Sharon Stone contará con el papel protagonista en el thriller ‘Attachment’. Con ese físico que desafía el paso del tiempo, no es de extrañar que la actriz interprete una mujer casada que vive una aventura extramatrimonial con un estudiante. Cuando ella declara que no espera de esa relación adúltera más que un rollo de una noche, el joven no acepta ese final y se decide a atormentar al matrimonio. Su primer paso es seducir a la hija para pasar rápidamente a más y aterrorizar a toda la familia.

‘Attachment’ es el próximo proyecto el director y realizador publicitario Tony Kaye, autor de la megacélebre ‘American History X’. Este film de tensión psicológica, que parte del primer guion del actor Christopher Denham, está previsto que comience a rodarse en abril. No se ha indicado aún quién interpretará al psicópata, pero no me extrañaría que fuese el propio Denham, quien quizá ideó la trama para protagonizarla, ya que a su rostro puede asociarse sin dificultad una obsesión enfermiza y dañina.

Por mucho que en este caso vaya a interpretar a la víctima de la historia, en lugar de a la acosadora, no espero otra cosa de un personaje de Stone que el darle la vuelta a la situación para desplegar toda la fuerza de la que es capaz, como hemos comprobado en numerosas ocasiones. Este thriller con componentes sexuales puede sacar de la intérprete un potencial que posee, pero que hace tiempo que no vemos en las pantallas, ya que, a pesar de que puede ser tan buena actriz como la mejor, no siempre ha sabido elegir los proyectos a los que se asocia.

Aunque el título dé esa impresión, ‘Attachment’ no es la segunda parte de una trilogía que Kaye haya empezado con ‘Detachment’, el drama protagonizado por Adrien Brody que se estrenará en marzo en EE. UU. No ha habido indicaciones al respecto, pero consideremos ‘Attachment’ como título provisional, porque suena tan mal –a documento adjunto–, que no me sorprendería que lo modificasen a medida que avanzan en la producción de la película.

Vía | The Hollywood Reporter.

Este mes de julio da comienzo el rodaje de ‘Gods Behaving Badly’ (los dioses se portan mal), adaptación de la novela de Marie Phillips, que cuenta que una joven pareja ve cómo su relación se pone en peligro por causa de una familia disfuncional de deidades venidas a menos que sobrevive como puede en un tiempo en el que sus poderes no son los que eran. La pareja se los encuentra en una casa, lidiando con problemas cotidianos. Apolo aparece en la tele como vidente y su tía, Afrodita, se gana la vida con un negocio de sexo telefónico, mientras que Artemisa pasea perros. A pesar de que sus poderes ya les sirven para poco, no han perdido las ganas de hacerse faenas los unos a los otros y de enredarse en líos familiares, amorosos y de otras índoles.

Marc Turteltaub dirige un reparto tan divino como los personajes a los que encarnan: Christopher Walken tendrá el importante papel de Zeus, Edie Falco será Artemisa, John Turturro hará de Hades, Oliver Platt encarnará a ¿Apolo?, Sharon Stone dará vida a Afrodita, mientras que Rosie Pérez se quedará con Perséfone. Por último, en el personaje de Eros estará Gideon Glick, en el de Hermes, Henry Zebrowski, en el de Deméter encontramos a Phylicia Rashad y en el de Dionisos podremos ver a Nelsan Ellis. Alicia Silverstone y Ebon Moss-Bachrach encarnarán a la pareja de mortales.

El rodaje tendrá lugar en Nueva York, a pesar de que la novela está situada en Londres. La producción corre a cargo de Big Beach Films, responsable de ‘Little Miss Sunshine’ y ‘Our Idiot Brother’. Josh Goldfaden y el propio director se han encargado de escribir el guion.

Aunque el concepto en sí suena gracioso y me recuerda a algunas propuestas muy interesantes que sitúan no a dioses, pero sí a superhéroes, en vicisitudes cotidianas –la serie ‘No Heroics’ sería un buen ejemplo—; los enredos en los que parece que van a mezclarse me suenan a humor facilón. Pero es pronto para juzgar y, si este reparto se ha unido al proyecto será porque el guion promete mucho más de lo que se extrae por las sinopsis de la novela. Así que daremos un voto de confianza a esta ‘Gods Behaving Badly’.

Vía | Indiwire.

‘Instinto básico’

La magistral película de Paul Verhoeven está llena de escenas sexuales, u algún que otro plano muy explícito que ayudó a fomentar la fama mundial del film. Pero la gracia de la película está que que Verhoven no realiza un simple muestrario de sexo, éste tiene una poderosa presencia en la trama y alcanza dimensión dramática. Un policíaco que rememora a Hitchocock y que dentro de su juego, comienza con la máxima de Cecil B. DeMille: una película debe comenzar con un terremoto y de ahí hacia arriba. Mi polvo preferido es el del inicio, de sangrienta culminación. Si eso no es atrapar al espectador, con el gran Jerry Goldsmith de fondo, no sé lo que es.

‘Fuego en el cuerpo’

Todo lo que no podía mostrar el Film Noir en sus años clásicos, lo muestra la ópera prima de Lawrence Kasdan. La excelente ‘Fuego en el cuerpo’ (‘Body Heat’, 1981) nos muestra a una maravillosa, y muy sensual, Kathleen Turner, inolvidable mito erótico de los 80, rindiendo homenaje a la femmes fatales del género. En una trama que recuerda a la de ‘Perdición’ (‘Double Indemnity’, Billy Wilder, 1944), la perversa fémina del relato engancha al tonto de turno y le convence para que mate a su marido. ¿Y cómo lo hace? Con la mejor de las trampas a un hombre: el sexo.

‘Terminator’

El polvo que traerá la esperanza a la humanidad, y de paso creará alguna que otra paradoja temporal, lo echan Kyle Reese —Michael Biehn, un actor muy desaprovechado en numerosas ocasiones— y Sarah Connor —una morbosa Linda Hamilton—, en un encuentro pre-apocalípitico de la mano de James Cameron. Resulta curioso que muchas otras escenas, en las que se enseña más, no poseen la fuerza de ésta, un auténtico punto de inflexión en la trama de la película.

‘El nombre de la rosa’

Poco podía imaginar Adso de Melk —probablemente la mejor interpretación de Christian Slater— que el ayudar a William de Baskerville —impresionante Sean Connery— en sus investigaciones criminales le llevaría a la noche más inolvidable de su vida. Escena arriesgada y difícil, por su importancia en la trama, está resuelta con mucho tacto por Jean-Jacques Annaud, quien firma su mejor película.

‘Querido detective

Espantoso título español para ‘The Big Easy’, maravilla de 1987 a cargo de Jim McBride, que ponía al día las claves del clásico cine negro. El detective Remy McSwain —carismático Dennis Quaid— y la fiscal del distrito Anne Osborne —radiante Ellen Barkin— se enfrentan a un caso de corrupción, en el que compartirán algo más que el trabajo. La clásica guerra de sexos y la incompatibilidad de caracteres ponen la salsa a una relación con mucho feeling desde su primer encuentro sexual.

‘Vestida para matar’

Una madurita Angie Dickinson es despojada de su ropa en la parte trasera de un taxi en Nueva York, una fantasía o locura sexual que tendrá sus consecuencias en la hitchcockiana trama de la película, para un servidor lo mejor que ha filmado Brian De Palma. Cuenta la actriz que cuando rodaban la complicada escena en la ciudad, muchos de los viandantes la animaban llamándole mujer policía, aludiendo a la popular serie de televisión que Dickinson protagonizó en los 70.

‘Excalibur’

El desear a alguien puede traer problemas considerables en el futuro, sobre todo si estás rodeado de espadas, magia y un hombre llamado Merlín. Así lo demuestra John Boorman en su mejor película, en la que de una unión basada en la mentira nace el mismísimo Rey Arturo. La cosa tiene su mérito, porque el tipo no se saca la armadura durante la realización de su deseo. Con todo la escena posee una fuerza inusitada.

‘El corazón del ángel’

A todos nos sorprendió ver a Lisa Bonet, en aquellos años de moda gracias a la serie de televisión ‘La hora de Bill Cosby’ (‘The Cosby Show’), enseñando sus virtudes en una fuerte escena al lado de Mickey Rourke, que venía de crear polémica con el bodrio ‘Nueve semanas y media’ (‘Nine 1/2 Weeks’, Adrian Lynne, 1986). Nueva Orleans, jazz, magia negra y el mismísimo Lucifer en un oscuro thriller de lo mejor filmado por su director, Alan Parker. lleno de violencia como lo demuestra una de sus secuencias más recordadas.

‘Una historia de violencia’

La mejor película de David Cronenberg, de quien mi compañero Juan Luis está haciendo un especial en Blogdecine, muestra dos polvos muy distintos a manos, y otros miembros, de los mismos personajes. El lado salvaje y animal del ser humano salen a relucir en el segundo encuentro sexual entre unos espléndidos Viggo Mortensen y Maria Bello, un polvazo como Dios manda en unas escaleras. De nuevo la psique de los personajes es vital para el resultado de dicha escena.

‘Lazos ardientes’

La película que convenció a los productores sobre cierto guión llamado ‘Matrix’, es una digna historia de cine negro y alta carga sexual. Las morbosas Jennifer Tilly y Gina Gershon nos regalan un momento difícil de olvidar, antes de que los Wachowski se obsesionasen con los efectos visuales.

Su turno, damas y caballeros. Y no se olviden de practicar lo que este post transmite. Con humor y pasión. Que sea de Cine.

1983. La explosión de un coche precede a la ‘Wir Setzen Uns mit Tränen Nieder‘, último coro de ‘La pasión según San Mateo’, de Johann Sebastian Bach. Desde el principio, ‘Casino’ (id, 1995), aspira a convertir sus imágenes en pura música. Desde el aire nocturno se distingue el resplandor de las luces de Las Vegas, como un nuevo (lujoso y hortera) Camelot. Los tres personajes más importantes, Ace Rothstein, Nicky Santoro y Ginger McKenna, son presentados visualmente, por el trasfondo trágico de la música de Bach, y por la voz en off de Nicky. Desde el mismo comienzo se impone una puesta en escena casi abstracta para esta prolongación, en el fondo muy diferente en su tonalidad y formalización, aunque mantenga lógicas vinculaciones, con el magistral ‘Uno de los nuestros’ (‘Goodfellas’) de cinco años antes. En lugar de una reminiscencia de los viejos tiempos del barrio, ‘Casino’ se centra en personajes más establecidos y más poderosos, y por tanto con mayor capacidad para desestabilizar sus propias vidas y las de los demás.

‘Casino’ es, por tanto, un prodigioso collage histórico y social, un reflejo de la América de ayer y de hoy, que se erige en verdadera narrativa de vanguardia, y que dos años después de la maravilla de ‘La edad de la inocencia’ (‘The Age of Innocence’) confirma el momento de excelente forma e inspiración de un Scorsese en su plenitud absoluta, sin ningún miedo a romper el continuo narrativo y la ortodoxia dramática, más interesado en la creación impresionista de unas vidas tan tormentosas como la propia filmografía de Scorsese. Y si ‘Goodfellas’ era el ascenso y caída de unos gangsters de barrio que terminaban acogiéndose a la protección de testigos, ‘Casino’ es casi una tragedia shakesperiana, una ópera rock con unos nuevos Arturo, Lancelot y Ginebra, cuyos castillos son en esta película torres de neón y cuyo Grial se ha transformado en toneladas de dinero, oro y diamantes.

Nicholas Pileggi, que ya había inspirado con su libro ‘Wiseguys’ la obra maestra ‘Goodfellas’, se había interesado por la mafia de Las Vegas cuando había leído en un periódico la enorme bronca que Geri McGee y Frank Rosenthal habían mantenido en la puerta de su mansión de esa ciudad. Investigando un poco, se había encontrado con una historia apasionante que tenía la intención de convertir en un gran volumen que documentaría casi dos décadas de la vida de estas personas. Pero cuando Scorsese le trasladó su interés por llevar esa historia a la pantalla, él y Pileggi se pusieron con la redacción del guión al mismo tiempo que Pileggi seguía escribiendo su volumen, en un trabajo frenético. De hecho, cuando el rodaje tomó comienzo en septiembre de 1994, ambos continuaban recopilando documentación para la película y el libro, que saldría prácticamente a la vez. Con esta forma tan particular de preparar el guión, estaba claro que ‘Casino’ no iba a ser una historia convencional, ni en la trama ni en los personajes, cuyos nombres serían alterados: de Frank Lefty Rosenthal a Sam Ace Rothstein, de Tony Spilotro a Nicky Santoro y de Geri McGee a Ginger McKenna.

Cine-música

“Creo que tienes una impresión equivocada de mí. Creo, francamente, que debería explicarte bien qué es lo que hago. Mañana por la mañana me levantaré pronto, daré un paseo hasta el banco, entraré, y si no tienes mi dinero preparado, te abriré la puta cabeza delante de todo el mundo. Y para cuando salga de la cárcel, con un poco de suerte, estarás saliendo del coma. ¿Y sabes qué? Volveré a abrírtela.”

- Nicky Santoro (Joe Pesci)

Aunque parezca increíble, el verdadero Frank Rosenthal vestía de una forma mucho más extravagante y chillona que el Sam Rothstein de la película interpretado por un sobrio y perfecto Robert De Niro, en un rol muy diferente del Jimmy Conway de ‘Goodfellas’. En cuanto a Joe Pesci, su Nicky Santoro es una suerte de prolongación y de ampliación del Tommy DeVito que le había hecho ganar un Oscar al mejor actor de reparto. Pero aquí goza de un mayor protagonismo, y no se puede hablar de un personaje secundario, sino de un co-protagonista. El sublime trío se cierra con una portentosa Sharon Stone, que es la Ginger McKenna ideal. No venía la actriz de una buena racha, precisamente, tras su fascinante trabajo en ‘Instinto Básico’ (‘Basic Instinct’, Paul Verhoeven, 1992), y estaba deseosa de demostrar lo buena actriz que era, más allá de etiquetas de ‘sex-symbol’. Para contar la compleja y descarnada historia de estos tres personajes, de forma prolija y apasionada, era imposible tomarse menos de las casi tres horas que dura el filme, que además se pasan literalmente volando. El montaje, eso sí, fue arduo, largo y físicamente demoledor para Schoonmaker y Scorsese.

Pero de ese montaje se deduce una de las creaciones audiovisuales más impetuosas e impredecibles, en todos los sentidos, de los últimos quince años. Resulta muy difícil, y quizá poco recomendable, escribir una crítica convencional sobre ella, porque cualquier acercamiento analítico corre el peligro de simplificar un esfuerzo narrativo tan radical, tan en constante peligro de derrumbarse por la multiplicidad de niveles narrativos que contiene, pero que por algún mágico milagro (llamemos talento excepcional a ese milagro) no solamente se sostiene, sino que se eleva más y más hasta un climax final demoledor, definitivo. En realidad ‘Casino’ puede definirse como una sinfonía en la que tres fuerzas opuestas colisionan, creando un coro. Pido perdón si suena exagerado, pero no veo otra forma de describirlo. A la ambición, la vanidad y la codicia de Sam se opone la autodestrucción, la belleza y la melancolía innata de Ginger. Y entre ambos se cruza la bestialidad, la furiosa energía, la ira incontenible de Nicky. Sólo un gigante en la dirección como Scorsese podía manejar este drama sin temblarle la cámara.

Por algo Scorsese es uno de los más eminentes directores norteamericanos de las últimas décadas, muy superior incluso a grandes cineastas como Eastwood, Allen, De Palma o Spielberg, porque ninguno de ellos se arriesga tanto y alcanza tantos triunfos estéticos. Su cámara se vuelve más audaz y más compulsiva que nunca. Su percutante montaje trocea y desmenuza cada suceso. Así, sólo se puede constatar la inimaginable vehemencia y valentía por el medio cinematográfico que emanan de momentos como estos:

1. La narración de la personalidad de Ginger que lleva a cabo Sam con su voz en off, una vez la ha conquistado y después de un beso salvaje le da dinero antes de que vaya al baño. Aprovecha ese momento Scorsese para aprovechar el movimiento de salida de cuadro de Stone, que engancha con otro movimiento de la actriz en otra escena, que corta a un primer plano suyo de otra escena más, y saliendo de esa escena aprovecha de nuevo el movimiento de ella para regresar a la escena inicial. A continuación explica con imágenes su talento para el dinero y la supervivencia, y termina mostrando su debilidad con Lester Diamond (un soberbio James Woods).

2. La descripción del subrepticio modo en que los grandes capos mafiosos, muy lejos de Las Vegas obtienen su dinero, con una puesta en escena cerca a lo documental, en el que la cámara sigue a un personaje (olvidando a Sam, que pasa por allí como por casualidad…) y observa cómo coge grandes cantidades de dinero de las arcas del casino, sale del mismo, coge un avión y llega a Kansas City. No se puede mostrar con mayor nitidez la forma en que los capos “vampirizaban” los casinos de Las Vegas.

3. Los muy diferentes enfoques de la actividad de Sam como director del Casino, todos ellos vinculados por su condición de neurótico perfeccionista. Asistimos a su control absoluto de los jugadores, de los timadores, de los ricachones y los políticos, con la cámara como una impertinente capaz de captar cada pequeño detalle, por ínfimo que sea, con giros, acercamientos, iris, barridos, panorámicas…lo que haga falta.

4. La discusión de Nicky y Sam en el desierto, en la que Scorsese intercala y termina mezclando dos temas musicales distintos, algo que yo no he visto en ninguna película hasta la fecha. Y es muy coherente con una película tan sinfónica, temática y narrativamente.

El trenzado de dramas personales y colectivos, la escalada de violencia y de destrucción psicológica, que va contando Scorsese, alcanza su cénit en la media hora final, en la que esta sinfonía llega al paroxismo relatando la pérdida de lo que Rothstein llama “el paraíso en la tierra”. La demolición de los antiguos casinos se pone en paralelo con la destrucción de una forma de vida y de unos sueños demasiado grandes y fugaces. Muere el amor, la amistad y la libertad. Asistimos con un nuedo en la garganta a esta perfecta conclusión a tres horas de drama sin fisuras.

Conclusión y escena favorita

Obra mayor de un cineasta mayor, singular y trágica versión de los wiseguys de su ‘Uno de los nuestros’, con la que Scorsese reincide en su maestría absoluta, pues los años noventa serán su época dorada. Mi escena favorita es aquella en la que Sam descubre a dos timadores enriqueciéndose en las mesas, ya que se comunican por morse. El control espacial de Scorsese es absoluto, y no teme destacar por medio de un iris al timador. La posterior sesión de martillazos a la mano con la que juega el pobre buscavidas duele verla, y es asombroso lo bien hecha que está.

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El (absurdo) remake de ‘Teniente corrupto’ es uno de los estrenos de la semana. Aquí os dejo con unas declaraciones de su protagonista, el inigualable Nicolas Cage:

A mí me encantan todos los animales, especialmente los peces, los pájaros, los reptiles y los insectos. Mi dieta se basa en la dignidad que tienen los animales cuando practican sexo. Los pájaros y los peces tienen una forma de copular muy digna. Los cerdos no, así que no como cerdo.

Otro de los estrenos del pasado viernes es la comedia ‘¿Qué fue de los Morgan?’, con Hugh Grant. Cuando le preguntan al actor, sutilmente, si va a seguir haciendo siempre lo mismo, responde:

Hacer comedias es mucho más difícil y exigente que hacer dramas.

Ruben Fleischer, el director de ‘Bienvenidos a Zombieland’, también defiende la comedia, pero desde otro punto de vista:

La risa debe ser liberadora. Pasamos por momentos muy duros y debemos ayudar a la gente a superarlos. Esa es la misión básica del cine.

A Natalie Portman la vienen acosando desde que filmó ‘Leon: el profesional’, siendo una adolescente. Dice que no quiere rodar una escena de sexo para no aparecer en Internet, y tiene claro quién es su ídolo:

Miras a Meryl Streep, que es un fenómeno, monstruosamente hermosa y, en cierto modo, es muy extraño que nunca fuera un símbolo sexual. Pero siempre fue ella y ahora no importa que esté envejeciendo porque sólo queremos seguir viéndola como una persona interesante. Por el contrario ves actrices que comercializan sus cuerpos y que podrían ser buenas, pero con el tiempo lo pierden, porque ese tipo de cosas no duran.

La española Elena Anaya, sin embargo, no está nada de acuerdo con Portman. Sobre su último trabajo, ‘Habitación en Roma’, de Julio Médem, ha dicho esto:

Estar desnuda durante casi toda la película es complicado. Al final, quitarse las bragas es siempre quitarse las bragas, y una actriz no posa, se entrega a lo que hace y ya está. Al final, lo importante es cuidarte a ti misma, ser coherente contigo y con tu desnudo. A lo mejor a tu lado está una actriz más potente, pero tú eres así, con tus pelos y tu tamaño.

‘Capitalismo: Una historia de amor’ es otra de las novedades cinematográficas del pasado viernes. Su director, Michael Moore, nos habla de mezclar cine y política:

Los directores de cine que ponen el mensaje político primero por lo general terminan haciendo películas muy aburridas que no contribuyen a la causa. Yo quiero llegarle a la gente como director de cine. Si quisiera hacerlo como político, me presentaría en las elecciones.

Ya queda menos para que podamos ver en España lo nuevo de Clint Eastwood, ‘Invictus’. Aquí os dejo una de sus declaraciones sobre cómo plantearon la historia, verdadera, que protagonizó Nelson Mandela (Morgan Freeman):

El hecho de que fuera un poco mujeriego, bueno, damos una pequeña pincelada de eso, y mostramos un poco que tenía problemas con su familia, terreno en el que no tuvo mucho éxito, pero todo el tiempo nos atenemos a lo importante, que fue un gran presidente. Podía haber existido la tentación de elaborar un gran documento histórico que durase horas, muchas horas, pero ésta, ésta es una gran historia.

‘Un tipo serio’ es lo nuevo de los hermanos Coen, y también se estrenó este fin de semana. Sobre su ritmo de trabajo, Ethan Coen nos aclara lo siguiente:

Eso de que somos una máquina de trabajar es una falsa impresión. La realidad es que somos bastante vagos. Es cierto que en los últimos tres años hemos estrenado un filme para más o menos la misma fecha, pero la verdad es que previamente nos habíamos tomado dos años sin filmar en los que nos dedicamos a escribir guiones. Eso explica la velocidad con la que hemos estado trabajando últimamente.

Michael J. Bassett parece muy contento con su (lamentable) versión cinematográfica de ‘Solomon Kane’. Aquí nos desvela en quién se fijó:

He querido hacer lo mismo que Christopher Nolan con Batman, algo muy realista. Se podría decir que Solomon Kane es el primer caballero oscuro de la Historia.

Sharon Stone quiere volver a actuar y, dentro de lo posible, ser la de antes. En una reciente entrevista habló sobre errores y soluciones:

Cuando estaba casada con Phil [Bronstein], me obliga a hacer películas en la costa Oeste para que de este modo no viajara lejos de casa. Destruí mi carrera por mi matrimonio; por eso considero que casarme ha sido lo peor que he hecho en mi vida. Nunca debe perderse el respeto en una pareja, pero en aquellos años yo funcionaba por desesperación. [...] He descubierto que el verdadero amor es calma, paz, paciencia y amabilidad. También es cierto que una mujer necesita el sexo, porque que una cincuentona tenga deseos es algo maravilloso. Además, para que una pareja permanezca felizmente unida tienen que ser buenos amantes.

PD: Si ya habéis visto ‘Teniente corrupto’ (2010) y os preguntáis de dónde han salido tantas chorradas, como la escena de la iguana o el alma que baila breakdance, Werner Herzog os da la respuesta: “Todo eso me lo inventé sobre la marcha, ni siquiera estaba en el guión“.

Vía | Lavanguardia, Elperiódico, Telecinco, Larazón, Público, Elpaís, Elmundo

“¿Alguna vez has follado con un mutante?”

-Benny

Después del éxito rotundo, del acierto pleno, que supuso la arriesgada (más de lo que parece) ‘Robocop’, que era una escalofriante reescritura del mito de la criatura de Frankenstein en un entorno futurista, Verhoeven pudo acceder a un proyecto que durante varios años se disputaron algunos importantes cineastas, y que se convertiría, en el momento de su estreno, en la película más cara de la historia. Una superproducción con la estrella más taquillera del mundo como protagonista, que buscaba repetir, o mejorar el éxito de ‘Robocop’, aunque finalmente quedó muy por debajo de aquélla, pese a estar inspirada en un relato de un escritor, que no me tiembla la picota el escribirlo, tan poco interesante para mí pero en teoría tan maravilloso como Philip K. Dick.

‘Desafío total’, realizada con todo el poderío de la industria norteamericana, con una música legendaria, grandiosa casi, del gran Jerry Goldsmith, goza de un cierto prestigio entre los aficionados al género y los cinéfilos en general, prestigio con el que nunca me he sentido identificado, pues siendo una película bien hecha, divertida y con momentos intensos, me parece muy por debajo de lo que podría conseguir el director. Ya lo decía el propio Verhoeven: “en Hollywood he hecho tres películas bastante buenas, y son ‘Robocop’, ‘Instinto Básico’ y ‘Starship Troopers’‘; el resto son muy inferiores”, y no es cuestión de llevarle la contraria. Creo que tiene toda la razón.

Unas vacaciones movidas en el planeta rojo

La película posee una serie de ramificaciones, o al menos atisbos de ramificaciones, realmente muy interesantes, pero que quedan en nada a la media hora de metraje. Muy buenas ideas aplastadas por un espíritu palomitero y trivial que podría haberse desarrollado, como han hecho muchas buenas películas, en paralelo a las reflexiones de la más pura estirpe de ficción científica. Y creo que parte de culpa la tiene el propio actor protagonista, un Arnie bastante sólido en su papel, pero que en ningún momento puede establecer una conexión emocional con el espectador, porque su drama le resbala, siendo un personaje invencible y a menudo despiadado, que le pega un tiro a su mujer y suelta un chiste para rematarlo. Parece ser que con la excusa de que es el Arnie, tenemos que tragarnos todo lo que nos quieran meter. Y con lo fácil que era hacer las cosas bien, porque Quaid es un proletario pringao que quiere una vida que jamás podrá tener, y una agencia le permite una pequeña aventura con la que desquitarse de su gris existencia.

Este punto de partida, en manos de guionistas más esforzados que Ronald Shusett, Dan O’Bannon (ambos responsables del libreto de ‘Alien’, nada menos) o Gary Goldman, que trabajaron al alimón en la escritura, podría haber dado de si muchísimas más posibilidades de las desarrolladas en la pantalla. Hay algo trágico en Quaid, en cómo desprecia a una mujer así (Sharon Stone en plan salvaje), en cómo busca desesperadamente una salida, aunque sea falsa, y en cómo todo se vuelve contra él. Había posibilidades ahí de hacer a un personaje muy complejo, y a una serie de situaciones kafkianas y tremendamente psicológicas, que quedan en jugueteo de tebeo barato de aventuras, cuando esto daba para ser una grandiosa aventura de ficción científica en la que nada es lo que parece.

La película está bastante bien hecha, con un ritmo que no decae en ningún momento, y ha envejecido relativamente bien, dadas las circunstancias. Y las circunstancias son que dado su carácter de película de gran presupuesto, sólo el diseño de producción de William Sandell, tan retrofuturista como envolvente y hasta freudiano, impiden que esta serie B con infulas de gran espectáculo se sostenga hoy día. Pero Verhoeven, por suerte, lo entendió a la perfección, cogió ese simplista libreto de espionaje en Marte y le otorgó su capacidad para la atmósfera y su intensidad expresiva, dirigiendo a los actores de manera muy eficaz, destacando entre todos ellos, como no podía ser de otra manera, el brutal Michael Ironside, que aunque corriendo le falta estilo (por decir algo, ejem) basta una mirada trepanadora de las suyas para meter mal rollo a la secuencia como el que respira.

Hay mucha acción en este ‘Desafío total’, aunque a menudo exagerada y sin sentido, como la persecución en el metro en la que bastan dos ejemplos: 1. Arnie atraviesa un detector de armas, una especie de cristal con Rayos X, y saltan las alarmas. Como la policía entra por un lado y los que le quieren liquidar se acercan por el otro…voilá, atraviesa el cristal (por supuesto sin hacerse un rasguño), y aún podemos a la policía, si tenemos el ojo veloz, quedarse quieta sin hacer nada. 2. En las escaleras del metro, Arnie las sube, pero arriba le esperan tres tipos armados, mientras Ironside y su compañero suben tras él. Se organiza una carnicería salvaje, con disparos que mutilan; Arnie, incluso, se hace con un escudo humano, prácticamente descuartizado y, milagrosamente, sale ileso.

Pero también hay alguna secuencia brillante, aunque no muchas, como la del recuerdo inducido por el mutante Kuato (que es cierto que es clavado a cierto importante político catalán…), con genial música de Godlsmith, en la que Quaid regresa al pasado y rememora sus conocimientos sobre la arquitectura alienígena que puede crear una atmósfera, el “cielo azul”, en Marte. Pero el conjunto es demasiado banal, demasiado lineal, sin demasiadas sorpresas (¡en un filme de espías desmemoriados!), con una violencia que parece de chiste de lo bestial que es. Verhoeven es un director brillante, que puede, y ha llegado a hacer, cosas mucho más importantes que esta, sin ir más lejos, ‘Instinto básico’. Esta película de ficción científica, un género que Verhoeven en verdad detesta, está bien hecha, divierte y es frenética, pero está por debajo de él.

Post Data obligatorio

Fijándose un poco, si somos malvados, esta película termina mal. No es sólo que la aventura de Quaid es todo lo que él pidió en la Agencia Recuerdo Total, sino que, si nos fijamos, antes de sufrir un embolismo esquizoide, el que le injerta el recuerdo dice “¡wow!, cielo azul en Marte!”, y la chica que él pide para correrse una aventura es la propia Melina, cuya cara aparece en el ordenador. Si realmente no es un sueño, si realmente, tal como le dice el doctor, está atrapado en su sueño, todo tiene coherencia. Es imposible, de otra forma, que ese tipo sepa que habrá cielo azul en Marte. Besa a la chica, se acaba el sueño, y está lobotomizado.

Paul Verhoeven en Blogdecine:

• ‘Instinto Básico’, un thriller magistral

“¿Qué debería haber dicho? ‘¡Eh, chicos, no soy gay, pero me follé a la sospechosa!’”

- Dra. Beth Garner

Hay directores-autores, que sólo salen de su casa a dirigir las películas que llevan dentro, y que mueven los proyectos en base a su nombre, su astucia, su dinero o sus contactos. Por ejemplo, David Lynch. Hay directores mercenarios, que se esperan en su casa a que les lluevan las ofertas, y entonces deciden qué producto llevar a cabo. Por ejemplo, Ridley Scott. Y luego hay directores que ni una cosa ni la otra. Ni están en su casa esperando, ni sólo se dedican a firmar proyectos personales, pero que, sin embargo, terminan firmando proyectos muy personales escritos y urdidos por otros, que ellos llevan a su terreno de una forma casi milagrosa. Este es el caso de Paul Verhoeven, holandés que se afincó en EEUU a finales de los ochenta (ahora ha regresado al viejo continente a enfrentarse a la recta final de su carrera), y que es responsable de una de las carreras más apasionantes de un extranjero en Hollywood, y seguramente el director holandés más estimulante de la historia.

¿Cómo Joe Eszterhas (que cobró una millonada por el libreto) escribió un relato con tantas abundantes y nítidas conexiones con aquella joya morbosa titulada ‘El cuarto hombre’ dirigida por Verhoeven con habilidad de alquimista? Es probable que la tuviera en mente, pero el guión no fue escrito pensando en que la haría Verhoeven, sino en que podría hacerlo cualquiera. Por supuesto que fue en él en quien primero pensaron, pero entre ambas se establece una unidad, no solo temática, sino sobre todo narrativa, que no se observaba desde los tiempos en los que los grandes autores del Hollywood clásico compraban, o encargaban, los guiones que mejor se adecuaban a su particular universo. ‘Instinto Básico’ creó una absurda polémica durante su rodaje y en el momento de su estreno (polémica de la que se beneficiaron, listos son ellos, los colectivos de gays y lesbianas de EEUU), lo que sumado a su éxito en taquilla y a su aura de sexualmente explícita, originó el prejuicio de que era un producto de marketing sin nada dentro. Nada más lejos de la verdad.

Porque ‘Instinto Básico’ es un thriller (ya que está por encima del suspense, en una formulación de la monstruosidad del asesinato como objeto a estudio) magistral, que en ningún momento, pese a lo truculento de su trama, adolece de falta de elegancia, sino que es un derroche de ella; que cuenta una enrevesada trama criminal y lo hace con una sencillez y una claridad admirables; que se la juega en cada giro argumental, pero que a pesar de tambalearse en el vacío, nunca llega a caer. La mejor película, con mucho, dirigida por Verhoeven en EEUU, y su más redonda obra junto a ‘El cuarto hombre’.

La coartada perfecta

Joe Eszterhas se ganaba la vida muy bien en Hollywood, y se había labrado una reputación de guionista sólido y comercial, con los libretos de ‘La caja de música’ o ‘Flashdance’. Era algo así como un todoterreno, pero con ambición de convertirse en algo importante. Este es, con toda probabilidad, su trabajo más logrado. Después aún logró embolsarse buenas cantidades de dinero por sus escrituras para ‘Sliver’ o ‘Jade’ (dos películas mediocres, por cierto), pero nunca más regresó con algo tan brillante. En su historia hay mucho sexo, mucha violencia, relaciones homosexuales, celos, locura, asesinatos, investigaciones, literatura, sangre. Una trama de la que resultaba muy difícil extraer una película equilibrada. Y Verhoeven lo logró como si fuera fácil.

Unos elegantes títulos de crédito dan lugar a una escena de sexo que es toda una coreografía de la muerte en el momento del orgasmo. De manera muy habilidosa, no vemos el rostro de la asesina, oculto por su pelo rubio. Hay morbo pero también una palpitante sensualidad en esa secuencia…rota en mil pedazos por el estallido de una violencia salvaje: el picahielos clavándose en la cara de la víctima, y después perforándole varias veces el cuerpo. Desde el mismo inicio, Verhoeven nos sitúa en una atmósfera hiperviolenta y casi despiadada, con ese grupo de policías riéndose en la escena del crimen por la abundancia de esperma rociado en las sábanas (“se corrió antes de que lo corrieran” bromea uno). Nick Curran (un buen, sólido Michael Douglas) y su colega Gus (el excelente intérprete George Dzundza) son los encargados del caso, y visitarán a la novia del rockero asesinado, una tal Catherine Tramell.

Con el gran operador (luego director de ficciones muy pobres) Jan de Bont de aliado, Verhoeven crea planos de gran densidad formal y pericia técnica, como ese en el que observamos un plano general de San Francisco, que panoramiza en descenso y que se encuentra primero con la mansión de Tramell y luego con los dos policías acercándose casi como dos hormigas. O justo el siguiente a ese, en el que observa a ambos agentes subidos a la plataforma circular de entrada, y realizando un movimiento también circular en torno a ellos. Esto es una producción con todo el poderío de Hollywood, pero también con gran gusto en cuanto a los ambientes y los personajes. De un vistazo nos hacemos a la idea de las personalidades de Curran o Gus, pero también de Roxy (la novia de Catherine, a la que da vida una también sensual Leilani Sarelle), la psicóloga Beth Garner (la estupenda y siempre guapa Jeanne Tripplehorn), y sobre todo el complejo y fascinante personaje de Sharon Stone, mucho más difícil de interpretar de lo que parece para no caer en el exceso o la parodia.

Sin más dilación, y a parte de conocer algo del pasado turbulento de Curran, se nos da a conocer la ingeniosísima coartada de Tramell. Al haber escrito un libro en el que ya se escenificaba con ritual y detalle exacto el asesinato por el que la acusan, no hay muchas posibilidades de encausarla sin pruebas directas, teniendo en cuenta además su fortuna. Sin móvil, y con la coartada del libro, finalmente es la sospechosa número uno, pero esto llevará a Curran a una aventura peligrosa e intensísima, y a una relación tempestuosa, que es, al menos para quien esto escribe, una cumbre del género.

Rasgos de estilo: suspensión de incredulidad

Sin duda la obra maestra que representa en sí misma la música de Jerry Goldsmith, sube varios enteros a la puesta en escena de Verhoeven. Pero eso no le quita méritos a un trabajo brillante, con varias secuencias antológicas. Por ejemplo la del famoso interrogatorio, en el que la mayoría de espectadores (yo a veces también) sólo se fijan en el famoso cruce de piernas (mil veces parodiado). Ya cuando van a buscar a Tramell, Verhoeven cierra la secuencia con ese plano elegantísimo que presenta a los tres de espaldas caminando hacia la puerta. Pero la secuencia en sí ya comienza con un cruce de planos que es como una danza entre los actores, todo ello bajo un ambiente de luces azules muy elaborado. Toda ella es verdaderamente una lección de planificación soberbia.

Con grandes angulares, con contrapicados en los que a menudo se ven los techos (tal como dicta el género), el interrogatorio está dividido entre partes sutilmente diferenciadas entre sí, y que constituye un ritual de deseo hacia algo (aparente: la verdad del caso, oculto: la propia Tramell) no satisfecho. Rodeada de hombres, es Tramell (una soberbia Stone) la que controla la situación en todo momento. Empieza con la broma del tabaco, y con el velocísimo juego de primeros planos que comienza con el ¿mató usted a Johnnie Boz? pasamos a la segunda parte del interrogatorio, que tiene al cruce de piernas como protagonista absoluto. Es la parte más larga, en la que se establece una relación entre Curran y Trammell. La tercera parte comienza con un corte brusco de montaje, un movimiento en travelling de retroceso hasta coger la escena en plano general y un cambio en el tema musical.

La formidable secuencia de la persecución también es digna de un maestro en la realización de películas, que comienza con un plano aéreo desde un helicóptero y con un montaje perfecto alterna planos generales y cortos, desde una cámara lapa en el lateral del coche, hasta otra pegada al frontal del mismo y rozando el asfalto. Una escena que tardó varias semanas en rodarse y que también cuenta con presentación, nudo intenso y desenlace, que es el segundo coitus interruptus. El mismo juego de seducción, pero esta vez explícito, ocurre en la secuencia de la discoteca, y finalmente obtiene como recompensa el largamente ansiado e interrumpido orgasmo.

Pero también hay suspense, y hay pasión devoradora, y un crescendo imparable, como si fuera una predestinación, en esta historia que se van rizando y complicando, pero de la que Verhoeven jamás pierde el control, centrándose sobre todo en sus actores y en su cámara, siempre a la altura de la mirada humana, sin aspavientos, sin énfasis, con una secuencia muy contenida pero muy astuta, adentrándose por los meandros de una ciudad que late sexo por los cuatro costados, como San Francisco, a la que erige un monumento. El sexo como una adicción al peligro, al dolor de la posible pérdida futura, compensada por el placer del presente. El crimen como la otra cara de la moneda, como el complemento perfecto a la pasión, con el que sublimarla o simplemente acallarla para siempre…

Una mujer bella, sensual, atractiva, inteligente y peligrosamente manipuladora que logra desquiciar a los que le rodean, en especial al género masculino, que no puede si no rendirse ante su presencia, como así hace el detective Nick Curran. Al igual que emana fascinación a sus antagonistas con su sola mirada, es capaz de hacer sentir al espectador que está invetiblamente atrapado por las redes de su maquiavélica pero atrayente conjura con el mal.

Partiendo de un guión algo tramposo y, por momentos, previsible pero a la vez tremendamente eficaz de Joe Eszterhas, Verhoeven construye un thriller redondo, con un ritmo endiablado y en el que su protagonista, la inolvidable Catherine Tramell logra que todas las miradas y pesquisas policiales se centren ella. De su interpretación se encargó una soberbia Sharon Stone, que logra desprender un magnetismo único en cada aparición y, en especial, en las escenas más tórridas, donde da rienda suelta a sus armas de seducción al servicio de sus ocultos y oscuros intereses criminales.

Pocas veces ver a una bomba sexual en plena acción ha provocado mayor tensión, en una acumulación de sentimientos de emoción, excitación y miedo. Catherine Tramell exhibe un dominio del arte de la seducción, pero también de agudas dosis de psicología en cada diálogo, logrando la mencionada manipulación del detective Curran y del resto de detectives, que acaban subyugados por su atrevida y explícita sensualidad.

Tramell no necesita más que mirar a los ojos y con un simple gesto se posiciona como dominante de cada una de las situaciones. La más conocida escena me sirve de claro ejemplo. Ese interrogatorio pepretrado por la plana mayor del departamento de policía, que pondría en un brete a más de un avezado asesino, acaba convirtiéndose en un despliegue hipnótico de Tramell, con el más famoso cruce de piernas de la historia del cine.

Una mujer fatal, ambigua, sugerente, capaz de seducir y estar varios pasos por delante de sus víctimas, capaz de manejar un picahielos sin asustar y capaz de manejar un diálogo para desnudarte psicológicamente.

Tramell protagoniza algunas memorables escenas. Casi cada una de sus apariciones son para recordar, pero me quedaría especialmente con el arranque de la película. Con una escena simple, pero muy bien realizada, aparte de su excelente fotografía y la inspirada banda sonora (del gran Jerry Goldsmith), nos pone a tono. Enseña todas la cartas y resume, en unos explícitos (y censurados en EEUU) minutos lo que nos va a deparar la historia. Precisamente, ese juego ambiguo de no reconocer a su protagonista femenina es uno de los principales atractivos y será, a la postre, la clave de toda la historia. ¿Quién esa rubia peligrosa? No se puede empezar mejor.

Y también, como no, ese famoso interrogatorio, quizás demasiado conocido y parodiado hasta la extenuación, pero que cuando la vi por primera vez (repetí en cine y numerosas ocasiones en VHS), logró cautivarme, amén de elevar aún más la cálida temperatura de la cinta, logrando que me acabara rindiendo ante el poderío intelectual y hábil de Tramell para manejar a ese puñado de detectives, supuestamente efectivos, pero claros ejemplos de la debilidad masculina a merced de una belleza inteligente.

Por último, ese baile de seducción que se marca Catherine en la discoteca ante la mirada fascinada de Curran. Roces, juegos lésbicos en la rítmica y atrapante atmósfera de la sala de baile, maravillosamente rodada y editada. Asistimos, nuevamente, al alarde de las poderosas armas de Tramell. En esta ocasión, sin intercambio de frases, sino de miradas lascivas, que hacen bueno el título de la cinta. Verdadero estímulo de los instintos más básicos.

Con el alto aprecio que me quedó de Tramell, es una lástima, ver para lo que quedó en la prescindible y desfasada secuela, mero vehículo de exhibición de una más madura Sharon Stone, pero sin un ápice del magnetismo desprendido en la obra de Verhoeven de 1992.

Otros de mis villanos favoritos:

• Mis villanos favoritos: The Terminator (‘Terminator’)

• Mis villanos favoritos: Annie Wilkes (‘Misery’)

Nadie puede negar que partió con excelentes reclamos: Barry Levinson en la dirección (no es que sea un genio pero suele resolver bien sus trabajos, menos éste claro), un reparto de altura con Dustin Hoffman, Sharon Stone (en pleno apogeo en la época del estreno) y Samuel L. Jackson, aparte de una terna de secundarios que son buenos avales como Peter Coyote, Liev Schreiber o Queen Latifah. Sin olvidarnos de que se trataba de una cinta de pura ciencia ficción basada en la novela del exitoso Michael Crichton (autor de ‘Parque Jurásico’).


Nada menos que 135 minutos de duración para contarnos la historia de un grupo de científicos (seleccionados entre lo más granado) que tiene la misión de investigar la aparición de una nave extraterrestre (supuestamente) en el fondo del mar. El primer error es intentar afrontar la narración literaria al dedillo. Es decir, la cinta está formada por capítulos que se inician con el título y finalizan con una interrogante de pleno suspense.

Así, poco a poco vamos conociendo la intriga de esa aparición en el fondo marino de lo que apunta ser de procedencia alienígena. Una esfera encontrada en una nave hundida y de la que vamos conociendo detalles contados con cuentagotas. Pero lo que debería ser intriga bien manejada, creando desconcierto y expectación, se torna absoluto aburrimiento, sin credibilidad (narrativa) alguna. Y si hay algo que evite que las cabezadas somníferas se concatenen es la abusiva y prolífica utilización del ruido sorpresivo como elemento de suspense. Vamos, que cada momento se producen ensordecedores efectos sonoros que intentan evitar que el sueño nos venza.

El plantel actoral brilla sorprendentemente por su ineficacia absoluta. Algunos dirán que Samuel L. Jackson impresiona en sus apariciones, pero lo cierto es que su papel de gruñón queda mutilado por un guión incapaz de ofrecer interés verdadero con sus protagonistas. Todos los actores son reputados científicos, pero desde el primer minuto uno no se los cree. Dustin Hoffman está espantoso. Falto de convicción y con carácter cero absoluto. Con tics, miradas y algo de comicidad (no sólo no logra convencer en absoluto, sino que incluso resulta ridículo en muchas escenas). Y Sharon Stone, pues a pesar de su look y esfuerzo por convencer en su papel de científica femenina (y ex pareja del papel de Dustin), no está en su sitio. No es papel para una actriz capaz de hacer derretir al espectador más frío con sus miradas y su capacidad para seducir con diálogos en condiciones. Algo de lo carece totalmente esta cinta.

Después del tedio de la historia (causado por partir de una historia original nada brillante), en la que se mezcla un tono onírico, casi surrealista, con los toques propios de ciencia ficción (y excesivas explicaciones tipo clases magistrales de parvularios mezcladas con acertijos irritantes), llega a un desenlace que provoca risa. Pero antes de la carcajada uno se enoja porque resulta tan flojo, tan incompleto, tan banal y tan absurdo que se tiene que reír como auténtica manifestación de lamento. Tanta intriga, tanto suspense sostenido para resolver la historia de un plumazo. Si Levinson quería impactar (aunque es fiel a la floja obra original) con ese desconcertante giro, lo consigue, pero negativamente.

Ese ambiente claustrofóbico que se crea en el laboratorio submarino donde se encuentran los científicos podría haber dado mucho más de sí. Ahí había un escenario ideal para el enfrentamiento dialéctico de sus protagonistas, pero acaba siendo demasiado convencional, predecible. Sus explicaciones del supuesto origen de la esfera provocan risa, no hay nada peor que intentar parecer erudito y agudo científico sin ni siquiera estar convencido de lo que se dice.

Los efectos especiales los he dejado para el final. Para una historia de tanto suspense, con un escenario reducido y asfixiante, quizás no habría que haber diseñado tanta parafernalia submarina. Y así, como por imposición de la producción, nos meten en la historia una galería de criaturas para asustar (medusas-killer, pescadillas-dragón,..), por no mencionar esa catarata de huevos mortíferos que dan risa en vez de pánico. Un refrito de ‘2001’, ‘La Cosa’ o ‘The Abyss’, pero con una absoluta incapacidad para entretener y ser verosímil. Grandísimo fiasco.

Otras de las peores películas que he visto en una sala de cine:

• ‘Wild Wild West’
• ‘Los Vengadores’
• ‘La Liga de los Hombres Extraordinarios’

Nick Cassavetes, que primero probó suerte como actor en una buena cantidad de películas, ha seguido al final, los pasos de padre, el mítico John Cassavetes, también actor, y ha querido labrarse una carrera como director. Sin embargo, el hecho de llevar un apellido célebre, y contar con medios y actores conocidos para realizar una película, no significa que el talento se herede y le vayan a salir las cosas tan bien como le salían a su progenitor. Y si no, que se lo pregunten a Sofía Coppola. De todos modos, queda claro en el cine de Cassavetes hijo, que su estilo es totalmente diferente al de su padre, quizá porque así lo ha decidido, o porque simplemente no sabe.

El cine de Cassavetes padre era mucho más íntimo, era un cine de actores, sobre personajes, unas veces más acertadamente que otras. Nick elige un camino más fácil, también habla sobre las personas, pero lo hace más convencionalmente, sus guiones no están tan trabajados, y es un cine para un público más amplio, y en esa amplitud de miras, en la de querer satisfacer a cuantos más mejor, es donde el cine de Cassavetes hijo pierde fuerza, y si no, echadle un vistazo a ‘John Q’ o ‘El Diario de Noa’, dos películas que podrían haber sido grandes, y parecen dos telefilms de sobremesa.

‘Alpha Dog’ cuenta tres días en la vida de unos jóvenes delincuentes que se dedican al tráfico de drogas y a otras cosas. Un grupo de amiguetes para los que la vida es una continua juerga a base de drogas, alcohol y sexo. La cosa se complica cuando al cabecilla del grupo no le devuelven un dinero que le debía un tipo bastante problemático, y para darle una lección, secuestran al hermano menor de éste, alejado de todo este mundo debido a un exceso de protección paterna. Esto último no deja de tener coña, pero eso sería para un debate totalmente alejado de lo que es el Cine. Sólo decir al respecto, que el film presenta una postura totalmente hipócrita y falsa.

Pero dejando eso de lado, ‘Alpha Dog’ pretende contar, a modo de thriller, lo mal que va esta juventud de hoy día, preocupada sólo por ella misma, sin ninguna perspectiva de futuro. En el film los viste de gangsters, con todos los lujos a su alcance (algo que parece que sólo se puede conseguir llevando una vida de delincuencia a lo bestia), y enfrenta directamente al personaje central con su generación anterior, un padre también de mucho cuidado, en un clara alusión a la culpa paterna en lo que respecta al sendero que debe tomar un hijo en esta vida. Y que a pesar de toda la libertad que los hijos metidos a mafiosos tienen, los que verdaderamente manejan el cotarro son los padres.

La película consigue sus mejores momentos en ese retrato de los padres, contando para la ocasión con un Bruce Willis realmente ejemplar que llena la pantalla cada vez que sale. Como también la llena el genial Harry Dean Stanton, secundario de lujo donde los haya, interpretando un carismático personaje que le da “bellos” consejos al hijo de Willis. También aparece Sharon Stone, como la madre del hijo secuestrado y a quien siempre ha intentado apartar de la vida que lleva su otro hermano. La Stone también está bien, sólo que el hecho de aparecer bastante maquillada al final de la película descoloca bastante, e incluso le resta credibilidad.

Y es que la credibilidad es uno de los mayores problemas de esta película, la cual está construída como si se tratase de un documental, con entrevistas realizadas a algunos de los personajes. Menos mal que el director no abusa en demasía de esto, con lo cual no termina cansando. Pero es precisamente por el hecho de enfrentar dos generaciones distintas, de padres e hijos, centrándose más en los segundos, claro, por lo que la película no termina de convencer en todos sus aspectos. Y es tal vez porque las interpretaciones de todo el elenco joven están un pelín exageradas, en un clarísimo contraste con la contención y el buen hacer de los adultos del reparto. Evidentemente, una pandilla de jóvenes delincuentes, metidos en toda clase de líos, no van a ser las personas más tranquilas del mundo, pero tampoco hace falta exagerar tanto a algunos de ellos, como es el caso de Ben Foster, que realiza una interpretación totalmente pasada de vueltas de un personaje que no lo necesita.

A su lado tenemos a Emile Hirsch, como el cabecilla del grupo, Justin Timberlake y Shawn Hatosy. Sus personajes no resultan interesantes, y se pasan toda la película manteniendo diálogos de besugo, y supuestamente graciosos, llegando a estancarse la trama en algún momento. Uno desea que el grupo adulto aparezca más tiempo en pantalla.

Aún así, el film no es desdeñable. El empezarlo con una versión de ‘Over the Rainbow’ interpretada por la maravillosa Eva Cassidy, es toda una declaración de principios. Y luego, Cassavetes consigue imprimirle un buen ritmo a la película, con lo que a pesar de que en ciertos momentos el interés decrece, ésta no llega a aburrir. Con lo que nos queda un producto pasable, con el que consumir un par de horas de tu vida, sin lamentarse demasiado por ello, pero olvidándote de ella después de su visionado.