Psicosis’ (‘Psycho’, Alfred Hitchcock, 1960) es una de las más recordadas de la historia del cine, y aún a día de hoy no ha sido superada. Diseñada junto al gran Saul Bass, es un prodigio de montaje y utilización de la música. Sin duda, uno de los asesinatos más estremecedores que se han filmado.

Su turno, damas y caballeros.

Ser enterrado vivo es, sin ningún género de duda, el más terrorífico extremo que jamás haya caído en suerte a un simple mortal.

-Edgar Allan Poe (‘El entierro prematuro’)

Por fin he visto uno de los ‘hypes’ de la temporada, ‘Buried’, del español Rodrigo Cortés. ¿Había para tanto? ¿Hay que saludar a un nuevo genio del cinematógrafo? Sin sacar las cosas de quicio, diré ya que ‘Buried’ me parece un excelente film y su director, alguien a tener en cuenta desde ya. El comienzo de la película no deja lugar a dudas: títulos de crédito de la escuela de Saul Bass, banda sonora con reminiscencias a ‘Vértigo’ (id, 1958) ...todo ello indica al espectador de la mejor de las maneras que se va mover —es un decir— por un mundo que ya conoce, el del maestro del suspense, Alfred Hitchcock.

Y es que el influjo del gordo director inglés es más que evidente, tanto en los rasgos estilísticos antes citados, como en la situación límite que presenta el film. Hitchcock ya había jugado con los espacios únicos en algunas de sus películas, como es el caso del apartamento de los dos asesinos donde transcurre la totalidad de ‘La soga’ (‘The Rope’, 1948), o el bote a la deriva de ‘Náufragos’ (‘Lifeboat’, 1944). Pero hay un fantástico episodio de la mítica serie ‘Alfred Hitchcock presenta’ que juraría que ha visto el señor Cortés: se trata de ‘Breakdown’—podéis verla en tres partes en este enlace— dirigido por el propio Hitchcock y en el que Joseph Cotten, el protagonista, sufre un accidente y se queda completamente inmovilizado, hasta el punto de que todo el mundo lo da por muerto. Lo que sigue son minutos de angustia y ansiedad donde asistimos a la lucha del protagonista para evitar que lo entierren vivo. Pues bien, la película de Rodrigo Cortés comienza donde todo termina. Bajo tierra.

Al principio está la oscuridad. La sensación de claustrofobia en los primeros minutos es insoportable. Pero el ser humano se acostumbra a todo, y tanto el protagonista como nosotros aprenderemos a movernos por ese espacio límite. Para ello contaremos con un teléfono móvil, cuatro fuentes de luz (la del móvil, una linterna, un halógeno y un mechero), un lápiz y una petaca. Eso es todo. El resto, madera de pino y el protagonista, un gran Ryan Reynolds. La meta: seguir vivos.

En la por ahora corta carrera de Rodrigo Cortés hay algo en lo que ha destacado sobremanera: el montaje. Tanto en su fundacional y multipremiado corto ‘15 días’ (un magnífico y muy divertido ‘mockumentary’) como en su ópera prima ‘Concursante’, el montaje era la estrella, alcanzando un protagonismo quizás excesivo. Pero en esta película adquiere toda su razón de ser: zooms de acercamiento, de alejamiento, trávellings, primeros planos, planos detalle, paneos, cenitales… una lección de cómo mover la cámara en un espacio ínfimo. De tal modo que la caligrafía visual imprime a la película un ritmo que no desmerece de cualquier película hollywoodiense firmada por un, digamos, Tony Scott. El hechizo es completo, a la media hora nos hemos olvidado de la radicalidad de la propuesta y nos dedicamos únicamente a sufrir por los reveses del protagonista.

Asimismo, para aumentar si cabe el estrés, el guión añade más pistas al circo estableciendo sin parar plazos límite cada vez más cortos a su sufrido protagonista: 90 minutos hasta quedarse sin aire, una hora para conseguir el rescate, 10 minutos para enviar un vídeo, 3 para amputarse un dedo… si a esto le añadimos una auténtica set-piece del cine de acción (sí, de acción) con una serpiente como protagonista, y un bombardeo para elevar la tensión a la estratosfera, lo que tenemos es un thriller ejemplar.

También es cierto que no es una película perfecta. En el debe, cierta parte en la que el protagonista parece que va a tirar la toalla mientras vuelve a oír en su cabeza todo lo vivido desde que se despierta en el ataúd. También hay algún que otro recurso que a este servidor le ha sobrado, como esa ascensión interminable de la cámara en dramático plano cenital heredera de ‘Sin City’ (el cómic). Puede también que el argumento en sí no sea el más original del mundo, y la crítica a los Estados Unidos y su papel en Irak sea un poco de manual, pero amigos, qué dominio del tempo, de los recursos narrativos, del montaje… En suma, de lo que hace grande a un thriller.

El final es desolador, quizás demasiado cruel para con su protagonista,, pero no se le puede negar la coherencia absoluta con todo lo anterior. Y lo anterior es muy potente. En este caso, las limitaciones dadas por el argumento han funcionado como una caja de resonancia multiplicando las virtudes del resto de elementos narrativos. Menos es más. Confiemos en que para su próximo thriller, ‘Red lights’, no le entre al señor Cortés agorafobia ante un rodaje en espacios abiertos y vuelva a sorprendernos con algo tan sabroso como ‘Buried’.

Otras críticas en Blogdecine:

‘Buried’, asfixiante desamparo
‘Buried (Enterrado)’, Rodrigo Cortés da una lección de cine

Mientras intentamos volver a la normalidad (con la vista puesta en el día de reyes), aquí seguimos con el repaso al cine de 2009, si bien en esta ocasión no vamos a entrar a valorar la calidad de las películas. Como el año pasado, ahora vamos a echar un vistazo a los mejores y los peores carteles. Os aclaro que para confeccionar la siguiente selección, he tenido en cuenta sólo los que hemos publicado en Blogdecine desde el 1 de enero hasta el 31 de diciembre de 2009.

Bueno, sin más, aquí os dejo mi selección de lo mejor y lo peor, en lo que a pósteres de cine se refiere:

Los diez mejores carteles del año

Un cartel sencillo, elegante y original, como la propia película, una de las más frescas e interesantes del año.

Max y el monstruo, del que sólo necesitamos ver la boca. Un cartel impecable para una de las películas más esperadas del 2009, que a mí particularmente me resultó una decepción.

Uno de los carteles más bizarros y memorables del año: el recién nacido Benjamin Button y su madre (adoptiva). Casi fue el año de Fincher.

‘Nine’ promete ser una de las películas de este año. Aquí os dejo el cartel que más me gusta de todos los que han salido, el japonés.

De ‘Malditos bastardos’ también pudimos ver muchos pósteres. Éste es mi favorito, sencillo y contundente. Todavía lamento no haber encontrado la gran obra maestra de Tarantino.

Normalmente, esto sería un teaser, pero en esta ocasión se trata del fantástico póster definitivo de la nueva ‘Star Trek’, uno de los mejores del año.

Éste es uno de los que he incluido a última hora, y supongo que debería haberse quedado fuera del top ten, pero me gusta mucho cómo han representado el trío sobre el que gira la historia.

Un homenaje al estilo de Saul Bass suele funcionar muy bien. Aquí tenemos un nuevo ejemplo.

Un biberón con sangre y una mosca. No hace falta más. A la película sí le falta muchísimo, pero eso es otra cuestión.

Un cartel perfecto para el momento que se retrata en la última película de Ang Lee, otra de las decepciones cinematográficas del año.

Los diez peores carteles del año

La cara de Clive Owen. Así se venden colonias. Pero hombre, para una película, podían currárselo un poco más…

Horrendo. Uno de los peores que he visto en mucho tiempo. Pero las fans estarán cegadas por los brillos…

O cómo tener a Sienna Miller y que parezca Belén Esteban en un día de resaca (o sea, un día normal).

Una de esas chapuzas que tanto se pueden encontrar en el género de la comedia romántica. Uma Thurman es una gigante al lado de un retocadísimo Colin Firth, y el comediante tiene algo gracioso algo que decir.

Otra chapuza. Ford sigue siendo un tipo duro y el pantalón le aprieta. Fraser tiene miedo…

Sin palabras. No entiendo cómo pretendían hacer dinero con un cartel tan lamentable como éste. ¿Lo habrá hecho un profesional, estando sobrio?

Otro trabajo chapucero, hecho con un ordenador en cinco minutos. No pueden pretender que la gente vaya a ver esto.

Un montaje horrible. Mirad los paparazzis y cómo han intentado que parezca que todos los personajes están en la misma escena al mismo tiempo.

Típico cartelito de peli de videoclub. Hay trillones iguales.

Cada vez se esfuerzan menos con la saga de Harry Potter. Este cartel podría valer para varias entregas.

PD: Otros cuatro que se quedaron cerca de entrar entre los mejores/peores:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

No sólo es rendir homenaje a alguien que sin aparecer en pantalla, lleva la etiqueta de genio colgada. Hablar o traer los trabajos y los títulos de créditos de Saul Bass no es novedoso. Lo realmente interesante, para comprender mejor su figura y su trabajo, es escuchar de su propia voz cómo preparó y planificó los mismos.

Hace tiempo que ya no vemos obras de arte en los títulos de crédito, otra más de las cosas que el cine consumista de hoy en día va dejando en el olvido. Salvo Kyle Cooper y algunos cineastas contra corriente que han creado un género de los títulos de crédito, mantienen viva la llama de Saul Bass. La lástima es, que un día, las jóvenes generaciones ni siquiera sabrán quien fue. Alucinarán con los títulos de crédito de ciertas películas y preguntarán por ellas. Sin duda, una pena. Mientras, disfrutemos con la lección del genio.

Vía | Smashing telly!

Entradas en blogdecine con las obras de Saul Bass:

• Los títulos de crédito de Saul Bass
• Saul Bass, sus títulos de crédito
• Saul Bass, sus títulos de crédito (II)
• Saul Bass, un estudio sobre su figura

Creo que la palabra que mejor define ‘El Rapto de Bunny Lake’ es inquietante. Desde que comienza, con esos magníficos títulos de crédito de Saul Bass (plagiados en la efectiva pero muy sobrevalorada ‘El Orfanato’), la película de Otto Preminger atrapa nuestra atención y casi nos mantiene sin respiración, como si estuviéramos sentados realmente frente a lo que ocurre y al movernos fuésemos a interrumpir la acción. No estamos ante un film de terror pero lo que se cuenta en ella y, sobre todo, cómo está contado, tiene un aire de pesadilla ciertamente perturbador.

Resulta extraordinaria la forma en que se va agobiando a la protagonista, con esa atmósfera irreal, más propia de otro mundo, o quizá de otra forma de ver/vivir en este mundo. En lugar de atemorizar con el cansino recurso de un asesino psicópata que acuchilla jovencitas o el no menos absurdo de un ser maligno que destroza seres humanos, Preminger nos deja paralizados con un terror cotidiano, el que se deriva de perder a un ser querido en un mundo egoísta, que sólo mira por lo suyo. Pero también el que nos envuelve al cuestionarnos la realidad de las cosas y, por último, nuestro propio juicio.

‘El Rapto de Bunny Lake’ es el título (nada apropiado, a mi parecer) que en España recibió ‘Bunny Lake is Missing’ (1965); eso sí, no la busquéis por aquí editada en DVD, para poder disfrutar de este tipo de clásicos hay que recurrir a grabaciones “antiguas” (VHS) o a otras vías supuestamente ilegales, o eso dicen. La historia de la película, basada en la novela de Evelyn Piper, gira en torno Ann Lake, que acaba de mudarse a Londres con su hija Bunny. Cuando va a recoger a la niña al colegio después de su primer día, descubre que no hay rastro de ella por ninguna parte. Nadie sabe nada de Bunny, nadie la ha visto. Denunciada la desaparición, la policía se encuentra sin pruebas de la existencia de la pequeña, sospechando que realmente todo es una invención…

Apoyado en una impresionante fotografía en blanco y negro, Preminger nos sumerge en una historia que pretende empezar de forma relajada, a pesar de que pronto notamos que “algo” no va bien; un escenario donde el espectador se encuentra totalmente perdido y va comprendiendo poco a poco, tanto lo que ocurre como a quién le ocurre, atando cabos, o creyendo atarlos. El tratamiento del suspense es magistral , así como la puesta en escena. Ojo a cómo está rodada la inspección del colegio, por ejemplo, dando en todo momento la sensación, como decía antes, de que estamos realmente allí, siguiendo a escondidas el transcurso de los acontecimientos.

El reparto protagonista de ‘El Rapto de Bunny Lake’ lo encabezan Carol Lynley, Keir Dullea y Laurence Olivier. Lynley interpreta a Ann, el personaje central de la historia, logrando una magnífica composición, haciendo creíble en todo momento un rol muy complicado que oscila entre la inocencia, la locura, el miedo y la desesperación. En cuanto a Dullea, recordado por protagonizar la mítica ‘2001’, encarna al extraño hermano de Ann, un hombre que incomoda con esa actitud tan tranquila, tan fría, logrando también un excelente trabajo; no quiero añadir más, pues es quien tiene la clave de todo el oscuro misterio que rodea a Ann y Bunny, como cualquier espectador entiende muy pronto. Por supuesto, Laurence Olivier también brilla, interpretando al veterano, cerebral y eficaz investigador que debe resolver el caso (sus razonamientos y sospechas son las del espectador). Tiene un papel similar, a mi parecer, al de Henry Fonda en ‘El Estrangulador de Boston’, de Richard Fleischer.

Destacar también la breve pero importante presencia de Noel Coward, con un particular personaje, el de “casero artista”, que alimenta el miedo y la inseguridad de Lynley. En este sentido, es crucial que en la película nadie parece querer ayudar a Ann, sino todo lo contrario, engañarla, acosarla, maltratarla o simplemente obviarla. Como muestra, la secuencia en el bar, cuando cambian de canal para poner música alegre, en lugar de atender a las noticias sobre la desaparición de Bunny. De nuevo esa sensación de estar en un inquietante mundo irreal, donde todo parece dispuesto para que lo pases mal hasta que, por fin, consigas liberarte y abrir los ojos. En alguna ocasión me vino a la mente otra (muy destacable) obra de Preminger, ‘Vorágine’.

Sobre esto mismo gira la secuencia en la que la dueña del colegio (otro personaje “de otro mundo”) comienza a referirse a la imaginación que tienen los niños cuando sueñan; fundamental para comprender el desenlace pero también para crear la atmósfera. Y sobre los niños, su imaginación, su mente, su fragilidad, y esa irrealidad que se respira en toda la película, mencionar la memorable secuencia, bañada en oscuridad, de la tienda de muñecas, lugar donde comienza a fracturarse la primera capa de las apariencias y desvelarse el núcleo de todo.

En conclusión, ‘El Rapto de Bunny Lake’ es un incómodo, oscuro y fascinante thriller psicológico con el que Otto Preminger consigue que nos planteemos, sin efectos especiales, recursos fantásticos o parafernalias digitales, si estamos viviendo la terrible realidad o una pesadilla terriblemente real. De obligado visionado. Y por cierto, esperemos que se abandone la idea del remake que planea realizar Joe Carnahan, director que, por otra parte, hasta el momento, me gusta. Pero es que, sencillamente, este film no puede ser mejorado, y el director no es precisamente el más indicado.

No dudo, y yo principalmente, que en este blog le hemos dedicado su tiempo y sus entradas a los títulos de crédito de las películas, especialmente a los iniciales. Hemos hecho las correspondientes entradas de Saul Bass, e incluso de Kyle Cooper. Del mismo modo, también comentamos la historia que se encuentra tras los tipos de letra de los títulos de crédito de las películas de Woody Allen, por hablar de algo anecdótico alrededor de esta pequeña e importante parte del mundo del cine.

Cuento todo esto porque existen infinidad de trabajos, no tan conocidos como los reseñados de los dos maestros anteriores, que merecen también su recordatorio y su valoración, sin ir más lejos y recientemente tenemos el ejemplo de ‘Juno’. Y a eso precisamente se va a dedicar The Art of Title Sequences, donde tenemos colgadas un número considerable de secuencias de títulos de crédito (conviene recordar a ‘Delicatessen’). Y, además, lo que vienen bien para comparar el auge que están teniendo los títulos de crédito de las series de televisión, varias de ellas también están colgadas para su disfrute. Merece la pena compararlas, y en muchos casos recordarlas.

Vía | Kottke
Fuente | The Art of Title Sequence
En blogdecine | Woody Allen y la historia de sus famosos títulos de crédito

Una lectura francamente interesante y recomendable, El diseño gráfico y el cine: Saul Bass, el pionero del encuentro.

Entradas de Saul Bass en blogdecine:

• Los títulos de crédito de Saul Bass
• Saul Bass, sus títulos de crédito en vídeo
• Saul Bass, sus títulos de crédito en vídeo (II)

Vía | Contratexto
Más información | BSO Spirit
En blogdecine | Los 25 mejores carteles de la historia
En blogdecine | Otro estudio sobre un cineasta: Las manos de Fritz Lang

Continuamos la entrada que iniciamos de los títulos de crédito de Saul Bass, con otros trabajos adicionales. A partir de un enlace de Personism a esa primera entrada de Saul Bass, llegamos a una galería interactiva de imágenes de algunos de sus títulos de crédito (no son todos pero sí una parte importante de sus trabajos), realizada por la gente de Not Coming to Theater Near You.

En este caso, además de colgaros las imágenes en la continuación de la entrada, tenemos la posibilidad de yendo al enlace de cada película, en la galería interactiva, ver la secuencia entera de los títulos de crédito de la misma, fotograma a fotograma, pinchando sobre la imagen. Destacan sus colaboraciones con Otto Preminger (hasta 10 películas), Martin Scorsese y Alfred Hitchcock.

Y por si fuera poco, conviene no olvidar su trabajo con los posters de las películas, variado y tan excelente como el de los títulos de crédito.

‘El mundo está loco, loco, loco’, de Stanley Kramer

‘Espartaco’, de Stanley Kubrick

‘El cabo del miedo’, de Martin Scorsese

‘Seconds’, de John Frankenheimer

‘Bunny Lake is missing’, de Otto Preminger

‘Bonjour Tristesse’, de Otto Preminger

‘La guerra de los Rose’, de Danny de Vito

‘La tentación vive arriba’, de Billy Wilder

‘El hombre con el brazo de oro’, de Otto Preminger

‘La edad de la inocencia’, de Martin Scorsese

En blogdecine | Saul Bass, sus títulos de crédito

Así que continuando con la idea de esta entrada, vamos a tratar de colgar la mayoría de sus trabajos que encontremos en YouTube o en otras redes. Es decir, una entrada hecha entre todos que crezca con vuestros comentarios, y que nos traiga los trabajos de Saul Bass para disfrutarlos.

En blogdecine | Los títulos de crédito de Saul Bass

Anatomía de un asesinato

Grand Prix

Éxodo

West Side Story: Títulos iniciales

West Side Story: Títulos finales

Carmen Jones

Con la muerte en los talones

Vertigo

Psicosis

Godfellas

Casino