Hoy, Nicholas Roeg, el presidente del jurado, ha leído los galardonados entre el entusiasmo de alcanzar el final del Festival, y entre ellos, tan sólo sorprende un título que había cosechando numerosos ronquidos durante su proyección, pero que parece a algunos les entusiasmó sobremanera (y aunque no me dormí reconozco que tuve que esforzarme). Se trata de ‘Transmission’ del húngaro Roland Vranik que se ha llevado el premio a la mejor dirección. Esa era la principal sorpresa que nos han deparado los premios.

El resto de galardones han ido a parar a ‘44 Inch Chest’ de Malcolm Venville, que se lleva el Premio Especial del Jurado, ‘Garbo, el hombre que salvó al mundo’ el Giraldillo de Oro a la mejor película documental, ‘Tears of April’ el premio Eurimages y el Gran Premio del Público ha recaído en ‘Un profeta’ de Jaques Audiard. El Premio del Jurado Joven ha sido para ‘Transmission’ y el gran Nicholas Roeg en un arrebato de veteranía (o quizás de chochez) se ha sacado de la manga un inesperado galardón, el Premio Extraordinario del Presidente del Jurado, que se lo ha otorgado a ‘Pipilotti’.

En conclusión, el Festival ha echado su cierre, aunque en estos momentos la fiesta de clausura aún tiene unas horas por delante, y nos despedimos con un cierto sabor a decepción en la selección de títulos de la sección oficial. Una decepción que se ha tornado casi surrealista por el nivel de algunos títulos que no merecían tanto honor, aunque también se han podido disfrutar de algunas de las mejores películas europeas del año, que se cuelan en la selección EFA y en las categorías de documentales, que han logrado elevar el ánimo de prensa y público.

Esperamos que el certamen siga creciendo, trayendo a grandes figuras del cine, pero sobre todo centrándose (y autoconvenciéndose) para lograr ser un festival mucho mejor, con más devoción por lo mejor del continente y olvidar el toque taurino (con mis respetos).

Se trata de una película que nos retrata la soledad como opción, a través de una joven ¿antisocial? holandesa que recorre el paisaje irlandés de forma errática, huyendo de la civilización, de las personas y buscando una soledad que no sabemos si es consecuencia de algo el comienzo de un futuro. Poco importa, porque su directora, no pretende narrar hechos sino explayarse con la traslación en imágenes del verdadero sentimiento de soledad y lo que ello conlleva.

Lo cierto es que la cinta mantiene un tono y un pulso firme, con personalidad y no falta de riesgo, huyendo de caer en lo más convencional y buscando la metáfora cinematográfica con momentos de inspirado lirismo. Aunque, sin embargo lo verdaderamente cierto es que al menos funciona su propuesta, de plantear un relato circular, de la relación de la protagonista (de nombre y pasado desconocido) y un hombre maduro y también solitario en una apartada isla rodeada de un paisaje propicio a la evasión social. Todo ello, con algunos giros de guión impuestos sin habilidad, con brusquedad, que quizás denotan la inexperiencia de la realizadora (y una excesiva tendencia al lucimiento del paisaje en plan postal irlandesa).

La pareja protagonista mantienen una relación basada en la negativa a preguntas personales, lo cual depara momentos singulares, pero bien desarrollados. La joven, rehacia a cualquier contacto verbal, al que responde con sequedad antipatía, acepta el cobijo y la comida a cambio, únicamente de trabajo, lo cual va haciendo que a pesar de que luchan por conocer detalles del otro, mantengan un relación distante, a la par que de confianza mutua.

El trabajo del conjunto merece un cierto elogio, especialmente por el brillante trabajo de sus dos intérpretes protagonistas. El experimentado Stephen Rea y la desconocida Lotte Verbeek, que bordan con inspiración sus respectivos papeles. Hay que valorar también el esfuerzo por retratar ese sentimiento de soledad sin tropezar en una complacencia con una resolución menos arriesgada.

Por último señalar, que la notable banda sonora de Ethan Rose (también compositor de la subyugante ‘Paranoid Park’) se acopla a la perfección a la belleza de las imágenes, al gran trabajo actoral y al lirismo arriesgado que plantea la directora de principio a fin, que sin suponer un resultado de traca, bien merece el aplauso (visto lo visto en este Festival).

Y lo es en doble sentido, por una parte al director danés de origen afgano Manyar I. Parwani no le duelen prendas al entrar en detalles escabrosos y tremebundos de una historia de incesto que hiela la sangre. Y por otro, a la hora de afrontar una narración nada convencional, que acentúa en algunos momentos el estado casi paraoico que sufre la protagonista. A base, eso sí, de colores saturados, cámara inquieta y desenfoques a ritmo de músicas diversas.

Parwani no posee una formación cinematográfica de tipo académico, más bien resulta un autodidacta, lo cual no resultaría más que anecdótico, sino fuera porque posee talento a la hora de plasmar en imágenes un estado psicológico tan traumático como el de la protagonista.

Para situarnos, ‘When Heaven Falls’ es la adaptación de una historia real en la que una joven descubre que su madre biológica fallece y decide asistir al entierro. Tras varios años sin ver a su familia, no es reconocida y puede investigar y recordar su etapa de niñez en un ambiente al principio no demasiado extraño, pero que vamos descubriendo oscuro y absolutamente descarnado y sobrecogedor. En su viaje desde Copenhague, se trae su trauma no superado, sus temores, sus pesadillas y un estado, por momentos, de auténtico delirio, que evidencia un pasado nada agradable pero que el espectador no descubre completo hasta el desenlace.

El manejo de la intriga mejora y mucho la forma de afrontar esta historia durísima sobre una infancia protagonizada por un incesto silenciado que arrastra a su protagonista a casi una muerte en vida. Si bien es cierto que Parwani, virtuoso con la cámara se deja llevar en exceso por cierto lirismo psicodélico que en ocasiones sobra y no aporta casi nada a la narración. Sin embargo, a pesar de estos momentos más olvidables (junto con algunos detalles innecesarios que hacen más macabro el relato), el resto del metraje mantiene un noble intento de mantener el tono, siempre arriesgado, y en un intento de huir de la narración más convencional, lo cual aporta gran personalidad al trabajo.

Junto a la protagonista, asistimos a cómo las dos hermanas pequeñas (dos niñas) a quienes no conocía, necesitan de su ayuda. Un descubrimiento que termina por descolocarla aún más, de invocar los demonios de un pasado difícil de olvidar que le empujan a buscar un necesario final para poder subsistir.

Lo cierto es que la historia no resulta nada agradable, destila mal rollo conforme va avanzando y, sin embargo, no resulta culpable la cinta, sino el hecho de conocer que aquello que vamos descubriendo fue cierto. Una realidad absolutamente repugnante que deja el cuerpo contraído, pero que viene a suponer un ejercicio de denuncia con una película sobrecogedora, interesante pero que tiene que cargar con unos hechos de los que uno preferiría no haber ni conocido.

Cuenta en el reparto con actores de primera, aunque no demasiado conocidos por estos lares como Peter Capaldi, Tom Hollander o Steve Coogan, pero tan brillantes como la aparición estelar de James Gandolfini (sin olvidarnos de Anna Chlumsky, a la que se recuerda por ‘Mi chica’ con Macaulay Culkin hace ya bastantes años). La cinta está basada en la comedia televisiva de la BBC ‘The Thick of It’ (de auténtico culto, por cierto). Resulta una comedia ácida, alocada, brillante y con un ritmo tan vivo como ágil resulta cada diálogo encadenado en un ritmo endiablado. Aunque, por otra parte es clara deudora de la brillante serie mencionada, de la que traslada buena parte de sus principales valores e ingredientes.

‘In the Loop’ se burla del poder, de los miembros del gobierno y de sus argucias para mantenerse en sus puestos, así como la toma de decisiones cruciales, vista desde un punto de vista tan humorístico y sarcástico que resulta todo un disparate de lo más divertido. Personajes reputados como el secretario de Estado británico para el Desarrollo Internacional, que está retratado cual esperpento. Diálogos magníficos, que suponen un sobresaliente ejemplo del más hilarante humor británico. Y una realización tan deudora de la mejor televisión (en clara referencia a ‘The Office’) que quizás sea el único pero que se le puede poner.

La cinta retrata con habilidad e inteligencia, y sin renunciar a la caricatura más sarcástica, al poder político. En un relato, que juega con la mezcla hábil de ficción y realidad, sobre la previsible guerra en Oriente Medio provocada por un tropiezo del todo absurdo pero completamente divertido. Ahí tenemos, a la plana mayor del gobierno británico y del norteamericano, enfrentados, poniendo sobre la mesa sus diferencias, similitudes y no dejando títere con cabeza. A la par, que se juega en segundo plano con las diferencias notables entre estadounidenses e ingleses, pero ambos ridiculizados en sus tópicos.

Brillante trabajo de narración, pero también interpretativo en un duelo dialéctico, soez, ácido y acertado, de todo el reparto. Una excelente vuelta de tuerca a los dobles significados, a los juegos de palabras y un borboteo constante de insultos (habrá sido muy complicada de doblar) y réplicas a cual más ingeniosa. Y todo ello con un tema de fondo tan grave y crucial como es una guerra con grandes repercusiones internacionales.

Como indicaba, quizás su mayor pecado radique en querer aproximarse con demasiado apego a la realización televisiva, como si un episodio especial de ‘The Thick of It’ se tratase, pero no por ello se puede desestimar el trabajo de Iannucci, que recordemos debuta en el largometraje con este título. Todo resulta un teatro de guiñol por donde pasean importantes figuras de la vida política, aunque ninguno escapa al sarcasmo más incisivo y resulta una comedia de gran altura.

Contiene alguna que otra secuencia desternillante que consigue el aplauso inmediato de la platea. Esta película, si el jurado se dejase llevar por las sonrisas en vez de por las lágrimas aburridas vistas hasta el momento, debería ser la ganadora del Festival de Cine Europeo de Sevilla (recordemos que se estrenará el próximo 4 de diciembre). Además, aprovechando que se realiza un homenaje a los “New Brits”, qué mejor ocasión para otorgarle el Giraldillo de Oro con todo merecimiento (si es que no nos encontramos con alguna otra sorpresa de aquí al sábado). Sobresaliente.

La historia planteada ya nos la adelantó, así como otros detalles, el mismo Sergi López al comienzo de este Festival. Se trata de una pasional historia de amor, entre una mujer de unos 40 años que tiene una vida acomodada y burguesa, y un albañil que ha estado en la cárcel.

La cinta plantea la historia de amor carnal y tremendamente devoradora que catapulta la vida, supuestamente feliz, de una mujer con una familia a la que se debe. Un buen día, surge un flechazo y la esposa y madre decide dejarlo todo por amor. Hasta aquí el planteamiento no resulta especialmente original y Corsini no se explaya demasiado en detalles. Va al grano aunque le falte algo más de verosimilitud y detalles para que se justifique ese amor a primera vista tan intenso. Lo verdaderamente original, con una correcta puesta en escena y una fotografía brillante, es la narración de cómo la mujer se lanza de forma casi suicida a vivir ese amor y los problemas que le conlleva con su familia. Especialmente sintomático es el caso del marido, un médico burgués e influyente que se niega a admitir el abandono y hace lo que puede para hacerla regresar.

Se plantea una situación trágica, donde el intenso amor es cuestionado, por encontrarse con enormes dificultades para continuarlo. Pero la pasión arrastra a la protagonista hasta límites insospechados, no renunciando a llegar a donde pueda con tal de mantener su carnal historia de amor. Aquí hay que subrayar que la historia gana enteros, en intensidad narrativa y con escenas notables. Pero, especialmente destacable y fundamental para el resultado es el encomiable trabajo de una actriz como Kristin Scott Thomas. Captura con su interpretación toda la atención, despliega un gran abanico de matices, sutileza, entrega, para mostrar el amor intenso y a la vez, la amargura por no poder llevar con total felicidad su drástica decisión. Momentos de buen cine, pero sobre todo de gran interpretación de la actriz británica. La película es ella.

La otra cara del día, por opuesta y alternativa a la cinta francesa ha sido ‘Transmission’, del realizador húngaro Roland Vranik. Se trata de una cinta desconcertante que plantea una situación absurda, hipotética y nada convincente sobre el mundo cuando las pantallas dejan de funcionar. Situación que se plantea a través de una mirada a una familia rota, de tres hermanos que tienen que superar una tragedia sin la necesaria evasión que supone pasar el tiempo (y los problemas) mirando el televisor. La película no conecta en ningún momento, se queda en un espacio y tiempo indefinido, con una falta total de intensidad y con un interés casi nulo que no remonta y cae en picado hasta el final. A pesar de su título, no transmite absolutamente nada y el juego de la situación absurda resulta pobre y escasamente convincente.

Según el propio realizador ha comentado, pretendía huir de lo apocalíptico y plantea el relato como una forma de ver la adicción y el síndrome de abstinencia ante un hipotético apagón de las pantallas de televisión. Pero lo realmente cierto es que sólo consigue una película demasiado metafórica, distante y profundamente aburrida (en vez de aplausos hubo sonoros ronquidos).

‘La joven de las naranjas’ dirigida por Eva Dahr tiene producción española y Sevilla es escenario de buena parte de la misma. Se trata de una adaptación de la novela del popular Jöstein Gaarder (que ha pasado por aquí para apoyar la cinta, aunque lo suyo sean los libros), que nos cuenta a través de los ojos de un adolescente un dilema sobre el amor, la búsqueda del mismo y las decisiones que nos hace tomar en la vida y que determinan su discurrir.

Demasiada filosofía para una historia pobre, breve y sin demasiadas pretensiones que acaba siendo un pastiche de escenarios, desde la fría nieve noruega a los lugares más turísticos de una ciudad tan colorista como Sevilla. Un joven que encuentra en una carta de su padre fallecido la historia de la joven de las naranjas, un idilio misterioso que mantuvo y donde el amor está presente como epicentro del universo. La mezcla de nieve, sol sevillano y naranjas no resulta especialmente acertada, por mucho que los productores (y la propia realizadora) hagan hincapié en que se trata de mostrar tres niveles argumentales, tres capas para hacer reflexionar al espectador. Una singular mezcla de imágenes y músicas con momentos videocliperos, estampas turísticas y trasfondo filosófico pueril, sin un tono claro. Para olvidar.

El otro título presentado hoy en la sección oficial es ‘Jaffa’, un drama en toda regla dirigido por la realizadora Keren Yedaya que nos ambienta la complicada situación de una familia, a través de los ojos (y las lágrimas) de una hija que trabaja junto a su padre y hermano en un taller de coches en el corazón del barrio israelí de Jaffa. Allí también trabajan un joven árabe y su padre. Una relación clandestina entre la muchacha judía y el musulmán que deviene en una tragedia descomunal con ritmo pausado, que intenta ahondar en las decisiones erróneas, lo fortuito y las complicadas relaciones familiares, y mucho más diluida (casi inexistente) queda la mirada a los conflictos entre judíos y musulmanes que conviven en esta zona. De hecho, ambientar la cinta en Jaffa no termina de quedar demasiado justificada (y por tanto desaprovechada), puesto que acaba siendo un drama con temas más universales, y que bien pueden darse en cualquier rincón del mundo.

Un pequeño recorte en el metraje no le hubiese venido mal, a pesar de que la realización de la prestigiosa Keren Yedaya (brillante trabajo en ‘Or’, que ganara varios premios en el Festival de Cannes en 2004) es estimable, a pesar del exceso e intenso tono trágico que le imprime al relato. Sin embargo, resulta un trabajo flojo pecando de exceso en sus énfasis y por momentos redundante.

El ejemplo más patente de ello es ‘Men of the bridge’ (exhibida en la jornada de ayer), una coproducción entre Alemania, Holanda y Turquía dirigida por la turca Asli Özge. Un intento de reflejar la cara menos amable de un espacio como es el puente del Bósforo en Estambul, que separa la parte asiática de la europea. Por allí, entre los terribles atascos de tráfico, pululan personajes que son un fiel reflejo de la sociedad turca actual.

Sin embargo, la propuesta de la realizadora, a pesar de la evidente falta de medios, no consigue separarse de su eminente carácter documental para plantear una ficción medianamente entretenida y estimulante. Es la sucesión, sin sentido del ritmo alguno, de tres historias de tres hombres bien distintos que tienen en el puente, y en Estambul su discurrir diario, con sus particulares problemas. Un joven sin trabajo, que no ha pisado la escuela y que sobrevive vendiendo flores en la calzada repleta de coches, un conductor que se gana la vida compartiendo taxi por horas y al que su mujer le exige algo mejor, y un policía de tráfico que suele trabajar en el concurrido puente y que contacta con chicas a través de internet.

Quizás tenga un interés sociológico para los turcos, pero sinceramente no le he encontrado ninguna justificación, ni argumento donde agarrarse para entender semejante película. Quizás sea mi ignorancia, pero sinceramente no me ha parecido que tenga ni el más mínimo interés (cualquier reportaje televisivo de ‘Callejeros’ o de ‘Comando actualidad’ tiene mucho más sentido del ritmo, de realismo y de entretenimiento).

Otro título al que sumar entre los olvidables es ‘Tobruk’ una producción checa dirigida por Václav Marhoul que se ambienta en la batalla del mismo nombre de la Segunda Guerra Mundial. Es la historia de unos soldados checos que formaron parte de las filas británicas durante la famosa batalla en el norte de África. Es encomiable el esfuerzo de la dirección artística, el maquillaje, vestuario y una banda sonora espléndida (de Richard Horowitz) para dar verosimilitud. Y lo consigue. Buen trabajo en este sentido con gran realismo. Sin embargo, la historia, que no pretende ser antibelicista no termina de funcionar. Los personajes se muestran retraídos y hastiados por soportar tan dura batalla, además del castigo del desierto, pero el reflejo su lucha interior, no resulta especialmente acertado. La narración queda muy diluida y no termina de cuajar ni aportar mayor interés ni progreso desde el planteamiento.

Por último, hablamos de ‘Lourdes’ que abría la jornada de hoy y sí ha logrado dejar un agradable sabor de boca. La película está dirigida por la realizadora austriaca Jessica Hausner y nos cuenta la historia de la ambigüedad que existe en las peregrinaciones en busca de los milagros de en Lourdes. La historia, con una fotografía magnífica y una realización simple, sin riesgos pero muy efectiva, nos traslada a través de la protagonista, postrada en una silla de ruedas, al ambiente que se vive con miles de peregrinos en busca de sanación. La religión, la fe o la esperanza son temas reflejados gran acierto. Para ello, Hausner hace gala de un humor sutil, a la par que incisivo que refleja determinadas situaciones que sirven de verdadera crítica contra la religión. Interesante resultado, pero esperamos algo mucho mejor aún por llegar.

Las películas de Michael Haneke suelen incomodar al espectador en su asiento. Es un realizador al que gusta remover conciencias y, quizás por ello, tiene muchos detractores. Pero su cine, o su forma de concebirlo, precisamente intenta que reflexionemos, hacer que el espectador no asista impasivo a una historia y se olvide de ella justo al terminar. Y, con ‘La cinta blanca’, Haneke precisamente consigue este propósito. Fiel a su estilo, pero con un madurado y más inspirado resultado, hace un ejercicio inteligente de narración poderosa, para sumergirnos en el gérmen de la violencia. Tema recurrente, por otra parte, en sus películas.

‘La cinta blanca’ (‘The White Ribbon’) es un viaje a las entrañas del infierno humano, al menos, al gérmen de los peores aspectos de nuestro comportamiento. Haneke, para ello, nos sitúa en el ambiente opresivo y férreo de una pequeña población germana en los albores de la Primera Guerra Mundial. Una localidad protestante, con severas normas sociales y de comportamiento (educación, religión, familia…), que sirve de escenario para unos extraños sucesos, donde los niños tienen el protagonismo, y asisten a estos hechos y sus consecuencias.

Haneke pone la voz narrativa en un hombre mayor que recuerda los sucesos cuando era joven y era el maestro de la comunidad del pueblo. Allí y entonces, las imposiciones de unas reglas severas toman más énfasis con los convulsos episodios que van sucediendo y que rompen el frío discurrir de la cotidianeidad. Una sociedad regida por la religión, por el respeto por los nobles y donde, la educación de los niños, resulta prioritaria.

El realizador de ‘Funny Games’ hace gala de su habitual mirada distante, gélida, pero a la par contundente, sin cede ni un ápice a concesiones ni a pistas acerca de los episodios, cuya intriga va en aumento, pero genera en todo momento desconcierto absoluto. Apoyado en una austera pero brillantísima fotografía en blanco y negro, con ausencia total de partituras en la banda sonora, logra reflejar con rotundidad la asfixiante atmósfera del relato. No resulta un antojo estilístico, sino una forma de articular el lenguaje completamente apropiado a la historia, lo que evoca y que aumenta, si cabe, el aire misterioso que sobrevuela en todo momento.

Una historia la de ‘La cinta blanca’ que conforme avanza va clavando sus dardos envenenados con la verdadera intención. La de hacer al espectador reflexionar sobre el nacimiento del nazismo, que no es sino un ejemplo para comprender de dónde viene la violencia del comportamiento de los adultos. Una exploración a una infancia represiva que germina en todo lo opuesto a lo que se ha intentado, erróneamente, inculcar.

Muy acertado resulta el uso de la mirada de los niños, como paradigma de la inocencia y la pureza (como la cinta blanca a la que alude el título), para transmitir un mensaje, magistralmente articulado y apoyado en unas imágenes subyugantes, austeras, frías pero no exentas de una fuerza brutal, que justifica el ejercicio de estilo.

‘La cinta blanca’ no se digiere pronto. De hecho, su mensaje permanece en la memoria cuando termina le película y cada uno se lleva su conclusión, reflexión al salir de la sala. Porque la historia concluye, pero su esencia perdura. El mejor Haneke, sin duda.

Tampoco nos podemos olvidar de ‘La cinta blanca’ de Michael Haneke con cuatro nominaciones y la británica ‘Fish Tank’ de la realizadora Andrea Arnold (ambas pasan por este Festival), con tres candidaturas. Por supuesto, no nos podemos olvidar de nuestra cinematografía, con las tres nominaciones logradas por ‘Los abrazos rotos’, optando Pedro Almodóvar, Penélope Cruz y Alberto Iglesias por la banda sonora a sendos premios de la Academia Europea.

Estos premios se concederán en una gala el próximo 12 de diciembre en Bochum (Alemania) y veremos si ‘El profeta’, como apunta, será la gran triunfadora. Aunque, desde luego, no descartamos que Penélope Cruz se alce con premio.

A continuación todas las nominaciones:

European Film 2009:

• ‘Fish Tank’ (Reino Unido)
• ‘Déjame entrar’ (Suecia)
• ‘Un profeta’ (Francia)
• ‘El lector (The Reader)’ (Alemania, Reino Unido)
• ‘Slumdog Millionaire’ (Reino Unido)

• ‘El lazo blanco’ (‘The White Ribbon’, Alemania, Austria, Francia, Italia)

European Director 2009:

• Pedro Almodóvar, por ‘Los abrazos rotos’
• Andrea Arnold, por ‘Fish Tank’
• Jacques Audiard, por ‘Un profeta’
• Danny Boyle, por ‘Slumdog Millionaire’
• Michael Haneke, por ‘The White Ribbon’

• Lars von Trier, por ‘Anticristo’

European Actor 2009:

• Moritz Bleibtreu, por ‘The Baader Meinhof Complex’
• Steve Evets, por ‘Looking for Eric’
• David Kross, por ‘El lector (The Reader)’
• Dev Patel, por ‘Slumdog Millionaire’
• Tahar Rhim por ‘Un profeta’

• Filippo Timi, por ‘Vincere’

European Actress 2009:

• Penélope Cruz, por ‘Los abrazos rotos’
• Charlotte Gainsbourg, por ‘Anticristo’
• Katie Jarvis, por ‘Fish Tank’
• Yolande Moreau, por ‘Seraphine’
• Noomi Rapace, por ‘The Girl with the Dragon Tattoo’

• Kate Winslet, por ‘El lector (The Reader)’

European Screenwriter 2009:

• Jacques Audiard y Thomas Bidegain, por ‘Un profeta’
• Simon Beaufoy, por ‘Slumdog Millionaire’
• Gianni di Gregorio, por ‘Vacaciones de Ferragosto’

• Michael Haneke, por ‘El lazo blanco’

Carlo di Palma European Cinematographer Award 2009:

• Christian Berger, por ‘El lazo blanco’
• Anthony Dod Mantle, por ‘Anticristo’ y ‘Slumdog Millionaire’
• Maxim Drozdov y Alisher Khamidkhodzhaev por ‘Paper Soldier’

• Stéphane Fontaine, por ‘Un profeta’

European Film Academy Prix D’Excellence 2009:

• Francesca Calvelli, por el montaje de ‘Vincere’
• Catherine Leterrier, por el diseño de vestuario de ‘Coco avant Chanel’
• Waldemar Pokromski, por el maquillaje y peluquería de ‘The Baader Meinhof Complex’

• Brigitte Taillandier, Francis Wargnier, Jean-Paul Hurier y Marc Doisne por el diseño de sonido de ‘Un profeta’

European Composer 2009:

• Alexander Desplat, por ‘Coco avant Chanel’
• Jakob Groth, por ‘The Girl with the Dragon Tattoo’
• Alberto Iglesias, por ‘Los abrazos rotos’

• Johan Söderqvist, por ‘Déjame entrar’

Más info | SFCE 09 y EFA

Comenzamos con Sergi López, actor español y casi más europeo, si atendemos a su internacional filmografía. Un tipo extrovertido, simpático y charlatán que habló maravillas (como no podía ser de otra manera) de la película ‘Partir’ que llegará pronto a las carteleras españolas, pero antes participará en este Festival, además en la Sección Oficial.

Sergi elogió el generoso y brillante trabajo de su compañera de reparto, la británica Kristin Scott Thomas. Una actriz espléndida y que lo da todo a la hora de ponerse frente a las cámaras. La película cuenta la pasional historia de amor entre una mujer que llega a los 40 años con una vida plácida y cómoda, pero se cruza con un currante que trabaja en casa en unas reformas y con el que mantiene un tórrido romance y decide romper con todo y “tirarse a la piscina”, como el propio Sergi comentaba.

Pronto la veremos y juzgaremos si esta historia rodada por la realizadora Catherine Corsini logra convencer.

Por otra parte, y antes del despliegue glamouroso de la gala de inauguración, el reparto principal de ‘Triage’, se dejó fotografiar y atendió a los medios. Allí estaban Colin Farrell (un tipo simpático y con el que seguro uno se puede compenetrar en la barra de un bar), la estrella local, la sevillana Paz Vega, que hacía las veces de anfitriona, y el veterano Christopher Lee (de una vitalidad y sentido del humor tan grande como su presencia y estatura).

Paz manifestó lo magnífico que fue el rodaje de la película (entre España e Irlanda), con un gran ambiente y acompañada de grandes de la interpretación como han sido Farrell y Lee, de los que ha aprendido mucho. Por su parte, el irlandés Colin Farrell no quiso quedarse sin elogiar la belleza de Paz y marcarse algunas palabras en español. Y Christopher Lee que ahondó en que era una de las mejores películas sobre la guerra que ha visto, y reconocía haber visto unas cuantas. Ante la pregunta sobre qué opinaba sobre la actual moda de vampiros, Lee fue tajante:

No veo ninguna desde 1972. Me han dicho que ahora los vampiros son jóvenes apuestos (muchas risas)

Continuando con otro gran veterano, el británico John Hurt pasó esta misma mañana por su turno en rueda de prensa. El actor venía a acompañar a su última película ‘44 inch chest’, una cinta del debutante Malcolm Venville (aunque un fotógrafo y publicista muy prestigioso). Largometraje que ha alabado por su teatralidad, pero con un sentido del humor que subrayaba los temas universales que trataba. Hurt manifestaba, que tras tantos años haciendo grandes y pequeñas producciones, prefería (por sentirse más cómodo trabajando) interpretar papeles para películas independientes, donde la falta de recursos obliga a hacerlo bien en la primera toma. Un actor camaleónico, siempre sorprendente y con una agenda de próximas producciones que demuestra que aún le queda mucha mecha, a pesar su dilatada vida profesional en la interpretación. Gran tipo.