La búsqueda del Grial no es arqueología. Es una carrera contra el mal. Si el Grial es capturado por los nazis, los ejércitos de la oscuridad marcharán sobre la faz de la Tierra, ¿me comprendes?

-Henry Jones Sr.

Estaba bastante claro que íbamos a conocer una tercera parte de las aventuras de Indiana Jones (lo que no estaba tan claro es que algún día llegase la cuarta…), por lo que la aparición, a finales de la década, de esta película fue algo poco sorprendente para todos. Lo que sí sorprendió fue que, al menos para el que esto firma, se trató de la mejor de todas ellas de lejos, pues no sólo es la más emocionante, y en la que Spielberg dirige con una mayor perfección, si no que es difícil encontrar una película de aventuras de esta calidad en la historia del cine. Así de sencillo.

Si con anterioridad el ‘mcguffin’ había tomado cuerpo en la presencia del Arca de la Alianza, o en las piedras sagradas de la cultura hindú, ahora, como todos sabemos, se trata de la copa de Cristo, más conocida como Santo Grial, un objeto codiciado por no pocos historiadores y que es utilizado, al mismo tiempo, como excusa argumental y como catalizador final de la apasionante relación que se establece entre Indiana y su padre, encarnados por dos genios de la interpretación: el instintivo y generoso Ford, y el entrañable viejo zorro Connery.

El exigente y distante padre, el vitalista y solitario hijo

De nuevo todo comienza con un prólogo en el que Indiana persigue un objeto inicial que nada tiene que ver con el principal. Ahora bien, dos características nuevas se añaden a los prólogos anteriores: que el objeto lo ha buscado Indy desde la infancia (con lo que se erige en una búsqueda personal que se pone en paralelo a la búsqueda personal del padre de encontrar el Grial), y que al conocer al distante progenitor del adolescente Indy, se introduce un componente emocional prácticamente desconocido en la trilogía.

Poquísima importancia reviste, por tanto, que nos expliquen, en una secuencia de acción absolutamente magnífica por cierto (con un comienzo que es un homenaje al western, y más concretamente a John Ford), de dónde viene el sombrero, la cicatriz, el látigo, o la fobia a las serpientes del protagonista. Esos chistes privados comienzan a perfilar este relato como un homenaje a la saga, corporeizados en la figura del malogrado River Phoenix, en un registro de comedia loca desconocido en él. De forma coherente, por cierto, Spielberg de momento no muestra el rostro del padre, tan solo sus manos, en una presentación idéntica a la de su hijo, del que en primer lugar siempre vemos sus manos. Muchos años más tarde, Indiana logra recuperar la Cruz de Coronado, convirtiéndose en la primera reliquia que vemos recuperar a Indy, pues siempre se contentaba con salvar la vida en sus aventuras previas.

Lo interesante, en verdad, es que este prólogo siembra la semilla de lo que va a ser la película, que no es otra cosa que la relación de Indiana con Henry Jones, un padre que al dejarle toda libertad se distanció de su hijo irremediablemente. Este es el corazón del relato, con un guión soberbio (sin duda el más redondo de todos los de la saga, el que más y mejor juega con situaciones y personajes, el que mejores diálogos posee, el de mayor progresión, escrito por el profesional Jeffrey Boam), muy del gusto de Spielberg, que filmó sin mucha gana ‘El templo maldito’, aventura que en gran parte le desagradó por su oscuridad, pero que aquí se siente muy cerca de la historia por contar algo que le interesa, y es que el maestro había aprendido que lo que importa en la aventura son los sentimientos e intereses vitales de los personajes.

Regresamos, por tanto, al tono de folletín de los años treinta de la primera película, a algunos de los personajes de la misma (Sallah, Brody), y se inicia un desarrollo de la humanidad de Indiana Jones, que en la segunda había mostrado, por así decirlo, su lado oscuro. Los escenarios del relato son aquí más numerosos que en las otras dos juntas, con Venecia, Austria, Berlín, Hatay e incluso Utah entre ellas. Pero, sobre todo, se introduce un tono de misticismo y de mitología ya perfilado en la primera aventura, pero que aquí va a influir de manera conmovedora en las peripecias de los personajes.

Un reparto formidable

En el momento de filmar este proyecto, Harrison Ford contaba cuarenta y seis años, y no podemos dejar de admirar su presencia, su esfuerzo en la acción y su inigualable instinto interpretativo. Cierto que es un personaje que interpretaba por tercera vez, pero aquí es capaz de restarle cinismo y añadirle compasión con toda naturalidad, mientras despliega el habitual estoicismo físico. Pero, además, en cuanto aparece Connery, pierde el control y la voluntad férreas de las otras entregas, aunque sin perder nada de interés ni coherencia. Siempre he pensado que Harrison Ford es un actor soberbio, que controla de manera ejemplar su ficisidad, a la vez que muy creíble y muy carismático. Este podría ser su mejor papel, o uno de los mejores.

A su lado Sean Connery es una presencia extraordinaria. Si Spielberg hizo Indiana Jones como respuesta a la frustración de no poder hacer James Bond, el padre del personaje debía ser el mismo James Bond. Por suerte para el cine, el actor aceptó el papel y ofreció una dimensión impagable a la película. Sólo doce años mayor que Ford, a sabiendas de que por entonces era ya una leyenda del cine, es imposible no enamorarse de este personaje, y Connery logra una insuperable fusión entre torpeza y habilidad, entre inteligencia y testarudez. Ambos, Ford y Connery, forman un dúo que es de lo mejor que Spielberg ha tenido jamás en sus manos.

El resto del reparto se muestra igualmente a la altura, en una cohesión que muy pocos han sabido, o querido, apreciar. Tanto Julian Glover (el astuto y fascinante Walter Donovan), como Alison Doody (Elsa, una estupenda femme fatale) como Michael Byrne (el cruel aleman de turno, llamado Vogel) o Kevork Malikyan (dando vida al equívoco Kazim) forman un grupo de actores en estado de gracia, dirigidos por Spielberg con mano maestra, elaborando con ellos traición, pasiones, maldades, sorpresas y frágiles alianzas.

Rasgos estilísticos

Si en la primera parte había propuesto una revisión de los viejos seriales de aventuras, logrando un delicado equilibrio, y en la segunda parte había tirado por la borda ese equilibrio en favor del frenesí y el caos, en esta tercera parte Spielberg se muestra más sólido que nunca, olvidando la mixtura genérica, y entregándose con vehemencia a la mitología del personaje, consciente de que ya no necesita mirarse en otros espejos más que en el que él, y Lucas, crearon.

De tal forma que, por supuesto, tenemos acción, pero tenemos el que quizá es el más afortunado tono humorístico de toda su carrera. Así, Indiana y su padre forman un dúo en la mejor tradición de la “screwball comedy” norteamericana. Es mérito de Spielberg alcanzar a mezclar ese tono con en el de un relato sobre la fe religiosa, sin la menor fisura en su desarrollo. Las aventuras con Jones padre pueden llegar a ser desternillantes, pero también de gran ingenio y dinamismo. Ejemplos hay muchos, y sólo el genio de Connery como intérprete asegura su eficacia: intentando quemar sus ligaduras, provoca un incendio; encontrando una salida secreta, provoca que su hijo caiga aparatosamente por las escaleras.

Por otra parte, decir que Spielberg narra portentosamente la acción, a estas alturas resulta un eufemismo. Hay varias persecuciones (en lancha, en moto, en avión) que pueden ser, fácilmente, de lo mejor del género. Pero mención especial merece la del dirigible, con el graciosisimo chiste de “más peligroso imposible” pronunciado por Connery, justo cuando una bomba les cae casi encima y destruye su automóvil. Hay una alegría y un amor de Spielberg por sus personajes en el momento de la playa que resulta difícil de describir. Desde el mismo principio, padre e hijo se han mostrado dolorosamente divergentes, comenzando por la brillante broma del jarrón, y con el clímax de la conversación en el dirigible. Pero la demostración de audacia con el avión que está a punto de rematarles, provoca un respeto y una admiración que podemos palpar en esta hermosa secuencia.

Spielberg volvió a contar con tres colaboradores cuya aportación resulta inestimable: el montador Michael Kahn, el músico John Williams y el operador Douglas Slocombe. El primero dotó a la película de un equilibrio rítmico difícilísimo de obtener. El segundo pudo colocar su granito de arena (granazo…) a la hora de mezclar tonos, y el tercero volvió a demostrar su gran profesionalidad con una fotografía que seguía en cierta medida los pasos de las antecesoras, pero mucho más rica y mucho más elegante. De hecho, la palabra elegante le cuadra a esta película como a pocas. Si Spielberg se merece el rango de maestro, sobre todo es por cómo compone sus secuencias, al estilo de sinfonías, con unos movimientos de cámara y una planificación visual al alcance de muy pocos, que aquí se puede describir como majestuosa.

Conclusiones

‘La última cruzada’ puede ser, fácilmente, la mejor película de Steven Spielberg desde ‘Tiburón’. Con ella culmina un estilo de hacer aventuras que parece que luego Spielberg no podría igualar con la serie de ‘Parque Jurásico’, ni en intención ni en ejecución. Posee, además de las mejores secuencias de acción de todas ellas, una solidez inusitada.

Pero no sería la última película de Spielberg en esa década. La cerraría con un extraño remake que adelantaría la irregularidad de los años noventa.

En Blogdecine:

• ‘Indiana Jones y la Última Cruzada’, la búsqueda de la identidad

Agosto no es el mejor mes para buscar novedades cinematográficas en DVD. Aunque sí para coger el carrito y aprovechar todas las ofertas y todas esas películas que hemos ido dejando pasar en compras anteriores, porque ya eran demasiadas y luego se acumulan en casa… ya sabéis. De las pocas películas que salen estas primeras semanas, casi todo clásicos, aquí os comento lo más destacado:

• ‘Pelham, uno, dos, tres’

Aprovechando el estreno de la nueva versión, Fox va a lanzar una edición especial de ‘Pelham, uno, dos, tres’, dirigida por Joseph Sargent en 1974, un estupendo thriller que deja en ridículo a lo nuevo de Tony Scott, titulada aquí como ‘Asalto al tren Pelham 123’.

La película se pone a la venta el próximo día 19, y por el momento apenas hay información sobre los extras que incorporará, sólo se sabe que trae dos discos, así que por lo menos ya podemos dar por hecho que no se limitará a las típicas fichas y tráileres de películas que no nos interesan, justo antes del menú (y a veces sin la posibilidad de pasarlos, como el estúpido anuncio del pirateo de ideas). Una compra obligada, aunque sólo sea por recordar el fantástico duelo entre Walter Matthau y Robert Shaw.

• ‘30 Segundos sobre Tokio’

Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de pilotos norteamericanos ataca por vez primera Japón, después de que los japoneses bombardearan Pearl Harbor. Es el punto de partida de una película escrita por Dalton Trumbo, dirigida por Mervyn LeRoy y protagonizada por Van Johnson, Robert Mitchum, Don DeFore, Tim Murdock y Robert Walker.

• ‘Destino Tokio’

No salimos de la segunda gran guerra ni de la capital japonesa. En esta ocasión la historia se centra en un submarino, el Copperfin, que recibe órdenes de zarpar con destino a Tokio para conseguir información de vital importancia (hombre, no va a ser para comprar tallarines) y preparar el ataque de Estados Unidos. El submarino cumple con su misión, pero cuando llega la flota norteamericana a la bahía de Tokio, el capitán Cassidy, al frente del Copperfin, queda atrapado al ser descubierto por un portaaviones japonés. Dirige Delmer Daves y Cary Grant encabeza el reparto.

• ‘Fuego en la nieve’

Y seguimos en el mismo periodo histórico. Diciembre de 1944: Los miembros de una compañía de la 101ª división aerotransportada se disponen a disfrutar de sus permisos navideños en la ciudad de París, sin embargo, sus expectativas se ven frustradas cuando la división es enviada urgentemente hacia Bastogne, con la misión de taponar una brecha abierta por una fuerte contraofensiva alemana. De nuevo encontramos a Van Johnson encabezando el reparto de una película que fue dirigida por William A. Wellman.

• ‘Invasión en Birmania’

Más cine bélico y de la misma etapa. En la II Guerra Mundial, el general Frank D. Merrill, al mando de la brigada de infantería 5307 compuesta por tres mil soldados voluntarios, tiene la misión de impedir el avance de las tropas japonesas en Birmania, que con un millón de soldados están a la espera de enlazar en Oriente con las tropas alemanas. La 5307 es la primera en infiltrarse tras las líneas japonesas en plena jungla, que se convertirá en otro enemigo más para los soldados. Tras las cámaras, Samuel Fuller, delante de ellas, Jeff Chandler, Ty Hardin y Andrew Duggan, entre otros.

• ‘La colina’

¿Más II Guerra Mundial? Pues sí, otra más, a estas alturas ya es complicado encontrar un capítulo de este conflicto bélico que no haya sido retratado por el cine. Cualquier día nos anuncian que Disney está preparando una película basada en hechos reales centrada en Tailandia en 1942, cuando se produjo una revuelta de decenas monos por culpa de una caja de plátanos de Canarias, lo que pudo provocar un verdadero lío diplomático. En fin… ‘La colina’ tiene el gran atractivo de estar dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Sean Connery. La trama se centra en un grupo de prisioneros ingleses que se encuentran encarcelados en un campo militar del norte de África, donde se ven obligados a sufrir las vejaciones a las que les somete un cruel y sádico sargento, hasta que deciden rebelarse.

• ‘Los cuatro jinetes del apocalipsis’

Debido a sus diferencias políticas, dos familias emparentadas, los Desnoyers y los Von Hartrott, se enfrentan. Tras la muerte del patriarca, Julio Madariaga, los Hartrott se marchan a Alemania, y los Desnoyers a Francia. Ambas familias terminan combatiendo en bandos opuestos. Famosa película dirigida por Vincente Minnelli y protagonizada por Glenn Ford, Charles Boyer y Lee J. Cobb. Como sabéis, es un remake del film homónimo protagonizado por Rodolfo Valentino en 1921.

• ‘Siete días de mayo’

Los Estados Unidos, bajo el mandato presidencial de Lyman, acaban de firmar con la Unión Soviética un tratado de reducción de armamentos. Esta medida pacifista no es acogida con absoluta unanimidad; el pueblo se rebela, y algunos sectores políticos y dirigentes son partidarios de anular el tratado y aumentar el armamento hasta conseguir imponer la voluntad americana a todo el orbe. A los mandos, John Frankenheimer, que contó con un reparto estelar encabezado por Burt Lancaster, Kirk Douglas, Ava Gardner y Fredric March.

Vía | ZonaDVD

De vez en cuando me trago en televisión, cambiando de canal, alguna que otra película de esas que gozan de un prestigio que jamás he comprendido, y que con el paso de los años, en lugar de hacerme cambiar de opinión, su visionado no hace sino reafirmarla. Es de esas películas sobre las que no me resisto a dejar mi sincera opinión en blogdecine, y que me aseguran algunas conversaciones fructíferas con los lectores, pero también innumerables reacciones virulentas. No sé si este será el caso, pero si para algo me siento delante del ordenador todos los días es para decir lo que pienso, con sensatez y deseo de promover el debate.

Con ‘Los intocables de Eliot Ness’, por tanto, me sucede como con ‘Alatriste’ o ‘Promesas del este’, no me cabe en la cabeza cómo diantre puede existir tanta gente (sobre todo la segunda, también es verdad) que las considere estupendas, incluso excepcionales. Las veo varias veces, preguntándome qué es lo que no soy capaz de apreciar, sintiéndome un verdadero idiota. Y nada, me sigue pareciendo que aunque son grandes oportunidades de lucimiento para su director, y aunque contienen varios y evidentes valores, todos ellos coexisten por separado, sin formar una verdadera unidad, y, lo más importante, sin elevarse de una superficialidad abrumadora.

Vaya por delante que De Palma es uno de esos directores a los que, si bien soy capaz de aceptar que su carrera ha resultado mucho menos apasionante de lo que podría haber llegado a ser, me parece uno de los realizadores más grandes de su generación. Así, tal cual. Y por realizador quiero decir dueño de una capacidad audiovisual muy, pero muy por encima de la media. De Palma es un maestro no sólo de la planificación entendida esta como composición de los planos y del continuo temporal de los mismos, sino a la hora de crear un mosaico visual y sonoro de gran fuerza y complejidad. En esto no tiene nada que envidiar a Scorsese, por ejemplo. Sin embargo, en casi todo lo demás, percibimos a un gran autor incapaz de ofrecer la mínima coherencia, de establecer un tono, de dirigir a los actores con solidez.

Para algunos ‘Los intocables’ es una de sus mejores películas. No es mi caso. Recuerdo haberla visto en la niñez y haberme enamorado de ella. En mi primera cinefilia recordaba la famosa escena de las escaleras (como todos sabemos, homenaje a cierta película rusa…), la muerte de Malone, la música de Morricone, como detalles sueltos de un gran filme. Pero uno va evolucionando (más le vale) en su criterio, y ya dejé de ponerla en el mismo listón de ‘Goodfellas’ (que ví poco después y que aún hoy me parece excepcional) o que la propia ‘Carlito’s Way’ (muy superior a esta, y quizá la gran obra maestra de su director). Ahora mismo no me parece mucho mejor que la muy menor, y trivial, ‘American Gangster’. Pero soy capaz de saber apreciar sus grandes valores de producción, su gran fotografía, la espectacular música de Morricone, la buena interpretación de Connery, alguna secuencia resulta con magisterio. Pero todo esto no hace una buena película.

Y es que este film negro lo tenía todo para triunfar. Al gran esfuerzo de producción se unía un reparto estelar, con dos secundarios de la categoría del propio Connery y De Niro, y con el guaperas Costner en plan gran chico americano. Y el guión es obra nada menos que de David Mamet, según algunos (yo no, tengo que decirlo) uno de de los mejores guionistas del mundo. Pero la verdad es que todo queda en algo muy menor. Ni el guión, ni la dirección, ni el resultado global final son dignos de una gran película. La legendaria historia de la ley seca que tuvo como protagonista al gángster más famoso de cuantos han existido parece aquí aguada, infantilizada casi. No sabe uno si está ante un homenaje al género o, más bien, ante una obra bufa, con un pésimo (sí, pésimo) Robert DeNiro, que ya por entonces iniciaba un sorprendente declive en su carrera.

Resulta cómico el gran De Niro en su caracterización, la verdad, más aún cuando quiere parecer violento o terrible. Sin duda la intención del actor y del director era añadir un carácter bufonesco que le hiciera aún más terrible. A mi parecer fracasaron. La famosa secuencia del bate de béisbol resulta ridícula, incapaz de provocar la menor tensión, y es tan exagerada, que en lugar de violenta termina siendo cómica. Pero es que De Niro no tiene prácticamente nada a qué agarrarse, más allá de su nueva transformación, ganando una vez más muchos kilos para una caracterización muy inferior en densidad y contundencia a la arrolladora de ‘Raging Bull’. Y ya se sabe, con un mal villano, una película sobre la lucha entre el bien (la ley) y el mal (los malvados vendedores de alcohol), no podía funcionar.

Con un Costner más soso imposible, nos quedaba el maravilloso Sean Connery, en uno de esos papeles que los amantes del buen cine y de este intérprete (creo que ambos grupos se complementan) siempre recuerdan con gran placer. Y está estupendo el hombre, aunque tampoco él, en su papel de policía honesto hasta las cachas, tiene mucho donde agarrarse, y ha de recurrir a todo su encanto, y a su irresistible presencia, para hacer olvidar al público sus diálogos mecánicos y la escasa enjundia de un personaje que si llega a ser interpretado por otro de ninguna manera habría provocado tanta admiración. Pero es lo que tienen algunos actores. En el fondo da igual la endeblez del guión que les entreguen, ellos lo dan todo.

Porque endeble es un guión que parece escrito por un principiante más preocupado por el impacto que por la coherencia, por los lugares comunes que por la construcción de un drama serio y potente. Es lamentable tener que escribir esto, sobre todo con gente de gran talento metida dentro de una superproducción de este calibre, pero lo que a lo mejor hace un par de décadas era estupendo, ahora se queda en banal, y es que el tiempo es inmisericorde, y acaba destapando las penurias de muchas realizaciones que podrían haber sido grandes películas, y sobre todo, intemporales. Y sin embargo esta propuesta es descaradamente comercial, sin el menor riesgo o interés estético, a medio camino entre una anquilosada repetición de viejos trucos del género, y una ironía muy mal asumida en el relato.

Ya digo, una oportunidad desaprovechada. Y ahora dicen que preparan una precuela. En fin. Tengo que dejar de perder el tiempo, y hablar sobre cosas importantes. Por ejemplo, la siguiente entrega de ‘El Padrino, parte II’.

Ahora que estamos en la semana de James Bond, previo al estreno en nuestras salas de la nueva entrega del agente 007, ‘Quantum of Solace’ (que frena el entusiasmo que despertó ‘Casino Royale’, pero eso da para otra entrada pensada con más calma), acercarse a realizar un visionado de la evolución de los carteles de las películas de Bond, es un ejercicio bastante interesante tanto en diseño, como montaje, dibujo y fotografía.

De Sean Connery, salvo en ‘Goldfinger’ y en segundo plano, no hay ni una imagen real del actor, algo que ni tan siquiera ocurre con Roger Moore. Se premia más el concepto artístico del poster (al menos los que os hemos traído en esta entrada). A partir de la entrada de Timothy Dalton en juego, la imagen real del actor empieza a hacer acto de presencia. Algo que se convierte en norma de la casa a partir de Pierce Brosnan. Lo curioso, y es que con Daniel Craig, el look del poster es entero para él, con la protagonista femenina en plano como acompañante. Un nuevo Bond, solitario, más profesional y menos dado al lujo de una época ya pasada. Un recorrido para pensar en cómo ha ido evolucionando el cine a través de las películas del agente con licencia para matar. Por cierto, ¿qué pasa con los malos en estas últimas entregas que no salen en el poster? Aunque no lo creáis, tiene una explicación, que no se puede contar hasta este fin de semana.

Sean Connery Era

Roger Moore Era

Timothy Dalton Era

Pierce Brosnan Era

Daniel Craig Era

Vía | First Showing
Más información | All posters
Más información | 007 Spain
Decoesfera | Te enseñamos los muebles de Quantum of Solace

Dentro de poco llega a nuestras pantallas ‘Quantum of Solace’, la nueva aventura del agente 007, al que da vida otra vez Daniel Craig. Si la cosa siguen en la línea de ‘Casino Royale’, lo cierto es que Craig no lo tendrá difícil para quitarle el trono a Sean Connery como el mejor actor que ha interpretado a Bond. Puede que sea exagerado lo que acabo de decir, no me cabe la menor duda. Pero los tiempos cambian, el cine sigue su paso evolutivo, y con él, la forma de ver las cosas. De lo que no podemos dudar es de que el personaje de James Bond necesitaba una renovación total, y no sólo de aspecto físico. Eran demasiados años intentado conservar el estilo primigenio y que puso en boga Sean Connery en una serie de películas, algunas de ellas inolvidables.

‘James Bond contra Goldfinger’ fue el tercer título de la serie, y al igual que las dos anteriores, un éxito descomunal. A juicio de quien esto suscribe, se trata del mejor film de la serie de los protagonizados por Connery, y también uno de los mejores de la saga, al lado de las dos anteriores, ‘Diamantes para la eternidad’, ‘007. Alta tensión’ y ‘Casino Royale’. También es el primero en el que las constantes de la saga quedaron perfectamente perfiladas, siendo a partir de ahí un esquema a seguir.

‘James Bond contra Goldfinger’ narra el enfrentamiento, nunca mejor dicho entre 007 y un magnate del oro, llamado Auric Goldfinger. Éste tiene un maquiavélico plan para atacar Fort Knox y hundir la economía mundial. Una premisa sencilla que, como siempre, da para llevar a los personajes por distintas partes del mundo. Fue en este film donde se introdujo por vez primera el empezar con el cumplimiento de una misión que nada tenía que ver con el resto de la película. Una forma de presentar al personaje en una situación límite, de la que salía ileso no sin apuros. En dicha secuencia, en la que Bond tiene que enfrentarse a un matón de poca monta, el personaje central muestra todas sus cartas. En apenas unos minutos, el agente 007 provoca una gran explosión (en una secuencia que años más tarde homenajearía James Cameron en su divertida ‘Mentiras arriesgadas’), seduce a una mujer y pelea a puños con el villano de turno. Una especie de minipelícula que da paso a otra más extensa en la que lo presentado ahí se multiplica, dando énfasis al lado espectacular del asunto.

Como anécdota, en dicha secuencia, el actor contratado para dar vida al maleante que intenta noquear a Bond, no pudo interpretar la escena hasta el último minuto. El motivo es que dicho actor era un ladrón en la vida real y lo detuvieron en uno de sus “trabajitos”. Una de las tantas curiosidades que tuvo un rodaje menos accidentado de lo que suelen ser este tipo de rodajes, y con el que se cambió de director. Las dos primeras entregas, que por cierto fueron mucho más baratas que ésta (debido al gran rendimiento de las películas, los productores decidieron invertir más dinero en las futuras entregas, empezando por Goldfinger), fueron dirigidas por el artesano Terence Young, que volvería a la saga en ‘Operación trueno’, y tiene en su haber un pequeño clásico del cine de suspense (‘Sola en la oscuridad’). En ‘James Bond contra Goldfinger’ se echó mano de Guy Hamilton, director de origen francés que dirigió más títulos de la saga, y a punto estuvo de levantar otra franquicia: una de las múltiples respuestas americanas a Bond, ‘Remo, desarmado y peligroso’, film detestable donde los haya, y que afortunadamente fue un fracaso.

Hamilton, que conocía personalmente a Connery de coincidir en los mismos pubs que él, logró un ambiente relajante en el rodaje, algo que se nota en pantalla. La fluidez con la que avanza la acción es síntoma de un saber hacer las cosas. Con un argumento que no es para tirar cohetes, y que tiende un poco hacia la simpleza, Hamilton logra suplir ciertos defectos con una excelente puesta en escena, y un uso del montaje soberbio. Atención al descubrimiento de Bond del cadáver de una chica desnuda sobre la cama. El montaje en dicha secuencia hace un efecto en el espectador muy logrado, primero el de sorprenderle con algo que no se espera, y luego una incógnita sobre las motivaciones del villano y los métodos a utilizar. Sin estar éste presente, se logra que le temamos, y con esto nos preocupamos por la vida de Bond.

Un Bond que empezaba aquí a desplegar toda una serie de artilugios que entrarían a ser marca de la casa. Sean Connery empezaba a tener que competir con toda una serie de “gadgets”, algunos de los cuales harían historia. Mecanismos de seguimiento, un coche (Aston Martin) con una serie de complementos envidiables. Al menos en esta película, todos los artilugios están al servicio de la historia, no como en alguna de las posteriores entregas, que parecen un catálogo de utensilios futuristas para espías. Por fortuna, el enorme carisma del actor escocés no permitía que estos juguetitos, por así llamarlos, le eclipsasen.

A Sean Connery nada le hace sombra en ‘James Bond contra Goldfinger’, ni siquiera las espectaculares mujeres que desfilan por el film. Dejando a un lado a Honor Blackman, que tiene el personaje femenino más extenso en su poder, hay que nombrar a Shirley Eaton. Esta actriz, de una belleza deslumbrante, tiene una breve aparición en la película, en un momento en el que Bond descubre cómo se las gasta su nuevo enemigo (un muy acertado Gert Fröbe). Pero cualquiera de estas mujeres no son más que instrumentos de placer para Bond, o en otros casos, para otras intenciones. ‘James Bond contra Goldfinger’ es un film muy machista, tal vez el más machista de todos los films de Bond. En la película el mundo es de los hombres, y las mujeres no deberían jugar a cosas que les quedan grandes. Sólo el placer (el masculino) es la misión de las féminas, y los hombres se encargan de las cosas serias. Es éste uno de los elementos más característicos de James Bond, algo que con el paso del tiempo fue perdiendo, por eso de ser políticamente correcto.

Aún así, en el film se permiten una broma atrevida al respecto. Me refiero, cómo no, a la famosa escena en la que Bond está a punto de morir por un rayo láser. Dicho láser se dirige lentamente hacia sus partes más íntimas. Una castración en toda regla, infringida por otro hombre, alguien que consigue mujeres por su enorme poder financiero, todo lo contrario que Bond. El repugnante machismo de Bond está a punto de recibir su merecido. Evidentemente, hablamos de un film de 007, de una de espías, llena de acción, donde tienen que ganar los buenos y perder los malos. Todo ello a través de peligros muy imaginativos, y que poco a poco irían perdiendo originalidad en entregas venideras.

Ya veremos lo que nos depara Craig en la segunda entrega del renacer de uno de los personajes más emblemáticos del Cine. Mientras tanto, podemos tirar de dvd, y disfrutar de una de las películas más entretenidas que se han hecho dentro del género. Drama criminal, thriller, Sci-Fi, y hasta comedia negra, hay en ‘James Bond contra Goldfinger’, excelente muestra de este mal llamado subgénero de espías. Con licencia para disfrutar.

“Encuentre a ese hombre y encontrará el Grial”. Ésa esa la frase, inteligentemente metida en el guión, que resume la esencia de ‘Indiana Jones y la Última Cruzada’, la tercera aventura de nuestro arqueólogo favorito. Llegó en 1989, cinco años después del Templo Maldito, y tal vez en un momento en el que la gente se había olvidado un poco de Indiana Jones, que por aquel entonces formaba ya parte de nuestros recuerdos cinéfilos. Pero como la idea era hacer tres películas con el personaje, se lanzaron con la que probablemente sea la más íntima de todas. Si en la primera teníamos la presentación del héroe, en la segunda descendía a los infiernos, la tercera cerraba el círculo con una búsqueda de los orígenes. No se trata de encontrar el Grial, si no de encontrarse a sí mismo, de reconocer su procedencia, todo ello representado en la relación con su padre, indudablemente uno de los mejores personajes de la saga, pero que al mismo tiempo representaba un inconveniente.

¿Y quién mejor que Sean Connery para aparecer en una saga que en cierto modo es un homenaje a las aventuras de James Bond? Pues el mejor Bond de todos, demostrando la clase de actor que es, y el enorme carisma que tiene. Connery es, o más bien era, ya que dice estar retirado del cine, uno de esos actores cuya sola presencia llegaba para justificar el visionado de una película. Henry Jones representa el origen de Indiana, en la película que se suponía cerraba un ciclo. Spielberg volvía a demostrar que en cine de aventuras es el número uno, aunque esta tercera entrega beba en demasía de sus predecesoras, sobre todo de ‘En Busca del Arca Perdida’.

Esta vez, y tras un prólogo extraordinario donde se nos presenta a un joven Indy ya metido en apuros y en el que vemos cómo nacen sus aficiones y fobias, respectivamente, al látigo y a las serpientes, nuestro héroe es contratado para ir en busca del Santo Grial, la pieza de arqueología que durante años obsesionó a su padre. Cuando Indy se entera de que su padre ha desaparecido en plena búsqueda, decide aceptar el encargo para ayudarle, y de paso encontrar la copa que concede la eterna juventud. Así pues, tras el paréntesis que supuso ‘Indiana Jones y el Templo Maldito’ (nunca me cansaré de defender esa película como la obra maestra que es) volvemos a tener un objeto de claras resonancias religiosas. El cáliz de la sangre de Cristo es la nueva meta, la sangre de la vida. Al igual que con el Arca de la Alianza el público estaba más predispuesto que con las piedras de la segunda entrega, de abierto carácter ficticio. Sin embargo, piezas que pudieron existir realmente llaman más la atención, y si además se les salpica con un poco de misticismo, pues mejor que mejor.

Con todo la historia de la aventura adolece de interés en comparación con la historia de la relación entre padre e hijo. El personaje del padre de Indy es tan fascinante, está tan bien interpretado, que Connery se come todo lo que se le ponga por delante, ya sean más actores, o las espectaculares secuencias de acción. Eclipsa en parte, no mucho, los demás elementos del film. Es, paradójicamente, lo mejor y lo peor de la película. Lo mejor porque su interpretación y el feeling que tiene con Ford, y lo bien escrito que está el personaje, llegan para llenar todo el film; y lo peor porque precisamente por eso, el resto no está tan cuidado. Para empezar el guión no está a la altura de las anteriores, la aventura por así decirlo, es casi un calco del primer título, el esquema es el mismo, incluida una persecución por el desierto en la que hay carros de combate, caballos, y donde todo se lía de forma magistral hasta rizar el rizo. Pero esta vez se le ha ido un poco la mano, y algunas secuencias son un pelín largas. Después tenemos a los personaje secundarios. A excepción de Sean Connery, el resto no están tan bien perfilados. Baste citar el personaje femenino, sin la mitad de fuerza que los dos anteriores, o la errónea decisión de convertir a Marcus Brody en un payaso.

‘Indiana Jones y la Última Cruzada’ es la más humorística de toda la saga (incluida la cuarta entrega). Recordemos que 1989 fue un año muy chistoso, por así decirlo, para Spielberg, pues después de ésta, filmaría el drama clásico ‘Always’, en el que también había grandes dosis de comedia. Todos los gags entre Ford y Connery son geniales, pero cuando la cosa se extiende más allá, ya no tiene tanta gracia, e incluso rozan el ridículo (cítese la entrada en el castillo de Ford disfrazado). Este humor, a ratos de trazo grueso, a ratos muy ingenioso, es lo que hace que el film sea más ameno de lo que parece. Eso, y por supuesto, la maravillosa labor de Spielberg tras las cámaras, aunque esta vez se le note un poco vago a la hora de sacar provecho de los escenarios, como por ejemplo, el castillo (del cual se desechó la idea de llenarlo de fantasmas) o donde acontece el clímax, aunque para contrarrestarlo, éste está muy logrado, y siguiendo la moda de la saga, es incluso atípico, me refiero por supuesto al momento en el que una copa cura cierta heridas, escena que quiere decir mucho más de lo que parece.

Pero a pesar de lo mencionado, que parece que la estoy poniendo a caldo, ‘Indiana Jones y la Última Cruzada’ es una muy coherente cinta de aventuras en la mejor tradición del género, eso si no contamos que las películas de Indiana Jones pueden considerarse un género en sí mismas (¿o no?). Un espectáculo lleno de emoción, y a pesar de alargar y acelerar alguna que otra situación, es absolutamente imposible aburrirse viendo esta película. Ya sea por la inmortal partitura de John Williams (quien se declara fan acérrimo de esta entrega), o por las fantásticas interpretaciones de su pareja protagonista, que hacen un alarde de compenetración pocas veces visto en una pantalla, o por su sentido del espectáculo único, del que sólo hace gala alguien como Steven Spielberg (y que han intentado copiar durante décadas), el film ya merece unos cuantos visionados, pues es de esas películas que pueden verse una y otra vez sin que nuestra atención decaiga.

‘Indiana Jones y la Última Cruzada’ termina con un bellísimo plano. Hacia el ocaso cabalgan los últimos héroes, en lo que es una escena de western pura y dura (ya en el prólogo existen referencias a ‘Tierra de Audaces’, y los caballos salen más que nunca). Perfecta para terminar un ciclo que se cerraba con esta búsqueda de la propia identidad del héroe, y terminábamos de conocer a un personaje lleno de matices, mucho más que un simple profesor aventurero. 19 años después descubrimos que ese bello final no es realmente el final, pero de eso ya os hablaré otro día.

En Blogdecine | Steven Spielberg, Harrison Ford, Sean Connery

Siguiendo con la serie de horribles y espantosos títulos que he soportado en una sala de cine, ahora le toca el turno a ‘La Liga de los Hombres Extraordinarios’ (‘The League of Extraordinary Gentlemen’), también protagonizada por Sean Connery (como la comentada ‘Los Vengadores’). Otra película olvidable de la filmografía del veterano actor escocés. Y es que se hace complicado entender cómo Connery se enroló en esta superproducción en la que, previsiblemente, no brillaría su faceta interpretativa y más su presencia y su nombre.

La respuesta a esta cuestión es la misma que la que obtuve cuando tuve conocimiento de la producción: puede ser interesante. Parte de un material atractivo con personajes capaces de entusiasmar a cualquiera. Y es que el cómic de Alan Moore y Kevin O’Neal suponía un enorme reto para su adaptación. Por ello no se escatimaron en medios para llevarla a la gran pantalla (partió con un presupuesto de 79 millones de dólares).

Siguiendo la estela (aún vigente) de rebuscar en el mundo del cómic nuevos héroes e historias para el cine, era previsible que esta historia de trasfondo tan literario y con unos personajes como Allan Quatermain, el Capitán Nemo, Mina Harker o Darian Gray podrían dar mucho juego. Pero el problema viene cuando tan sólo quieres quedarte con esta parte, cuando prescindes de la verdadera esencia de la obra gráfica (e incluso de cualquier similitud argumental) y lo transformas en un (sub)producto adaptado a las necesidades de convertirse en un éxito taquillero del verano (en 2003).

Y es que cualquier parecido con el original es mera coincidencia, y en este caso es tan sólo el título. Porque el esperpéntico resultado debió provocar a Alan Moore el arrepentimiento de haber cedido los derechos de su obra. Ni siquiera la fuerte inversión llevada a cabo, con profusión de magnánimos decorados y efectos especiales a cada fotograma, está destinado a dotar de sentido y coherencia al refrito de la historia original. Como absolutamente disparatado resulta incluir al personaje de Tom Sawyer, por la mera cuestión de aproximarse más al público americano. Es cierto que el concepto era olvidarse de su referencia literaria más próxima, pero su condición de mero espectáculo es llevado al peor de los extremos posibles.

Con semejantes personajes es difícil entender como el director (Stephen Norrington) y el guionista (James Dale Robinson) no sólo no supieron sacarle partido o resaltar sus cualidades más obvias, sino que crean a unos supuestos héroes que son verdaderas marionetas desvirtuadas. Quatermain parece una mezcla del doctor Jones y Bud Spencer, Hyde ha sido mutado con Hulk, el capitán Nemo se parece por momentos a Jet Li, y Dorian Gray parece un anacrónico metrosexual. Por no hablar de los escenarios. Ambientar la acción en emblemáticos lugares de medio mundo, desde la Inglaterra victoriana (aunque más bien gótica) hasta Venecia, París o Kenia es un disparate nauseabundo que te abofetea como espectador.

De la trama, ¿qué se puede decir? Una narración alocada, inconexa, con escenas gratuitas, artificiosas, sin humor y con acuciante falta de tensión. Un aburrimiento supino desde los primeros minutos. Apenas me terminé de sentar en la butaca cuando empezó a picarme el cuerpo. No era alergia, era el síntoma que se está asistiendo a un bodrio de primera categoría. Y, a pesar de ello, uno se esfuerza por dejar pasar los minutos en espera de aquello remonte, pero acabé bloqueado por el pánico, al comprobar que no se trataba de una película real sino de un espectáculo de parque de atracciones.

Sin duda una de las peores películas de la década que vivimos. Mala en todas sus posibilidades: actuaciones deprimentes, historia absurda, efectos especiales de risa y… encima un metraje que llega a las dos horas. Ojalá quemen todas las copias y destruyan los DVD’s de semejante basura.

Justo después de encabezar con él una entrada sobre actores que han rechazado papeles, me encuentro con esta noticia que dice que Sean Connery aceptará un personaje en James Bond, a pesar de estar retirado en las Bahamas, siempre que el sueldo sea suficiente: “No me importaría regresar como villano de Bond. Pero no creo que tengan dinero suficiente para pagarme”. No sé si conoceréis la fama que tienen los escoceses… más o menos la que tienen en España los catalanes.

Al parecer, el actor, de 77 años, se reunió en secreto con los productores de la saga para negociar las condiciones de su posible reaparición. Según el Daily Mail, Connery podría cobrar unos 20 millones de dólares, una cifra bastante mayor de la que cobró la última vez que encarnó a Bond en 1983 con ‘Nunca digas nunca jamás’: 6 millones de dólares.

Connery, que, como ya comentamos, rechazó la oferta de Steven Spielberg y George Lucas para volver a ser el padre de Indiana Jones, ahora busca una excusa. Asegura que no vuelve al trabajo solo por dinero, sino también por el nuevo cariz que ha tomado la saga del personaje creado por Ian Fleming tras el controvertido fichaje de Daniel Craig como protagonista: “La elección de Daniel fue fabulosa. Han elegido a un Bond más realista y creo que no lo podrían haber hecho mejor con los efectos especiales”, afirma el escocés.

Y, por cierto, ya que hablamos de cifras, Daniel Craig, cobrará 60 millones de dólares por protagonizar las próximas cuatro películas de la franquicia.

Sobre James Bond y Sean Connery en Blogdecine.

Fuente | El País.

Quería iniciar una serie de entradas dedicadas a esas películas que me lo han hecho pasar mal en una sala de cine. En el sentido de dejarte perplejo y enojado con la película proyectada. De esas que esperas mucho y no sólo defraudan sino que te dejan desolado, de las que no olvidas en mucho tiempo. Se trata de proyecciones que te revuelven en la butaca y te hacen mirar el reloj constantemente, amén de no recomendarla a diestro y siniestro.

En esto también influye, y mucho, las condiciones externas en las que te encuentras en la sala (aire acondicionado al máximo, volumen ensordecedor, espectadores próximos molestando y hasta el propio estado de ánimo). Pero dejando de lado estos aspectos, me quiero centrar más en las películas en sí. Habría muchas que referenciar, sobre todo, porque me reconozco muy impaciente y he salido antes del fin de la proyección en muchas ocasiones, pero prefiero destacar aquellas de las que tengo un recuerdo grabado por el pesimo rato que me hicieron pasar.

Y quería comenzar con ‘Los Vengadores’, una cinta estrenada en 1998 y que estaba dirigida por Jeremiah Chechik y protagonizada por un trío de altura: Ralph Fiennes, Uma Thurman y Sean Connery.

A priori era una producción muy interesante porque recuperaba, en cierto modo, la exitosa serie sesentera con el mismo nombre. Tuve la oportunidad de ver algún episodio aislado de esta serie británica de culto y me sorprendió gratamente. Muy original y con una escenografía sofisticada y muy “british” realmente llamativa. Todo un clásico. Una pareja de agentes (John Steed y Emma Peel) que unían sus esfuerzos en busca de venganza. Una premisa simple pero que funcionó muy bien, por su cuidada dirección artística y con unos guiones sólidos, además de intérpretes que se ganaron rápidamente el favor del público.

Con esta premisa, Hollywood afrontaba una adaptación moderna, arriesgada y con un presupuesto considerable, además de fichar a estrellas de renombre para secundar el reclamo. Sean Connery como el villano de turno hacía sentir buenos presagios. Además, Fiennes, actor que estaba subiendo enteros como estrella y en la terna femenina a Uma Thurman embutida en ceñidos trajes de superheroína. Pero el fiasco fue grande. Y bien merecido.

El intento de afrontar la adaptación de la serie original de Brian Clemens desde un punto de vista futurista fue una enorme metedura de pata. Los elementos de ciencia ficción sutiles, que rozaban lo surrealista y psicodélico, de la serie original, pasan a convertirse en una declaración futurista al servicio de los efectos especiales. A tenor por el resultado, el intento de recrear la ambientación es fallido, a pesar del enorme empeño y buen trabajo de fotografía, decorados y vestuario. Unos efectos visuales penosos que acompañan a un montaje horrible, que hacen perder al espectador el hilo de la narración desde el mismo comienzo.

La película me hizo sentir desubicado en todo momento. No había manera de comprender lo que ocurría por mucho empeño que le ponía. Tras pasada una media hora y asombrado por el pésimo espectáculo (no recordaba ver a Connery tan patético como en este papel de Sir August de Wynter) llegué a plantearme si la proyección estaba siendo cronológica o se había producido algún salto. De hecho existen graves errores de continuidad narrativa. Intentando encontrar la clave del fiasco, con posterioridad averigué que los 150 minutos de la película se redujeron a los 89 fiinales en la sala de montaje. Lugar donde la demencia y la psicodelia tuvo que hacer estragos entre los montadores.

Uno de los puntos favorables de la serie televisiva fue la tangible química que desprendían sus protagonistas, una atracción que se intuía pero que nunca llegaba a plasmarse con evidencia. Algo de lo que Uma Thurman y Ralph Fiennes carecieron en el rodaje. Nada inspirados, se pasaron por el forro aquello de más vale insinuar, además de que deambulaban como zombies sin convicción en las espantosas escenas de acción que compartían.

Pero el máximo responsable tenía el nombre de Jeremiah S. Chechik, el director que perpetró anteriormente la pésima adaptación ‘Las Diabólicas’ y lo recordaré para siempre, como el autor de una de las peores películas que jamás he visto en una sala de cine. Si queréis fastidiar a alguien, regalarle esta película en DVD. Os odiarán para siempre.

Ficha técnica | IMDb
Trailer | YouTube

Si hablamos de casos en los que intérpretes rechazaron papeles que no deberían haber desdeñado, probablemente, Sean Connery se lleva la palma, no sólo por haber dicho que no a películas de éxito en más de una ocasión, sino también por lo gigantescos que han resultado los personajes que rechazó.

Al parecer, decidió no interpretar a Hannibal Lecter en ‘El Silencio de los Corderos’, lo cual no sólo le hizo un favor a Anthony Hopkins, sino también al film y a su público, a mi entender. Tampoco quiso ser Morpheo en ‘Matrix’ y eso también me parece que redundó en beneficio de la película. Recientemente ha preferido seguir retirado que volver a hacer de padre de Indiana Jones, aunque este papel en concreto no lo había desempeñado nada mal.

Lo que quizá se considere más incomprensible es que rechazase interpretar a Gandalf en ‘El señor de los anillos’. Por mi parte, me alegro, ya que no me parece que la actuación de Ian McKellen se pueda igualar, mucho menos aún superar y mucho menos por parte de Connery. Pero lo gracioso es el motivo por el que declinó esta oferta. Sean Connery declaró que “No entendía el guión: Bobbits? Hobbits?...”. El actor escocés no había leído ninguna obra de Tolkien.

Y no fue el único en rechazar un papel en la película de Peter Jackson, pues Daniel Day-Lewis y Stuart Townsend prefirieron no hacer de Aragorn. Otra vez me alegro de su absurda decisión, pues salimos ganando con creces con la incorporación de Viggo Mortensen. Uma Thurman y Kate Winslet rechazaron ser Eowyn, a quien finalmente dio vida Miranda Otto.

En España también tenemos casos flagrantes como el de Penélope Cruz que rehusó participar en ‘Tesis’, de Alejandro Amenábar, porque ya estaba comprometida para ‘Brujas’. Aquí no se puede decir que saliésemos ganando con la sustitución de Ana Torrent –muy buena actriz, pero poco adecuada para el papel—, ante quien las frases que pronunciaba Fele Martínez, “…a que estás muy buena”. “Olvídalo, no es mérito tuyo” quedaban algo extrañas. Y menos aún que saliese ganando Cruz al optar por el film de Álvaro Fernández Armero que probablemente pocos recordaréis salvo por esta anécdota.

De entre los rechazos míticos de la historia del cine se puede extraer el de Bela Lugosi por el personaje de Frankenstein. Argumentó que no se veía en el papel y que no deseaba que su rostro apareciese oculto tras una gruesa capa de maquillaje que impediría al público reconocerle, además de que ni siquiera tenía dialogo.

Sylvester Stallone declinó ‘Seven’ y ‘Único testigo’. También Lucas declara que lo consideró para el papel de Han Solo, pero al igual que consideró a otros mil. En casos así ya no me pregunto por qué los actores rechazaron los papeles, sino más bien a quién se le ocurrió en un primero momento contratarlos para estos personajes.

Otra de estas anécdotas que me escama, nunca mejor dicho, es la de que Richard Dreyfuss rechazó el papel protagonista de ‘La mosca’. Encuentro que Jeff Goldblum no sólo es perfectamente chungo para el papel, sino que además, parece que congeniaba con David Cronenberg de maravilla, tanto que Geena Davis tenía miedo durante el rodaje por lo psicópatas que eran los dos.

Quizá de la decisión de la que más me alegro es de la de Frank Sinatra, quien rechazó hacer el papel de Tony Curtis en esa obra maestra llamada ‘Con faldas y a lo loco’.

Michelle Pfeiffer decidió no aceptar el papel de Clarice en ‘El silencio de los corderos’, mientras que Jeremy Irons rechazó el personaje de Hannibal Lecter.

John Wayne y Frank Sinatra rechazaron el papel de Harry Callahan (Harry el Sucio), que finalmente encarnó, como ya sabéis, Clint Eastwood.

Cary Grant prefirió no interpretar a James Bond y eso que Ian Fleming dijo que tenía parcialmente en mente a este actor cuando creó a 007.

Mel Gibson podría haber sido el protagonista de ‘Gladiator’, pero no le apeteció y en su lugar Russell Crowe interpretó a Máximo Meridio.

Algo que demuestra lo poco que entienden algunas personas las películas es el hecho de que Tom Cruise se negase a interpretar a Eduardo Manostijeras si éste no se convertía al final en un personaje normal con manos. También rechazó ‘Pequeña Miss Sunshine’, al igual que Bill Murray.

Brad Pitt era el elegido para hacer de Tommy Williams en ‘Cadena perpetua’, pero decidió no hacerlo.

Marlon Brando declinó encarnar a Lawrence de Arabia y a uno de los protagonistas de ‘Dos hombres y un destino’.

En la película ‘El Graduado’ Robert Redford fue una opción anterior a la de Dustin Hoffman. Qué diferente habría quedado la película. Por su parte, Hoffman dejó pasar el personaje de Humbert Humbert en ‘Lolita’ y muchas actrices se negaron a interpretar el papel protagonista, como Natalie Portman, Cristina Ricci o Jennifer Love Hewitt.

Eric Stoltz llegó a estar contratado para interpretar a Marty McFly en ‘Regreso al futuro’, pero luego fue reemplazado por Michael J. Fox.

Tom Selleck se resistió a calzarse el sombrero de Indiana Jones, pero lo mejor es el motivo: interfería con su interpretación en la serie ‘Magnum detective privado’.

Paula Strasberg, profesora de interpretación de Marilyn Monroe, le aconsejó que dijese que no al papel de Holly Golightly en ‘Desayuno con diamantes’, así que lo rechazó a pesar de que Truman Capote, el autor de la novela, quería que fuese ella. Pero la presencia de Audrey Hepburn no fue la única discrepancia entre Capote y el resultado del film.

Gary Cooper decidió no interpretar a Rhett Butler en ‘Lo que el viento se llevó’.

Sandra Bullock y Ashley Judd se negaron a hacer el papel que finalmente aceptaría Hilary Swank en ‘Millon Dollar Baby’. Y qué buen resultado dio el cambio.

Meg Ryan y Demi Moore rechazaron ‘Pretty Woman’, al igual que Gwyneth Paltrow no quiso el papel de Rose en la película ‘Titanic’. No sé si es que los resultados siempre fueron a mejor o si es que nos hemos acostumbrado de tal manera a ver a esos personajes con esas caras que nos cuesta imaginárnoslos interpretados por otras personas.

En ‘Love actually’, Jude Law iba interpretar el papel de Hugh Grant mientras que Hugh Grant interpretaría el de Colin Firth. Orlando Bloom iba a ser el amor de Keira Knightley. Mick Jagger iba a hacer el papel del músico decadente que finalmente tomó con gran acierto Bill Nighy. Y se dice que el cantante de los Rolling también podría haber participado en ‘The Rocky Horror Picture Show’, como Dr. Frank N Furter.

Mike Myers dijo que no al papel de Willie Wonka en ‘Charlie y la fábrica de chocolate’.

Casi con tantas oportunidades como Connery encontramos a John Travolta, que dijo que no a ‘Chicago’, ‘Oficial y caballero’ y ‘American Gigoló’, lo que indica que alguien le ve un parecido con Richard Gere. También rechazó: ‘La milla verde’, ‘Apollo 13’, ‘Forrest Gump’, ‘Splash’… y ahora el parecido se supone que lo tiene con Tom Hanks. Rechazó el papel de Michael Madsen en ‘Reservoir Dogs’. Lo curioso es que Madsen, a su vez, declinó hacer de Vincent Vega en ‘Pulp Fiction’, papel que estaba escrito para él, pues era el mismo que el de ‘Reservoir Dogs’, pero cuando lo rechazó se cambió su nombre de pila de Vic a Vincent. Y ¿quién retomó entonces al personaje? John Travolta.

Cada uno de estos actores, además de a los personajes referidos, rechazó encarnar a muchos otros. También hay numerosos intérpretes más que no aparecen en esta lista y que declinaron papeles. Hasta qué punto se trata de rumores o de realidad, no lo puedo decir. Al menos, os aseguro que son anécdotas que circulan por la red o el mundillo del cine.

En Blogdecine sobre Sean Connery, Sylvester Stallone, John Travolta, Penélope Cruz.

Fuente (entre muchas otras) | Not Starring.