Un consejo corazones.: no veáis la última película de Steve McQueen con vuestras novias, esposas, pretendidas. Michael Fassmember roba el show, como se dice popularmente, aunque, en este caso, de manera literal y no os imagináis qué descubrimiento hace uno con el actor-que-interpretó-a-Magneto-con-justicia. Un actor de carácter, indudablemente. Con esto, termino mi ronda de chistes fáciles y os hablo del argumento de esta película ambigua, con puntos discutibles pero, en general, muy recomendable.

Michael Fassneverender interpreta a un hombre adicto al sexo. ¡Qué argumento tan fantástico en España (¡y tan lejano en el País Vasco Bueno, el caso es que el adicto al sexo tiene una relación poco menos que conflictiva con su hermana (Carey Mulligan) con la que comparte, también, una importante herida familiar cuyos contornos conviene no desvelar. De esta premisa aprenderemos muchas cosas.: no importa como de jodido esté un personaje en un drama contemporáneo, no importa. Él no va a ir al psicólogo, ni al médico de cabecera.

Lo que me lleva a una pregunta inevitable ¿la vida interior más o menos pasional pasa por no recurrir a la medicina contemporánea? ¿En qué momento decidimos que la procesión va por dentro es el secreto de todo drama que implique trastornos de este tipo? Steve McQueen abre la película con una escena magistral: un largo plano secuencia, prácticamente callado, en el que diríamos estar viendo una magnífica película europea.

Para cuando aparece Carey Mulligan, su hermana que responde al nombre de Sissy, con la que Fassboom comparte desnudo integral y una escena de una intimidad aplastante, la película mejora enteros y nos regala escenas tan brillantes como la de la cena. ¿Qué problema tiene la hermana y como esa interrupción afectará a su vida?

Lo hará lo suficiente como para que podamos contrastar el carácter contenido, introspectivo del desesperado Brandon (así se llama el personaje de Fassbigger) con una criatura deesperada, mucho más extrovertida. Para cuando está cantando New York, New York, el cineasta McQueen celebra la puesta en escena sin quitar espacio a sus actores y la experiencia deviene altamente emocional (y recomendable).

Al final, McQueen pierde el norte de su interesante y seria propuesta. De lo que se trata, ya desde el amanecer de Fassbender en la cama, es de un relato de un santo para un tiempo de vicio. Para cuando Brandon rescata a la suicida Sissy y la consuela en el hospital, nos quedamos observándolo en el metro. Los que tendemos a pensar que la humanidad es un acto menos solemne, pero tal vez más misterioso, que McQueen consideramos que el final bien podría ser positivo, pero poco importa porque de lo que aquí se trata es de Brandon se convierta en Santo a través del dolor. No hay redenciones al estilo Schrader, sino un auténtico calvario en el que el sexo es la última parada.

A McQueen no se le pueden negar varios méritos, al margen del encomiable y ciertamente inolvidable trabajo de su actor protagonista, y creo que el mayor de ellos es rodar el trío más doloroso de la historia del cine. Contando con un actor tan entregado, a McQueen le pertoca el difícil trabajo de explicar el dolor desde una perspectiva absolutamente contaminada: cualquier espectador masculino, más o menos heterosexual, asociará al trío toda clase de fantasías quinta-esenciales que parecen imposibles de desnudar y de convertir en otra cosa.

Dicho esto ¿esto era todo lo que teníamos que decir sobre el mundo que habitamos? Desesperación, soledad, intemperie sin Dios. Bien me parece, pero el drama y los personajes de McQueen pedían una elegía algo más elaborada en su dramaturgia. Sean Bobbitt ilumina de manera excelente esta epopeya y Harry Escott reitera demasiado una banda sonora omnipotente. En todo caso, una propuesta abierta a la discusión y refrescante. La película contó con la admiración de Beatriz Maldivia, Mikel Zorrilla y Alberto Abuín.

A Steve McQueen —director de la impresionante, e inédita por estos lares, ‘Hunger’ (2008)— le falta muy, muy poco para terminar de encontrar el perfecto equilibrio ético/estético y convertirse en uno de los realizadores más interesantes y arriesgados del panorama actual, capaz de ir a contracorriente en un arte que cada vez tiende más peligrosamente hacia el consumo y olvido rápidos. Hace algo más de dos meses nos llegó su segunda película, ‘Shame’ (id, 2011) sumida en medio de la expectación creada con el miembro viril de Michael Fassbender, que en el film sale como vino al mundo, provocando incluso bromas de dudoso gusto en la entrega de los Globos de Oro por parte de un guasón George Clooney. Por otro lado el film ha sido vendido como la radiografía de un adicto al sexo.

Sólo con esos dos elementos llega para atraer al espectador a las salas, movidos por el morbo de ver una polla —vamos a llamar a las cosas por su nombre— y a un actor conocido en explícitas escenas sexuales. Ese morbo siempre existirá, el ser humano es así por naturaleza, y me encantaría ver las caras de aquellos que se acercaron al cine a ver lo que parecía un film casi pornográfico sobre el motor de la humanidad, y se encontraron con un film visceral, intimista y poco conciliador, arrebatador en su profunda y calculada tristeza, con un personaje con el que resulta vergonzoso identificarse —si, he dicho identificarse, también puedo decir empatizar—. Al igual que ‘Hunger’, otra patada de verdad en la mismísima cara, por no decir otro inspirado lugar de la anatomía humana.

(Spoilers). Y es que ‘Shame’ es una de esas extrañas y fascinantes películas que posee una peculiaridad que queda reservada para unas elegidas obras de arte: se queda merodeando en la cabeza, durante días, semanas si cabe, invitando a descifrar sus imágenes, a adentrarse en sus recovecos argumentales, a rellenar los huecos que McQueen sugiere intencionadamente, y a dejarnos llevar en la medida de lo posible por el torrente de emociones que en sí supone el film. Todas ellas alrededor de la vergüenza del título, una vergüenza que lleva al dolor, en un personaje abocado a sobrevivir sin vinculaciones emocionales que casi parecen impostadas en una sociedad consumista, fría, superficial y llena de prejuicios morales que apresan sin compasión a todo ser humano. Brandon Sullivan (Fassbender) intenta escapar a ello con la mejor de las adiciones: el placer a través del sexo. Un sexo —¿liberador?— sin lazos afectivos, animal y salvaje. Puro. Básico.

Las primeras imágenes de ‘Shame’ nos muestran la vida sin complicaciones aparentes de Brandon. Una magistral secuencia en un vagón de metro nos habla de una de las grandes peculiaridades del personaje, es un depredador. Con sólo un juego de miradas se produce una de las escenas más sensuales y eróticas del film, y sin un desnudo físico. Ahí es donde McQueen deja todo en manos de un Michael Fassbender arrollador, que con solo sus gestos faciales es capaz de seducir a una piedra, valga la expresión. Su presa, una morbosa rubia que parece no sólo aceptar el juego, sino disfrutar con él, se pierde entre la multitud mientras Brandon la busca con ansia. Brandon tiene hambre. Es un adicto. Paralelamente comprobamos el quehacer diario de un personaje, en el que su adición queda patente en las dos formas de sexo más frías posibles: la pornografía y el sexo pagado. Esta aparente tranquilidad es trastocada por la llegada de su hermana, de la que sabemos por mensajes telefónicos, inteligentemente insertados en la acción.

Es entonces cuando en ‘Shame’ se produce todo un punto de inflexión que nos llevará al drama. Carey Mulligan —que añade otro rol de chica frágil a su filmografía—, dando vida a Sissy, la hermana de Brandon, interpreta una escalofriante versión de ‘New York, New York’, secuencia en la que McQueen vuelve a dejar todo en manos de un Fassbender inmenso, en cuyo rostro, de ojos llorosos, sentimos un pasado tormentoso que jamás conoceremos de verdad, pero con el que McQueen se atreve a retar nuestra imaginación. Una hermana que reclama el cariño de su hermano, y este rehuyendo de ello, incapaz de tener una conexión emocional no sólo con ella, sino con cualquiera —determinante el momento en que Brandon no “cumple” con una compañera de trabajo, por existir un cierto apego, para acto seguido tener sexo con una prostituta—, y que le hará descender a los infiernos de su adicción, a lo que mejor sabe hacer para huir de una vida “normal” que no desea —al respecto cabe citar la conversación de Brandon con la citada compañera de trabajo en un restaurante, donde confiesa no creer en la vida en pareja—, una relación que queda resumida en la demoledora frase “No somos malos, venimos de un lugar malo”.

En ese descenso McQueen huye de la narrativa clásica, en realidad lo hace durante todo el film, alcanzando el clímax en ese tramo. Tal y como comenta mi compañera Beatriz en su crítica, McQueen parece detener el tiempo alrededor de sus desolados personajes —atención a cómo McQueen deforma la figura de Brandon mediante desenfoques que convierten su rostro en casi una calavera, o mediante reflejos en cristales, mientras que al resto de personajes no—, marcando así el dolor y la angustia de los dos hermanos. Un viaje en metro, un episodio en un bar donde Brandon liga con una chica —llama la atención la expresión de ella, dispuesta a sucumbir ante el irresistible magnetismo de un seductor nato—, un encuentro homosexual en lugares turbios y oscuros, un trío salvaje y como colofón una mirada final de Fassbender a la cámara —bien podría ser la del propio director, ya que es su película—, al espectador, suplicando tal vez ayuda. Una mirada llena de dolor y desesperación, y que entronca con la mirada final de Brandon en el metro a la misma mujer del principio. Todo es cíclico, todo vuelve a empezar y McQueen juega una vez más con nuestra imaginación.

Mucho se ha hablado ya de la más que impresionante interpretación de Michael Fassbender, sin duda el actor del momento. Pero quiero señalar una secuencia en concreto, se trata del instante de la fotografía de arriba en el que el jefe de Brandon —papel interpretado por el televisivo James Bagde Dale— le recrimina tener el portátil lleno de porno duro. Atención al plano. McQueen sitúa la cámara un poco por debajo de Fassbender y este expresa con su cuerpo casi abatido la vergüenza de haber sido descubierto su único placer en esta vida. En ese momento está más desnudo que nunca, y su jefe, que hasta ese día era también un compañero de juergas, se convierte en un hipócrita que osa además juzgar a otro ser humano. Brandon, que siempre se ha comunicado con su cuerpo más allá de las palabras, lo expresa todo con esa pose. Su lástima, su decepción, su distancia emocional y finalmente su conformismo. Una interpretación muy matizada y sentida de un superviviente —algunos le ven como un enfermo, algo que creo es un error— y que no obtuvo ni una nominación al Oscar. Eso sí es una vergüenza.

Como era de esperar, el nuevo thriller de Denzel Washington, ‘El invitado’ (‘Safe House’), ha cedido ya el número uno de la taquilla española en su segunda semana en cartelera, tras perder un 45% de recaudación (aun así, sus cifras son buenas). La cima la ocupa ahora ‘Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa’ (‘Journey 2: The Mysterious Island’), una aventura familiar en 3D con un extraño reparto encabezado por Dwayne Johnson, Vanessa Hudgens y Michael Caine. La secuela dirigida por Brad Peyton logra unas cifras correctas que pueden considerarse excelentes teniendo en cuenta que ha competido no solo con una amplia oferta de títulos sino también con las fiestas del carnaval.

Dos novedades amenazaban con quitarle el primer puesto de la taquilla, ‘La mujer de negro’ (‘The Woman in Black’) e ‘Infierno blanco’ (‘The Grey’). La primera, con Daniel Radcliffe aterrado por presencias fantasmales, obtiene casi un millón de euros en poco más de 300 cines, lo que no está mal, además parece ser que está gustando por lo que es de esperar que no caiga muchos puestos en las próximas semanas; la segunda, en la que Liam Neeson lucha contra unos lobicos hambrientos, se queda en poco más de medio millón de euros con 239 pantallas a su disposición, cifras decepcionantes para un film que ha sido número uno en EE.UU.

En otra liga jugaban otros dos estrenos del pasado viernes, ‘Shame’ y ‘Young Adult’. El primero, protagonizado por Michael Fassbender (inmenso en todos los sentidos, según dicen…) y Carey Mulligan, consigue el mejor promedio de la semana, más de 5.000 euros por sala; el segundo, con una extraordinaria Charlize Theron (no entiendo cómo no la han nominado al Oscar), se ha proyectado en más de 100 cines pero obtiene cifras mediocres. Por último, cabe destacar la caída de dos fantasmas; por un lado, se confirma que el reestreno en 3D de ‘La amenaza fantasma’ no ha interesado tanto como creía George Lucas, y por otro, ‘Promoción fantasma’ se ha quedado sin sitio en la cartelera tras la llegada de tantas novedades. Y otra vez, ningún título español entre los diez más vistos.

PD: Este viernes se estrenan ‘Ghost Rider: Espíritu de venganza’, ‘La invención de Hugo’ (POR FIN), ‘Mi semana con Marilyn’ y ‘Polisse’ (la vi en Cannes el año pasado).

Datos | Eleconomista

La película del director Steve McQueen, ‘Shame’ (íd., 2011) se habrá anunciado como el retrato de un adicto al sexo o como la crónica de una serie de encuentros carnales, mostrados sin tapujos ni elipsis. Pero no se trata, ni mucho menos, de eso. Tras esta frenética actividad amatoria, se esconden los auténticos pilares de sustento de la cinta, que no son otros que la vergüenza, la culpa y la confusión: sentimientos provocan ese comportamiento en los personajes principales quienes, lejos de disfrutar de su libertino modo de vida, continúan adelante atormentados, pero sin poder sustraerse a esa vorágine.

McQueen realiza la película con elegancia, sacando provecho a espacios urbanos de actualidad que se ven favorecidos por la fotografía en tonos fríos de Sean Bobbitt. La música del televisivo Harry Escott provoca las sensaciones que algunas de las escenas se resistirían a transmitir por sí solas. Este componente cobra un gran protagonismo, lo cual se hace especialmente patente en el primer plano sostenido que nos deja penetrar en la particular versión de “New York-New York’, ejecutada por Carey Mulligan.

‘Shame’ apenas progresa, ya que no se dirige a un final concreto, aleccionador o esperanzado, al menos en lo que se refiere al protagonista o a la historia que los implica a él y a su hermana. En lo que atañe al personaje de Mulligan, se puede considerar que se produce una progresión, aunque sea solo si consideramos así a su descenso continuado a los infiernos: digamos que él ya ha llegado a un punto en el que está estancado y que ella sigue cayendo. La intención es mostrar una situación, no contar un curso de acontecimientos. Suponemos que ese avance se produjo con anterioridad y ahora solo presenciamos un tiempo, casi detenido, en el que todo aquello tiene sus consecuencias.

En lugar de indicarnos cuáles fueron estos sucesos previos –aplaudimos la valentía de no recurrir a los fáciles flashbacks– o de reservarse esta información para una efectista revelación final, se nos deja adivinarlos por las actitudes presentes de los dos personajes protagonistas. Para ello, ‘Shame’ se orquesta a lo largo de unas cuantas secuencias, muy extensas, pero bien llevadas, que mantienen el interés gracias a presentar altibajos, cambios de humor, ritmo y giros con información, como si cada una se tratase de una mini-pieza. Incluso las escenas sexuales, que en general me resultan muy aburridas en cine, están justificadas como parte de ese retrato, pues la manera en la que el protagonista lleva a cabo o malogra cada uno de los actos dice mucho de cómo se siente y de lo que le preocupa en ese momento.

Michael Fassbender, el actor que está presente por doquier en los últimos tiempos, el más reciente gran descubrimiento interpretativo de la industria del cine, aquí confirma lo que podíamos haber comenzado a sospechar en otras de sus películas: que puede con todo, que es capaz de aportar a cualquier propuesta mucho más que casi cualquier otro intérprete de su generación. Además, su aspecto, atractivo, pero no exento de cierta rareza –fomentada quizá por su delgadez–, se adapta a este personaje doliente y complejo. Gracias a que no hay conversaciones catárticas en las que se explique el pasado, ni retrocesos demostrativos, el personaje nos transmite cuanto padece a través de sus expresiones. Las pocas veces en las que Brandon sonríe son aquellas en las que sentimos los escalofríos más acusados.

De Carey Mulligan lo interesante está en su rostro, que todo lo esconde. Tras una expresión casi infantil y bastante inocente, pueden ocultarse todos los fantasmas del pasado que la destrozan por dentro, aunque en su exterior siga manteniéndose ese aspecto juvenil y plácido. El reparto es reducido, ya que la película se limita a unos momentos y espacios no demasiado amplios. James Badge Dale llama la atención por su gran cambio de registro con respecto al recto y casi monacal personaje de ‘Rubicon’. Lucy Walters, Nicole Beharie y algunas otras intérpretes cuentan con papeles de poca presencia, incluidos con la única misión de demostrar por lo que el protagonista está pasando.

En conclusión, se puede observar en ‘Shame’ cierta lentitud, que deriva de una ausencia de progresión dramática. Un corto número de escenas muy largas sirven para presentarnos una situación y retratarnos a un par de personajes enfermos y atormentados. El sexo explícito no es gratuito, ya que obedece a la demostración de los estados de ánimo de los protagonistas. Pese a ese avance pausado, la película tiene un fuerte poder de atracción, que sumerge de forma casi hipnótica en el devenir. El mayor mérito puede estar en dejárselo todo al espectador, quien contempla estos retazos sumido en las incógnitas y que será quien rellene todos los huecos de información que deja el guion para no caer en lo de siempre. Nos encontramos ante una película atrevida, pero no por el detalle que cualquiera señalaría en este sentido: la presencia aplastante de las escenas de sexo, sino por la propia naturaleza de la propuesta, más dada a la introspección psicológica que a la narración.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Shame’, sexo liberador.

‘Infierno blanco’

Dirección: Joe Carnahan. Título Original: The Grey. País: USA. Año: 2012. Duración: 115 min. Género: Acción, drama, thriller. Interpretación: Liam Neeson (Ottway), Dermot Mulroney (Talget), Frank Grillo (Diaz), Joe Anderson (Flannery), James Badge Dale (Lewenden), Dallas Roberts (Henrick), Nonso Anozie (Burke), Ben Bray (Hernandez). Guion: Joe Carnahan y Ian Mackenzie Jeffers; basado en el relato corto “Ghost walker”, de Ian Mackenzie Jeffers. Producción: Joe Carnahan, Jules Daly, Ridley Scott y Mickey Lidell. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Roger Barton y Joseph Jett Sally. Diseño de producción: John Willett. Vestuario: Courtney Daniel. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en USA: 27 Enero 2012.

Sinopsis: El personaje interpretado por Liam Neeson es el líder de un indisciplinado grupo de trabajadores de una refinería cuyo avión se estrella en las remotas montañas de Alaska. Los supervivientes, expuestos a heridas mortales y un tiempo inclemente, disponen de pocos días para escapar de los gélidos elementos. Y por si el terrible frío fuera poco enemigo, una manada de lobos salvajes, amenazantes y sanguinarios, persiguen incansablemente a sus presas humanas. A medida que las indefensas víctimas caen una a una, las posibilidades de supervivencia del último de estos hombres son cada vez más remotas.

Crítica en Blogdecine: ‘Infierno blanco’, lobos sanguinarios y engañosos

‘Shame’

Dirección: Steve McQueen. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 97 min. Género: Drama. Interpretación: Michael Fassbender (Brandon), Carey Mulligan (Sissy), James Badge Dale (David), Nicole Beharie (Marianne), Hannah Ware. Guion: Steve McQueen y Abi Morgan. Producción: Iain Canning y Emile Sherman. Música: Harry Escott. Fotografía: Sean Bobbitt. Montaje: Joe Walker. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: David C. Robinson. Distribuidora: Alta Classics. Estreno en Reino Unido: 13 Enero 2012.

Sinopsis: En ¡Shame’ conoceremos a Brandon, un hombre de treinta y tantos años que vive en un confortable apartamento en Nueva York y es adicto al sexo. Pero el ritmo metódico y ordenado de su vida se ve alterado por la imprevista llegada de su hermana Sissy, una chica rebelde y problemática. Su presencia explosiva llevará a Brandon a perder el control sobre su propio mundo.

Crítica en Blogdecine: ‘Shame’, sexo liberador

‘Young Adult’

Dirección: Jason Reitman. País: USA. Año: 2011. Duración: 94 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Charlize Theron (Mavis Gary), Patrick Wilson (Buddy Slade), Elizabeth Reaser (Beth Slade), Patton Oswalt (Matt Freehauf), Jill Eikenberry (Hedda Gary), Richard Bekins (David Gary), Collette Wolfe (Sandra Freehauf). Guion: Diablo Cody. Producción: Diablo Cody, Lianne Halfon, Mason Novick, Jason Reitman, Russell Smith y Charlize Theron. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Eric Steelberg. Montaje: Dana E. Glauberman. Diseño de producción: Kevin Thompson. Vestuario: David Robinson. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en USA: 16 Diciembre 2011.

Sinopsis: Charlize Theron interpreta a Mavis Gary, una escritora de libros para adolescentes que vuelve a su pueblo natal para revivir sus días de gloria e intentar recuperar a su amor del instituto (Patrick Wilson). Cuando todo parece ir de mal en peor, Mavis se encuentra con un antiguo compañero de clase que tampoco ha triunfado al terminar el instituto.

Crítica en Blogdecine: ‘Young Adult’, el encanto de lo despreciable

‘La mujer de negro’

Dirección: James Watkins. Título original: The woman in black. Países: Reino Unido, Canadá y Suecia. Año: 2012. Duración: 95 min. Género: Terror. Interpretación: Daniel Radcliffe (Arthur Kipps), Ciarán Hinds (Sr. Daily), Janet McTeer (Sra. Daily), Liz White (Jennet Humfrye), Shaun Dooley (Fisher). Guion: Jane Goldman; basado en la novela de Susan Hill. Producción: Richard Jackson, Brian Oliver y Simon Oakes. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Montaje: Jon Harris. Diseño de producción: Kave Quinn. Vestuario: Keith Madden. Distribuidora: Aurum. Estreno en Reino Unido: 10 Febrero 2012.

Sinopsis: ‘La mujer de negro’ nos cuenta la historia de un joven abogado de Londres, Arthur Kipps (Daniel Radcliffe), que se ve obligado a dejar a su hijo de tres años para viajar al remoto pueblo de Crythin Gifford y encargarse de los asuntos del propietario recientemente fallecido de Eel Marsh House. Sin embargo, cuando llega a la vieja y escalofriante mansión, descubre siniestros secretos del pasado de los lugareños, y su inquietud no hace más que aumentar cuando vislumbra a una misteriosa mujer vestida de negro.

¿Qué podemos esperar? Un intento de Daniel Radcliffe de quitarse de encima el encasillamiento como Harry Potter, y encima de la mano de la mítica productora Hammer. La opera prima de su director, ‘Eden Lake’, fue muy satisfactoria, así que habrá que tener cierta esperanza en que revalide ese talento.

‘Viaje al centro de la Tierra 2’

Dirección: Brad Peyton. Título original: Journey 2: The mysterious island. País: USA. Año: 2012. Duración: 94 min. Género: Aventuras, fantástico, familiar. Interpretación: Dwayne Johnson (Hank), Josh Hutcherson (Sean), Vanessa Hudgens (Kailani), Michael Caine (Alexander), Luis Guzmán (Gabato), Kristin Davis (Liz). Guion: Brian Gunn y Mark Gunn; basado en un argumento de Brian Gunn, Mark Gunn y Richard Outten. Producción: Beau Flynn, Tripp Vinson y Charlotte Huggins. Música: Andrew Lockington. Fotografía: David Tattersall. Montaje: David Rennie. Diseño de producción: Bill Boes. Vestuario: Denise Wingate. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en USA: 10 Febrero 2012.

Sinopsis: ‘Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa’ comienza cuando Sean Anderson recibe una señal codificada pidiendo ayuda. Incapaz de detenerle en su búsqueda del origen de la señal, el nuevo padrastro de Sean, Hank, se une a él en una expedición que primero les llevará al Pacífico Sur y luego a un lugar que pocas personas han visto o han vivido para contarlo. Se trata de un sitio de increíble belleza, con extrañas y amenazadoras formas de vida, volcanes, montañas de oro y más de un secreto impactante. Junto con Gabato, el único piloto de helicópteros dispuesto a asumir el riesgo del viaje, y la hermosa y decidida hija de Gabato, Kailani, parten en busca de la isla. ‘Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa’ cuenta también con la presencia de Michael Caine en el papel del abuelo de Sean, Alexander, el viajero solitario al que han acudido a buscar, y con Kristin Davis como la madre de Sean, Liz.

¿Qué podemos esperar? Una simpática aventura para toda la familia o una estupidez sin pies ni cabeza. Al menos tendremos por ahí a Michael Caine, aunque sospecho que aceptó salir en ella para financiarse algún capricho personal.

‘Cuenta atrás’

Dirección: Fred Cavayé. Título original: À bout portant. País: Francia. Año: 2010. Duración: 87 min. Género: Thriller. Interpretación: Gilles Lellouche (Samuel), Roschdy Zem (Hugo), Gérard Lanvin (comandante Werner), Elena Anaya (Nadia), Mireille Perrier (comandante Fabre), Claire Pérot (capitán Susini), Moussa Maaskri (capitán Vogel). Guion: Fred Cavayé y Guillaume Lemans. Producción: Cyril Colbeau-Justin. Música: Klaus Badelt. Fotografía: Alain Duplantier. Montaje: Benjamin Weil. Diseño de producción: Philippe Chiffre. Distribuidora: A Contracorriente Films. Vestuario: Marie-Laure Bruchon. Estreno en Francia: 1 Diciembre 2010.

Sinopsis: Samuel y Nadia son una pareja que vive feliz en París. Él trabaja como enfermero y juntos esperan su primer hijo. Pero todo cambia cuando Nadia es secuestrada bajo la mirada impotente de su marido. Para salvar a su esposa, Samuel deberá ayudar a escapar del hospital a un paciente que se encuentra bajo vigilancia policial. Y a partir de ese momento, empezará su particular cuenta atrás.

¿Qué podemos esperar? Un thriller cumplidor para pasar el rato. Ha tardado más de un año en estrenarse en España pese al protagonismo de Elena Anaya, así que muy memorable no será.

Crítica en Blogdecine: ‘Cuenta atrás’, Elena Anaya secuestrada en un trepidante thriller

‘Hello! How are you?’

Dirección: Alexandru Maffei. Título original: Buna! Ce faci? Países: Rumanía, España e Italia. Año: 2010. Duración: 105 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Dana Voicu (Gabriela), Ionel Mihailescu (Gabriel), Paul Diaconescu (Vladimir), Jordi Garcia, Ana Popescu (Toni), Ioan Ionescu (Marcel). Guion: Lia Bugnar. Producción: Tudor Reu y Antoni Solé. Música: Dragos Alexandru. Fotografía: Radu Aldea. Montaje: Mihai Codleanu. Diseño de producción: Andreea Hillerin y Mihaela Ularu. Distribuidora: Paycom Multimedia. Estreno en Rumanía: 4 Marzo 2011.

Sinopsis: Una comedia romántica sobre una pareja que, después de 20 años de matrimonio, no sienten ya ningún tipo de atracción el uno hacia el otro. Después de varias noches de chatear a lo loco, ambos están convencidos de haber encontrado el amante perfecto en la Web. La fascinación hacia el amante virtual se mezcla con el sentimiento de culpa, pero ninguno sospecha que la persona de quien se ha enamorado por Internet no le es tan desconocida. Aunque sea especialmente liberal en sus propias relaciones sexuales, su hijo de 17 años está más que sorprendido cuando descubre las historias de amor de sus padres.

¿Qué podemos esperar? La opción exótica de la semana para aquellos que quieran acercarse al cine pero que no les convence ninguno de los otros seis estrenos. Además, estando tan reciente San Valentín, aún los habrá que quieran ver una historia romántica.

El sexo es uno de los motores de la industria cinematográfica, no ya sólo por los, nunca mejor dicho, obscenos beneficios del porno, sino porque los desnudos de una estrella más o menos importante en Hollywood siempre causa un gran revuelo. Algo habitual suele ver que, en un momento u otro de su carrera, la gran mayoría de actrices acaba mostrando sus pechos. Puede ser que realmente obedezca a necesidades dramáticas del guión (la excusa que muchas utilizan para justificar su primer desnudo), a que la actriz no era tan conocida en ese momento o simplemente a que se llegue a crear una película casi con ese único objetivo. El mejor ejemplo que me viene a la cabeza es el de la ridícula ‘Striptease’, donde Demi Moore mostró sus encantos a cambio de 12,5 millones de dólares, el máximo salario que había recibido cualquier actriz por una película hasta la fecha, y eso que ni siquiera era la primera vez que lo hacía. Otro caso muy comentado fue el de Halle Berry en la tan absurda como entretenida ‘Operación Swordfish’, donde se da por hecho que cobró medio millón de dólares adicionales sólo por aquella escena gratuita en la que salía sin la parte superior de su bikini. No obstante, lo que es mucho menos habitual es ver a un actor enseñar su miembro viril, en una muestra de hipocresía a la que cuesta encontrar un ejemplo equivalente.

Y es que, sin entrar a valorar aún su calidad, ‘Shame’ ha causado una gran expectación entre cierto sector del público por los comentarios sobre el desnudo integral de Michael Fassbender, en especial cuando lo vemos como dios lo trajo al mundo de frente. Hasta George Clooney hizo una alusión a su tamaño cuando recogió el globo de oro al mejor actor que ganó en la última edición de estos premios. El problema de este apunte frívolo es que puede provocar que ‘Shame’ acabe siendo recordada como la obra donde ver desnudo al protagonista de ‘X-Men: Primera generación’. ¿Hasta qué punto era necesario todo esto y, sobre todo, sirve para que ‘Shame’ acabe siendo una buena película?

Pronto queda claro que lo de Fassbender no es algo gratuito, sino una elección específica que ayuda a remarcar el estado emocional de los personajes principales de ‘Shame’. ¿Por qué digo dos? Pues porque tanto Fassbender como Carey Mulligan aparecen completamente desnudos coincidiendo con su presentación al espectador, y eso es algo que sirve para recalcar lo que está por llegar. ‘Shame’ es una radiografía de la desnudez humana, pero la física sólo funciona a modo de aviso de la emocional, que es lo que vertebra el relato. Y es que Steve McQueen no está interesado en contarnos una historia convencional, pero tampoco cede a los vicios del cine diferente, donde la narrativa tradicional parece una trampa a evitar con la finalidad de ser realmente especiales. Lo que McQueen busca es retratar la reacción emocional a un trauma del pasado que nunca llegamos a conocer, siendo esto un gran acierto, ya que el halo de misterio permite al espectador elucubrar sobre lo que ocurrió en el pasado de los dos hermanos, pero también no pone un límite claro al origen del estado de sus personajes.

Lo que sí nos transmite ‘Shame’ es una atmósfera incómoda sin ser molesta, donde la banda sonora sirve de bastión para incidir en el componente emocional del relato. Además, McQueen opta por llevar la superficialidad de su protagonista a los no muy abundantes diálogos de ‘Shame’, donde únicamente hay una escena en la que éstos cobren una importancia capital, donde resulta un gran acierto apostar por un plano sostenido del cara a cara dramático entre los dos protagonistas. Por lo demás, los diálogos son un mero accesorio para llegar a su psique, donde lo dominante es el secretismo hacia su pasado y la superficialidad impuesta por su protagonista.

Sin embargo, es muy difícil que dos personas reaccionen por igual ante un suceso traumático. Puede ser que te convierta en un ser frágil, siempre al borde del precipicio, y extremadamente dependiente del cariño de tu hermano, la única persona capaz de arrojar algo de luz sobre tu desastrosa experiencia. Es aquí donde brilla con luz propia Carey Mulligan, ya que McQueen sabe aprovechar la imagen delicada de la actriz para darle un giro de tuerca y evitar caer en una languidez que, de una forma u otra, estaba empezando a apoderarse de todas sus actuaciones. Aquí eso no pasa, pues su Sissy transmite una candidez y fragilidad tan extrema que sabes que siempre corre peligro. Quizá la brillante escena en la que canta una canción sea el mejor reflejo de ello, pero es algo consistente a lo largo de todo el metraje, algo que la protagonista de ‘An Education’ aprovecha para ofrecer la que seguramente sea su mejor interpretación hasta la fecha.

Ante la hipersensibilidad de Mulligan se sitúa un Fassbender que ha conseguido una comodidad existencial optando por un completo desapego emocional (de ahí que se encuentre a gusto en compañía del personaje de James Badge Dale, cuya superficialidad resulta cómica en comparación), donde el sexo funciona como vía de escape y única fuente de auténtico placer. El problema es que sus constantes encuentros sexuales sólo son un parche que le sirven para ir tirando, y todo se tuerce en cuanto surge algo similar a una emoción con sus compañeras de cama. Es curioso que ‘Shame’ haga tanto hincapié en la potente masculinidad de Fassbender, no ya sólo por su desnudo, sino porque Brandon exhuma exuda una virilidad que resulta irresistible para las mujeres hasta decir una sola palabra (brillante una escena que tiene lugar en el interior de un vagón de metro), cuando él no deja de ser un inadaptado con una necesidad sexual insaciable.

Y es que no sólo se acuesta con infinidad de mujeres, sino que no tiene reparos en abusar del porno y la masturbación. Y esta ansia es algo que Fassbender logra retratar a la perfección, evitando caer en el peligroso patetismo de su situación para retratar a Brandon como un animal herido y enjaulado que no quiere contactar con una realidad dolorosa. ¿Para qué dar libre cabida a las emociones si éstas sólo van a servir para comerte por dentro? Y si un sentimiento se interpone en tu camino siempre puedes huir para evitar que te atrape, algo que Fassbender también muestra de forma brillante, siendo quizá la mejor actuación masculina de todas las que parecían nominables de cara a los Oscar. Lástima que toda la comidilla alrededor de su miembro viril haya acabado jugando en su contra.

En definitiva, es una pena que una película tan potente como ‘Shame’ haya quedado fuera de la carrera de los Oscar cuando tiene tantos aspectos que merecen ser alabados (y no, no estoy pensando en cierta parte de la anatomía de su protagonista), pero sobre todo su capacidad para querer ser una película emocional sin caer en trucos visuales más o menos efectivos como sucedía en el caso de ‘El árbol de la vida’. Aquí la historia importa, pero sólo como medio para perfilar mejor al personaje de un inmenso Michael Fassbender, para el cual todo elogio se queda corto para su actuación en ‘Shame’. Y es que no estamos ante una película perfecta (hay una ligera tendencia a la reiteración), pero sí ante una cinta notable que triunfa de forma clara en su principal objetivo. Muy recomendable.

A punto de entrar con ilusión en el año 2012, aquí seguimos repasando lo más destacado del cine de 2011. En esta ocasión os traigo una selección de los mejores y los peores carteles del año, según mi singular criterio (el mismo que está detrás de la lista de las peores películas del año). Sé que muchos de vosotros no estaréis de acuerdo con mis favoritos, y eso está bien, es sano y divertido, así que no dudéis en usar los comentarios y expresar vuestra opinión, es muy posible que se me haya escapado algún póster que merecía estar entre los más destacados.

En la preparación del artículo he intentado no dejarme influir por la calidad de las películas, y valorar únicamente el cartel, os daréis cuenta que hay películas estupendas entre los peores diseños. Pero en general parece haber una relación, como si los encargados del diseño estuvieran más inspirados con los mejores largometrajes, y se volvieran vagos con los peores. No debería ser así, y a menudo no se ha visto la película cuando se hace el cartel, pero se cumple en bastantes ocasiones. También es importante señalar que normalmente un cartel de cine no se plantea como un trabajo artístico, sino como una pieza más de la maquinaria publicitaria, como esos muñecos que regalan en cierta cadena de “restaurantes” de comida rápida, teniendo como objetivo únicamente dar a conocer un título y expresar al público una idea clara (acción, romance, reflexión…) sobre lo se que ofrece. Lo que no se suele tener en cuenta, y es un gran error, es que el cartel representa a la película, y si haces un mal diseño, estás vendiendo una mala película. Deberían pensar en ello.

Por supuesto, hay excepciones, profesionales y artistas que entienden que un póster puede ser la mejor manera de anunciar una película y que, si se hace bien, puede acabar convirtiéndose en un objeto de decoración, de coleccionismo o incluso de culto. Y por eso he podido publicar esta entrada. A continuación, los mejores y los peores carteles de cine de 2011:

Los diez mejores carteles de 2011

Impecable. Al igual que la película, el cartel debía recordar al Hollywood clásico, el glamour, las estrellas, el romance, los sueños… y lo consigue.

Un trabajo sencillo y genial, que juega con la característica mecha de la serie original y el edificio de Abu Dhabi donde tiene lugar la secuencia más espectacular de la película. Se utilizó solamente en los cines IMAX.

La historia de la vergüenza que siente un adicto al sexo. Resumida en una imagen. Magnífico.

Muy acertado el juego entre los rostros de los amantes, la sangre y las fronteras geográficas de los países representados en el relato. Habría quedado mucho peor con las fotos de los actores, por suerte no son rostros conocidos.

Una de las imágenes del año, de una de las más grandes películas de los últimos años. Sencillo, llamativo y representativo. Fantástico.

La película es fallida (el típico drama “indie” con pretensiones que salvan los actores) pero el cartel es estupendo, atrae y transmite acertadamente tanto el tono del relato como el conflicto de la protagonista.

Sexo y sangre. No hay lugar para el engaño. Puede que la película sea un bodrio (no se había empezado a rodar cuando salió el cartel) pero así atraparán a un público que no conseguirían con un diseño más convencional.

Un cartel muy poderoso e intrigante, con un buen eslogan, ideal para despertar interés y reflejar la belleza de algunas de las escenas de la película. También cabe destacar este otro diseño centrado igualmente en la sorprendente Kirsten Dunst.

Evocar a Andy Warhol fue una apuesta peligrosa pero el resultado es digno de aplauso. Refleja el cambio del estado de ánimo de los protagonistas, como van perdiendo el control (clave de la película), y es imposible que pase desapercibido.

Una imagen agresiva y arriesgada para (se supone, no la he visto) una película agresiva y arriesgada. Los fans de la prometedora actriz Rooney Mara deben estar muy agradecidos a David Fincher…

Una gran película necesitaba un gran cartel, y aquí está. El rostro de Gary Oldman dando vida al melancólico y brillante Smiley, formado por los códigos que usan los espías para comunicarse, y la fecha de estreno destacada en letras rojas.

Los diez peores carteles de 2011

Como gran novedad este año contamos con breves comentarios, exclusivos para Blogdecine, del diseñador de los carteles, quien me ha pedido por favor que no desvele su nombre públicamente.

“Teníamos un cartel estupendo, pero nos pidieron incluir a Christian Bale a toda costa. Me mosquéo. Y elegí la foto donde más patente quedaba su parecido con la rana Gustavo. No me cae bien”.

“Llevo gafas desde muy pequeño, y siempre me ha jodido que se burlaran de mí por eso. Que si “cuatro ojos”, “mortadelo” y tal. Así que cuando Sony me pidió algo original para MI3, pensé que había llegado la hora de la venganza…”

“A veces nos piden carteles con muy poco tiempo de margen. Nos dan unas fotos y nos dicen: ¡lo necesito ya! Pues eso es lo que hay, con prisas no se puede trabajar bien. Básicamente, pegué una foto de Michael Fassbender en una silueta de Batman y difuminé los bordes. Me sorprendió que lo usaran”.

“El problema aquí es que me enviaron una imagen de los actores sentados por separado, y tuve que sentarlos juntos en los bancos del gimnasio. ¡Hice lo que pude! Paul Giamatti flota un poco, cierto, pero es una metáfora de su calidad como actor, y el chaval tenía un complejo con sus pies, me pidió el favor de agrandarlos, de ahí esos zapatos de payaso”.

“Esto fue producto de las prisas. Denzel Washington no tenía tiempo para una sesión de fotos y los jefes necesitaban un cartel. La solución llegó de improviso, Denzel estaba en el váter y me llamó. Era en ese momento o nada, es un hombre tremendamente ocupado”.

“Aquí teníamos un problema, no sabíamos de qué iba la película, solo que Taylor Lautner se metía en un confuso lío lleno de acción. Acababa de ver ‘Origen’ (‘Inception’) y pensé que serían la misma cosa. No estuve muy fino, lo admito…”

“No soporto a Johnny Depp. Siempre hace lo mismo, papeles de raro o de loco o de excéntrico… ¡y las tías locas con él! Aquí pude mostrar su verdadero rostro. Lo de las cortinas sí es una chapuza, había una mujer desnuda ahí mirando por la ventana, pero la borraron para que se viera el avioncito, y ahora parece que hay un fantasma en la habitación”.

“Se suponía que aquí tenía que montar una escena romántica, pero me parecía absurdo que una diosa como Rosario Dawson pudiera interesarse por Kevin James. Me dijeron que el tío se relacionaba con los animales y eso le hacía atractivo. Me pareció todavía más absurdo. Así que me dije: vale, una peli idiota, un cartel idiota. La pata del gorila es uno de mis mayores logros. Y la actriz está pegada más abajo para que James no se vea enano, es otro acomplejado”.

“Esto fue un completo error. Lo diseñé después de… ya sabes, tener temilla con la parienta, después de varios meses, y me encontraba pletórico, amaba la vida. Me pasé con la luz y con todo. Parece propaganda de los testigos de Jehová...”

“Esto no debería haberse distribuido. Empezó a circular el rumor de que me iban a despedir, que si me había acomodado, y tal. Así que me dije: si me voy, que sea a lo grande, me van a pagar por hacer el peor póster de la historia. Al final, el rumor era falso y aquí sigo. Los compañeros se parten conmigo. Me llaman el Leonardo DiCaprio de la actualidad”.

• Los carteles más destacados de los últimos años:

Los 10 mejores y peores carteles de 2010

Los 10 mejores y peores carteles de 2009

Los 10 mejores y peores carteles de 2008

Aquí os traigo el estupendo cartel y el emocionante tráiler de una de las películas más comentadas del año, ‘Shame’, por la que Michael Fassbender ganó la Copa Volpi al mejor actor en el reciente festival de Venecia. Se trata del segundo trabajo del inglés Steve McQueen y llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 2 diciembre, un mes antes que a los de Reino Unido; de momento no hay fecha de estreno para España, pero espero que no se repita el caso de la ópera prima del realizador, ‘Hunger’, todavía inédita aquí (¿a qué esperan?).

Abi Morgan y McQueen firma el guion de ‘Shame’ (“vergüenza”), cuya historia gira en torno a Brandon, un hombre adicto al sexo de cualquier clase, siempre y cuando no involucre amor o intimidad; cuando su joven hermana se queda en su apartamento, Brandon recupera los recuerdos de un doloroso pasado y comienza a perder el control de su vida. Carey Mulligan acompaña a Fassbender al frente de un reparto que completan James Badge Dale, Amy Hargreaves, Elizabeth Masucci, Nicole Beharie y Alex Manette, entre otros. Vais a verla, ¿no?

PD: McQueen ya prepara su tercer largometraje, ‘Twelve Years a Slave’, de nuevo con Fassbender.

Vía | Impawards

Anoche se clausuró la 68ª edición del Festival de Cine de Venecia, con la entrega de unos premiso que la prensa ha calificado de justos, pese a que maestros como David Cronenberg, Roman Polanski y William Friedkin, que habían recibido elogiosos comentarios, se hayan ido con las manos vacías y a que los favoritos más cacareados, como ‘El topo’, de Tomas Alfredson (’Let me In’) o ‘Life without Principle’, Johnnie To, no estén entre los galardonados. No sabemos si la crítica internacional tiene mal olfato para vaticinar los premiados o si los gustos del jurado son demasiado particulares… pero puestos a elegir, aunque sea sin haber visto ninguna de las películas a concurso, me quedaría con lo segundo.

El León de Oro a la mejor película se lo llevó ‘Faust’, una adaptación, rodada en alemán, del texto de Goethe del ruso Aleksandr Nikoláyevich Sokúrov, responsable de ‘Madre e hijo’, ‘El arca rusa’ y ‘Moloch’; que se ha calificado de “caótica pero poética”. El presidente del jurado, Darren Aronofsky, declaró antes de entregar el premio que la película había conmovido a todos los miembros del jurado por igual. Es decir que, al parecer, en esta ocasión, a diferencia del premio de Cannes a Apichatpong Weerasethakul, sí hubo unanimidad.

En las categorías actorales es donde sí aparecen películas que la prensa esperaba ver entre las premiadas. Es el caso de ‘Shame’, de Steve McQueen, por la que Michael Fassbender obtiene Copa Volpi al mejor actor, y ‘Tao Jie’ (’ A Simple Life’), de Ann Hui, que se lleva el de mejor actriz la anciana Deannie Yip.

El León de Plata a la mejor dirección fue para el chino Cai Shangjun por ‘Ren shan ren hai’ (‘People Mountain People Sea’). El gran premio del jurado fue para Emmanuele Crialese por ‘Terraferma’, mientras que el Osella al mejor guión fue para el griego Yorgos Lanthimos (‘Canino’), por ‘Alps’. El Osella a la mejor fotografía se lo llevó Robbie Ryan por ‘Cumbres borrascosas’ (‘Wuthering Heights’), y el Premio Marcello Mastroianni a los actores emergentes fue para los dos protagonistas de la japonesa ‘Himuzu’: Shôta Sometani y Fumi Nikaidô.

Asimismo, el festival rindió homenaje a Marco Bellocchio con el León a la Carrera durante una ceremonia presidida por otro Bernado Bertolucci en la que se proyectó la versión restaurada de ‘En el nombre del padre’ (‘Nel Nome del padre’, 1971).

El filme de ciencia ficción de Kike Maíllo, ‘Eva‘, presentado fuera de concurso, ha conseguido el premio dedicado a la infancia Vittorio Veneto.

En la ceremonia de clausura se proyectó ‘Damsels in Distress’, de Whit Stillman.

Lo que dijo la crítica sobre ‘El topo’

La mencionada al inicio, ‘El topo’ (‘Tinker Tailor Soldier Spy’), de Tomas Alfredson, había recibido, tras su proyección, grandes elogios de la prensa: “diligente, honrada, astuta”, decía Indiwire y The Guardian se equivocaba al profetizar: “La mejor película y la clara favorita al León de Oro”. Time-Out recalcaba “maravillosa adaptación […] Excelente elenco”. Daily Mail parecía el único medio que le encontraba defectos: “La película requiere concentración. No es aburrida, pero puede parecérselo a algunos espectadores, especialmente los más jóvenes […] Oldman está estupendo y sería un justo candidato al Oscar”. También sobre el español Alberto Iglesias, aseguraban que “conseguirá una nominación al Oscar por la banda sonora. Eso se lo puedo garantizar desde ya”.

Vía | Web oficial del Festival de Venecia.