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Mis secuencias mágicas de cine: Paul Newman será siempre Eddie 'Relámpago' Felson

Antonio Toca — Sun, 28 Sep 2008 10:51:44 GMT

“Siempre ha sido mi actor favorito”, recordó ayer mi madre cuando la confirmé su muerte. “Llegó a un punto que daba igual la película que fuese, si él estaba en el reparto sabías que era imposible que te aburriese”, y mi madre hablaba de ‘La gata sobre el tejado de zinc’, con Elizabeth Taylor o ‘El coloso en llamas’. Como recuerda Maruja Torres, guapo hasta morir, y era algo que le traía al fresco. Se sentía comprometido con la figura que representaba y actor, no un rostro bello, por eso mismo compró su contrato con Warner, se alejó de los estudios, y decidió interpretar y escoger sus papeles, como los grandes actores, aquellos que mejoraban con el paso de los años, ante todo independientes. Era un fenómeno en todos los campos, creó unas salsas de barbacoa que se hicieron tan famosas que fundó la empresa Newman’s Own, cuyos beneficios, y los tenía, los dedicaba a la filantropía. Hasta era un gran piloto de carreras, con escudería propia y todo.

El color permitió descubrir la belleza que ya se le intuía en blanco y negro, y sus perennes ojos azules. Sin embargo el buscó el camino contrario. Los textos de Tennessee Williams le dieron fama hasta que en su vida se cruzó el personaje de Eddie Felson, y Robert Rossen, a quien tuvo que convencer para el papel, El gordo de Minnesota, y ‘El buscavidas’ (The Hustler). Y dejó al mundo con la boca abierta, porque en blanco y negro no podía engatusar con su belleza, no hacía de guapo, aunque no tenía que esforzarse para serlo, porque entre sus manos sabía que manejaba un personaje deslumbrante.

De ‘El buscavidas’ se recuerda sobre todo sus dos partidas con El gordo de Minnesota, exigiendo una réplica de nivel a Jackie Gleason, como a George C. Scott, o a Piper Laurie… Allí estaba a sus anchas, tenía un personaje por el que hubiera pagado, cambiar de registro, tener un Oscar que se llevó Maximilian Schell por ‘Vencedores o vencidos’ (Judgment at Nuremberg), el año de ‘West Side Story’, aunque la historia terminaría haciendo justicia a su buscavidas.

Cuando en este país había una única televisión, pública, en la época de Pilar Miró se hicieron cine clubes especiales a grandes actores o directores. Allí tuvo hueco el dedicado a Paul Newman. Muchos jóvenes cinéfilos descubrimos todos sus papeles, y nos rendimos a sus películas. Unos recuerdan ‘La leyenda del indomable’, yo en cambio quedé hipnotizado ante un espectáculo llamado ‘El buscavidas’, como mi madre hizo con La gata, como otros amigos lo hicieron con ‘El largo y cálido verano’ o ‘Dulce pájaro de juventud’, ‘Harper, investigador privado’, ‘El juez de la horca’, y los menos exigentes con ‘El coloso en llamas’, ‘Dos hombres y un destino’ o ‘El golpe. La virtud de alguien tan grande que da para escoger, y además te pone en dificultades.

El espectáculo que crea en ‘El buscavidas’ es tan soberbio, que valgan de ejemplo, estas otras dos secuencias a sumar a la que encabeza esta entrada, que demuestran el control de la escena que tenía en esta película, merendándose a todos. Primero con ese arranque en el que juega con nosotros su papel para engatusar a los incáutos.

Siempre con la mesa de billar y una posible partida con un pringao al que ganar como contrario.

Hasta la explosión que supone el primer enfrentamiento con Jackie Gleason, que le pelea la autoría, que hace grande a Eddie Felson.

Scorsese, ante todo cinéfilo, quiso rendirle homenaje a Paul Newman, recuperando al Relámpago adulto con ‘El color del dinero’, que sirvió para reponer la injusticia producida en aquellos Oscars de 1961. Pero, por raro que parezca ‘El buscavidas’ no sería la primera película que saldría de la boca de aquellos que recuperasen títulos de Paul Newman, y eso es lo de menos, sinceramente. Él tenía claro quien le había dado todo.

Seguiría bordando personajes, mostrando sus oídos sordos a los cantos de sirena de Hollywood, alejado y a contracorriente, sólo siendo personaje público cuando el contexto de la época lo requería, como fue su no a la Guerra de Vietnam, su enfrentamiento con Nixon o la pérdida de un hijo. Ahora que ha muerto, hay que tener dos cojones para dejar de luchar y morir tranquilo junto a los suyos, fuera de los focos. Así se entendió, porque él se ganó ese respeto.

Resuenan de nuevo en mi cabeza, el tiempo presente del verbo empleado por mi madre, pese a que nos ha dejado, y la palabra favorito, porque eso tampoco dejará de serlo. Por eso es grande. Por eso es Paul Newman, para la historia del cine. Para mí, para él, siempre Eddie ‘Relámpago’ Felson.

Más información | El País

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Mis secuencias mágicas de cine: Jessica Rabbit por encima de Roger Rabbit

Antonio Toca — Fri, 25 Jul 2008 13:35:33 GMT

Ahora que pienso en Pixar, se debería recuperar la película de Robert Zemeckis ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ (Who framed Roger Rabbit, 1988), para revisarla, principalmente. Para comprender y saborear la gran cantidad de homenajes que realiza la película. Fue una obra adelantada a su tiempo, al que dio un puñetazo en el mentón. Hoy, sin embargo, es toda una película de culto, como ‘La princesa prometida’.

Habrá secuencias predilectas, pero la que se ha convertido en inolvidable, no sólo es la de su número musical, sensual en dibujos y movimientos, sino aquella en la que Jessica Rabbit le espeta a Bob Hoskins el famoso “No soy mala. Me han dibujado así” (I’m not bad. I’m just drawn that way), ajustándose el vestido y dibujando con sus manos su propia silueta.

Jessica Rabbit - “I’m not bad. I’m just drawn that way”

Es curioso lo que suele suceder con las películas de animación, hay un personaje protagonista, y nuestros ojos y recuerdos se van a los secundarios. El público recuerda a Roger Rabbit porque es el marido de Jessica Rabbit. Es como aquellos grandes secundarios de la época dorada de Hollywood en la que las estrellas debían andar con mucho tiento y cuidado sino querían que esos actores, sin aúrea de estrella, les robasen el plano e incluso la película. Eso hace Jessica Rabbit. Dos secuencias puntuales, y un diálogo perfecto, entre otras joyas con que nos obsequia la película. La mirada perdida en el contorno de un dibujo y una voz sensualmente rasgada (en V.O.), en nuestros oídos.

Cierto que es una película de culto, sin desperdicio, pero a ello ayuda un personaje femenino de corta y rasga. Hay más detalles que recordar, sin duda. Aunque en mi memoria esta película pertenece a Jessica Rabbit.

Jessica Rabbit Song - “Why don’t you do right”

Este es el otro momento grande. Homenaje a las cantantes que actuaban en los tugurios en los que sucedían muchas películas de cine negro y seducían con su voz al público. Incluye un cameo de Betty Boop.

Who Framed Roger Rabbit (inicio)

En sí, el arranque de Roger Rabbit (sólo con decir su nombre uno sabe la película de que se trata), es un cortometraje homenaje a los Looney Toones. Una piensa que está ante el preámbulo de la película que viene a continuación. Una pequeña historia de dibujos animados, y de repente un corten genial gritado por un director, que pone en situación la película. Uno no lo espera.

Nota: ~~A partir de este enlace de youtube es posible llegar a una serie de vídeos donde se puede disfrutar la película entera~~ Hemos tenido que cambiar el enlace a Youtube por este nuevo en el que tenéis algo más que el inicio de la película.

Un contenido adicional a modo de regalo.

A raíz de este arranque, y dado el buen juego que dio, Spielberg, que era productor ejecutivo de la película, dio luz verde para la realización de una serie de animación, que bebiese de las fuentes de esos Looney Toones que disfruto de niño, con Roger Rabbit de protagonista. Una muestra de los mismos son cuatro capítulos que os hemos colgado a continuación

Roger Rabbit: Tummy Trouble

Roger Rabbit: Rollercoaster Rabbit

Roger Rabbit: Lapin looping

Roger Rabbit: Trail Mix-Up

Más información | Toonopedia

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Mis secuencias mágicas de cine: 'Peter Pan', You Can Fly! (¡Tú puedes volar!)

Antonio Toca — Tue, 15 Jul 2008 17:37:01 GMT

Una de las cumbres del cine de animación de Disney, en cuanto a realización es ‘Peter Pan’ (1953). Se podría decir que musicalmente hablando la cumbre es ‘El libro de la selva’ (1967), pero tiene algo que le falla con respecto a Peter Pan, lo mismo la historia, un guión más trabajado por parte del estudio o que la figura del propio Walt Disney se hacía sentir (esta película fue una apuesta suya, la última). Con esto no quiero decir que para mí Peter Pan sea su mejor película, no alcanza la altura de Pinocho, pero es un clásico del cine de animación.

Lo que sí me produce recuerdos es la secuencia que aquí os traigo, ese ‘You can fly! You can fly! You can fly!’ (¡Tú puedes volar!), en el que se ponen Peter Pan, Wendy y sus hermanos, rumbo al País de Nunca Jamás, mientras sobrevuelan un Londres magistralmente dibujado (¿se fijó Pixar en Peter Pan para hacer ese París tan al detalle? ¿Se fijó la gente de Harry Potter en Peter Pan para rodar la secuencia de las escobas voladoras por Londres? Yo creo que sí). A lo que iba, esta secuencia es mágica, porque me hace tararear de nuevo la música, como con Lee Marvin y ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’. Porque me hace regresar a ese momento de mi niñez en la que vi la película por primera vez.

Ahora la saboreo de diferente manera, viendo cómo la disfruta mi hija, como señala los personajes volando, con la misma devoción con la que yo disfruté la secuencia hace la tira de años. Si alguien me pregunta qué recuerdo de esta película, a mi mente vienen Campanilla, el Capitán Garfio, y esta canción que habla de la imaginación, de cumplir tus deseos, de poder hacer lo que te propongas (traducción libre de la letra original).

“¡Tú puedes volar! Cuando hay una sonrisa en tu corazón. No hay mejor tiempo para empezar. Es un plan muy sencillo. Puedes lograr lo que los pájaros pueden hacer. Al menos vale la pena intentarlo. ¡Tu puedes volar!“

Esta secuencia ejemplifica la magia de Disney. Del cine para niños y adultos. Porque todos alguna vez estuvimos en el País de Nunca Jamás. Porque, en el fondo, seguimos siendo unos niños. Yo lo sigo pensando, y me ocurre eso al ver cantar esta canción.

Ver secuencia You Can Fly! de Peter Pan:

Más información | Letra completa de You can fly!

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Mis secuencias mágicas de cine: Lee Marvin y 'Wandering Star'

Antonio Toca — Sat, 12 Jul 2008 18:29:54 GMT

Mi descubrimiento del cine fue más de videoclub que de las propias salas. Por eso, cuando encontré una película con Lee Marvin y Clint Eastwood, y con la belleza de Jean Seberg, la alquilé sin dudar, era poco más o menos que esperar un disfrute de acción y entretenimiento. Y más con un western. ¿Musical? Sí, pensé, pero seguro que está bien, dejándome lllevar por los nombres de los actores protagonistas.

Me confundí, pero que bien vino. Se trata, el cine que perdura nunca vive en el pasado, de ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’, un musical, diferente sin grandes bailes, socarrón, al que uno regresa siempre que puede para tararear ese glorioso tema que es ‘Wandering Star’ (aquí la versión en español), y a poder ser, con la voz ronca de Lee Marvin.

Esta película es obra y gracia de Lee Marvin, al que se adora su truhán y egoísta, pero de gran corazón, personaje. Alguien que vive al día, hasta que entiende que donde vive ya no es su sitio.

Conozco poca gente que no se detiene a tararear ‘Wandering Star’ cada vez que la escucha. Es su marca. Oír sus acordes y pensar, ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’. Uno no sabe si es la secuencia o la canción. Que más da. Es de las películas que entran en el hueco de aquellas que no defraudan. De aquellas que forman parte de tus recuerdos cinéfilos de juventud… Yo también lo hice, cantemos, “I was born under wandering star…”

Vía | Mangas verdes
En Blogdecine | Películas para cantar y bailar

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Mis secuencias mágicas de cine: El pelo rojo de Julianne Moore

Antonio Toca — Mon, 30 Jun 2008 13:07:41 GMT

En ‘Vidas Cruzadas’ (Short Cuts), la película que realizó Robert Altman sobre algunos cuentos de Raymond Carver, Julianne Moore interpretaba el personaje de Marian Wyman, esposa de Matthew Modine en la misma (el cuento en cuestión de Carver es ‘¿Quieres callarte, por favor?’), en la que no sólo roba escenas, sino que se hace ama y señora de toda la película. Simplemente por la secuencia que podéis ver más arriba, los minutos en los que aparece desnuda de cintura para abajo mientras le confiesa una infidelidad pasada a su marido. Todo el mundo se acuerda de eso, y de su pelirrojo vello púbico.

Quizás la secuencia debe parte de su fama a un diálogo entre Robert Altman y Julianne Moore, cuando el primero le ofreció el papel que rechazó Madeleine Stowe, y le comentó la secuencia en cuestión. “Puedo hacerlo, y además te ofrezco una prima adicional”, le respondió ella, “soy pelirroja de verdad”. Ese es el mito, pero lo cierto es que visto en acción, los ojos no ven otra cosa, pese a la tensión de la escena, al hecho de que estamos tratando de confirmar que es cierto, mientras la actriz se desgañita contando el porqué de lo que hizo a un marido que no debería haber preguntado.

Se están preparando para salir, y ella se ha derramado una copa de vino en la falda. Mientras se va a la cocina a tratar de limpiar la mancha, su marido la acusa de haber besado a otro hombre en una fiesta, y ahí es cuando viene el golpe de efecto, va a usar el secador, y lo que escondía el plano, aparece ante nuestros ojos. Es una discusión, dentro de las paredes de una casa, y allí estamos los espectadores observando la sorpresa. No nos lo creemos, pero es cierto… acaba de hacerse con la autoría de la película. Está confesando, ¿es pelirrojo, no?, así vienen todas nuestras preguntas la primera vez que vemos esta secuencia. Matthew Modine pone cara de alucinado, quizás por lo que escucha, aunque seguro que es otra la razón, como todos pensamos.

Resulta que la excelente actriz que es Julianne Moore pasará a la historia del cine por esta mágica secuencia, olvidando otros regalos con los que nos ha obsequiado. A modo de ejemplo traigo esta otra secuencia de ‘Magnolia’, soberbia en todos los registros, de su entrada en la farmacia. Fijaros en la transformación de su rostro hasta que explota. Por eso es grande esta actriz. Aunque para sus fans será siempre la chica del pelo rojo.

Más información | Lo que yo te diga

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Mis secuencias mágicas de cine: 'Tiburón' de Spielberg visto con el paso de los años

Antonio Toca — Sat, 21 Jun 2008 18:02:31 GMT

A pesar de que Spielberg tiene muchas buenas películas, considero que ‘Tiburón’ es la más redonda de sus obras, de esas películas por las que no pasa el tiempo, por mucho que fuera rodada en 1975. Nosotros mismos, con el paso de los años y con cada visionado, vamos viendo las películas desde diferente perspectiva. De Tiburón uno recuerda el arranque, un baño en el mar de madrugada, un susto, dos, tres, la desesperación de la bañista que no sabe qué le está atacando, y de repente cuando todo acaba, el júbilo de un pueblo de costa envuelto en el periodo de vacaciones, y los nervios del jefe de la policía ante lo que se avecina. Todo el mundo recuerda ese arranque, la impresión que produce el primer visionado del mismo, sobre todo con los ojos de un adolescente. Nunca una aleta de tiburón sobresaliendo sobre el agua produjo tanto pavor, no en esa secuencia, que tiene la virtud de no mostrarnos al animal.

Año tras año, la televisión rebajó el grado de tensión de la película al programarla siempre en sesión de tarde, pero incluso a la luz del día, la secuencia del ataque a los bañistas suponía todo un prodigio de montaje, al centrar la misma en el personaje de Roy Scheider, tratando de sacar a todo el mundo del agua, con la tensión de alguien que se siente responsable por no tener la playa cerrada conociendo lo que conoce, y ante todo porque es padre. Y aquí es donde quiero llegar con todo lo que estoy comentando.

Para ello me valgo de J.J. Abrams, a quien muchos consideran un nuevo genio de la televisión (aquí será el paso del tiempo quien lo determine), que realizó una conferencia hará un año y medio sobre creatividad con el título de The Magic Box (La caja mágica). En ella hacía referencia a cómo crear momentos mágicos, como llegar a ellos, demostrando que no siempre las secuencias que tenemos en la cabeza son las únicas que tienen duende. La caja mágica de la que habla tenía la virtud de poder abrirse de diferentes formas, y dependiendo cómo se abra darnos una sorpresa, como cuando nos acercamos varias veces a ver una película.

Durante la charla Abrams hace uso de la película de Spielberg, tomando la secuencia de arranque para explicar lo que comentaba en el anterior párrafo. En esta ocasión (lo podéis ver desde el minuto 10:15 hasta el 12:15 del vídeo de la conferencia), lo hace como preámbulo a la secuencia que quiere resaltar, en ella, Roy Scheider está preocupado por el problema que le ha ocasionado el ataque del tíburón, por la reprimenda de la madre que acaba de perder a su hijo, le carcomen los remordimientos, y tiene miedo porque algo tan duro como es perder a un hijo, le pueda pasar a él. Está sentado en la mesa, y su hijo pequeño trata de animarle, hasta que lo consigue. La cuestión es cómo lo consigue. Como en la sucesión de acontecimientos, Spielberg se permite un momento de ternura para rebajar la tensión y descansar. Pura genialidad.

El paso de los años y la experiencia de ser padre, me ha descubierto esta secuencia sin tanto nombre ni tan recordada. Estaba ahí, pero no la veía. Una revisión de alguien que me la mostró, visto con otros ojos, con otra perspectiva. Porque sé lo que le pasa al personaje que interpreta Roy Scheider por la cabeza. Los miedos y preocupaciones por lo que va a tener que hacer para proteger a los suyos. Por eso las grandes obras conviene reparsarlas con frecuencia. Por las cosas que cada vez nos enseñan. Y por cierto, yo también me comería al crío a besos.

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Mis secuencias mágicas de cine: Hola, mi nombre es Iñigo Montoya...

Antonio Toca — Wed, 18 Jun 2008 11:41:07 GMT

Tengo una amiga que en sus momentos chungos, por llamarlo de alguna manera, recurre al cine para animarse, en especial a una única película, ‘La princesa prometida’. La ve, llora, y recarga las pilas, o eso me comenta. Si algo tiene ‘La princesa prometida’ es que para muchos aficionados se trata de una película de culto, que les preguntas por sus películas favoritas, y en muchas ocasiones este título aparece en su lista, por la historia, por todo, por Iñigo Montoya. Mandy Patinkin fue el actor que le interpretó, y para la historia del cine ha quedado su “Hola, me llamo Iñigo Montoya, tú mataste a mi padre, preparate a morir…”, repetido varias veces sin parar en la secuencia que todos tenemos en la cabeza.

No es que tenga la misma devoción que mi amiga por esta película, es capaz de recitar todos los diálogos importantes, y quizás me gusta más cuando hablo con ella de la película o la escucho rememorar sus frases, pero el personaje de Iñigo Montoya, acierto en el nombre, acierto en todo, acapara la mayoría de mis recuerdos. Ésta por encima de todos, en especial en la secuencia mágica que destaco. Esa es la magia del cine.

Nota: El vídeo de arriba es la interpretación de la frase de Mandy Patinkin con su voz original, sin palabras. En la continuación tenéis dos vídeos contando la historia de la misión de Iñigo Montoya, y la secuencia completa con la repetición de la frase.

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Mis secuencias mágicas de cine: La pistola de Indiana Jones

Antonio Toca — Fri, 23 May 2008 16:53:06 GMT

Pertenece a las secuencias que se quedan grabadas en la memoria. Aquella en la que Indiana Jones es amenazado en ‘En busca del arca perdida’ por un guerrero árabe, e Indy soluciona la pelea de un disparo. La grandeza de la escena está en el gesto de Harrison Ford cuando ve los malabares del guerrero, en el que podemos leer un “venga ya, corta el rollo, y no me hagas perder el tiempo”, y que no es más que una improvisación del propio actor (esto un soplo de Alberto, gracias), que harto y cansado de rodar peleas, se comenta que estaba en ese momento con fiebre, propuso rodar la secuencia de esa manera. Y la propuesta, trajo otra mejora, que en el plano siguiente, Spielberg rodara el disparo desde detrás de Indiana Jones, para mostrar que en ese momento a Indy hay otras cosas más importantes que le preocupan. La escena, que es un magnífico chiste, es cerrado de una manera seca, y el respiro que éste nos da, nos permite coger aire en la persecución para rescatar a Marion, que continúa acto seguido.

Recupero esta secuencia entre esas que considero mágicas, porque la misma escena es utilizada como chiste en ‘Indiana Jones y el templo maldito’, y el significado que le aplica a esta segunda Spielberg con respecto a la primera. Todo porque estamos en una precuela. Aquí, Indy se cruza con dos guerreros con espadas, y la sonrisa socarrona de no vengáis a mí con estas que tengo prisa, se torna miedo cuando la pistola no está en el cinto. Ahí entendemos el significado de ese salto temporal en el tiempo, y que lo que vemos en la segunda secuencia, el olvido de la pistola, es referente en la primera, está claro que ya Indy va a tener cuidado de que cuando eche mano del cinto, la pistola se va a encontrar allí. El guiño a la primera entrega es sobre algo que en teoría en la precuela aún no ha ocurrido, lo que inmortaliza más la secuencia de ‘En busca del arca perdida’.

Cierto que hay más secuencias para destacar, de cualquiera de las tres entregas, pero como adoro la primera parte, a la que considero una de las películas de mi vida, a pesar de Spielberg, o por él, que ya no sé que pensar, os dejo a continuación alguna de de ellas. Porque al final, para cada uno de los que amamos el cine, el doctor Jones tiene un significado especial, un momento de recuerdo y reencuentro con nuestra infancia.

En blogdecine, críticas de la saga de Indiana Jones:

Vía | El rincón de Alvy Singer
En blogdecine | John Williams, Indiana Jones y la banda sonora de ‘En busca del arca perdida’
En blogdecine | Mis secuencias mágicas de cine

'Manhattan', una de las películas de mi vida

Antonio Toca — Thu, 15 May 2008 11:50:23 GMT

[Nota: La versión en vídeo que hemos subido está en español, en este otro enlace tenéis la secuencia de inicio de Manhattan en V.O., con los matices y tonos que le dio el propio Woody Allen]

Como habéis podido ver en alguna publicidad que tenemos colgada en esta página, un medio tradicional pone a la venta una colección con algunas, no todas, de las películas de Woody Allen, a partir de este domingo. La serie tiene un arranque fuerte, porque la primera entrega viene con ‘Manhattan’, una de mis películas favoritas, seguramente una de la películas de mi vida. El inicio de ‘Manhattan’ lo podría incluir en esa serie de secuencias mágicas de cine, pero es tan grande y universal que seguramente para muchos es de por sí mágica, y no descubriría nada nuevo. En esta película el cineasta realiza una declaración de amor completa a la ciudad de Nueva York. La historia es lo de menos, aunque el guión es magistral, lo importante es el decorado, los restaurantes y cafés donde Woody Allen hacía su vida diaria, o esa conversación junto al puente de Brooklyn bajo la bruma y empezando a amanecer, fotograma universal sin duda. La música de George Gershwin, el Rhapsody in blue in crescendo que acompaña a Nueva York según va despertando, tanto al principio como al final de la película (ésta, otra secuencia soberbia), la demostración de que si tienes una vida hecha sin complicaciones, lo mejor es no cambiarlo.

En esta película, Allen nos enseñó una forma de rodar los paseos y caminatas de los protagonistas, no sólo por mostrar espacios de Nueva York, sino como una forma de decir que los actores no deben estar parados, que los diálogos necesitan movimiento. En una época en la que el blanco y negro era poco menos tabú, Woody Allen se arriesgó con él, porque si lo pensamos los homenajes a tus grandes amores, tanto en la fotografía como en el cine, se deben hacer en el color en el que mejor salen, que no es otro que el blanco y negro. Hace ya tiempo que no vuelvo a sus imágenes, aunque me sigue impresionando la Nueva York que esta película me mostró, diferente a la que vi hará 16 años, la mía en color por desgracia. Pero una cosa tengo clara, es el puente de Brooklyn de esta película el que tengo siempre en mi cabeza (lo cual al final es un error, ya que se trata del puente de Queensboro que une Manhattan con Queens y que todo el mundo piensa que se trata del de Brooklyn), como el Rhapsody in blue de Gershwin, o la vista aérea del sky line, o el Broadway que yo siempre imaginé con sus carteles luminosos. La culpa es de Woody, y yo bien que lo agradezco. Luego haría otras obras maestras, y cada uno ordena según su criterio las películas de Woody Allen que más le gustan, pero me sigo quedando con ‘Manhattan’, por encima de ‘Annie Hall’ (aunque lo cierto que es como preguntar a quien quieres más, ¿a papá o mamá?). Las películas de mi vida tienen esas cosas, y ahora me doy cuento lo difícil que resulta explicarlas.

[¡Ojo spoilers!: A continuación encontraréis el trailer y varias secuencias de la película (en inglés, en español y con subtítulos), entre ellas está la maravillosa escena final, con toda la carrera y el diálogo incluido, obviamente, para los que no la hayáis visto, como el resto de las secuencias, os puede destripar la película, y aunque creáis lo contrario, no importa, lo que provoca son una ganas enormes de verla… eso sí, lo correcto es avisaros primero.]

Trailer de Manhattan

Manhattan, secuencia 1

Manhattan, secuencia 2

Manhattan, secuencia 3

Manhattan, secuencia final

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Más información | El rincón de Alvy Singer y 13 monos
En blogdecine | Woody Allen y la historia de sus famosos títulos de crédito

Mis secuencias mágicas de cine: 'Atlantic City', el limón y Susan Sarandon

Antonio Toca — Mon, 12 May 2008 15:36:33 GMT

Se trata de películas que para el común de los mortales no llaman la atención, pero en base a una gran interpretación como la de ese monstruo que terminó siendo Burt Lancaster con los años, y a un director como Louis Malle, que pese a sus altibajos en su época americana, nos regaló una joyita como ‘Atlantic City’.

La escena en cuestión es aquella en la que Susan Sarandon, joven, atractiva, deseable, se lava con un limón el cuerpo, ante la atenta mirada de ese gánster en decadencia que interpreta Burt Lancaster, y que gracias al deseo que despierta en él Susan Sarandon y su personaje, recupera las ganas de vivir. Lo importante de la secuencia, no es lo que se ve sino lo que se intuye. A la Sarandon al principio no la vemos de frente, y luego la miramos a través de los ojos de Lancaster, el pasado mirando al futuro, al deseo delante de nosotros, a la fruta prohibida aunque cercana. Para al final sí observar, con una elevada carga de erotismo, como se seca y se viste, y como uno es capaz de aguantarse.

La escena me parece rodada magistralmente, en algo supongo que tuvo que ver que Louis Malle y Susan Sarandon eran pareja en la vida real, y que el maduro director era quien observaba a su amada a través de los ojos del actor. Recuerdo que la escena me impresionó, como a mucha otra gente y críticos que han visto la película, porque cumple con una regla importante, enseña sin mostrar, y es nuestra imaginación la que engrandece lo que vemos. Lo dicho, si la secuencia y esta entrada sirve para que os acerquéis a ver ‘Atlantic City’, adeptos habré logrado. Eso, y que ver actuar a Burt Lancaster en estado de gracia, es un caramelo que merece la pena llevarse a la boca. Está soberbio.

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Mis secuencias mágicas de cine: Sally fingiendo el orgasmo

Antonio Toca — Sat, 26 Apr 2008 21:41:04 GMT

Sucede que a veces las películas quedan marcadas para siempre por una secuencia. Da igual la calidad de la misma, si en apenas tres minutos se logra un momento mágico y sorprendente, por lo inesperado. Bastante gente me comenta que ha sido su mejor interpretación, y puedo afirmar que esta película tardó en ganarme, pero una vez que lo consiguió, pasó a ser de mis favoritas. Pese a Billy Cristal. Hablo de ‘Cuando Harry encontró a Sally’, y de la escena en la que Meg Ryan finge un orgasmo en una cafetería llena de público.

Momento cómico donde los haya, repetido cientos de veces en cualquier antología de grandes momentos del cine, y una declaración del poder de la mujer abrumadora, dando al sexo masculino donde más le duele, sentirse engañado. La escena, con el tiempo sentó un precedente, y variadas han sido las veces que han tratado de imitar su comicidad. Gracias a ella, hablo de la película, Meg Ryan se convirtió en la reina de las comedias románticas, hasta que la edad dijo basta. Ahora, pese a sus intentos de hacer cine diferente, cuesta verla en papeles con sustancia (ahora que la semana que viene tiene nuevo estreno con Antonio Banderas), y si lo pienso con frialdad, es carne de serie de televisión. Y esto no es algo despectivo, allí puede revivir una segunda juventud, con algún papel que sepa explotar sus cualidades. Eso sí, que no lo haga junto a Billy Cristal. Con una vez ya hubo suficiente.

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Mis secuencias mágicas de cine: 'Julio César' y el arte de manipular a la plebe

Antonio Toca — Fri, 28 Mar 2008 00:10:19 GMT

Debí de ser de los poquitos que se tragó todo el maratón de la serie Roma durante la pasada Semana Santa. Cierto que fue algo demasiado intenso para paladear en tan poco tiempo, pero tenía que hacerlo, hay que exprimirlo al máximo. Lo cierto, tras ver la serie, fue que la imagen que tenía en mi cabeza de Marco Antonio, cayó por los suelos tal y como lo dibujaron en la serie. Y entiendo que dibujó un perfil bastante fiable de cómo fue en realidad Marco Antonio (mujeriego, egoista, y menos héroe de lo que en realidad pensaba). Aunque la imagen de Octavio, un enfermo y peligroso dictador, también me la dejó por los suelos, contrariamente a lo que he podido descubrir sobre Bruto, vendido como un traidor cuando en realidad fue capaz de ver el grave problema que suponía Julio Cesar para la República de Roma.

Lo cierto es que la imagen que tenía en mi cabeza de Marco Antonio, se debía en realidad al cine, a la película de Mankiewicz, ‘Julius Caesar’, y a la interpretación de Marlon Brando como Marco Antonio. En especial los dos monólogos que interpretó tras el asesinato del César. Así que aprovechando la entrada de Alberto sobre el cine político, no he podido remediar traeros sendos monólogos, para ver lo gran actor que era el Brando entre tantos actores ingleses habituados a trabajar con textos de Shakespeare, empezando por el “Dogs of war” con el que se abre esta entrada, justo tras ser asesinado César y cuando Bruto está justificando el que los senadores decidieran hacer lo que hicieron.

El que viene a continuación, es el monólogo por el que esta película es siempre recordada, una manipulación perfecta de la multitud, haciéndola ver el error en el que estaba cayendo. En palabras de Carlos Boyero: “Bruto acaba de justificar con brillantez y emotividad ante la desconcertada plebe las razones para haber asesinado al tirano César. Marco Antonio, que comienza su discurso proclamando astutamente la honradez de Bruto, manejará sabiamente los resortes emocionales de la masa, su sensiblería y su codicia, la volubilidad de sus convicciones, su hipnosis ante los tópicos bien maquillados y las mentirosas grandes verdades, para que ésta se ponga de su parte, llore la ejecución del padre de la patria y ruja exigiendo el castigo y la destrucción de los verdugos”.

Vamos, que consigue convencer a la plebe de la maldad del honrado Bruto, un gran James Mason, con un discurso ajustado al peligro que se cernía sobre Roma si César seguía en el poder, el de Bruto. Estamos ante otra de las grandes secuencias de la historia del cine y del teatro, aquí cine filmado. Escuchar las palabras que escribió el dramaturgo inglés e interpretó el actor americano, son cosas a repetir de vez en cuando. Todo un “tour de force”, del que Brando salió con alta nota (algo que repetiría años más tarde en sus improvisados monólogos de ‘El último tango en París’). Saborearlo en su idioma.

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Más información | El País

Richard Widmark será siempre Tommy Udo

Antonio Toca — Thu, 27 Mar 2008 18:39:25 GMT

Murió Richard Widmark, gran actor, pero desconocido para las generaciones jóvenes (como hemos podido ver en algunos de vuestros mails). Sin embargo, para la mente del cinéfilo, evocar su nombre es recordar a uno de los grandes malvados de la historia del cine, aunque lo cierto es que era tan grande en registros que podía hacer lo que le diese la gana. Si se le recuerda por sus papeles de malo, a la mente viene un nombre: Tommy Udo (‘El beso de la muerte’). Eso sí que fue empezar con buen pie en Hollywood, aunque le terminará encasillando al principio de su carrera.

Todos recordamos su hablar a saltos, su rostro pétreo, la mirada loca de psicópata, el corte de pelo, pero sobretodo la risa que él incorporó al personaje, rasgo con el que siempre identificaremos a Tommy Udo. Reconocible por encima de todo, con la secuencia que os hemos colgado encima del texto, la mítica en la que ata y tira por la escalera a una mujer inválida en el colmo de la maldad (lo intuyes, pero no crees que el director se termine atreviendo a rodarlo). Es uno de esos malos, míticos, en los que ha entrado Anton Chigurh (por identificar su interpretación con un personaje reciente), aunque a Widmark, pese a estar nominado, no le dieron el Oscar (cosa que no importa cuando una interpretación se queda grabada para siempre en la memoria).

En la continuación de la entrada, tenéis otra muestra sobre cómo compuso Richard Widmark el personaje de Tommy Udo, literalmete sus cambios de humor dan miedo.

Por cierto, y a modo de anécdota, fue salir la noticia de la muerte de Richard Widmark, y uno de los vídeos más visitados en YouTube, y portada en Google Video, fue la secuencia de la escalera de ‘El beso de la muerte’ (cosa que no me extraña).

En blogdecine | Richard Widmark nos ha dejado

Mis secuencias mágicas de cine: 'Paris, Texas', el diálogo en el Peep Show

Antonio Toca — Wed, 12 Mar 2008 10:48:29 GMT

Corría 1984, y nadie esperaba que el último día del Festival de Cannes de aquel año, y en el que Pedro Almodóvar jugaba sus cartas para ganar la Palma de Oro, éste se viera sacudido de tal forma por una película. El tandem Win Wenders, Sam Shepard, Ry Cooper, nos obsequió con un regalo de tamaña magnitud como es ‘Paris, Texas’. Como digo, era la última película a concurso, y tras su pase, nadie podía negar que ese año la Palma de Oro se la llevaría esta obra. No sólo porque ya se intuía algo grande que podía suceder mientras vemos la secuencia inicial, con ese desconocido andando por el desierto. Sino porque el camino nos dirige sin remedio y para nuestra sorpresa hacia la secuencia del Peep Show, donde nos enteramos de la verdad del personaje de Harry Dean Stanton, y el porqué busca a Natassja Kinski.

Es tal el poder de las palabras y de la historia que se cuenta en esa secuencia, que cuando la ví por primera vez no pude hacer otra cosa que repetir de nuevo esa parte. Esa secuencia no solo hay que verla, por la manera como está rodada, sino escucharla, por la forma como la cuentan los actores, sino también leerla, porque las palabras de Sam Shepard son especiales. ¿Por qué digo esto último? Porque he tratado de encontrar la forma de que se saboreé esa secuencia. Así, un fan francés de ‘Paris, Texas’ ha creado una web dedicada en exclusiva a la película, donde ha subido el texto y ha hecho especial hincapié con la secuencia de marras, y en el idioma que las escribió Sam Shepard. Y no sólo eso, que en la misma web se pueden encontrar más cosas relacionadas con esta magnífica obra, e incluso escuchar algunas de las secuencias.

Además, en la continuación de la entrada, está subida toda la secuencia del Peep Show. Esta es la ventaja que a Youtube le estoy sacando, el poder encontrar joyitas del cine como ésta de ‘Paris, Texas’.

‘Paris, Texas’, diálogo en el Peep Show (1/2)

‘Paris, Texas’, diálogo en el Peep Show (2/2)

Otras de mis secuencias mágicas en blogdecine:

Mis secuencias mágicas de cine: El Santa de Bardem, y la fábula de la cigarra y la hormiga de 'Los lunes al sol'

Antonio Toca — Sat, 16 Feb 2008 11:47:20 GMT

A propósito de los comentarios que van apareciendo en el buen recopilatorio de interpretaciones de Javier Bardem que nos ha traído Teresa, me da la impresión que ahora que le pueden dar el Oscar, por una interpretación del calibre de Hannibal Lecter, parece como si España lo hubiese descubierto. Que ahora que tiene el reconocimiento de los americanos, sí es un buen actor. Esto me ratifica en la miopía cinematográfica y la frágil memoria en cuestiones de cine que tenemos en este país, donde como criterio sólo cuenta la taquilla y el reconocimiento de fuera de España.

Volviendo a sus grandes interpretaciones, antes de este Anton Chigurh que nos ha dejado helados y con la boca abierta, está su Santa de ‘Los lunes al sol’. La secuencia que siempre se me ha quedado grabada es aquella en la que le empieza a leer al niño que está cuidando la fábula de la hormiga y la cigarra, para cabrearse y soltarle una reflexión político sindical apabullante. Lo grande de la misma, es como Fernando León la va preparando y cómo la cierra, porque no vemos todo lo que de verdad le cuenta, a un niño que le escucha con los ojos abiertos. Y me sorprende porque no me espero esa reacción de Santa. La cuestión es si, la escena estaba en el guión, que entiendo que sí, pero si tal y como sucede es improvisación de Javier Bardem con sus gestos, sus pausas, su reacción… No puedo olvidarla porque me parece mágica e inspirada.

A continuación os pongo la parte correspondiente al momento de la fábula, y en la continuación de la entrada, un vídeo más amplio.

Otras de mis secuencias mágicas en blogdecine:

Mis secuencias mágicas del cine: 'Magnolia'

Antonio Toca — Wed, 16 Jan 2008 23:24:38 GMT

Dejé esta idea planteada en un post anterior, a propósito de ir recuperando secuencias mágicas del cine y dado que Davinchu en su blog sigue con su proyecto. Seguramente iré recuperando las ideas que propusisteis en aquella entrada, pero también lo que haré (aunque ya lo había hecho antes sin esta intención), será colgar algunas de cosecha propia, lo que vendrían a ser mis secuencias mágicas del cine, e intentando que no estén en la mente de todos, al menos que sirva para descubrir con esta secuencia, a los que no la hayan visto, la película en cuestión.

Dado que en breve tendremos el estreno de la nueva película de Paul Thomas Anderson, yo quiero recuperar la secuencia más famosa de esa gran película que es ‘Magnolia’ (una de las cosas en las que estamos de acuerdo varios editores de este blog respecto a una película). Al ritmo de la canción Wise Up, todos los personajes cantan, logrando un efecto que te motiva a ponerte a cantar a ti según la vas viendo.

Dicen que Paul Thomas Anderson escribió ‘Magnolia’ a partir de escuchar esta canción, climax de todas las tramas e historias que tiene la película. Trato de verla siempre que puedo, y no por la canción en sí, sino por el hecho de cómo está rodada. Para mí, toda una secuencia mágica.

Otras de mis secuencias mágicas en blogdecine:

Secuencias mágicas del cine: 'E.T., el extraterrestre'

Antonio Toca — Thu, 22 Nov 2007 11:51:28 GMT

Me ha parecido muy interesante este serie de posts que está haciendo Davinchu en su blog, sobre los momentos mágicos del cine (en concreto, sus momentos mágicos, tan variados como aficionados al cine existen). La que os he colgado en esta entrada, corresponde al primer momento mágico que colgó, la secuencia final de E.T., “I’ll be right here”, cuando Spielberg era el cineasta que a todos nos enamoraba, enlazando una película buena tras otra.

La secuencia es emotiva, pero lo que la hace realmente grandiosa es la música de John Williams, que le va aportando, in crescendo, la fuerza adecuada. Muchos preferiréis la secuencia de la persecución con las bicicletas, por ese fotograma inmortal, e historia del cine, de las bicicletas con la luna de fondo, y tan bien rodada, pero a diferencia de la secuencia escogida, la música de Williams no alcanza la maestría del final de la película.

En la selección de Davinchu, hasta el momento podemos encontrar el pongo a Dios por testigo de Lo que el viento se llevó, el discurso de Ray Batty (repiclante) a Harrison Ford en Blade Runner, el discurso de Pepe Isbert y Pepe Morán en el balcón del ayuntamiento en Bienvenido Mr. Marshall, la secuencia final con la muerte de Arturo y Percebal llevando la espada en Excalibur.

Son escenas inolvidables que alguien se ha puesto a buscarlas y enseñarlas. Es una selección, como la que tendréis cualquiera de vosotros. Que no estaría de más conocerlas. De ese modo podríamos ir haciendo un buen diccionario de secuencias inolvidables del cine. Hay tantas que uno no sabe por donde empezar. ¿Cuál es la vuestra?

Vía | El Blog de Davinchu
Más información | Trailer original de E.T., el extraterrestre

Dreams, la canción de 'Chungking Express'

Antonio Toca — Mon, 12 Nov 2007 01:36:46 GMT

Aprovechando la excelente entrada de Juan Luis sobre una lista de 10 películas de cine asiático para ver, retomo otra vieja entrada que tenía guardada sobre ‘Chungking Express’ y la canción Dreams (que luego un conocido grupo irlandés, creo, versionó). Aparte de lo que me llegó a encantar la película de Wong Kai-War, sobretodo la segunda parte de la misma, donde se incluye esta secuencia, y si la recuerdo con tanta frecuencia, es por la citada canción. Me hace sentirme alegre, subirme la adrenalina y botar. Algo que suelo hacer cuando tengo algún bajón.

Pues eso, que me encanta la canción, la película, y que me parece todo un momento mágico del cine reciente. Por continuar con la entrada de Juan, vamos.

Vía | 13 monos

'Smoke' y el paso del tiempo

Antonio Toca — Sat, 10 Feb 2007 10:37:39 GMT

Seguimos destripando ‘Smoke’, la película de Wayne Wang y Paul Auster. El día de los inocentes, y como una celebración de la pasada Navidad, os colgamos en imágenes ‘El cuento de Navidad de Auggie Wren’. La historia que le cuenta Auggie a Paul Benjamin (deciros que este nombre es el alter ego que utiliza Paul Auster para meterse a sí mismo como personaje), para que salga de su atasco creador.

El origen de esta secuencia final, inventada o no inventada por Auggie, arranca de esta otra secuencia que hoy os traemos, tan grande como la del final. En ella Auggie le enseña a Paul en qué consiste el proyecto que está realizando con su cámara fotográfica, y el motivo por el que siempre fotografía esa esquina del mundo. Estas imágenes, que van ganando potencia según avanza la secuencia, me parecen una de las mejores metáforas para explicar el paso del tiempo, sobre todo con las palabras de Harvey Keitel. Imagen y palabra en todo su esplendor.

En Blogdecine | Paul Auster, Smoke y la celebración del buen cine
En Blogdecine | Paul Auster rueda en Portugal ‘La vida interior de Martin Frost’

La secuencia de El cuento de Navidad de Auggie Wren en Smoke

Antonio Toca — Thu, 28 Dec 2006 19:59:45 GMT

Agradable sorpresa me he llevado con esta entrada que ha colgado Casiopea y El cuento de Navidad de Auggie Wren. En el vídeo podemos ver la secuencia final de Smoke, con el largo plano secuencia de Harvey Keitel (Auggie Wren) contando a William Hurt (Paul Benjamin) el cuento de Navidad que éste tanto necesita.

Nosotros os colgamos otro vídeo que incluye los títulos de crédito, donde se puede ver en imágenes todo el cuento de Auggie Wren. Cuenta Paul Auster, en el libro que editaron sobre el guión de esta película y la de ‘Blue in the face’, que en principio tenían previsto poner las imágenes en blanco y negro, mientras Auggie iba contando el cuento. Sin embargo, tanto Paul Auster como el director Wayne Wang, se dieron cuenta que algo no funcionaba. Que la escena de esa forma se quedaba sin fuerza. Finalmente, decidieron hacer la secuencia, tal y como aparece en la película, con la imagen de Harvey Keitel contando el cuento y la cámara acercándose a su cara según va terminando la historia. Sin duda, la escena queda mejor así, independientemente que la historia me parezca una maravilla.

Disfrutar de la secuencia, es cine con mayúsculas, sólo con palabras, y un actor en estado de gracia.

Leer todo El cuento de Navidad de Auggie Wren

Vía | El rincón de Alvy Singer
En Blogdecine | Paul Auster, Smoke y la celebración del buen cine
En Blogdecine | El arte de contar historias