En el mediodía de ayer se concedieron los premios de esta 53ª Semana Internacional de Cine de Valladolid, y debo reconocer, ante todo, que no estuve demasiado inspirado al hacer mi quiniela particular, aunque también tuve algunos aciertos.

• Espiga de Oro.

‘Estómago’, de Marcos Jorge.

Finalmente, el jurado se ha atrevido a ser justo según las impresiones del público, y ha concedido el máximo galardón a la película más divertida, sorprendente y simpática de la Seminci. ‘Estómago’, como ya sabemos, es un historia sobre el poder, el sexo y la gastronomía, y consigue con un ritmo que consiste en alternar dos historias, que dos horas se hagan cortas.

• Espiga de Plata.

‘El Frasco’, de Alberto Lecchi.

El undécimo film del argentino Lecchi, con Dario Grandinetti y Leticia Brédice como protagonistas, es un drama que juega a ser comedia y que trata la historia de un conductor de autobús que se enamora de una profesora.

• Premio del Público (concedido por votación por el periódico ‘El Norte de Castilla’).

‘El Frasco’, de Alberto Lecchi.

• Premio al Mejor Actor.

Unax Ugalde por ‘La buena nueva’ y Joao Miguel por ‘Estómago’.

Sorprendentemente, el premio ha recaído en un actor que no hace una interpretación, por lo que sé, memorable. Ha sido Unax Ugalde como párroco en una película panfletaria, el que ha compartido con otro que sí estaba más o menos cantado: el genial protagonista de ‘Estómago’, inocentón muerto de hambre que descubre que puede ser buen cocinero. Elmar Wepper, de ‘Los cerezos en flor’, se ha quedado fuera. Incomprensible.

• Premio a la Mejor Actriz.

Maria Heiskanen por ‘Los momentos eternos de Maria Larsson’.

Si es que estaba cantado. La madre sufrida que construye Heiskanen, que por medio de la fotografía reinventa el sentido de su vida, era la única que podía optar a este premio.

• Premio a la Mejor Música.

Kare Bjerko, por ‘Terriblemente feliz’.

No entiendo que estando la música de Danna en ‘Adoration’, o la de Klaus Schulze por ‘Los cerezos en flor’, se lo den a esta banda sonora que pasó desapercibida para todo el mundo.

• Premio al Mejor Guión.

Henrik Ruben Genz, por ‘Terriblemente feliz’.

Estaba claro. A pesar de sus boquetes narrativos, tenía un buen guión, sólido y atractivo, y el jurado ha sabido verlo.

• Premio a la Mejor Dirección de Fotografía.

Jan Troell y Miuscha Gavrjusjov, por ‘Los momentos eternos de Maria Larsson’.

• Premio Especial del Jurado.

‘Retorno a Hansala’, de Chus Gutiérrez.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

Acaba la Seminci y con ello una experiencia que me ha resultado muy estimulante. Es el primer festival de cine que cubro en su totalidad, aun con mis limitaciones de tiempo que me han impedido ver todas las películas de la sección oficial.

La 53 Seminci de Valladolid ha estado demasiado españolizada. Mucho cine español, mucha guerra civil para lo que suele ser este festival. Jan Troell, Amos Gitai y Atom Egoyan como directores más reconocidos, ‘Animales de Compañía’ como película más mediática (es sin duda de la que más se ha hablado), el hermano de Käurismaki trayéndonos un film mediocre, y bastante cine latinoamericano. Sorpresa positiva ‘Retorno a Hansala’, decepción ‘La pérdida del diamante lágrima’ y ‘Estómago’ como la película más divertida y encantadora.

Ha sido un festival con muchos títulos aburridos, películas largas, la mayoría llenas de poesía y sosiego, y cine, en definitiva, para pensar. Pero desde luego el mayor acierto de la Seminci, se pongan como se pongan, ha sido la proyección de ‘Metrópolis’ del pasado miércoles. Excepto eso, las proyecciones de la sección oficial y de las de Punto de Encuentro han estado eclipsadas por los desajustes de la organización, las colas, los cambios de última hora y el deficiente trato al público. Hablaré de eso en otro artículo.

Queda muy poco para que, por fin, los diferentes jurados den su veredicto, del que por supuesto daré parte en Blogdecine. Mientras tanto, quiero orientar un poco sobre lo que creo que va a acontecer:

• Espiga de Oro. Estoy entre ‘Los momentos eternos de Maria Larsson’, ‘Estómago’ y ‘Los cerezos en flor’. Algo me dice que no se atreverán con la brasileña, a pesar de que es probablemente la que más le ha gustado a todo el mundo. Me decanto, de todas formas, por la alemana, de la que he oído al jurado y a algunos de mis compañeros de prensa decir maravillas.

• Espiga de Plata. Podría caer en ‘Adoration’, la última buena película de la Seminci, o en ‘Estómago’ o ‘Los cerezos en flor’, en caso de que la de Oro la gane otro. También, como sorpresa (y teniendo en cuenta la nacionalidad predominante del jurado), podrían apuntarse al carro o bien ‘Retorno a Hansala’ o ‘Animales de Compañía’, aunque lo dudo mucho.

• Premio al Mejor Actor. Elmar Wepper, Elmar Wepper, Elmar Wepper. Me sorprendería muchísimo que no se lo dieran al fantástico protagonista de ‘Los cerezos en flor’. Los únicos que podrían hacerle frente son Joao Miguel (de ‘Estómago’) o Devon Bostick (de ‘Adoration’). Una pena que no haya categoría de mejor actor secundario, que yo daría sin lugar a dudas a Carlo Briani, el sabio restaurador de ‘Estómago’.

• Premio a la Mejor Actriz. Sin tener apenas rivales, Maria Heiskanen de ‘Los momentos eternos de Maria Larssson’. Como alternativa, Bryce Dallas Howard por ‘La pérdida del diamante lágrima’.

• Premio a la Mejor Música. Lo justo sería dárselo a Mychael Danna por ‘Adoration’. Pocas veces un violín ha sido tan brillantemente utilizado en una película de estas características. La banda sonora de ‘Cerezos en flor’ también está muy bien.

• Premio a la Mejor Dirección de Fotografía. Aquí sí que dudo, porque el nivel en ese sentido ha estado altísimo. Mis candidatos están entre ‘Adoration’, ‘Los cerezos en flor’, ‘El frasco’ o ‘La pérdida del diamante lágrima’.

• Premio al Mejor Guión. ‘Estómago’, ‘Animales de Compañía’ o ‘Terriblemente feliz’.

• Premio FIPRESCI. He estado con algunos de los miembros de este jurado, y creo que podrían atreverse con lo que el jurado internacional no se atreverá. A darle el premio a ‘Estómago’. Y si no, a ‘Los cerezos en flor’.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

Atom Egoyan, director canadiense de origen armenio y egipcio, es una figura del cine que me parece particularmente interesante desde que vi ‘Ararat’ y ‘El viaje de Felicia’, dos films extravagantes, poéticos e intensos. Todo junto. Ahora ha venido a su festival preferido, ése que le ha acogido, que le ha dado premios y reconocimiento en nuestro país. ‘Adoration’ es su última película, y la última de la sección oficial de la 53 Seminci.

‘Adoration’ arranca muy bien, mostrándonos a Simon (Devon Bostick), un chaval resentido que, animado por su profesora de francés y arte dramático, se le ocurre hacer una analogía entre su padre y un terrorista jordano que puso una bomba a su novia embarazada para hacer explotar un avión. Lo que no sabía es lo lejos que iba a llegar todo.

La película delimita un universo cerrado en el que la interculturalidad, Internet, el racismo, las tradiciones familiares y los recuerdos forman un todo desasosegante. La cosa es que Simon perdió a sus padres en un accidente de tráfico, y ahora es su tío Tom (Scott Speedman) el que le cuida, con sus correspondientes problemas económicos, ya que con su trabajo de gruísta no alcanza para mantenerlo. Simon tiene un turbio recuerdo de sus padres, sobretodo manipulado por su abuelo, recientemente fallecido, que odiaba a su padre por ser el único que hacía frente a sus principios de dudosa moralidad.

‘Adoration’ contiene unos personajes llenos de matices y una poesía inherente que la llena de ritmo y de interés. Egoyan sabe cómo debe fluir la historia, qué pasos tienen que ir dando los personajes. Les conoce, sabe sus motivaciones y, desde lo lejos, es consciente de cómo va a terminar todo. Simon está condenado a superar el trauma que le ha marcado su infancia y adolescencia, y Tom por fin se liberará de ocultar ciertos aspectos de la vida de sus padres.

Las interpretaciones de Devon Bostick y Scott Speedman son más que notables, dando a sus personajes gran cantidad de matices, así como destaca la belleza de Rachel Blanchard (que interpreta a la madre) y los diálogos de Sabine (Arsinée Khanjian), la profesora de francés. La música, de Mychael Danna, por otra parte, con su tema central de violín omnipresente, está especialmente inspirada y da gran parte de la fuerza lírica y la belleza de la que presume ‘Adoration’.

Lo increíble es que, aun con la lentitud de su desarrollo argumental y la impresión que nos deja de que “no nos ha contado demasiado”, entretiene y capta nuestra atención. La primera hora es muy prometedora. A partir de ahí se hace algo redundante y menos intensa, que no necesariamente peor.

Egoyan es un amante de la belleza de las pequeñas cosas, nos muestra cómo llevarse un coche con la grúa puede ser algo extraordinario, lleno de poesía; o cómo Simon, en unos curiosísimos chatrooms, en los que cada persona es una cuadrícula de la pantalla, se comunica de forma muy artificial, con todo tipo de bichos raros de todas las edades, personas aburridas, frustradas, neonazis, radicales; el belén que representa la familia “perfecta” que su abuelo creía tener.

‘Adoration’ muestra símbolos de una vida que Simon quiere dejar atrás. Es una película llena de contenido. Quizá su problema es que Egoyan se pierde demasiado en la ambición, en la estética, en el conjunto, y no sabe expresar totalmente todo el potencial narrativo que se adivina. Una pena, porque ‘Adoration’ es un film que se posiciona sorprendentemente cerca de lo que puede ser una obra maestra, una película ejemplar. Una perspectiva más clara y directa, una narración menos retorcida (es no-lineal), le habría dado a este film una Espiga de Oro justo al aparecer los créditos finales. Aun así, es una de las candidatas, por supuesto.

Reacción del público: gran aplauso.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

Se agradece ver películas como ‘Terriblemente feliz’, a pesar de sus muchos defectos, sus limitaciones y su simpleza. Porque este film, del danés Henrik Ruben Genz, es ante todo un experimento en el sentido más técnico de la palabra. Tanto en lo visual como en lo narrativo. Y desde luego una propuesta de este nivel de riesgo siempre será un acierto para la Seminci.

‘Terriblemente feliz’ nos muestra a un policía de Copenhague, Robert (Jakob Cedergren), que a su pesar tiene que ir a un pueblo pequeño. Allí se encuentra con la tranquilidad propia de una aldea donde nunca pasa nada, y los vecinos le rechazan desde el principio porque piensan que se las pueden arreglar resolviendo sus rencillas a su manera, sin tener que avisar a las autoridades. Pronto conoce al cura, al alcalde y al médico, los tres pesos pesados del lugar, que le sirven de nexo con el resto de los habitantes mientras juegan a las cartas, en una clara metáfora de lo que realmente hacen con el pueblo.

Lo que parecía una experiencia aburrida se va tornando en una incomprensible espiral de mentiras y violencia, al conocer Robert a un problemático matrimonio, formado por Jorgen, un maltratador; Ingelise, una mujer atractiva pero inestable; y su pequeña hija, que pasea con un carrito a sus muñecas cuando en casa las cosas no van bien.

Es un argumento que es consciente de su potencial, con muchos elementos narrativos por atar y muchas sorpresas por dar. Visualmente, ‘Terriblemente feliz’ es muy efectiva, porque manifiesta unos parajes que bajo su aparente sosiego esconden mucha mierda, con perdón. Tiene, al principio, sus coqueteos con el drama rural y también con el cine de terror psicológico, pero finalmente se instaura como thriller. Funciona, y muy bien, pero a partir de cierta muerte (evidentemente no voy a desvelar cuál ni cuándo) la historia se hace arbitraria y muy forzada, llegando a desesperar. Destaca, sin embargo, la transformación de Robert, un personaje aparentemente noble e inocentón, del que sólo sabemos que ha estado medicándose por “problemas con los nervios”. Memorable y revelador, por ejemplo, el duelo de cervezas y chupitos que mantiene con Jorgen.

‘Terriblemente feliz’ es una película que engancha, que sabe mantener en tensión por medio de sus planos, su uso de las luces y el claroscuro, y la música, claro. Engancha tanto que podemos permitirle sus muchas licencias narrativas, aguardando un final que lo cierre todo y que se mantenga a la altura de sus obvias virtudes técnicas. La interpretación del protagonista ayuda, ya que se siente tan perdido en ese pueblo como nosotros. Algunos planos, e incluso parte del desarrollo, está calcado de algunas obras de los hermanos Coen, incluso en cuanto a su sensibilidad narrativa. Me molesta especialmente que copie sin contemplaciones el argumento de la divertidísima ‘Arma Fatal’, que a su vez referencia a la estupenda ‘Wicker Man’, y que pase por alto algunas trampas e incoherencias que nunca se explican o se justifican.

‘Terriblemente feliz’ es, por tanto, en este sentido, tramposa, arbitrario e incongruente, y finalmente decepcionante. No obstante, su tono, que va directo al grano, dando la sensación de que ningún plano sobra y, atención, teniendo en cuenta la inteligencia del espectador, la convierten en una película bastante interesante.

Reacción del público: tímidos aplausos.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

A las 21.30 horas del pasado miércoles, en el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid, tuvo lugar una proyección de la mítica película ‘Metrópolis’, del director Fritz Lang con guión de su esposa Thea Von Harbou. El film es de 1927 y es el único declarado patrimonio de la humanidad de la Unesco.

La banda sonora para la película, de Gottfried Huppertz, fue convenientemente reinterpretada para la proyección, que corrió a cargo de la Orquesta de Castilla y León, dirigida por Winfried Mitterer. Aplausos enormes para la orquesta, sorprendentes (al menos para mí) abucheos cuando el presentador pidió aplausos para el Ayuntamiento de Valladolid y para la Junta de Castilla y León, y sin más preámbulo, los componentes de la orquesta se sentaron, y tras unos rótulos previos indicando el contexto de la historia, comenzaron con la música.

No voy a explicar aquí ‘Metrópolis’, porque es una obra tan trascendental que se han escrito miles de páginas sobre ella. Sólo me quedo con momentos. La expresividad angustiada de Gustav Fröhlich, dando vida al héroe de turno, Freder. La solemnidad de su padre, Joh Fredersen, interpretado por Alfred Abel. La mirada de Brigitte Helm, y su histrionismo malévolo cuando da vida a su sosías robótico. La procesión cansada de los obreros en el cambio de turno. La amistad de Freder con Josafat. Los rascacielos en blanco y negro. El ritmo endiablado que jamás se estanca. Los tres o cuatro temas musicales centrales, que varían sus movimientos con una soltura extraordinaria.

Dividida en dos partes, la proyección de ‘Metrópolis’ supo arrancar sonrisas, tarareos de algunos de los temas, y hasta escalofríos de implicación en la historia. ‘Metrópolis’ es la distopía perfecta, una maravilla que sabe combinar la ambientación futurista más influyente de la historia del cine con temas que rebasan la política y la religión. Aborda, sin profundizar mucho (ni falta que hace) la inteligencia artificial, la conciencia de clase, el crecimiento de la población, la identidad y el libre pensamiento. Todo ello acompañado por una orquesta especialmente brillante, que en ningún momento decae y que aparece más inspirada cuando la película más lo requiere.

Quizás suene doloroso decirlo (por lo que conlleva), pero probablemente esta proyección de ‘Metrópolis’, con la Orquesta de Castilla y León, ha sido de largo la mejor experiencia que un servidor ha tenido en la Seminci, teniendo en cuenta que ya había visto la película cuatro o cinco veces. Ha tenido que llegar Fritz Lang para volver a enseñarnos el cine más puro, más sólido, más disfrutable. Inconmensurable.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

‘Animales de Compañía’, la segunda película del español Nicolás Muñoz, se ha convertido, a lo tonto, en la más mediática de esta Seminci al contar en el pase oficial con todo el equipo, que experimentó el ver por primera vez la película junto al público.

Es un film realmente televisivo. En muchos momentos, más que una película, parece que estemos ante el capítulo piloto de una nueva serie de televisión. ‘Animales de compañía’ sortea como puede su condición de “españolada”, renegando casi de su identidad argumental, pero no lo evita. Es el 65 cumpleaños de Rafa (Miguel Rellán), un malhumorado diseñador de sillas, y él sabe que la cena de celebración acabará en desastre. Tiene una mujer (Mireia Ros) demasiado dinámica y liberal, y tres hijos muy distintos entre sí, entre los cuales hay diferencias insalvables.

‘Animales de Compañía’ es o bien un drama que pretende ser comedia o viceversa. He dejado pasar varias horas y aún no lo he averiguado. Lo que sí sé es que es una historia con más cabeza de lo que parece, con chistes intermitentes pero perfectamente calculados, y con un pesimismo subterráneo que aborda temas como la emancipación, la familia como obstáculo para ser uno mismo o incluso la inmigración, personificada en Luci, la asistenta que tienen en la casa. La cena familiar que tan alegre debería ser, no es más que el canalizador que todas las frustraciones, envidias y viejas rencillas que los miembros de la familia tienen consigo.

Tiene algunas actuaciones muy sólidas, como la de Rellán o un sorprendente Nancho Novo, que es el sustento de la tendencia humorística del film. Aunque su guión, predecible y sus limitaciones de escenario (la película al completo se desarrolla en el interior de la casa) la alejan mucho de ser una gran película, lo cierto es que ‘Animales de compañía’ sabe trascender sus ánimos de película digerible para aportarnos una visión muy ácida y hasta nihilista de los conceptos de amor entre hermanos, aceptación de la persona tal y como es, o el diálogo familiar. Además, ayuda que el guión lo haya escrito el propio Muñoz con su hermano Rodrigo, por la mala leche que se intuye.

Es una historia, a pesar de todo, libre de complejos, casi teatral. Una película, sobretodo, de actores, como se ve en las escenas de la cena en las que Muñoz ha tenido que dirigir a todo su elenco de forma simultánea. Los estereotipos sobre el rol de cada uno en la familia saltan a la vista, pero eso no impide que podamos tener una reflexión llana sobre la nuestra propia, a modo de espejo. ‘Animales de compañía’ es la película española más honesta que he visto en bastante tiempo, que sin utilizar demasiados tópicos patrios ni meterse en berenjenales tipo Guerra Civil o posguerra sabe abanderar nuestro cine con una sencilla propuesta. Para pasar un buen rato, y liberarnos de nuestra percepción a menudo idealizada de la familia.

Reacción del público: largo aplauso de un público entregado.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

Rodrigo Plá es un director uruguayo que ha venido a la Seminci con su segundo trabajo, después de triunfar e impactar el año pasado en este mismo concurso con ‘La zona’. Ahora le toca el turno a ‘Desierto Adentro’, cambiando el thriller por el drama. Y tengo que decir algo antes de que se me olvide: Plá los tiene bien puestos. Abrumado me ha dejado este hombre en la butaca.

‘Desierto adentro’ se basa en una atmósfera sórdida y cerrada, casi apocalíptica, que recuerda, abróchense el cinturón, a ‘Pozos de ambición’ o ‘La noche del cazador’. Una atmósfera en la que un pecado es irreversible y difícilmente encontraremos la senda de la expiación, de la misericordia de Dios. Estamos en la primera mitad del siglo XX, en México, donde la nación ha decidido participar en la Segunda Guerra Mundial.

Elías, un campesino viudo que inculca a sus numerosos hijos su fanatismo religioso, desarrolla en extremo su temor a Dios tras cometer un pecado mortal. Para lograr la misericordia divina, decide construir una iglesia muy cerca de su rancho, con la ayuda de sus dóciles hijos. Pero Dios, según Elías, le castiga una y otra vez, con la misteriosa enfermedad de su hijo Aureliano y con la muerte de otro hijo, al intentar colocar una campana.

Elías sólo vive para cuidar a sus hijos, sobretodo al desgraciado Aureliano, pero se encuentra con un Dios castigador y rencoroso, que nunca tiene suficiente razón de peso para perdonar al pobre protagonista. La visión ultra-religiosa la han heredado los hijos, en especial Celia, la mayor, que cree que el perdón de Dios llegará cuando reciban señales luminosas.

La familia de Elías está marcada por la enfermedad, por el desasosiego, por la culpabilidad. Intenta ofrecer a los hijos una vida plena con la fe y la providencia pero lo único que consigue es la desdicha. Aureliano, el hijo enfermo y sobreprotegido, luchará finalmente por escapar del lugar, en busca de otros mundos, de libertad. La represión que siente por su padre se ve sobretodo por el predecible incesto que practica con su querida hermana Micaela o por su violenta reacción hacia el final. Destaca por encima de todo la factura visual del film, que da prioridad a colores pálidos, grises y sombríos, frente al tono amarillo y cálido que otros directores han utilizado en el mismo tipo de escenario.

‘Desierto adentro’ es un cuento sobre la incomunicación, sobre el sustento que muchos, a lo largo de la historia, han sentido en un Dios al que hay que temer antes de esperar su perdón. Una historia sobre la expiación, sobre la redención, sobre el punto de vista cerrado y limitado. Un relato antibíblico, terrorífico y tan despiadado como el Dios en el que cree su protagonista. La dureza de sus imágenes refresca la perspectiva moralista de su propusta, donde encima Plá remata la faena poniendo una cita de Friedrich Nietzsche al final del metraje. Toma ya. Una película que desde ya está destinada a ser incomprendida. Su tremendismo puede eclipsar sus muchas virtudes cinematográficas, narrativas y hasta aleccionadoras. Una película necesaria para entender el contexto del fanatismo religioso y el papel de la religión en la familia. Lo mejor de todo es que no es una obra hecha para ateos, que excluya a los creyentes. Es incluso más para los creyentes, para poder reflexionar en qué aspectos de sus vidas aparece Dios, para no malinterpretar su influencia, y dónde están los límites de su fe y de su racionalidad. Incómoda, asfixiante e impecable es este ‘Desierto adentro’ de Rodrigo Plá.

Reacción del público: pataleos y abucheos al principio, tímidos aplausos al final.

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• Mi cobertura en la Seminci 08.

La película más corta en lo que llevo de Seminci es seguramente la que más larga se me ha hecho. Cosas de la vida. ‘Villa’ es la última propuesta del joven argentino Ezio Massa, y expresa (más bien lo intenta) la situación en un suburbio de Buenos Aires, donde el fútbol es la evasión perfecta a los muchos problemas sociales y económicos que tiene el lugar. El mundial de Corea y Japón está a punto de comenzar, y el debut de Argentina en el campeonato es todo un evento, algo que no se le escapa a nadie y que ninguno, sea cual sea su situación, puede perderse.

Los protagonistas de ‘Villa’ son tres niños residentes en el barrio del mismo nombre, que viven en la pobreza y salpicados por la violencia callejera. Tras robar una vieja televisión y conseguir sintonizarla, hacen un pacto para terminar viendo el partido sea como sea. Uno de ellos, de origen peruano, el más débil de la pandilla, acompaña a una anciana a llevar la compra a su casa. Otro, mientras tanto, se mete en una banda de matones y recibe por ello un arma. Este último personaje termina siendo el indiscutible protagonista, por más que la película intenta desarrollarse en una especie de vidas cruzadas entre los tres chavales.

‘Villa’ es visualmente agotadora. Pretende lograr un ritmo narrativo que nunca encuentra a base de un montaje frenético, con planos muy cortos y música de percusión muy absorbente y estruendosa. Como se insiste mucho en ello en su primera mitad, el film parece un documental disfrazado de película. Pero ojo a esto: en este aspecto ‘Villa’ sería un mal documental, que no halla un tema central en el que apoyarse, y sin embargo deambula a la deriva, cogiendo de aquí y de allí, mostrando paisajes aéreos de la Villa, planos de la calle, el papel de la Iglesia en el barrio, las desigualdades sociales. Todo ello está mostrado con pinzas.

A partir de la segunda mitad, el partido, lo que realmente parece importar, está a punto de comenzar. Y es en ese momento cuando todo lo demás apenas importa. Massa intenta conmover al espectador mostrando un país que sabe salir adelante canalizando su furor por el fútbol. Y ahí se equivoca. Se parece incluso a un conocido anuncio de cerveza donde los actores miran fijamente a la TV, como hipnotizados, y el gol se convierte en un orgasmo emocional. Los personajes son entonces adornos, y resulta irrelevante el hecho de los tres se buscan la vida para ver el partido a pesar de no contar con televisor, cada uno a su manera. Los niños son sorprendentemente antipáticos y de ningún modo abanderan la denuncia social que ‘Villa’ quiere manifestar.

‘Villa’ no funciona ni como cine de sensibilización, ni como documental ni como homenaje al fútbol. Es un híbrido bastante autocomplaciente que nos produce sopor y falta de empatía. Dura una hora y veinticinco minutos y aún así parece un cortometraje alargado. No hay guión, no hay interés, sólo un torbellino de cosas que apenas nos llaman. Un gol que no sólo marca Batistuta en el partido que aparece en la película, sino que también le mete Massa al espectador. Una película muy muy floja, que consiste en una experiencia de visionado nada entrañable.

Reacción del público: tímidos aplausos y abucheos, a partes iguales.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

Más drama. Y más cine español. Dos de las tónicas de esta Semana Internacional de Cine de la hoy especialmente fría ciudad de Valladolid. En este caso tenemos ‘Dr. Alemán’, una coproducción hispano-alemana o germano-española, como prefieran. Y dirigida por Tom Schreiber, en el que es su segundo film, con una historia propia que viaja hacia las entrañas de Cali, en Colombia, para mostrarnos la dura realidad que atraviesa un país mermado por las drogas, la violencia y la corrupción.

August Diehl, un actor alemán jasp (joven aunque suficientemente preparado) interpreta a Marc, un médico recién salido de la universidad, hijo y hermano de médicos, que ha llegado a Colombia en busca de emociones fuertes y experiencia de sobra para volver a Alemania como un doctor exitoso y con la conciencia tranquila de haber hecho el bien una temporada. Aunque la película tarda en arrancar, pronto vemos cómo esa estancia de Marc “para poder contar a los nietos” no es tan fácil y placentera como podía pensar en un principio. El clima insoportable de la ciudad, y no hablo de la temperatura, empieza a salpicarle cada vez más, y él no lucha por cambiar la situación. Todo lo contrario.

‘Dr. Alemán’ es un pretendido cine de autor, que busca la dureza y la sensibilización con una historia algo llana, tremendista y poco trabajada, y que además quiere coger una perspectiva de documental. El personaje de Marc está muy indefinido a pesar del protagonismo absoluto que logra. Lo mismo aparece como un pretendido mesías que viene de Europa a traer un punto de vista nuevo, que se droga, bebe y se muestra poco razonable ante situaciones que lo requerirían.

Se le ve el plumero a Tom Schreiber cuando lo que más le preocupa en la historia es si los personajes están implicados en lo que sucede en la ciudad o viven en una burbuja circunstancial. No sólo Marc, sino también el resto de médicos del hospital, que viven a cuerpo de rey mientras sus vecinos, aquellos que son sus pacientes, se mueren de hambre y venden droga para poder sobrevivir. Es hasta cínico el hecho de que la película juzga sólo cuando quiere, por medio de Marc, a quien se insiste en ponernos como héroe cuando es realmente un joven antipático e impulsivo que nunca se gana nuestra admiración.

‘Dr. Alemán’, de principio a fin, se revela como un pastiche que engloba, entre otros, una pizca de ‘El fuego de la venganza’, o de ‘El último rey de Escocia’, ‘Ciudad de Dios’ y ‘María llena eres de gracia’. Todo ello metido en una batidora y suficientemente mezclado. El film intenta amoldar a la historia las virtudes de las películas mencionadas, pero sólo logra tener un argumento falto de concretitud, de dudosa moralidad y con un final, por cierto, algo desconcertante. La actuación de Diehl no es nada del otro mundo, pero ya que aparece en casi todos los planos, cumple al no desentonar demasiado.

No hay duda de que es una película que no deja indiferente, por lo que cuenta y cómo lo intenta contar, pero se queda a medias en todo lo que pretende. ‘Dr. Alemán’ es una película rara, desvirtuada e insatisfactoria. Una especie de boceto de lo que podría haber sido una película maravillosa capaz de llegar hondo, y mostrarnos de forma honesta y completa lo que es un país corrompido por el odio y el ansia de sobrevivir a cualquier precio. Tiene aspectos interesantes, pero es probable que resulte larga y poco sincera.

Reacción del público: gran aplauso.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

Ya vale de dramones, enfermedades y sollozos. Por fin he visto en la Seminci una película desenfadada, que no contiene las típicas/tópicas escenas de música lenta con la mirada perdida del protagonista al fondo. No me malinterpreten. Me encantan los dramas, pero el exceso de azúcar, como el que propone este festival, es algo que no recomendaría ningún médico. Yo soy más de solomillo, de patatas fritas con salsa picante. Más cenar cosas contundentes y menos intentar arrancar la emotividad a base de dulces lacrimógenos.

En ese camino va ‘Estómago’, coproducción italo-brasileña dirigida por Marcos Jorge, que es todo un canto al buen comer, al vino añejo, a la nueva cocina, a la educación culinaria y que propone la hostelería y en concreto la cocina como una forma práctica y real de salir adelante y encontrar nuevos caminos.

Raymundo “Romero” Nonato (João Miguel) es un nómada muerto de hambre que entra en una cafetería, come, se queda dormido y no tiene dinero para pagar. El dueño del establecimiento le obliga a limpiar la cocina por no poder pagarle, y a partir de ahí inicia una ascendente trayectoria como ayudante de cocina, terminando en un restaurante de bandera llamado Bocaccio, a las órdenes del sabio restaurador Giovanni (Carlo Briani), mientras mantiene una relación con la prostituta Iria (Fabiula Nascimento). Simultáneamente, vemos una trama paralela (¿pasado o futuro de la anterior?) en la que Nonato está en la prisión, y lucha por ganarse un respeto dentro de la celda comunitaria donde vive. Gloriosa, en este aspecto, la descripción de la jerarquía salvaje de la cárcel, donde uno puede subir y bajar continuamente de estamento.

Es una historia de un hombre luchando por ganarse un lugar en el mundo, por encontrar un sentido de la vida que se adecúe a sus necesidades y sus cualidades. Nonato es rematadamente tonto, en apariencia ingenuo como un crío, pero sus deseos de trabajar, aprender y hacer las cosas bien, le lleva a salir de su estátus de vagabundo para encontrar sus propias ambiciones y darles forma.

Lo mejor de ‘Estómago’, una película que, por cierto tiene una interesante banda sonora, es su ritmo, que hace que sus casi dos horas de duración no se hagan largas, porque la historia es la de la evolución del protagonista. Asimismo, su humor, sobretodo en sus vivencias en la cárcel, ayuda a conectar con el espectador de una forma muy saludable. No es una evolución sólo desde el punto de vista “profesional”, sino que esa lucha de Nonato por conseguir lo que quiere, unido a sus problemas con el alcohol, nos lleva a una intrahistoria que resulta muy atractiva y rica en matices. Y es que, como vemos al final, ‘Estómago’ acaba siendo una suerte de variante de la novela ‘El perfume’. Lo que la diferencia de la obra de Patrick Süskind es su fijación por el purismo gastronómico, y no por el olfato y los aromas.

Que Nonato no es quien resulte ser al principio, puede verse en algunos detalles, como esos monólogos a sus compañeros de celda donde, a pesar de su incultura, demuestra carisma y audacia. ‘Estómago’ es una buena película, arriesgada y divertida, que hace pasar un buen rato sin muchas trampas narrativas ni efectos de guión. La actuación de João Miguel destaca por saber ofrecer un personaje complicado y mucho más interesante al final que al principio.

Reacción del público: ovación.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.