Ya ha aparecido la primera imagen oficial de ‘Gangster Squad’, en la que podemos ver al policía que encarna Josh Brolin apuntando al gánster que interpreta Sean Penn. Dan ganas de ver más, ¿verdad? Ya os comenté que ‘Ganster Squad’ es un drama criminal basado en una serie de artículos periodísticos escritos por Paul Lieberman que narran la labor de un equipo especial de agentes de la ley en Los Angeles, que tenían como objetivo atrapar a “Mickey” Cohen, un poderoso capo mafioso de los años 40.

Por si no fuera suficiente con esos dos intérpretes, hay que destacar que en el reparto también figuran Ryan Gosling, Emma Stone, Anthony Mackie, Michael Peña, Giovanni Ribisi y Nick Nolte, entre otros. La mala noticia es que todavía queda bastante para el estreno, la película no estará en los cines hasta el 19 de octubre. Aprovechando la publicación de la foto (donde el mafioso se está entregando consciente de que el policía no puede mantenerlo entre rejas), el director Ruben Fleischer (‘Zombieland’, ’30 minutos o menos’) ha concedido una entrevista a Entertainment Weekly en la que desvela detalles sobre los personajes y la producción.

Según ha revelado, John O´Mara (Brolin), el personaje principal, vuelve a casa después de luchar contra los nazis con una idea de Estados Unidos que choca con la realidad, con su ciudad dominada por un gánster; en su ausencia, Mickey Cohen ha tomado el control de las calles de Los Angeles, así que O´Mara lidera un escuadrón para acabar con la organización criminal, cueste lo que cueste. En cuanto al personaje de Gosling, otro policía, también ha vuelto de la guerra pero lo ha hecho decepcionado, y dedica las noches a ir de club en club, relacionándose con gente que podrían ser criminales. Su particular conflicto tendrá lugar cuando conozca a la femme fatale que interpreta Stone, a quien también desea Cohen.

PD: El guionista de la película es Will Beall, cuyo único trabajo previo son capítulos para la serie ‘Castle’.

Vía | EW

Sean Penn tiene a punto su nuevo trabajo como director. Se titula ‘The Comedian’ y FilmNation Entertainment se ha hecho con los derechos para su distribución internacional. La compañía ha emitido un comunicado en el que (orgullosamente) anuncia que “el ganador de un Oscar” Robert De Niro acompañará a Kristen Wiig (‘Paul’, ‘La boda de mi mejor amiga’) al frente del reparto de la película, que estará producida por el propio De Niro, Jon Kilik, Art y John Linson. El rodaje comenzará en la próxima primavera.

Art Linson y Jeffrey Ross firman el guion de ‘The Comedian’, sobre un cómico cuyo momento de gloria ya ha pasado. Jackie Burke (De Niro, al que no le supondrá mucho esfuerzo meterse en el personaje) fue una vez una querida estrella de la televisión, pero ahora debe aceptar todo tipo de trabajos con la esperanza de recuperar algún día su brillante carrera. Tras ser condenado a realizar trabajo comunitario por golpear a una persona con un micrófono durante su última actuación, Jackie conoce a Harmony (Wiig), una deslumbrante e insolente pelirroja que dará un giro a su vida. Al principio se caerán mal. Luego bien. Risas, sexo. Viejos hábitos y recuerdos florecen, se llevan mal de nuevo. Y justo al final bien otra vez, con discurso incluido sobre las segundas oportunidades y lo bonito que es compartir la vida con alguien con quien poder desahogarte. Créditos finales con algún tema musical pop muy “cool”... Hey, ¿no hemos visto esto antes? Bromas aparte, seguro que la película está bien. O no, pero habrá que verla, Wiig está a punto de comerse el mundo.

PD: Penn está actualmente implicado en la filmación de ‘Gangster Squad’, donde comparte protagonismo con Ryan Gosling, Emma Stone, Nick Nolte y Josh Brolin.

Vía | ComingSoon

Ganó la Palma de Oro en Cannes y es una de las películas más aplaudidas del año, pero a Sean Penn no le ha convencido ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’, 2011), y no le ve sentido a su personaje (ya os comenté que es uno de los puntos débiles del film):

La emoción que sentí al leer el guión, el mejor que he leído en mi vida, estaba ausente de la pantalla. Una narración más transparente y convencional hubiese beneficiado a la película sin restarle belleza ni impacto. Para ser sinceros, aún me pregunto qué estoy haciendo yo allí, y qué puedo aportar en ese contexto.

Con motivo de la presentación de su nueva película (‘4:44: The Last Day on Earth’) en el festival de Locarno, Abel Ferrara ha hablado alto y claro sobre todo lo que le han preguntado. Y además de recomendar que cualquiera que esté interesado en sus películas las busque en Internet, soltó esto:

Mi raza de cineastas no existe realmente. ¿Quién hay? Scorsese es un cineasta de Hollywood. Lo mismo que Oliver Stone. Y Spike Lee. Y los hermanos Coen. David Lynch ya no quiere hacer más películas. He hablado con él sobre esto, ¿vale?, puedo asegurarlo. Yo soy un lunático, y él está con la meditación trascendental. Estos tíos ya no están a la altura. George Lucas… mira ‘THX 1138’ y cualquier otra… No están ahí. Estados Unidos va de agotar el producto. Eso es lo que hace.

Durante la promoción de ‘Super 8’, Steven Spielberg (que ejerce de productor) confesó que al igual que uno de los protagonistas, también grabó cómo chocaban dos trenes de juguete:

La primera película que hice trataba sobre una colisión de trenes. Y esa fue la primera vez que se me ocurrió la idea de que si un tren se mueve de izquierda a derecha y el otro de derecha a izquierda, y en el tercer acto colisionan, ya he creado una pequeña historia. Fue la primera vez que lo entendí. Era como el simio de ‘2001’, cuando se da cuenta que puede usar un hueso para romper otro.

El cineasta y periodista Arnaldo Jabor volvió al cine tras 17 años con ‘A suprema felicidade’ (2010) y hace poco fue homenajeado en el festival de cine brasileño de Miami, donde se mostró crítico con el público y el cine actual:

El público quiere ver películas que sean simple entretenimiento. El cine está en crisis absoluta, no de lucro porque hay películas que rinden mucho dinero, pero sí como forma de reflexión.

Otro Sean que ha hablado claro. Sean Hood, el guionista de ‘Conan el bárbaro’ (Conan the Barbarian 3D’, 2011), ha dicho que la película es un desastre:

Los críticos, aun cuando son positivos, ridiculizan ‘Conan el bárbaro’ por su falta de historia, de personajes y de ingenio. Esto no habla precisamente bien de la escritura y cualquier cineasta que te diga que no lee las críticas es que no quiere admitir cuánto la cagaron. [...] Sé que aquellos que han leído mi guión de Conan reconocen que mucho del trabajo que dediqué a la historia y al personaje nunca llegó a la gran pantalla. Yo mismo sé que, dadas las dificultades de reescribir en medio de la producción, hice grandes mejoras sobre el borrador que vino antes de mí. Pero es algo así como hacer un gran trabajo en una campaña perdida. Todo lo que el público sabrá, y todo lo que recordarán en la industria, es la debacle. Un fracaso es un fracaso.

Andy Hendrickson, ejecutivo de Disney Animation Studios, confirmó hace poco lo que ya sabíamos todos sobre la industria de Hollywood, y en cierta manera parece responder a Hood:

‘Beneficio’ equivale a la capacidad de llegar más allá de la audiencia media de espectadores. La gente dice ‘La historia es lo principal’, pero cuando estás construyendo franquicias, yo digo ‘Y una mierda’. La historia de ‘Alicia en el País de las Maravillas’ no es muy buena, pero el espectáculo visual atrajo gente a patadas. Y Johnny Depp tampoco es que molestara precisamente.

Hace poco leí una recopilación de frases llamativas de la actriz y cantante Gwyneth Paltrow, a la que parece que le importa un pimiento lo que opinen de ella en Estados Unidos. Iba a copiaros una frase donde atacaba la manera en la que los norteamericanos recuerdan el 11-S, pero entonces vi esto:

Moriría antes de dejar a mis hijos tomar sopa de sobre.

El joven realizador Mikel Rueda cree que ahora es más difícil empezar en el mundo del cine, más estresante para los que debutan:

A nosotros no nos perdonan nada. Hoy no hay piedad para el que empieza. Te exigen lo mejor en tus primeras películas. No creo que Scorsese o Coppola fueran brillantes desde su primer filme. A lo mejor tuvieron que esperar a rodar su séptima película para demostrar que eran unos genios. Además, genios hay muy pocos. Se nos exige demasiada responsabilidad.

Pero el veterano Carlos Saura, con casi 40 películas a sus espaldas, no lo ve de la misma manera:

Alguien con talento y tres actores puede hacer una excelente película en su casa. ¡Ojalá yo en la escuela hubiera tenido las mismas cámaras!

Recientemente vimos el cartel de ‘My Week With Marilyn’, donde Michelle Williams da vida a la mítica Marilyn Monroe. Da la sensación que a Lindsay Lohan le habría gustado interpretar ese papel, pues mantiene que son muy parecidas:

La gente ha creado en sus mente quién soy, como si actuara, como si no hubiera una persona dentro de mí. Simplemente como Marilyn. [...] Marilyn nunca quiso ser una celebrity. Yo tampoco… Siempre he pensado que las estrellas de cine iban a durar para siempre en la mente. Pero ahora las películas no son así. No quiero ser recordada como alguien que sólo quería ser fotografiada, que salía por la noche y se metía en problemas.

Uwe Boll cree que se le ataca demasiado, que no es ni de lejos el peor director del mundo, como ya se le conoce. Y no le importa tirar piedras contra los festivales y sus cineastas favoritos:

Woody Allen está conectado con la gente adecuada, eso no significa que sus películas sean mejores. A los festivales siempre van los mismos. Si yo hiciera un pedazo de mierda aburrida como ‘El árbol de la vida’, de Terrence Malick, me habrían enterrado vivo. Algunas de mis películas son mucho mejores y mucho más radicales. Pero solo se atreven a proyectar producciones chinas muy críticas con lo que ocurre allí. Eso no molesta en Europa. No es muy valiente por su parte.

Vía | Chance, Scifiworld, Lashorasperdidas, Indiewire, Elpaís, Elmundo, Cinemanía

Aunque ya han pasado tres años desde que se estrenó en España una película suya (‘Lars y una chica de verdad’ fue la última), lo cierto es que Ryan Gosling es uno de los intérpretes más solicitados del momento y no para de trabajar. El actor, protagonista de la nueva y esperada película que ha dirigido George Clooney, ‘The Ides of March’ (título que inaugurará el próximo festival de Venecia), tiene por delante el rodaje de dos thrillers que le situarán en lados opuestos de la ley, ‘Gangster Squad’, donde dará vida a un policía, y ‘Only God Forgives’, donde encarnará a un mafioso.

Ayer nos contaba Beatriz que Bryan Cranston (‘Breaking Bad’) se ha unido al reparto de ‘Argo’, lo nuevo de Ben Affleck como actor y realizador; Cranston es también la última incorporación de ‘Gangster Squad’, donde volverá a coincidir con Gosling tras compartir escenas en ‘Drive’. Sean Penn, Josh Brolin, Anthony Mackie y Michael Peña completan el elenco protagonista de esta suculenta producción de Warner Bros., que estará dirigida por Ruben Fleischer (‘Zombieland’). La historia se basa en una serie de artículos periodísticos sobre la labor de un equipo especial de policías formado para atrapar a Meyer Harris “Mickey” Cohen, un poderoso gánster judío de los años 40.

Y de nuevo menciono ‘Drive’ (realmente intensa la película, de lo mejor de Cannes 2011) porque ‘Only God Forgives’ reunirá de nuevo a Ryan Gosling con el director Nicolas Winding Refn. La historia tiene lugar en Bangkok, gira en torno a una venganza y dos protagonistas, un policía tailandés y un mafioso británico (Gosling) escondido en esa ciudad. Está previsto que el rodaje de la película comience el próximo mes de noviembre.

PD: Refn y Gosling volverán a trabajar juntos en la nueva versión de ‘La fuga de Logan’, todavía en fase de pre-producción.

Vía | ComingSoon

El Festival de Cannes 2011 ha llegado a su fin. En breve se dará a conocer el palmarés de la sección oficial (los premios de “Un certain rergard” se hicieron públicos anoche) y sabremos por fin qué título se lleva la Palma de Oro, el premio más importante del planeta (excepto en Estados Unidos, donde tiene más valor el MTV al mejor beso, una estrella en el paseo de la fama, un Globo de Oro o incluso el Oscar). Las dos últimas películas de competición que se presentaron fueron ‘Once Upon a Time in Anatolia’, que comento en este artículo, y ‘La Source des Femmes’, que desgraciadamente no pude ver. Lo cierto es que tuve que abandonar Cannes a causa de unas declaraciones que se malinterpretaron y se sacaron de contexto, pues jamás quise decir que en el certamen importaban más las estrellas de Hollywood que el buen cine, o que muchos críticos se duermen durante las proyecciones o se marchan antes de tiempo pero aun así hablan de todas las películas. Es broma. Bueno, en parte. Vale, soy nazi...

‘This Must Be The Place’, endeble aventura emocional

“Hay muchas formas de morir. Y la peor es seguir viviendo.”

Tres años después de lograr el premio del jurado por ‘Il divo’, el italiano Paolo Sorrentino regresó a la Croisette para presentar un nuevo trabajo, el primero que rueda en inglés y su cuarto intento por lograr la Palma de Oro. Sin duda la imagen de la película es ese Sean Penn disfrazado del líder de The Cure, Robert Smith, en quien está basado el protagonista de ‘This Must Be The Place’. Cuenta Sorrentino que la idea se originó cuando vio un concierto del grupo y le sorprendió que Smith a sus cincuenta años siguiese saliendo al escenario con el mismo aspecto que cuando tenía veinte. Así llegó a crear a Cheyenne, una ex estrella de rock que cada mañana se maquilla y se viste como si fuese a dar un concierto, si bien hace tiempo que abandonó el mundo de la música, permitiéndose vivir de los derechos de autor en su tranquila mansión. Cheyenne deambula por Dublin como un muerto viviente, apático, aburrido, deprimido, huyendo de los pocos que aún recuerdan su nombre, cómodo con la compañía de su esposa (Frances McDormand), que es todo alegría y vitalidad, y una joven gótica con problemas familiares que es su mayor fan (Eve Hewson).

Cheyenne (divertidísima y sólida composición de Penn) tiene sus razones para encerrarse de esa manera, para ser un niño cincuentón disfrazado, triste y solitario, pero el guion de Sorrentino y Umberto Contarello se toma su tiempo en compartirlas con el espectador, a veces tanto que cuando las ofrece ya resultan obvias o perdieron el interés. Es una decisión arriesgada que funciona al principio, cuando todavía estás intentando descubrir de qué va todo, quién es ese tipo y qué le hizo así, pero en general me parece que no se ha sabido administrar adecuadamente la información, además de que se cae en el gran error de recurrir a los diálogos explicativos, en lugar de potenciar las soluciones visuales, o directamente no recurrir a aclaraciones que justifiquen el comportamiento de Cheyenne, dejando pistas para que sea el público quien desentrañe el misterio. La excusa para sacar al protagonista de su mundo y lanzarlo al de los demás es la muerte de su padre, con el que por supuesto se llevaba mal. Cheyenne descubre que su padre estaba obsesionado con la persecución de un oficial nazi que al parecer lo había avergonzado cuando era joven, y decide continuar la misión, pese a que lo más probable es que su objetivo ya haya fallecido por causas naturales.

Este viaje a través de Estados Unidos (inspirado en cierta manera por ‘Una historia verdadera’ de David Lynch) permite a Sorrentino aumentar el número de personajes y situaciones peculiares (un indio que se sienta en el coche de Cheyenne sin decir una palabra), mientras conduce a su lánguido héroe al cumplimiento de una venganza que le acerque a su padre, haciéndole comprender por el camino los errores que cometió y que aún puede corregir. El desenlace es previsible para cualquiera. ‘This Must Be The Place’ (como la popular canción de Talking Heads, además David Byrne está implicado en la música y aparece brevemente haciendo de sí mismo) se centra demasiado en la observación y el subrayado de lo extraño, lo excéntrico, así como en ofrecer una serie de postales sobre lugares típicos del cine norteamericano, quizá para formar la idea que Cheyenne (convertido en un turista) tiene de aquel país, tras salir de su burbuja. Son casi dos horas de relato amable, condescendiente, forzadamente raro, contagiado de la indolencia y el vacío de su protagonista.

‘Once Upon a Time in Anatolia’, el paraíso abandonado

“Todo pasa por una razón, fin de la historia. Lo que ha ocurrido debe tener un significado…”

Dejar para el final del festival lo nuevo del turco Nuri Bilge Ceylan (gran premio del jurado por ‘Lejano’ y mejor dirección por ‘Tres monos’), con una duración de 157 minutos, parecía una broma sin gracia por parte de los organizadores, una última prueba de resistencia para los más valientes. Pero el cansancio y la desgana dejan paso al asombro y el vivo interés, y uno se sumerge con facilidad en la bella, auténtica y enigmática ‘Once Upon a Time in Anatolia’, una de las películas más inspiradas de Cannes 2011, pudiendo proporcionar a su realizador su primera Palma de Oro (curiosamente, también es la cuarta ocasión en la que Ceylan compite por este galardón). Coescrita por Ceylan junto a su esposa Ebru Ceylan y Ercan Kesal, la película sigue a un grupo de personajes que buscan un cadáver enterrado; la vida de una pequeña localidad turca se ha visto sacudida por un terrible y misterioso crimen, que la policía intenta resolver. Lejos de lo que pueda parecer, no se trata de ningún thriller, y la trama no gira en torno a una investigación convencional sobre un asesinato. A lo largo de una hora, todo se centra en los intentos por hallar el lugar exacto donde uno de los acusados dice haber ocultado algo (pronto se hace evidente que se trata de un cadáver, si bien nadie lo dice), siendo la cámara un testigo silencioso, casi inmóvil, de rutinas, gestos y detalles corrientes, aparentemente irrelevantes, todo lo contrario a lo que suelen ser los casos del cine norteamericano, repletos de acción, intriga y giros sorprendentes.

En la película de Ceylan lo que importa es conocer poco a poco a todos los personajes, a través de lo que hacen, lo que dicen y lo que callan, y de esa manera tener una visión única y profunda del relato, llegando a entender lo que ha ocurrido de una manera que ninguno de los protagonistas llegará a apreciar jamás, pues cada tiene su propio punto de vista, sus opiniones, sus intereses, sus secretos, sus deseos, sus creencias. Es un retrato de personajes extraordinario. Con el (lento, natural) transcurrir de los acontecimientos, a veces tan nimios como un coche deteniéndose para que uno de los protagonistas pueda orinar (lo que desemboca en una charla sobre el posible motivo de tantas paradas) o el supuesto parecido de uno de ellos con Clark Gable (tronchante escena), llegamos a descubrir que Ceylan nos habla de las engañosas apariencias (nadie parece entender el crimen pero no importa mientras se resuelva de acuerdo al reglamento) y dos formas opuestas de entender la vida; la del escéptico que siempre busca una explicación racional a todo lo que sucede, y el que cree que hay algo más en este mundo, que estamos rodeados por hechos inexplicables, mágicos, extraordinarios. El segundo duerme más tranquilo.

Mientras el acusado intenta aclarar sus recuerdos, o despistar a la policía, y los demás se desesperan por la tardanza y la incertidumbre, se nos muestra un paisaje (fotografiado de manera hermosa por Gökhan Tiryaki pese a que casi siempre se trata de largas carreteras y colinas desiertas) que al caer la noche parece convertirse en un lugar de fantasía, romántico, salvaje, maravilloso, con luces extrañas y seres sobrenaturales; da la sensación de que los hombres abandonan su mundo en la búsqueda del cadáver, y que vuelven a la normalidad durante el día, donde se revela la verdad, triste, lógica y anodina. Cuesta seguir con atención todos los detalles de los comportamientos y las conversaciones, siendo fácil el abandono (no pasa nada, me aburro), y definitivamente se podría recortar bastante metraje, pero la experiencia está construida con mucho ingenio y resulta de lo más estimulante, obligándole a uno a esforzarse por desentrañar lo que está viendo, más allá de lo superficial.

Las mejores películas de Cannes 2011 y mi apuesta para la Palma de Oro

Aunque aún me faltan algunos títulos por comentar (el remake de ‘Hara-Kiri’ o ‘Martha Marcy May Marlene’), quiero dejar mi lista de títulos favoritos antes de que se haga público el título de la ganadora de la Palma de Oro. De las 18 películas de la sección oficial que pude ver (me perdí dos, ‘Pater’ y ‘La source des femmes’), las que más me gustaron fueron ‘The Tree of Life’ (Terrence Malick), ‘The Artist’ (Michael Hazanavicius), ‘Melancholia’ (Lars von Trier), ‘Drive’ (Nicolas Winding Refn), ‘Le Havre’ (Aki Kaurismäki), ‘La piel que habito’ (Pedro Almodóvar) Y ‘Once Upon a Time in Anatolia’ (Nuri Bilge Ceylan). No necesariamente por este orden, aunque si tuviera que reducir la lista, me quedaría con las cinco primeras. También me entusiasmó ‘Midnight in Paris’ (Woody Allen), presentada fuera de concurso para inaugurar e ir animando el certamen. No me apetece recordar las peores películas que he visto en Cannes, pero quiero destacar que me dejó una sensación de total pérdida de tiempo el visionado de ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ (Rob Marshall), también fuera de concurso. Posiblemente, fue lo más vacío y mediocre que vi en el festival.

Y termino este artículo con mi apuesta para la Palma de Oro. “Puede ganar cualquiera”, era la frase más repetida en los pasillos del Palais des Festivals, cada vez que alguien intentaba buscar un favorito para el palmarés de esta 64ª edición. Aun así, se habla mucho de ‘The Tree of Life’, ‘The Artist’, ‘Le Havre’, ‘La piel que habito’ y ‘El niño de la bicicleta’ (de los hermanos Dardenne). Si de verdad la cosa está entre estas cinco, la que veo con más opciones es la primera. Pero si al jurado (cuyo presidente es, recordemos, Robert de Niro) le da por buscar la sorpresa y destacar un título del que se ha hablado menos, apostaría por ‘Michael’ de Markus Schleinzer, un trabajo muy serio y crudo. Pronto saldremos de dudas.

“¿Dónde estás? Has dejado morir a un niño. Dejas que pase todo.”

Jack O´Brien (Hunter McCracken)

Hoy hemos podido ver la película más esperada del festival de Cannes 2011, la que más expectación ha generado, y a priori la gran favorita para lograr la Palma de Oro de esta 64ª edición. Y quizá por eso se han oído los mayores abucheos hasta el momento, ya en el ecuador del certamen, acallados rápidamente por aplausos aún más ruidosos. Creo que es la reacción más lógica a esta experiencia cinematográfica titulada ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’), el quinto largometraje del singular Terrence Malick, que como se esperaba no ha venido a presentar su trabajo. Pero sí Brad Pitt, uno de los protagonistas, y eso es más que suficiente para que todo el mundo se vuelva loco otra vez, apenas dos días después de la visita de Johnny Depp debido a la mediocre cuarta entrega de ‘Piratas del Caribe’. No sé que habría ocurrido si coinciden ambos, quizá una multitud de auténticos homenajes a ‘Scanners’. Y no os creáis que se trata solo de fans que vienen expresamente a buscar una foto o un autógrafo de su estrella, los periodistas acreditados se derriten igualmente con estas visitas, me temo que el principal motivo por el que este festival sigue siendo tan relevante hoy en día.

Seis años después de ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’), Malick regresa con una obra cuyo propósito es el de plasmar el disfrute y los sinsabores, los milagros y los misterios, de la vida, tanto desde un punto de vista íntimo, como desde una perspectiva épica, cósmica (hay escenas que recuerdan a ‘2001’). ‘El árbol de la vida’ nos traslada a la década de los 50, a un tranquilo pueblo estadounidense para mostrarnos la infancia de Jack (interpretado en su mayor parte por Hunter McCracken). También nos sitúa en la actualidad, con Jack (Sean Penn) convertido en un arquitecto de éxito. Y lo más asombroso, nos lleva a la creación del universo, del planeta Tierra y de las primeras formas de vida. Todo ello a través de fascinantes imágenes y una música exquisita (la fotografía es de Emmanuel Lubezki, la música la firma Alexandre Desplat). Es un viaje intenso que te obliga a reflexionar sobre tu propia existencia y que deja con ganas de más, pese a durar unos 138 minutos. Aun así, no ha colmado mis expectativas. Esperaba un 10 y encontré un 9. La vi a las ocho y media de la mañana y todavía no me la quito de la cabeza.

El eje central de ‘El árbol de la vida’ es Jack, el hijo mayor de una familia cristiana que se origina en el Texas de los años 50. Décadas después, entre los rascacielos que dominan su vida cotidiana, Jack rememora su infancia, con una mezcla de felicidad y amargura, de dudas y certezas, buscando el sentido a todo lo que ocurrió, a todo lo que ocurre, tratando de comprender qué visión era la más acertada, la de su madre o la de su padre, el camino de la gracia o el de la naturaleza. El padre (Brad Pitt) es un hombre autoritario, duro, que exige disciplina, coraje, fuerza y éxito a sus hijos (hay una escena en la que pregunta a Jack si le quiere, y éste responde con un seco “sí, señor”); su deseo es que no sean pisoteados por otros, ni que cometan sus mismos errores. La madre (Jessica Chastain) es bondadosa, generosa, inocente y cariñosa; ama a sus hijos profundamente, representa la visión de la vida opuesta de su marido, con el que tiene fuertes discusiones. Sus creencias y formas de ver la vida serán puestas a prueba con una tragedia.

Pero como he dicho, la película no se limita a Jack, también asistimos a vivencias desde el punto de vista de sus padres y sus hermanos (encarnados por Laramie Eppler y Tye Sheridan) y ni más ni menos que el origen de nuestro mundo, desde la creación del cosmos hasta los dinosaurios (sensacional la escena del animal herido). La idea que enlaza todo parece ser el esfuerzo de Jack por encontrar un sentido a la existencia y una conexión con todo lo que ha existido, desde el inicio hasta el final. Precisamente, el desenlace de ‘El árbol de la vida’ es la parte que menos me gusta del film, la que me ha hecho desconectar del relato, y supongo que será uno de los puntos que dividirá fuertemente a defensores y detractores de una obra ambiciosa y atrevida. Al menos eso se le debe reconocer a Terrence Malick, que se arriesga siempre, que no se pliega a las exigencias del mercado (grandes como Steven Spielberg o Martin Scorsese sí lo han hecho). Y tampoco se puede discutir el formidable acabado estético, un precioso y poético mosaico de escenas que se sienten auténticas, extraídas directamente de la realidad, nunca forzadas o impuestas para impresionar al espectador, que seguro verá reflejadas en la pantalla vivencias muy similares a las propias.

Terrence Malick vuelve a recurrir a una narración muy fragmentada que difumina la barrera del espacio y el tiempo (buscando sensaciones y emociones, más que el progreso de una historia), algo que está muy acentuado al inicio de la película, llegando a abrumar y desorientar (hasta cinco montadores ha requerido este film); como ocurre siempre con este cineasta, uno se queda con la sensación de que un montaje extendido podría corregir fuertes saltos y aclarar importantes omisiones, dando mayor solidez al conjunto. Quizá sea solo cosa mía, pero creo que Malick podría haber abarcado algo más en el retrato de la vida de Jack, cuya madurez apenas es tratada; el Jack adulto es un personaje muy secundario, lo que desaprovecha la siempre interesante presencia de Sean Penn, que se limita a poner cara de desorientación y poco más. Asimismo, me llama la atención que se obvie por completo el sexo o la reproducción (en ese matrimonio con fuertes convicciones religiosas, algo se podría haber tratado); quizá se ha reservado para la siguiente película, ya en fase de post-producción. Por último, quiero destacar la inspirada dirección de actores, en especial con los niños, protagonistas de escenas insuperables.

A la rueda de prensa, en esa sala minúscula donde apenas entran unos 150 profesionales (de 4.500 que hemos sido acreditados), asistieron los actores Brad Pitt y Jessica Chastain, acompañados por los productores Dede Gardner, Sarah Green, Grant Hill y Bill Pohlad (Pitt también es productor, por cierto). Como podéis suponer, casi todas las preguntas las tuvo que contestar el protagonista de ‘Seven’, si bien muchas de ellas se centraron en intentar conocer un poco mejor al ausente Terrence Malick. De él se dijo que es extremadamente tímido y trabajador, muy culto, espiritual y risueño, aparte de lo que lo típico de siempre (“es un genio”, “es una persona maravillosa”...). A Pitt le preguntaron si en la vida real es tan rudo con sus hijos como el personaje que interpreta (lo que leéis), algo a lo que respondió con humor: “Sí, les doy unas buenas palizas”. Se le vio entusiasmado hablando de Malick y el rodaje, comentando que le había sorprendido la manera en la que el director buscaba lo espontáneo en cada escena, lo inesperado, lo que no se puede fingir, el “accidente afortunado”. Chastain estuvo de acuerdo y dijo que uno de sus momentos favoritos, protagonizado por una mariposa, fue improvisado. Hay mucho de eso en la película, aviso. Planos de árboles, puertas, amaneceres, volcanes, pájaros, manos acariciando el viento. No os engañéis, esto es puro Malick.

Juan Luis Caviaro desde Cannes, 16 de mayo de 2011.

Hace un par de años os anunciábamos de pasada que Zack Snyder, director de ‘Watchmen‘, ‘300‘ y ‘Sucker Punch‘, contemplaba, entre otros proyectos, producir ‘The Last Photograph’. Desde entonces, la idea, original del propio Snyder, parecía estar algo muerta, aunque no dejó de generar noticias, como la incorporación de Christian Bale en julio del año pasado.

Ahora el proyecto parece resucitar, gracias a que el actor Sean Penn ha demostrado interés hacia el guion de Kurt Hohnstad, que contaría con Niels Arden Oplev, responsable de la adaptación sueca de ‘Millennium I: los hombres que no amaban a las mujeres’, como director; en lugar de con Sergey Bodrov (‘Mongol’), como se suponía en un principio.

Situada en Afganistán, ‘The Last Photograph’ nos contará la historia de un corresponsal de guerra que es testigo y único superviviente de un ataque a un grupo de estadounidenses. Por otra parte, un soldado retirado le pedirá ayuda para identificar —supongo que a partir de la fotografía del título— a los secuestradores de un pariente suyo. El periodista aceptará viajar con él a cambio de tener la exclusiva sobre del reportaje, pero por el camino se toparán con numerosos peligros. Se encontrarán con tropas tribales enemigas y diplomáticos de las Naciones Unidas que, como siempre que son retratados por los estadounidenses, estorbarán en lugar de ayudar.

Cuando se habló de la incorporación de Christian Bale al reparto, sus representantes se dieron prisa en descartar esta noticia como rumor. Sin embargo, meses después, el actor ya está firmado y confirmado para el corresponsal protagonista. Sean Penn, que rechazó papeles en ‘Superman: The Man of Steel’ y en ‘Gangster Squad’, está considerando unirse al proyecto para encarnar el personaje del agente de operaciones especiales retirado que trata de salvar su familiar.

Además de Zack y Deborah Snyder, producirían Joel Silver y Andrew Rona para Warner Bros. y Dark Castle. Financia Gianni Nunnari desde Hollywood Gang. Se prevé que la producción comience en 2012, después de que Bale finalice ‘The Dark Knight Rises’. El estreno, por tanto, no llegaría antes de 2013.

‘The Last Photograph’ ha sido comparada con ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, 1956) y ‘Venganza’ (‘Taken’, 2008). No sé si esa comparación tiene algún sentido, excepto por las obvias similitudes argumentales, pero lo cierto es que este proyecto podría dar un resultado interesante. Si se lleva a cabo un buen trabajo de guion y de dirección, pues las buenas interpretaciones parece que las tendremos aseguradas si estos dos grandes se mantienen en el reparto, la idea de Snyder podría resultar en una película de calidad y envergadura. Esperemos que así sea y que nos llegue buen cine alguna vez, aunque sea dentro de dos años.

Vía | Deadline.

En el que posiblemente sea el momento más sublime de ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’, Terrence Malick, 2005), quizá la película más bella en muchos años de cine, John Smith (Colin Farrell), arrasado por una nostalgia que es como un virus invencible, recuerda momentos irrepetibles con la nativa de la que está enamorado, y oímos sus pensamientos sobre abandonarlo todo, sobre decidir adentrarse con ella en lo desconocido, en la naturaleza salvaje (tanto física como interior) y recita: “into the wild…”. Una frase que, precisamente, es el título original de la cuarta, y hasta la fecha última, película del gran actor Sean Penn como director. Y la cosa no tendría mayor relevancia sin Sean Penn no hubiera protagonizado ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, Terrence Malick, 1998) y si, a fin de cuentas, esta película no estuviera presidida por una observación pura y directa de la naturaleza, que tanto tiene que ver con Malick.

Tirando aún más del hilo de la inspiración, la peripecia vital de Christopher McCandless, más conocido por haber elegido el nombre, en sus últimos años, de Alexander Supertramp, tuvo mucho que ver con sus lecturas no solamente de Jack London (autor de ‘Colmillo blanco’ y ‘La llamada de lo salvaje’), sobre todo de Henry David Thoreau, naturalista cuyo maravilloso ‘Walden’ describe los dos años, dos meses y dos días que el propio Thoreau pasó en soledad fundido con la naturaleza. De tal modo que estamos hablando de cineastas, escritores, viajeros y naturalistas que comparten un mismo universo, un mismo anhelo: la emoción de la naturaleza como espejo de una quiebra y una redención interior, como llamada, como mandato espiritual. Imposible no evocar a grandes maestros de la literatura y del cine cuando se habla de ‘Hacia rutas salvajes’ (‘Into the Wild’, Sean Penn, 2007), película que, sin ser realmente gigantesca, sí atesora una belleza y un riesgo que la sitúan muy por encima de la media.

Ya Malick había llevado a cabo sus muy particulares homenajes a Thoreau, un escritor con cuya personalidad tanto tiene que ver por su amor a la vida salvaje, en el breve pasaje en que sus dos criminales adolescentes de ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1974) viven en el bosque durante un tiempo, o en el exilio del soldado Witt en las idílicas Islas Salomón de Melanesia. Sean Penn, tomando como maestro a Malick y enamorado de la historia del trágico McCandless, escribió en solitario un sólido guión de ciento cincuenta páginas basado en el volumen homónimo de Jon Krakauer, y dirigió una película que poco o nada tiene que ver con lo que había hecho hasta entonces, que probablemente habría protagonizado él mismo si hubiera contado con unos cuantos años menos, y que quizá marque el techo de su talento como realizador, pues si antes, en las intensas, singulares, ‘Extraño vínculo de sangre’ (‘The Indian Runner’, 1991), ‘Cruzando la oscuridad‘ (‘The Crossing Guard’, 1995) y ‘El juramento’ (‘The Pledge’, 2001) había llevado a cabo ejercicios de género más o menos logrados, ahora se zambulle en un relato mucho más arduo de llevar a buen tiempo, mucho más luminoso, y mucho más existencialista.

Supertramp, ¿ascetismo o locura?

Christopher McCandless ya fue un niño peculiar y un adolescente fuera de lo común. Pero cuando cumplió los veintidós años decidió que el mundo industrial y la sociedad moderna no eran para él, y comenzó una serie de peregrinajes por algunos terrenos agrestes de Estados Unidos, que le llevaron de Arizona a Dakota del Sur, y de ahí hasta Alaska. Sus ganas y su voluntad eran inversamente proporcionales a su preparación en la vida errante, según cuentan, y la única razón de que no muriese enseguida fue que gozaba de una resistencia física fuera de lo común, además de varios golpes de suerte que le ayudaron de cuando en cuando. Algunos cazadores y viajeros le criticaron. Otros le defendieron. Sean Penn ni le juzga ni le alaba, aunque sí se sitúa muy cerca de él intelectualmente. Es decir, le comprende y le admira, sin necesidad de compartir al cien por cien sus ideas ni sus decisiones. Y aunque no consigue con este relato una película de gran pegada generacional, cerca está de ello, y algunas ramificaciones morales y psicológicas de su puesta en escena son lo suficientemente poderosas como para removernos anímicamente.

Penn no plantea una historia de peregrinación lineal, ni mucho menos. Con un guión muy hábil, y un montaje aún más hábil (responsabilidad de Jay Cassidy, montador de todas las películas de Sean Penn, y nominado al Oscar por este trabajo), plantea una serie de saltos temporales, una multiplicidad admirable de puntos de vista (para no situarnos forzadamente en el de McCandless), y un collage visual que nos acerca a una cierta sensación de pérdida, de vacío vital, en el Estados Unidos escarpado y gris de los primeros años noventa, como una época en la que el conservadurismo había tomado una de sus formas más despiadadas y asfixiantes. Por ejemplo, hay compasión y dignidad en el tratamiento de dos personajes con toda la pinta de caerle muy mal a Sean Penn: los padres de Christopher, interpretados por dos artistas de la talla de William Hurt y Marcia Gay Harden. Su incomprensión hacia su hijo, su desprecio hacia todo lo que se aleja de lo preestablecido, no son incompatibles con una dolorosa humanidad, y esto es indicio de que Sean Penn se ha tomado muy en serio de todos los personajes.

En lo que concierne a Christopher, está interpretado con gran fuerza por un actor con mucho futuro, el californiano Emile Hirsch, que contaba la misma edad que su personaje, y que está dirigido con mano maestra por Penn. Se nota la complicidad y la admiración mutua en este trabajo. El director se toma su tiempo mostrando la torpeza o la escasa capacidad de supervivencia de su protagonista (como en la escena del alce, por ejemplo), pero también se detiene en la profunda felicidad del protagonista, en su sentimiento de libertad sin límites en mitad de las montañas nevadas de Alaska. La magnífica fotografía del francés Eric Gautier, en un esplendoroso aspect ratio de 2.35:1, con bellísimas localizaciones de las que se extrae toda la grandeza y toda la luz posible (imágenes que, como puede ver el lector, no he incluido…vean la película), es heredera, en cierta forma de la de John Toll en ‘La delgada línea roja’, al mismo tiempo que la sorprendente capacidad de la cámara para captar la naturaleza en estado puro parece influida, incontestablemente, por el genio Malick. Tanto es así que la visión de la naturaleza, en todas sus formas, parecerá un espejo fehaciente del interior solitario y hasta atormentado de McCandless. Al lado de Hirsch, el veteranísimo Hal Holbrook lleva a cabo una interpretación de antología, justamente nominada al Oscar, pese a la brevedad de su aparición.

Conclusiones

Más que estimable película, que en su día recibió una serie de elogios, quizás un poquito exagerados, pero que daban cuenta de algunos de los valores de la película de Sean Penn. Viéndola, es inevitable plantearse interiormente una serie de preguntas sobre la pertinencia de nuestra forma de vida, y sobre la dureza del (en apariencia) idílico entorno natural. Formidable Hirsch, impresionante Holbrook, destacable fotografía, inspirado Penn.

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Ya estamos más cerca de que se estrene en todo el mundo la quinta realización del enigmático director Terrence Malick (a quien, recordemos, le dedicamos un especial hace un tiempo en Blogdecine), de la que llega un nuevo póster, después de aquel que nos trajera Juan Luis. Y una vez más se trata de un cartel elegante, con varias de las hipnóticas imágenes que vimos en su trailer.

‘The Tree of Life’ es un proyecto largamente acariciado por Malick, y que se filmó en 2009 con vistas a estrenarse ese año, luego en 2010, y hasta ahora. En su reparto cuenta con Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain, entre otros. La fotografía, de nuevo, es obra del gran Emmanuel Lubezki. La música del no menos grande Alexandre Desplat.

Recordemos que la última película de Malick fue la portentosa obra maestra ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’), allá por 2005, y que esta podrá verse en el próximo Festival de Cannes y antes, el 4 de Mayo, conocerá estreno londinense. También ha aparecido su página web oficial.

Vía | Imdb

“Amo actuar. Realmente la gente que más me gusta se dedica a la interpretación”

Pero, aunque ya es uno de los grandes, no es ni mucho menos un artista que despierte consensos. Lo que nadie puede negarle, aún los que a menudo me dicen que no es un actor que realmente les emocione o que les caiga precisamente bien, es que Sean Penn es un actor y director con personalidad. Su activismo político, su aureola de tipo duro y de vividor, y su propensión a decir lo que piensa (“soy un gran bocazas”, ha dicho más de una vez) le han puesto en el punto de mira de los que no soportan que un actor llame la atención fuera de su trabajo. Ahora se cumplen tres décadas desde que debutó como actor en ‘Taps, más allá del honor’ (‘Taps’, Harold Becker, 1981) en la que compartía pantalla con otras jóvenes promesas (qué divergente ha sido la carrera de cada uno de ellos…) como lo eran Tom Cruise y Timothy Hutton (que ya se había llevado un Oscar por ‘Gente corriente’, mientras que Cruise aún sueña con el suyo). Fue el primero de varios títulos olvidables, en unos comienzos que poco tienen que ver con el enorme prestigio del que goza ahora mismo.

Paralelamente a su ascendente carrera como actor, a los grandes títulos que se han ido sucediendo con envidiable regularidad y a los premios que ha ido ganando por sus esfuerzos, Penn ha desarrollado una más que estimable carrera como director, que ya suma cuatro largometrajes (bastante interesantes todos ellos, con sus luces y sus sombras), un documental, un vídeo musical y un corto, además de ser un guionista (de tres de sus largos) más que estimable. Es decir, es un profesional que no ha parado de trabajar y que ha dejado huella en cada una de las disciplinas en las que ha participado. Aunque, por supuesto, siempre se le recordará como un actor de esos que llaman “de carácter”, que goza en su carrera de complejos e inolvidables papeles tanto de principal como de secundario, desplegando una asombrosa capacidad camaleónica, gracias a la cual se ha transformado exterior e interiormente como pocos colegas suyos han sido capaces de hacer.

Nacido en Los Angeles en 1960, hijo de actores, debutó en ‘La casa de la pradera’ (‘Little House on the Prairie’, 1974-83) porque su padre dirigía algunos episodios, y estudió arte dramático durante dos años. Trabajó en el teatro neoyorquino, pero lo suyo era el cine. Aunque sus caracterizaciones de la época nos muestran a un Sean Penn melenudo y casi irreconocible, sin duda estaba destinado a hacer grandes cosas. De ‘Aquel excitante curso’ (‘Fast Times at Ridgemont High’, Amy Heckerling, 1982) a ‘Shanghai Surprise’ (id, Jim Goddard, 1986), trabajó con directores como Louis Malle o John Schlesinger, con actores como Christopher Walken, David Strathairn, Nicolas Cage, Donald Sutherland o Jack Warden, se ganó fama de difícil y se casó con Madonna. Casi nada. Para colmo, justo después empezaron a llegarle los buenos papeles y supo conducir con gran inteligencia su carrera.

Sin lugar a dudas, en 1993 demostró que era más que un buen actor: era un intérprete de raza que no tenía ningún problema con caracterizaciones extremas. Su fenomenal trabajo en ‘Atrapado por su pasado’ (‘Carlito’s Way’, Brian De Palma, 1993) era el más completo suyo hasta la fecha. Salía en pocas secuencias, pero resultaba inolvidable. Confirmando su genio, llegó la impresionante ‘Pena de muerte’ (‘Dead Man Walking’, Tim Robbins, 1995), volvió a transformarse, logró su primera nominación al Oscar y el Oso de Plata en el Festival de Berlín. A partir de ahí, su trayectoria ha sido apasionante, en una escalada imparable hacia la plenitud. Con muy pocos errores, y algunos de los mejores papeles masculinos de los noventa y la primera década del siglo XXI: le hemos visto en la salvaje ‘U-Turn, giro al infierno’ (‘U-Turn’, Oliver Stone, 1997), en la que estaba muy bien, y aunque participó en esa tontería de ‘Hurlyburly’ (id, Anthony Drazan, 1998), fue uno de los elegidos para los papeles principales de la sublime ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, Terrence Malick, 1998) y cerró década con la estupenda ‘Acordes y desacuerdos’ (‘Sweet and Lowdown’, Woody Allen, 1999), que significó su segunda nominación al Oscar y una nueva y radical transformación.

Penn, uno de esos actores de los que la cámara parece “estar enamorada”, da la impresión de no hacer gran cosa delante de la pantalla, más que limitarse a aparecer y abrirse el pecho de pura sinceridad. Eso, y su gran talento transformador, son sus grandes bazas. Basta verle en ‘Yo soy Sam’ (‘I Am Sam’, Jessie Nelson, 2001) para descubrir un nuevo Penn, que en nada se parece al de ‘El clan de los irlandeses’ (‘State of Grace’, Phil Joanu, 1990), o en sus dos gloriosos papeles de 2003, en los que, sin apenas cambio físico, daba vida a dos caracteres tan opuestos: el ex-convicto convertido en padre de familia, y el ex-moribundo que por una deuda vital busca cumplir una venganza que no es la suya. ‘Mystic River’ (id, Clint Eastwood) y ‘21 Gramos’ (‘21 Grams’, Alejandro González Iñárritu) son dos películas durísimas, que cuentan con un Penn escalofriante, por decir algo suave. En la de Eastwood (para quien esto suscribe, la obra más grande del veterano realizador), Penn llevaba a cabo un ejercicio de exteriorizar su energía, una energía bestial, violentísima. En la de Iñárritu era parecida, pero en lugar de exteriorizarla, la interiorizaba. Por el primero se llevó su primer Oscar, por el segundo la Copa Volpi del Festival de Venecia. Fue la consagración de Penn como el gran actor que es, y lo fue por méritos propios, por su incontestable crecimiento como artista.

Su segundo Oscar, por la emocionante ‘Mi nombre es Harvey Milk’ (‘Milk’, Gus Van Sant, 2008), premiaba otra hazaña camaleónica, y le redimía de unos pocos años sin grandes papeles. Ahora, esperamos su aportación en la nueva película de Terrence Malick, ‘The Tree of Life’ (recordemos el trailer y el cartel que nos trajo Juan Luis), mientras alucinamos con su última transformación para ‘This Must Be the Place’ (id, Paolo Sorrentino). Esperemos que las próximas décadas siga sorprendiendo con su coraje y su talento, porque de ambos anda sobrado.

Su aportación como cineasta

De sus cuatro largometrajes, posiblemente sea ‘Hacia rutas salvajes’ (‘Into The Wild’, 2007), la bella y trágica aventura de Alexander Supertramp, su película más completa. Una que quizá habría protagonizado él mismo de haber contado algunos años menos (aunque Emile Hirsch está muy bien), y es que es la historia más personal y con la que se siente más identificado de todas las suyas. Pero ni ‘Extraño vínculo de sangre’ (‘The Indian Runner’, 1991), ni ‘Cruzando la oscuridad’ (‘The Crossing Guard’, 1995), ni desde luego ‘El juramento’ (‘The Pledge’, 2001) son nada desdeñables. En ellas supo dejar su huella la contradictoria e intensa personalidad de un gran hombre de cine.