Aprovechando que, por fin, se ha estrenado en España lo nuevo de Jaco Van Dormael, ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’ (‘Mr. Nobody’, 2009), he decidido recuperar la entrevista que pude hacerle al director belga durante los días que estuve cubriendo la última edición del festival de Sitges. Allí vi la película y (como ya sabéis los que seguisteis mi pequeña odisea) quedé extasiado, realmente impactado y conmovido por lo que me pareció una sensacional (y bellísima) forma de contar una fantasía íntima, personal. Es una propuesta poco convencional que recuerda a su ópera prima, la prestigiosa y estupenda ‘Totó el héroe’ (‘Toto le héros’, 1991); no digo más, si tenéis la suerte de poder verla, no os la perdáis, es algo diferente y sólo por eso creo que merece la pena.

Aunque llevo tiempo escribiendo para Blogdecine, y no era la primera vez que me encontraba con alguien cuyo trabajo admiro, tenía la película demasiado reciente, acababa de salir del pase de prensa, y había disfrutado tanto, que me temo que cuando me senté a hablar con Van Dormael (un tipo bajito y regordete, con una voz suave, muy amable), debí parecerle poco menos que un fanático; pero de estas cosas sólo te das cuenta cuando han pasado. Lo primero que hice fue felicitarle por la película, al menos dos veces, y luego intenté despejar la mente y buscar cuestiones que me pudiera aclarar, para entender mejor su trabajo. Y así pasó:

Sobre la vida, las opciones y las preguntas

• En la película se muestran muchas emociones y se juega con la manera en la que recordamos nuestras experiencias… y con todo esto a mí me quedó la sensación de que la película es un canto a la vida, que invita a disfrutar al máximo de nuestra existencia. ¿Es esto lo que usted pretendía comunicar?

Bueno, no he querido compartir una actitud… Mi intención era más bien la de compartir dudas, lanzar cuestiones… ¿Por qué somos como somos? ¿De dónde viene nuestra personalidad? ¿Qué percepción tenemos de la realidad? ¿Hay buenas y malas decisiones, o todas son interesantes? ¿Somos realmente libres para decidir? Conocí a un premio nobel de física que escribió un último libro antes de morir, y en él destruía todo lo que había mantenido hasta entonces [risas]. Su postura me gustó, todavía le interesaban las cuestiones, pero ya no quería las respuestas.

• Entiendo eso, y no es por simplificar su obra, pero me da la impresión de que usted da a entender, o quizá me equivoco, que en el fondo da un poco igual lo que elijamos, que todas esas opciones no son tan relevantes, que lo importante es vivir intensamente lo que tenemos, nuestro presente.

Sí, probablemente. Es posible que lo único que tenemos que aprender es vivir lo que nos toca, vivir el ahora, sin arrepentimientos, y sin preguntarnos cómo sería nuestra vida si hubiésemos elegido otras opciones. Pero aun así... [risas] A mí me resulta muy interesante planteármelo. Algo que me resulta muy curioso es cómo cambia nuestra manera de entender esas opciones, o las posibles otras vidas que podríamos llevar, conforme pasa el tiempo.

Cuando era más joven, siendo un adolescente, no me preocupaba nada de todo esto porque pensaba que tenía tiempo por delante para cambiar con los años, si me arrepentía. Con treinta, pensaba que en realidad no hay manera de cambiar nada, que sólo tenemos una vida. Ahora, con cincuenta, que ya no tengo tantas opciones… [risas] Me planteo qué habría pasado si hubiera elegido otros caminos, pero estoy seguro, tranquilo, con lo que hago, con mi trabajo. Sé que todo no es posible. No podemos tener todo. Y me alegro de tener sólo esta vida, una vida está muy bien, es fantástico. El momento más importante de mi vida sucedió cuando fui padre. Desde entonces, dejé de tener muchas opciones, mi vida estaba más dirigida hacia un camino al tener una familia, ya no había sitio para tantas dudas. Las cosas sucedieron así y lo acepto. Me alegro que así sea… lo prefiero.

• Hay un personaje, un periodista, que intenta comprenderlo todo, que trata de simplificarlo todo y entenderlo. ¿Es su manera de criticar una postura ante la vida, y también, ante su propia película?

No era mi intención… [risas] Para mí, el periodista es el público, y hace las preguntas que haría éste, si pudiera formularlas, le dice que no está solo. Incluso sabe menos o intuye menos de lo que puede hacerlo el público. Es una idea que me gusta. Pensar en la película de una manera clásica y luego romper las reglas, pero incluir a alguien que intente entender qué está pasando. Es lo que ocurre en ‘Amadeus’, hay un personaje que no comprende lo que ocurre, y esto le da al espectador la tranquilidad de saber que es normal que también esté perdido. Creo que es acertado incluir a alguien que va más lento que el público.

La estructura, la hoja y los ojos

• La estructura de ‘Mr. Nobody’ es realmente peculiar, es parecida a la que tiene ‘Totó el héroe’. ¿Cómo planifica algo así, cómo llega a ella?

No escribo mis historias linealmente, no pienso en ellas de principio a fin. Me gusta escribir en tarjetas y jugar con la estructura. A cambiar las tarjetas de sitio constantemente, ver cómo casan unas con otras, y cómo queda el conjunto. Así que lo que hago es sentarme a teclear en mi máquina de escribir, escenas sueltas, nunca algo lineal, y luego veo como creo que encajan mejor todas las piezas. Al final pueden ser en torno a 600 o 700 tarjetas, ordenadas en tres bloques, como los tres actos, y las voy cambiando todo el tiempo, incluso durante la fase de montaje también vuelvo a ellas y las reorganizo. Pero me resulta muy útil este método.

• A lo largo de la película la cámara se fija en una hoja que revolotea por el cielo, y también, si no me equivoco, en un pájaro. Me gustaría saber qué sentido le da usted a estos elementos, ¿puede ser una idea de destino, otra cuestión en torno a si tenemos un camino marcado?

Sí, la hoja es como las alas de una mariposa, y está relacionada con la idea de que todo es una compleja interacción de elementos diminutos, que hacen que la vida sea así. Es como la teoría del caos. No creo en Dios, no creo en la fortuna, no creo en el destino. Creo que el mundo, la vida, está hecha de caos, es muy compleja, y creo que eso es lo interesante, sin que haya un dios. Siempre estamos buscando una razón y un significado, pero yo creo que no lo hay, que la existencia no tiene sentido. Pero no podemos evitar seguir preguntándonos el porqué de las cosas.

• Los ojos tienen mucha relevancia en la película, hay muchos planos dedicados a los ojos de los protagonistas. ¿Es quizá por que parece que no cambian a lo largo de nuestra vida, que siempre son los mismos?

Bueno, sí cambian, especialmente el color, pero entiendo lo que dice, parecen los mismos… Es algo a lo que llegué después de escribir el guión. Y me dio algún que otro problema, por cierto. En un principio, el personaje que interpreta Diane Kruger lo iba a hacer Eva Green. Pero cuando estábamos a la mitad del rodaje, Eva me dijo que se había comprometido con Disney para otra película, y que nos tenía que abandonar. La cuestión es que ya habíamos rodado escenas de su personaje siendo una niña, y cuando conseguimos a Diane la hicimos morena, pero nos dimos cuenta que no tenía el mismo color de ojos que la pequeña. Aun así, lo dejamos, porque son como los de Jared Leto, y los emparejaba perfectamente, los unía en cierta manera. Intenté hacer una cosa pero salió otra, y me pareció bien.

PD: El título español es un despropósito (otro más). En español no decimos “mister”, sino “señor”, o sea, debería ser ‘Las vidas posibles del Sr. Nobody’; o simplemente ‘Sr. Nobody’. Y si queremos ir más lejos con la traducción, debería ser ‘Sr. Nadie’, que es lo que significa el título original.

Recupero hoy una de las tres últimas entrevistas de mi paso por Sitges 09. La verdad es que pensaba que tras el estreno mundial de ‘Splice’ en el festival catalán, la última película de Vincenzo Natali (‘Cube’) llegaría a las salas españolas en poco tiempo. No ha sido así, y teniendo en cuenta que su anterior trabajo, ‘Nothing’, es de 2003 y todavía no lo hemos visto por aquí... Quién sabe, igual el día menos pensado sale en DVD, a veces las decisiones de los distribuidores son totalmente absurdas.

En fin, aprovechando que hablamos hace poco del que será su próximo proyecto, he decidido sacar ya de una vez la entrevista con Vincenzo Natali, por si os interesa leerla o guardarla, para cuando hayáis visto ‘Splice’ (que por cierto, a mí me decepcionó bastante). Aunque antes de saludarle en persona no sabía nada sobre su personalidad, me sorprendió lo amable y participativo que se mostró Natali durante la charla, una especie de “mesa redonda” en la que estuvimos cuatro profesionales acreditados. Como si fuera un entusiasmado fan que está visitando el festival, en lugar de ser uno de sus más ilustres invitados, siempre muy sonriente, el director nos concedió un rato en medio de su apretada agenda para hablarnos sobre su última película.

• La película gira en torno a una criatura muy sofisticada, ¿lo que se ve en la película es justo lo que tenía en mente cuando escribió el guión?

Sí y no. La criatura evoluciona a lo largo de la película, yo tenía muy claro el aspecto final, pero no los iniciales. En cualquier caso, lo que más me preocupaba es que pareciera real, que fuera algo que pudiera existir, no un monstruo fantástico.

• Algunas de las cosas que ocurren al final son muy fuertes, ¿fue presionado para que lo cambiara, pensando en el mercado?

Uno de los productores es francés, así que no tuve ningún problema de ese tipo, al revés, quería más [risas]. Tuve mucha suerte, no podría haber hecho esta película con productores estadounidenses, la habrían cortado, no me habrían dejado tener la última palabra sobre el montaje.

• En sus películas, parece que hay un ente superior que no quiere que los personajes hagan lo que hacen, casi parece una metáfora de lo que le pasa a usted como cineasta. ¿Se ve como un rebelde, fuera del sistema?

[Risas] Algo así. Cada vez es más difícil hacer películas. Cuestan mucho dinero, hay mucho riesgo. Y lleva mucho tiempo, si no crees en tu película, es mejor no hacerla. Creo que se pueden hacer películas comerciales, que se puedan vender, pero nunca caer en la caja. No me llevo bien con Hollywood, no me llevo bien con ningún sistema, pero especialmente no con Hollywood.

• Llevamos años viendo bocetos y borradores del guión en Internet, con todo el tiempo que lleva preparando esta película, ¿no siente un vacío ahora que está acabada y estrenada? ¿O está trabajando ya en un nuevo guión?

Desde luego, ahora estoy sufriendo una depresión postparto [risas]. Aunque ya me voy acostumbrando, no deja de sorprenderme cómo acaba todo en la red. A día de hoy, incluso siendo un director no famoso, ya tengo que asumir que si entrego algo o me llega un boceto, ya estará en la red. Todo lo que habéis visto no era oficial, pero alguien lo puso ahí y creó expectativas. Es increíble. Tengo varias ideas, varios proyectos en los que puedo embarcarme, pero todavía no hay nada seguro. Uno de ellos es una adaptación de una novela de J.G. Ballard, ‘High Rise’ (‘Rascacielos’).

• ¿Puede decirnos por qué eligió a Sarah Polley y Adrien Brody para interpretar a los protagonistas?

En primer lugar, porque son grandes actores. Necesitaba a grandes actores en mi película, porque las relaciones entre ellos, y con su criatura, son complejas. Por otro lado, necesitaba actores que el público pudiera ver como científicos. A menudo vemos películas con actores que… ¡en la vida podrían ser científicos! [risas] Sarah y Adrien son personas inteligentes y uno no duda que puedan hacer estos papeles. Pero también, necesitaba actores con los que el público pudiera conectar incluso cuando hacen cosas inesperadas y despreciables. Tenían que ser actores de gran humanidad y debilidad, que fuera creíble que hicieran las cosas que hacen en la película. Tuve mucha suerte con ellos, porque además no son de los que ponen inconvenientes, son arriesgados y hacen lo que sea necesario. Hay muchos actores, especialmente los famosos, que no aceptan salir en una película haciendo determinadas cosas, pero con ellos no tuve ningún problema.

• Esta película supone un cambio importante en cuanto al tono. Sus anteriores trabajos eran más fríos, ‘Splice’ es más cálida, los sentimientos son muy importantes. ¿Lo ve usted así, ha sido un cambio consciente?

Bueno, puede que me esté haciendo viejo, viejo y sentimental [risas]. No quería hacer una típica “monster-movie”, quería hacer una película sobre los personajes y sus relaciones. De hecho, lo que sí quise cambiar respecto a mis primeras películas, es que aquí los personajes toman las riendas de la acción. En las anteriores, los personajes se veían inmersos en algo grande que debían comprender y de lo que debían escapar. Aquí, ellos deciden su propio destino.

• Es habitual preguntar por las influencias, aunque éstas a menudo sean inconscientes. Me he acordado particularmente de David Cronenberg viendo ‘Splice’.

Sí, reconozco que hay algo de Cronenberg en mi película. Creo que cualquiera que haga una película sobre biología y horror tiene que pensar en Cronenberg, porque es el tipo que exploró primero ese terreno. Pero quiero pensar que mi película tiene su propia identidad, no sentí que debiera parecerme a nadie. ‘Alien’ es una película que me marcó y puedes verlo en mis trabajos. Desde luego, muchas cosas influyeron en mí cuando escribí el guión, no necesariamente películas, también noticias. De hecho, si tardamos un poco más en sacar la película, puede que ya no fuera ciencia ficción.

• ¿Por qué piensa que todas las películas que hablan sobre experimentación genética son tan pesimistas?

Porque si no serían aburridas [risas]. Supongo que porque nos tenemos miedo a nosotros mismos, a lo que podemos hacer con la ciencia. Nunca olvidaré algo que me dijo mi padre, viendo con él una película: “El verdadero monstruo es el ser humano”. Aquello me marcó, y creo que es algo que piensa mucha gente. Pero los científicos son héroes para mí. Buscan dinero como los cineastas independientes, pero para lograr algo útil para el mundo [risas].

• Antes de terminar, necesito hacerle esta pregunta, de parte de un amigo que es fan suyo. ¿Piensa convertir ‘Elevated’ en un largometraje?

[Risas] Ya lo hice, es ‘Cube’. No, no tengo intención de hacer más películas sobre gente atrapada.

Y eso fue todo. Una fotico para el recuerdo y cada uno a lo suyo. Servidor a ver más películas y Natali a seguir hablando y promocionando su ‘Splice’. Esperemos que llegue algún día a España.

Grant: “Matar es besar… ¡Matar es besar!... ¡¡Matar es besar!!”.

Sydney: “Mátame”.

‘Pontypool’ es una atractiva película de terror dirigida por Bruce McDonald y escrita por Tony Burgess, a partir de su propia novela, titulada ‘Pontypool Changes Everything’. Realizada en 2008, la película, de producción canadiense, se proyectó en la pasada edición del Festival de Sitges, pero todavía no se ha estrenado en nuestro país; con un poco de suerte, saldrá algún día en DVD, aunque todos los que ya han tenido interés por ella han podido verla, en versión original subtitulada, y gratis. Enhorabuena a los que debían sacar dinero de este producto.

Decía mi compañero Adrián recientemente, que el género de terror deber ser uno de los más complicados de rodar, a tenor de la escasa cantidad de películas que merecen realmente la pena. Estoy de acuerdo con él. Se hacen muchísimas películas de terror malísimas, tan ridículas que más que asustar hacen reír. Caracterizadas normalmente por un guión repleto de situaciones absurdas, un reparto nefasto y un nulo sentido del suspense, pero apoyadas en el bajo coste que requieren, la mayoría suelen recurrir a jóvenes guapos, mucho escote y litros de sangre para disimular la mediocridad del conjunto. Una fórmula muy simple que aunque parezca mentira, todavía sigue funcionando. Por todo esto, encontrarse con ‘Pontypool’ supone toda una sorpresa al huir de todos los tópicos del terror actual.

Para seleccionar entre tantísima oferta cinematográfica, hay gente que se deja llevar mucho por la sinopsis (en lugar de fijarse en en el nombre del director, que es infinitamente más fiable). Yo siempre que puedo, evito leerlas. No sólo porque pueden contar hechos relevantes de la trama (algunos DVDs incluso destripan el final), sino porque muchas veces dan una idea equivocada de lo que luego vas a ver. Es un poco como lo que pasa cuando ves un tráiler, pero con una importante diferencia: al leer un argumento, te lo imaginas en la cabeza, le das forma, y luego puede resultar que no tiene nada que ver con la película que has ido a ver. Es lo que suele pasar con los libros y sus adaptaciones al cine, que casi nunca convencen a los que leyeron la obra original. James Cameron apuntaba también a esto cuando quiso explicar por qué hay gente que no alucina con su ‘Avatar’. Pero estamos hablando de ‘Pontypool’.

Como decía, no suelo leer las sinopsis de las películas. Pero el pasado mes de octubre estaba en el Festival de Sitges, en la cola de la taquilla, y en mi agenda había huecos que podía rellenar, así que me puse a leer de qué iban todos los títulos de la programación a los que podía ir, buscando algo que me atrapara. Así llegué al ingenioso punto de partida de ‘Pontypool’. La película nos traslada a la emisora de radio de la pequeña y tranquila ciudad de Ontario que da título al film. Durante la realización de un programa informativo, llegan noticias sobre el violento comportamiento de un grupo de habitantes de la población, al que poco a poco se van sumando más personas. Al parecer, están infectados por un virus que se transmite con el lenguaje…

A la atractiva idea escrita por Burgess, hay que sumar la habilidosa realización de McDonald, capaz de que no se note demasiado la falta de presupuesto, y sobre todo el extraordinario trabajo de uno de sus protagonistas, Stephen McHattie, en el papel del locutor de radio Grant Mazzy. El veterano actor, a quien habéis podido ver no hace mucho en ‘Una historia de violencia’ (es uno de los dos asesinos del principio) o en las dos últimas películas de Zack Snyder (‘300’ y ‘Watchmen’), compone un grandioso personaje, acertadísimo porque es el tipo que tiene que soportar el peso de la película y mantener al público pendiente de lo que sucede en la pantalla, aunque no esté pasando prácticamente nada. Y es que además de que la amenaza tarda bastante en llegar, durante gran parte de la película es invisible, nos llega narrada por radio. De hecho, para construir la trama, Burgess se basó en la famosa versión de ‘La guerra de los mundos’ con la que un joven Orson Welles aterrorizó a su audiencia en 1938.

Con su increíble voz, su aspecto de vaquero y su actitud (quiere pasarlo bien, lo mismo que nosotros), McHattie crea un personaje que es carisma en estado puro, un profesional que conoce a fondo su trabajo, un lobo viejo que ya ha pasado por todo tipo de situaciones, y que ahora debe encargarse de un miserable programa de radio en un pueblo donde nunca pasa nada… ¡hasta ahora! En este sentido, hay un momento antológico, que sucede cuando la situación en el pueblo se vuelve cada vez más preocupante, y entonces reciben la llamada de un periodista de la poderosa BBC que pide hablar en directo con Mazzy, para ver si éste puede aclarar un poco lo que está ocurriendo en Pontypool; la reacción del protagonista es desternillante. Detalles de humor como ése elevan el nivel de la película, haciéndola entretenida para todo tipo de público, no sólo para los fans del género de terror, que en todo caso la encontrarán de lo más refrescante.

La película tiene escenas muy inspiradas (el prólogo es de lo más inquietante), y la ácida crítica que se esconde bajo la corriente trama de zombies (o infectados) que atacan a los vivos es de lo más divertida, fruto de la mala uva de un escritor que al parecer se llevó la friolera de 8 años escribiendo y enviando versiones del guión al director. Según McDonald, que durante ese tiempo estuvo buscando financiación, Burgess tardó sólo 48 horas en hacer los arreglos necesarios y redactar el borrador definitivo, una vez que por fin tenían algo de dinero, el suficiente para rodar la película. Sé lo que es llevarte años con una historia, revisándola una y otra vez, y me imagino que Burgess estaría hasta los innombrables cuando debió entregar la última versión, porque lo cierto es que el guión de ‘Pontypool’ hace aguas en varios momentos, como cuando se comete el gran error de explicar cómo funciona el virus.

Situada casi por completo en un solo escenario (la emisora de radio), y con muy pocos personajes, ‘Pontypool’ podría definirse como una acertada mezcla entre la versión radiofónica de ‘La guerra de los mundos’ y el clásico de George A. Romero ‘La noche de los muertos vivientes’, rematada con un poco de saludable comedia. Sus mayores aciertos, McHattie, las bromas y la creciente tensión, realmente lograda (uno llega a sentirse agobiado por la inminente llegada de los infectados); sus errores, que tarda un poco en arrancar, que explica más de la cuenta y que se saca de la manga a un personaje totalmente prescindible (uno que entra y sale por el mismo sitio).

En cualquier caso, sus logros son más importantes, el conjunto se mantiene en pie con y frente a su competencia, es una película muy divertida y recomendable. Creo que una clara señal de que una película de terror funciona se produce cuando terminas de verla y te quedas con mal cuerpo, ligeramente nervioso, llevándote un susto (o casi) cuando experimentas algo que se parece demasiado a una escena de las que acabas de ver, pero ahora en tu mundo, el real. En este sentido, no hay más que darse una vuelta por Internet o encender la televisión para comprobar que, efectivamente, el virus de Pontypool es real, y da miedo.

Uno de los estrenos más importantes del próximo viernes en España es ‘Hierro’, la ópera prima del español Gabe Ibáñez. La película, que podríamos englobar dentro de lo que se suele llamar el thriller psicológico, se proyectó en los festivales de Cannes y de Sitges, donde su protagonista, Elena Anaya, se llevó el premio a la mejor actriz (ex-aequo, junto a Kim Ok-vin, por la fantástica ‘Thirst’).

Desde luego, la presencia de Anaya es de lo poco rescatable de ‘Hierro’, que ya os conté en su momento que me pareció muy aburrida, una de las peores películas que vi en el festival catalán. La atmósfera está muy cuidada, ciertamente, y el argumento es interesante, pero todo resulta finalmente demasiado repetitivo, hay muchas escenas que rozan el ridículo y el resto del reparto tampoco es capaz de complementar adecuadamente a Anaya. En pocas palabras, y para que os hagáis una idea aproximada de lo que os podréis encontrar: es como una versión más simple (y menos entretenida) de ‘El orfanato’.

Aprovechando que próximamente estará en nuestras carteleras, os dejo la siguiente entrevista con el director y la actriz (muy menuda, todo ojos), realizada el pasado mes de octubre en Sitges. No hay spoilers, podéis leerla sin problemas.

• ¿Qué referencias cinematográficas habéis usado en la película? Parece que hay algo de Hitchcock…

Gabe Ibáñez: Trabajamos con muchas referencias, miles, pero no cinematográficas. Hitchcock no estaba entre ellas, aunque entiendo que es algo inevitable pensar en él, por la trama. Nosotros trabajamos con un libro de estilo, porque era muy importante que todos entendieran cómo iba a ser la película. Básicamente eran referencias de fotografía. No directamente cinematográficas. Eran fotografías capaces de capturar la atmósfera. Me interesaba eso, porque si funcionan, luego en la película puedes incorporar además el sonido y la música.

• Las localizaciones debieron ser muy importantes para crear la historia.

G.I.: Sí, de hecho, empezamos a escribir el guión después de encontrar las localizaciones. Hicimos un poco el trabajo al revés. Evidentemente, partimos de una idea argumental, pero fuimos buscando un lugar adecuado para la atmósfera. Sacamos muchas fotos y luego volvimos a la ciudad para escribir el guión.

* La música también es muy importante en la película, para crear la tensión y el suspense…

G.I.: Es que hay muy poco diálogo. Tiene una tercera o una cuarta parte de lo que suele ser una película estándar. Evidentemente eso no es fortuito, y eso hay que rellenarlo de alguna manera. Además, tiene que ser una música que funcione de forma muy significativa, no que sea como un colchón que está debajo, tiene que estar arriba, porque tiene que ayudar a transmitir la situación psicológica al espectador. La música, el sonido, lo abstracto, es lo más interesante, porque Elena está todo el rato sola en la pantalla, y el único personaje que la acompaña es la atmósfera. Para construirla es fundamental la música.

• Recuerda a veces a Philip Glass.

G.I.: Sí. Es una de las referencias que usamos. De hecho, en la versión que estrenamos en Cannes había una pieza musical que era totalmente Philip Glass. Pero al final decidimos quitarla. Eso y un par de escenas, que tampoco eran muy relevantes. Es que llegamos a lo justo a Cannes, todavía con cosas por terminar.

• Hay un toque clásico en tu película, ¿fue a propósito?

G.I.: Desde luego. Desde la atmósfera a los símbolos, como los pájaros o el agua. Queríamos usar elementos clásicos, que quizá están en desuso hoy día, pero que para nuestra historia nos parecían esenciales.

• ¿Cómo entra Elena Anaya en el proyecto?

Elena Anaya: Bueno, me llegó el guión de manos de Gabe, y me interesó, pero más que por la historia, por la manera en que Gabe la iba a contar. Me parecía que sería muy fresco para mí, muy nuevo, un reto enorme, un personaje muy difícil. Sobre todo, me apetecía mucho trabajar con él, que no lo conocía en nada. La primera charla fue de cinco minutos, la siguiente ya fue de horas. Y cuánto más me hablaba del proyecto, más ensayábamos, y más me contaba él detalles de la película, más me implicaba… Es algo que echo mucho en falta cuando me presentan proyectos. La dedicación, la entrega, la delicadeza de un director para poner en tus manos lo que quiere contar. Porque por supuesto, yo estoy a sus órdenes, pero también debería hacer un ejercicio de generosidad por su parte y comunicarse. Es que de verdad, a veces hay que perseguir a los directores para que te cuenten algo, para que te den información, tienes casi que amenazarles con algo. Por qué te quieren, por qué te han llamado, y qué quieren que hagas. Con él me pasó todo lo contrario. De entrada me pasó un montón de material, y a contarme con imágenes lo que quería en la película…

G.I.: De hecho, te puse deberes.

E.A.: Sí, me pusiste un montón deberes [risas]. Hacer fotos, buscar la extrañeza en las fotos…

G.I.: En este tipo de películas, la actuación es complicada. Porque todo depende de la atmósfera, y eso es algo que se añade luego, no está en el momento de rodar, el actor no la ve. Así que con ella lo que quise hacer fue que entendiera cómo iba a ser la película, qué colores íbamos a usar, qué elementos estarían ahí con ella, para que supiera cómo reaccionar. Al final, sabía de la película tanto como el director de fotografía o como yo, lo que es guay porque tiene un aliado más.

• ¿Te inspiraste en algún personaje para construir a María?

E.A.: No, yo normalmente no me suelo inspirar en nadie. De hecho, cada personaje lo creo desde lugares distintos. Me encantaría tener una técnica exacta para fijarme en un personaje e inspirarme en él para crear otro, pero no… Es decir, siempre hay alguien a quien puedes recurrir para empezar a componer una actitud, pero no para crear un personaje entero. No conozco a nadie como María, y la verdad es que me alegro que sea así... [risas]. Mira que la quiero, a María, pero no… Gabe me dio algunas referencias, me dejó un libro, que es totalmente maravilloso, durísimo. Me lo llevé para leer en mis vacaciones, y quedaron totalmente ensuciadas por este drama tremendo que le ocurre al personaje… Se llama ‘El año del pensamiento mágico’. Es la historia de una mujer que pierde a su marido y su vida cambia por completo en un segundo. La manera que tiene la mujer de contar su estado anímico, me sirvió mucho para mi personaje, para ponerle palabras a algo que es tan difícil de expresar.

G.I.: Yo creo que es bueno que cuando trabajas en un medio, utilices referencias de otros medios. Es decir, que si trabajas en cine, no utilices referencias del propio cine. Nosotros nos fijamos mucho en fotografía y en literatura. Libros de Jim Thompson, en los que hay un deterioro del personaje, en el que descubres que el protagonista es un loco o un asesino. Creo que es más interesante hacer esto, que mirar en el cine. Hemos visto muchas películas, las tenemos en la cabeza, pero es mejor evitarlo.

• Elena, ¿puedes contarnos algo de tu participación en ‘Van Helsing’?

E.A.: A mí me gusta meterme mucho en el personaje, vivir lo que le ocurre. Me acuerdo que un día estábamos en el set, yo llorando de forma desconsolada… y mis compañeras de reparto, las otras vampiras, me miraron extrañadas y me preguntaron: ¿pero qué te pasa? Y yo les respondí: ¡¿Qué me pasa?! ¡Qué se me han muerto mil quinientos hijos! [risas]. Yo ahí llorando como loca, con las lentillas que se me caían, y ellas tan tranquilas, esperando a rodar la escena. Para mi personaje era un momento muy duro, había perdido a todos sus hijos, quería transmitirlo.

“¿Veis? Es que no puedes fiarte de nadie. La primera chica a la que dejo entrar en mi vida, e intenta comerme”.

Columbus

‘Zombieland’, o ‘Bienvenidos a Zombieland’ (tontería de título), es la ópera prima del realizador Ruben Fleischer, hasta ahora dedicado a los videoclips y los anuncios publicitarios, algo que queda patente desde el principio de su primer trabajo para el cine, con unos fantásticos títulos de crédito (que recuerdan muchísimo a los de ‘Watchmen’, del también “videoclipero” Zack Snyder). Antes de estrenarse en salas comerciales, el pasado 25 de diciembre, la película se proyectó en el Festival de Sitges 2009, donde recibió mucha promoción (incluso repartieron camisetas) y logró el premio del público, que alucinó con una oferta del estilo de la sobrevalorada ‘Zombies Party’ (‘Shaun of the Dead’, 2004).

En realidad, más allá de tratarse de una comedia con zombies, la película de Fleischer no se parece prácticamente en nada a la de Edgar Wright. Como bien ha declarado el primero en varias entrevistas (se ve que mucha gente sólo ha visto una comedia de muertos vivientes), las dos nacen en países diferentes, con una mentalidad, un humor y un estilo de vida diferentes. Pero también, podemos añadir, es distinta la realización y la idea del público al que va destinado. En otras palabras, no se podría hacer ‘Bienvenidos a Zombieland’ en otro sitio que no fuera Estados Unidos. Y esto para bien y para mal.

La película arranca con un plano de la bandera norteamericana boca abajo, mientras suena, a través de un aparato roto, el himno nacional. Un agresivo zombie aparece, ataca al cámara, lo mordisquea un poco y eructa. Es el primer chiste de ‘Bienvenidos a Zombieland’. Acto seguido, siempre con la narración en off de Columbus, el protagonista principal de la historia (interpretado por un divertido Jesse Eisenberg), se nos muestra cómo los muertos vivientes se han ido merendando a toda la población. Mientras vemos imágenes de ataques, mordiscos, etc., Columbus nos va exponiendo los mejores consejos para sobrevivir en los Estados Unidos de Zombieland.

Acabada la introducción y los títulos de crédito (al ritmo de Metallica), comienza propiamente la película. Sin embargo, la historia es tan sencillita, y a Fleischer le puede tanto su origen publicitario, que no deja de interrumpir la acción para volver a incluir pequeñas piezas de ataques de zombies. En este sentido, hay un cierto caos estructural que perjudica la narración, dando la impresión de que no se ha trabajado todo lo que debería el guión, para llegar a un bloque sólido. No tiene demasiado sentido usar el principio de la película para empezar a enumerar reglas de supervivencia, si luego las vas a ir repitiendo a lo largo de la historia. Quizá lo mejor habría sido empezar con uno de los mejores flashbacks, si no el mejor, que protagoniza Columbus; es el que aparece en la segunda imagen de este texto, y al que pertenece la cita que he copiado al principio, una escena fantástica que combina a la perfección el terror con la comedia. Lástima que toda la película no esté al mismo nivel.

En cualquier caso, la comedia, salpicada con acertados toques de terror (menos de lo deseable), funciona bien durante la primera mitad gracias sobre todo a que Columbus resulta simpático (es una especie de joven Woody Allen, un neurótico “geek” moderno) y que, en su intento de encontrar una zona a salvo de zombies, se encuentra con Tallahassee (un gran Woody Harrelson), otro de los protagonistas, el típico tipo duro norteamericano, tontorrón y loco por las armas, con look de vaquero. La película alcanza la cima cuando la extraña pareja es el centro de la historia; se complementan muy bien y dan pie a muchos momentos cómicos. Luego llegan las chicas y el barco empieza a hundirse.

No desde que aparecen. Porque la presentación de las dos hermanas (correctas Emma Stone y Abigail Breslin) es magnífica. Un tanto incoherente cuando lo piensas (no sólo porque no tienen pinta de sobrevivir ni un día en semejante escenario, sino porque no queda muy claro qué hacían allí exactamente, ¿esperar a que llegara alguien?), pero eficaz, con un giro que por más que se vea venir, no deja de ser muy divertido. Sin embargo, las dos chicas cambiarán muy pronto de personalidad, y enseguida comienza el típico enamoramiento bobalicón del cine comercial norteamericano, el que tiene que haber siempre, porque si no parece que ningún productor pone dinero. Finalmente, la ñoña relación entre la jovencita cañón y el friki judío no hace más que estropear la película, llevándola a una dirección diferente, alejada del gozoso gamberrismo inicial.

En conclusión, como os dije desde Sitges, se agradece mucho encontrar una propuesta diferente en la cartelera, que intenta (aunque no lo consiga del todo) ofrecer algo fresco, un producto que se aleje de los tópicos. No sé por qué, el hecho de incluir a los zombies en la trama suele producir normalmente una película mala, o poco trabajada, cuya existencia se justifica en que hay un público, más o menos numeroso, deseoso de ver sangre y muertes grotescas en una pantalla. Al igual que en ‘Zombies Party’ o la magnífica ‘Amanecer de los muertos’, aquí no se usa al muerto viviente simplemente para crear escenas sangrientas o lucir maquillaje, sino que es un recurso, con sus posibilidades, dentro de una historia que no es simplemente morir o matar. Una pena que en Hollywood sólo piensen en el dinero, y nos cuelan un final vergonzoso pensando en la secuela. Ya está anunciada y dicen que será en 3D. Es lo que hay.

PD: El cameo, para enmarcar.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Bienvenidos a Zombieland’, los zombis como excusa

El primer día que estuve en Sitges, os hablé de dos largometrajes muy diferentes, ‘Thirst’ e ‘Hierro’; sobre la segunda os comenté que me había parecido un tostón, y que sin duda lo mejor había sido un cortometraje animado que se proyectó antes, titulado ‘Alma’. Lo he vuelto a ver, ahora que está disponible oficialmente en Internet, y creo que merece la pena, está muy bien narrado y los cinco minutos que dura se pasan volando. Ya me diréis, podéis verlo en la pantalla de arriba.

‘Alma’ ha sido premiado como el mejor corto animado en el LA Shorts Fest y en Animacor, y elegida mejor opera prima en I Castelli Animati de Italia. Se trata del primer cortometraje escrito y dirigido por Rodrigo Blaas, uno de los animadores españoles que hay en Pixar. La historia se centra en una niña que descubre una muñeca idéntica a ella en el escaparate de una tienda de juguetes…

Web oficial | Alma

Sigo con las entrevistas de Sitges 09, y continúo en torno a ‘Moon’, uno de los títulos del año para mí. Tras la entrevista que os dejé ayer con el director, Duncan Jones, es el turno del protagonista, el absoluto protagonista de la película, Sam Rockwell, que hace un trabajo sensacional, por el cual fue de nuevo premiado en el Festival catalán (ya van tres veces que lo eligen el mejor actor).

Saludar y poder charlar con Sam Rockwell fue, sin lugar a dudas, uno de los mejores momentos de mi paso por Sitges. Me encanta este actor. Le gusta arriesgar, intenta siempre hacer papeles interesantes, y tiene mucho talento, algo que vuelve a demostrar con su interpretación de Sam Bell, el solitario obrero que sólo desea salir de la Luna y volver a abrazar a su familia en la Tierra. De Rockwell, en persona, me sorprendieron varias cosas, detalles (es más bajo de lo que pensaba y tiene un dedo deforme en la mano izquierda), pero no su amabilidad, su sencillez y su buen humor, algo que cualquiera puede suponer cuando ha visto varias de sus películas.

Sin más, os dejo con la entrevista, más corta que la del director porque el actor se tomaba mucho más tiempo en responder, y también por un par de interrupciones bastante curiosas que os cuento en el texto. Eso sí, aviso: NO la leáis si aún no habéis visto la película, a menos que queráis descubrir los secretos de su trama.

• Tu papel es muy intenso, llevas todo el peso de la película. ¿Cómo se prepara un papel así?

Estudiando mucho el guión. Leyéndolo una y otra vez, interpretándolo todo el tiempo. Trabajé mucho con Duncan Jones, el director, y con algunos actores amigos. Me ayudaron para interpretar a los clones, para poder ver cómo se podían relacionar el uno con el otro. También me sirvió ver algunas “películas de colegas” [“buddy movies”], como ‘Cowboy de medianoche’, ‘Huida a medianoche’... películas con dos personajes muy diferentes, con un claro contraste. Jeremy Irons en ‘Inseparables’, que hace de dos gemelos… me interesaba la energía que transmite cuando interpreta cada escena. También me fijé en Nicolas Cage, Michael Keaton, que han interpretado a personajes dobles.

• Después de hacer esta película, ¿le fascina la Luna, le gustaría viajar allí?

No, está muy lejos. España ya está demasiado lejos. He estado en Grecia, y eso para mí es la Luna [risas].

• Es su primera película de ciencia ficción, ¿qué le ha parecido trabajar en este género?

Me encanta la ciencia ficción, me encanta que se hagan este tipo de películas. Particularmente, me interesó mucho ‘Moon’ porque es una historia contada a la vieja usanza, no como las de ahora.

• ¿Cómo preparó al primer Sam, el que está solo y enfermo?

Bueno, eh… [llega un camarero que deja una botella de agua y varios vasos, el actor mismo se presta a llenarlos mientras piensa una respuesta] Para ese papel me sirvió mucho ‘Cowboy de medianoche’, el personaje de Dustin Hoffman. También me ayudó el maquillaje, el vestuario, ya sabes, cada Sam tiene el suyo. El primer Sam está más abandonado, mientras que el segundo es más enérgico y la ropa marca su cuerpo, sus músculos.

• ¿A cuál de los dos Sam se parece más?

Creo que me parezco más al primer Sam… pero me encantaría ser como el segundo Sam. En realidad son la misma persona, sólo que uno tiene unos diez años más que el otro. En la Luna, el tiempo pasa de forma diferente, es otra vida y Sam envejece mucho antes. Tres años para nosotros serían como diez para él.

• Su interpretación es muy intensa, haciendo de los dos Sams, ¿cómo era hacer ese trabajo en el set y luego salir fuera?

Era raro. Una experiencia difícil. Estaba todo en mi cabeza, ya sabes, tuve que pensar mucho. Era como una especie de juego mental, al que tenía que enfrentarme cada vez.

• Usted ha interpretado todo tipo de papeles, oscuros, retorcidos, obsesionados, en ‘Asfixia’, ‘Confesiones de una mente peligrosa’... ¿Cree que con ‘Moon’, haciendo este doble papel, con toda la película centrada en su trabajo, ha llegado a su máximo potencial?

No lo sé, es una buena pregunta [risas]. He estado en películas difíciles, pero ‘Moon’ fue también muy complicada… Tuvimos muy poco tiempo para rodar. Si estoy orgulloso de algo es de cómo respondimos ante la falta de tiempo. Es una película que rodamos en treinta días, cuando normalmente se necesitan tres meses. ‘Confesiones de una mente peligrosa’ fue difícil, pero tuvimos mucho más tiempo. Una película de la que me siento muy orgulloso es ‘Snow Angels’ [no se estrenó en España, salió directamente en DVD], pero igualmente teníamos más tiempo. ‘Moon’ fue una gran responsabilidad, llegó un momento en que resultó muy estresante. Cuando me di cuenta de todo lo que tenía sobre mi espalda, que todo giraba en torno a mí... casi me sobrepasa. Así que… sí [risas]. En respuesta a tu pregunta, creo que ‘Moon’ ha sido mi trabajo más difícil.

• Si tuviera que viajar y estar, como su personaje, mucho tiempo fuera de casa, ¿qué se llevaría?

[Le traen tostadas y huevos, en un enorme plato.] Disculpadme, estoy hambriento… Me llevaría fotos. Fotos de mis amigos, de mi familia… [ofrece tostadas al grupo, yo soy el único que toma una] De hecho, están en la película, en la nave. Es un detalle personal.

• ¿Qué fue lo más difícil de rodar, y cuál es la escena que más le gustó más interpretar?

Bueno, como dije antes, lo más difícil fue que teníamos muy poco tiempo. Una, dos, tres tomas como mucho. En bastantes ocasiones sólo una toma. Con mucho esfuerzo emocional. Fue como actuar en teatro, a lo cual afortunadamente estoy acostumbrado, porque crecí haciendo eso, pero… fue muy difícil, ahora ponte esto, ponte lo otro, ahora tienes que hacer esto, llevar otro maquillaje… Sobre la otra parte de la pregunta, hay una escena que me gustó hacer, y es cuando se crujen la espalda. Uno de los clones lo hace, el otro también, y cuando se da cuenta le molesta, porque ve que son iguales. Es algo que yo suelo hacer, un detalle personal que puse ahí para el personaje. Mis amigos se van a reír mucho cuando lo vean.

• ¿Cuáles son tus películas de ciencia ficción favoritas?

Oh, no sé... muchas. ‘Alien’, desde luego, es una de mis favoritas [la película de Ridley Scott es la imagen del Festival, hay carteles por todas partes]... ‘Atmósfera cero’, ‘2001’, ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’, la secuela de ‘Alien’ es una gran película… ‘Blade Runner’. Me encantan los clásicos, las que se hacían antes.

PD: Al igual que con Duncan Jones, la entrevista fue en grupo, algo que está bien porque tienes más tiempo para hablar con el invitado, pero por otro lado no puedes preguntar más que dos o tres veces, tienes que aceptar lo que hay. Igualmente, creo que el (des)orden de las cuestiones, al venir de varias personas, más el hecho de estar en grupo, hace que las respuestas no sean todo lo interesantes que podrían haber sido, si sólo hubiera un entrevistador. Es lo que he visto.

Tras el paréntesis de ‘Cuento de navidad’, prosigo con las entrevistas que pude realizar durante el Festival de Sitges 09. Es el turno del director Duncan Jones, quien ha empezado a hacerse un nombre gracias a su primera película, la hipnótica y elegante ‘Moon’, la gran triunfadora del certamen catalán (4 premios, entre ellos, mejor película, guión y actor).

La entrevista lugar en el salón de recepción del Hotel Meliá, y aunque tuvo que hacerse en grupo (creo que éramos siete u ocho), dispusimos de bastante tiempo para hablar con el realizador, que en el fondo es lo que nos interesaba. Duncan Jones, que en realidad se llama Duncan Zowie Heywood Jones y todavía acepta con buen humor que los periodistas no dejen de preguntarle por su padre (ejem, David Bowie), no aparenta sus casi 40 años de edad; es un “joven” muy alegre y enérgico, al que se le notaba encantado de estar en el Festival, de poder mostrar su película y charlar sobre ella. Fue un placer estar en aquella “round table”, y sólo lamento no haber estado más fresco, más descansado, para aprovechar mejor la ocasión, a la que creo que no se le sacó todo el partido posible.

Por último, un aviso, si no habéis visto la película, NO os recomiendo que sigáis leyendo, se desvelan aspectos importantes de la trama. Sin más, la entrevista:

• A menudo, el cine ha mostrado la clonación como algo negativo. ¿Cuál fue su intención al abordar el tema en ‘Moon’?

Bueno, yo no veo nada malo en la clonación, tal como se muestra en el cine. Si se crean dos seres iguales, sería como tener dos gemelos. No creo que salga algo malvado, serían personas.

• Con ‘Moon’, usted recupera el espíritu de la ciencia ficción de los años setenta y ochenta, recordando a ‘Naves misteriosas’ o ‘Blade Runner’.

Cuando Sam Rockwell y yo nos conocimos, para otro proyecto que al final no salió, nos pusimos a hablar sobre las películas que nos gustaban, y nos dimos cuenta que era un cine que ya no se hacía, como ‘Blade Runner’, ‘Atmósfera cero’, Solaris’ o ‘Alien’, películas sobre trabajadores y gente normal en el espacio. Así que nos dijimos que intentaríamos hacer algo así.

• La estética que habéis escogido también es de otra época: los botones, las pantallas, las maquetas…

Así es. Como dije, nos encanta ese cine, que tiene esa apariencia que no tiene nada que ver con la estética actual. Había gente como Ron Cobb, Syd Mead, Douglas Trumbull o Peter Hyams, que aportaban un “look” muy industrial, muy diferente al actual… [saca un iPhone del bolsillo] así es como pinta el futuro ahora. ¡Y es tan aburrido! Yo prefiero el futuro que nos imaginábamos en los setenta y ochenta, quería recuperar esa joya que perdimos.

• Los clones y sus dudas existenciales en ‘Moon’ nos remiten a ‘Blade Runner’. ¿Es una influencia que reconoce?

Bueno, es algo que ha influido en mi subconsciente, más que ser algo directo que he buscado. No estaba pensando en ‘Blade Runner’ cuando escribí ‘Moon’, pero es una de mis películas favoritas, así que es normal que haya entrado en mí y se note en mi trabajo.

• Ha comentado en la rueda de prensa que su siguiente película tendrá una estética similar a ‘Blade Runner’...

Sí, mucho más. Mi próxima película, ‘Mute’, transcurre en Berlín y vamos a rodarla en los estudios Babelsberg. Queremos recrear las calles de Berlín con una estética retro-futurista, algo así como lo que hizo Ridley Scott con Los Angeles en ‘Blade Runner’.

• Otro referente cinematográfico en ‘Moon’ es ‘2001’, con el robot HAL, aunque esta vez no es malvado.

Sí. Con el robot y otros elementos hemos incluido muchas referencias a otras películas, pero evidentemente Gerty recuerda a HAL. Para mí fue muy divertido jugar con las expectativas del espectador y con la ambigüedad del robot, porque el público, especialmente con las máquinas con voces humanas, va a pensar todo el tiempo que va a hacer daño o va a perjudicar a Sam.

• Según ha dicho, la película contó con un presupuesto de sólo cinco millones de dólares. ¿Cómo pesó esto a la hora de arrancar la película?

Toda la película se hizo con ese presupuesto en mente. Sabíamos el dinero que podíamos gastar, que podíamos contar con Sam Rockwell para protagonizar la película, que rodaríamos en un estudio, para un mayor control y no depender de factores externos… También trabajamos con maquetas porque hay efectos que no podíamos crear con los ordenadores, y porque quería conseguir la estética de la que hemos hablado.

• ¿Habría sido más difícil trabajar con más personajes?

He hecho una película [risas]. Creo que hay mucha intensidad, y ha sido una situación única. Sam es un gran actor y nos conocemos muy bien. Hay una relación especial entre nosotros. Pero trabajar sólo con un actor es difícil porque ha de asumir una gran responsabilidad. Y también había una complejidad técnica, había mucha presión sobre él. Creo que hubiera sido más fácil con varios actores, pero realmente queríamos hacerla así.

• En relación a los clones, ¿ha tenido alguna vez la pesadilla de ser el doble de otra persona?

No [risas]. Bueno, Sam se parece un poco a mí... Utilizamos los clones para hablar de algo más personal, de cómo cambia la gente a lo largo de los años. Nos daba la oportunidad de que alguien pudiera verse a sí mismo desde otra perspectiva, que el del futuro se encontrara con el del pasado y pudieran mantener una conversación. Por eso nos interesaban los clones, en realidad. Que una persona conociera a otra que es como él, pero en otro momento de su vida, ¿se llevarían bien, mal? Ésa era la idea. Yo por ejemplo soy muy distinto ahora de cuando tenía veinte, o cuando era un adolescente, y me parecía interesante la idea de poder encontrarme con ese otro yo y poder hablar con él, que nos contáramos cosas y nos relacionáramos. Creo que es terrible preguntarse, si todo el tiempo estamos cambiando, ¿qué seremos en el futuro?

• Las películas de ciencia ficción con personajes en el espacio suelen ser frías, científicas; si embargo, ‘Moon’ es muy humana, hay sentimientos, emoción. ¿Cree que falta esa humanidad en las películas de ciencia ficción?

Bueno, supongo que son intenciones diferentes. A mí me interesaba el personaje, sus conflictos emocionales, así que es una película más cálida, pero otras películas tienen otra prioridad, puede que quieran inquietarte, transmitir miedo o ansiedad. A mi me interesaba el personaje de Sam y centrarme en la naturaleza humana.

• Su película parece mostrar una visión pesimista de nuestro futuro, con la falta de recursos. ¿Está preocupado?

Oh, no, en absoluto. Soy muy optimista. Creo que el ser humano siempre ha encontrado una solución a sus problemas, y quizá la situación se vuelva más incómoda, pero siempre saldremos adelante. Lo que sí me preocupa es quizá que nos pase como a la rana con el agua… que si le vas subiendo de temperatura, la rana no se da cuenta, se queda quieta. Supongo que me da miedo eso, que no nos demos cuenta que todo está empeorando porque va despacio, hasta que ya sea tarde.

• Para la banda sonora, pregunta obligada, ¿no ha contado con David Bowie para separarse de él? Y, ¿piensa colaborar de nuevo con Clint Mansell en el futuro?

Sí, desde luego. Me encantaría volver a colaborar con Clint Mansell, y ya le he hablando de ‘Mute’. Tiene el guión, y si puede y le gusta, compondrá la banda sonora. Sobre la primera pregunta, mi padre tiene un gran talento y ojalá llegue un momento en que la gente hable de mi trabajo como hablan del suyo, pero ahora mismo, con 38 años, he podido hacer por fin mi película, demostrar mis habilidades, y hubiera sido extraño que le pidiera a mi padre que compusiera una canción para la banda sonora. Quería hacer esto sin su ayuda, por mí mismo.

• Con toda esta fiebre actual de los remakes, ¿qué pensaría si se hiciera un remake de ‘Naves misteriosas’ o ‘Atmósfera cero’?

Probablemente las harán [risas]. Pero mi opinión es que el público prefiere ver las películas originales. Precisamente, cuando vuelva a Londres voy a presentar una pase conjunto de ‘Atmósfera cero’ y ‘Moon’, y espero que, si al público le gusta mi película, empiece a recuperar todo ese cine que me encanta.

• Ha señalado que le divertía jugar con lo que el público esperaba del robot, de Gerty, ¿por eso eligió a Kevin Spacey, que es capaz de transmitir tanto con su voz?

Exacto. La voz se parece a la de HAL, pero Kevin Spacey logra aporta tanta personalidad, que consigue que el público nunca sepa qué hay detrás de su personaje, nunca están seguros, siempre deben sospechar. Por eso también funciona la sorpresa, cuando resulta que no tiene mala intenciones. Sé que en España se doblan las películas, así que espero que no lo estropeen poniéndole una voz inadecuada.

PD: Ya os comenté que Jones no se embarcará todavía en el rodaje de ‘Mute’, sino que primero va a dirigir a Jake Gyllenhaal en el thriller ‘Source Code’.

Uno de los actos que me perdí en la última edición del Festival de Sitges fue el estreno del primer tráiler de ‘Tensión sexual no resuelta’, presentado por el director y algunos de los protagonistas de la película. El vídeo lleva desde entonces en la red, pero no lo habíamos comentado aquí, y la verdad es que llama mucho la atención. El reparto está lleno de caras famosas, salidos de la televisión, y aunque el avance es un teaser, muy corto, parece que la película (que al parecer ha costado más de cuatro millones de euros) promete. Habrá que esperar a ver un tráiler más extenso para tenerlo más claro.

Escrita y dirigida por Miguel Ángel Lamata (responsable de ‘Isi & Disi’ y ‘Una de zombies’), ‘Tensión sexual no resuelta’ gira en torno a un profesor universitario a quien le acaba de dejar su novia; para recuperarla recurre a un alumno descarado que le ayudará a cambio de recibir una matrícula de honor en su asignatura. La película está protagonizada por Fele Martínez, Amaia Salamanca, Pilar Rubio, Adam Jezierski, Norma Ruiz, Salomé Jiménez, Miguel Ángel Muñoz, Hugo Silva, Juan José Ballesta, Michelle Jenner, Marianico el Corto y Joaquín Reyes, entre otros; Santiago Segura (productor de la película) realiza un cameo, como podéis ver en el tráiler. El estreno se producirá el próximo verano y salvo que estrenen otra de un apocalipsis o de vampirillos ñoños, esto apunta a número uno en taquilla.

PD: Próximamente, uno de los protagonistas nos hablará sobre la película en Blogdecine.

Vía | Elblogdelcineespañol

Recupero hoy las entrevistas que pude realizar durante el Festival de Sitges 09. En esta ocasión os traigo la serie de preguntas y respuestas que mantuve con Christian Alvart, el director de ‘Pandorum’, actualmente en nuestras carteleras. Recuerdo que fue justo después de ver la película, en el pase de las ocho y media de la mañana. Corriendo, como siempre, apenas me dio tiempo a engullir un café ardiendo antes de sentarme frente al realizador, que acababa de hablar con alguien de la radio. Alvart, envuelto en una chaqueta de cuero, se mostró muy cercano y encantado de poder explicar su trabajo, especialmente en un lugar como Sitges, hogar del cine fantástico.

Para esta entrevista tuve más tiempo de lo habitual, en torno a veinte minutos, que creo que se aprovecharon bastante bien. Espero que las preguntas y las respuestas os resulten interesantes, tanto para entender un poco mejor al director y la película, como para animaros a ir a verla, si es que todavía tenéis dudas (el tráiler no es muy bueno, la verdad). Por mi parte, os recomiendo ‘Pandorum’ si lo que buscáis es un cóctel de acción, ciencia ficción y terror. Entretenimiento puro y duro, sin más pretensiones.

A continuación, la entrevista, que NO debes leer si no has visto aún la película, a menos que quieras saber el final, entre otras cosas.

• ‘Pandorum’ recuerda mucho a ‘Alien’, que casualmente es la imagen del Festival, a ‘Aliens: El regreso’, a ‘Horizonte final’, e incluso a ‘Star Wars’ al principio, con la presentación de la nave. ¿Qué películas le han influido a la hora de crear su película?

Claro, con este tipo de películas pasa eso, no hay muchas y las hemos visto todas. Sería diferente si fuera una comedia romántica, que hay miles, pero cuando piensas en una película cuya acción sucede en una nave espacial, apenas hay veinticinco o treinta. Así que has visto las que hay, las tienes en la cabeza y tratas de hacer algo diferente. Pero claro, hay detalles que recuerdan a esos títulos. Me interesan mucho las naves espaciales, cómo hacer una de modo realista, cómo serán en el futuro. Así que en ese sentido, ‘Pandorum’ se acerca más a ‘2001’ que a ‘Star Wars’ o ‘Alien’.

• Los diseños y los efectos especiales lucen mucho, la película parece muy cara cuando no lo es tanto [40 millones de dólares].

Sí, es una producción independiente, es más barata de lo que parece. Pero forma parte de mi aprendizaje ajustarme al presupuesto y aprovecharlo al máximo, hice películas con muy poco dinero antes de ‘Pandorum’, mi primera película costó 25.000 dólares en total, que es el sueldo de Dennis Quaid [risas].

• No hay una explicación clara de por qué surgen las criaturas de la película, no vemos cómo llegan a crearse, o a mutar. ¿Cuál fue su intención original?

Bueno, en la película hay diferentes teorías sobre cómo nacieron las criaturas y qué son. Me gusta estar con mis personajes, así que sólo sabemos lo que ellos saben. No pueden saber si vinieron del exterior o mutaron dentro de la nave, sólo pueden suponer. Y pueden ser buenas ideas, porque uno de ellos es un científico, pero sigue siendo suposiciones. Tampoco quiero revelar los grandes secretos de la película en una entrevista [risas]. Pero esto es una película entre secuelas. Cuando le vendí la idea a los productores, la intención era hacer una trilogía, así que en la precuela hay mucha más información sobre la nave y sus pasajeros.

• En la película hay personas y monstruos, pero a menudo algunas de esas personas llegan a comportarse como monstruos, si bien físicamente siguen siendo aparentemente humanos.

Sí. Bueno, a mí me gustan los personajes violentos, la acción, la sangre y todo eso. Pero he trabajado en la película durante dos años. Y nunca es suficiente. He intentado poner algo de mí en la película, de cómo veo el mundo, la humanidad… Para mí, era interesante reflexionar sobre el comportamiento y la evolución humana. Así que en la película tenemos extremos. Está el personaje que se comporta de forma más humana, el tipo que quiere que todos permanezcan unidos, ayudar todo el tiempo. Por otro lado están esos otros personajes que para sobrevivir han tenido que ir abandonando su moralidad, y se han convertido en monstruos. También, como pasan mucho tiempo en la nave, las mismas criaturas han evolucionado, y hay algunas que pelean y saltan, y otras que sólo pueden arrastrarse.

Los sonidos son muy importantes en su película. Y la música tiene mucha presencia, pero destaca más el silencio, hay muchos momentos de silencio en ‘Pandorum’.

Sí, y me habría gustado que hubiera aún más silencio [risas]. Pero es una película norteamericana, así que… A menudo usan una música muy poderosa [imita el sonido], que está muy bien para el compositor porque puede lucirse y conseguir otro encargo, pero cuando trabajo con mi compositor le pido que se contenga, que haga la música idónea para cada momento de la película, que me ayude a mí. He tenido suerte en ese sentido. En cuanto al sonido, no quiero revelar el truco, pero cuando ves la película por segunda vez, sabiendo el giro del final, hay detalles sonoros que empiezas a notar, que la primera vez pasan desapercibidos. Fue algo divertido de hacer.

• En el tráiler parece que Ben Foster se va a transformar en uno de los monstruos, y en general es un avance que da una idea un tanto equivocada de la película.

Sí, esa escena está en la película, pero tiene otro sentido. En realidad, fue un trabajo duro. Les puse muy difícil el trabajo a los responsables del tráiler, porque no quería que se revelara ningún secreto. Así que les prohibí mostrar un montón de cosas.

• ¿Cómo fue trabajar con Ben Foster?

Es un actor muy intenso. Ya sabes, hace tiempo se diría que es un actor de método. Está todo el tiempo en tensión, metido en el personaje. Lo cual es estupendo para la película, pero también es difícil. Mi forma de contar la historia es muy técnica, yo hablo de encuadres y de dónde colocar la cámara, y él es todo lo contrario, muy emocional. Así que los dos luchamos y nos compenetramos muy bien para dar vida al personaje.

• Hay una escena en la que Foster se come un insecto, una especie de saltamontes. ¿Fue así de verdad o hay truco?

No, no, se la comió, es de verdad [risas]. Siempre intenté buscar el realismo, y cuando preparé la película tenía mucha información, muchos bocetos, muchas ideas, pero no se ven en la pantalla, los detalles sólo los conozco yo. Estos personajes deben sobrevivir en la nave durante mucho tiempo, y no hay alimento para todos. Incluso los monstruos no tienen suficientes personas para comer [risas]. Entonces los personajes comen de todo, comen musgo de las paredes… Había más escenas de ellos comiendo en la película, pero las corté. Así que Ben Foster se tuvo que comer un insecto, sí. Pero sólo uno [risas].

• Foster es un actor que suele hacer interpretar a desequilibrados o villanos, mientras que Quaid suele ser el bueno de la película. ¿Tuvo esto en cuenta a la hora de darles sus respectivos papeles?

Claro, fue a propósito. Me encanta hacer el casting. Y con esta película, al principio quise mandar un mensaje al público, para luego sorprenderles. El personaje de Quaid oculta terribles secretos, y no te esperas eso cuando ves al actor, porque ha sido demasiadas veces el clásico héroe americano. El único papel de malo que ha hecho ha sido en ‘Traffic’, interpretando a un abogado [risas]. Foster siempre es el loco, pero aquí es nuestro protagonista. Pienso que esto beneficia a la película, le aporta mucha tensión, porque el público, que ha visto a Foster en otras películas, mientras ve ‘Pandorum’ está pensando: “Seguro que se vuelve loco en cualquier momento”. Y Foster era el indicado porque su personaje debe estar al límite, pero no es el malo esta vez.

• Antes de ‘Pandorum’, hemos podido ver ‘Expediente 39’. Son películas muy diferentes.

Sí, pero he hecho cuatro películas, y creo que todas son diferentes. Pero también, en todas hay tensión y oscuridad, tienen eso en común. Como artista, me interesa que el público lo pase bien con la historia, pero necesito contar algo más. De ‘Experimento 39’ me atraía la retorcida historia de la niña. Convertirte en padre te cambia, no ves a los niños de la misma forma. Así que por un lado tienes el entretenimiento normal, Renée Zellweger y todo eso, pero también tienes una historia oscura. Por supuesto, es una película de un gran estudio, tenía límites, cosas que no puedes mostrar, pero intenté forzar esos límites. Ya sabes, tienes a Bridget Jones [risas], y minutos después hay una terrorífica huérfana.

• Espero que no le moleste, pero de hecho, la primera parte de ‘Expediente 39’ no me gusta nada, y no es hasta que la niña se descubre como una amenaza cuando la película empieza a resultar interesante.

Bueno, es que no es una película para el aficionado al terror, es “mainstream”, una película para todos los públicos, para gente que quiere ver a Renée Zellweger. Hicimos pases privados, y al público le encantaba esa primera parte. En el cine tienes que jugar con la suspensión de la incredulidad. Si empiezas la película con terror y sangre, este público se va. Pero si presentas a los personajes y luego los llevas a otra parte, la gente se queda. Sé que para la gente que busca cine de terror, o algo más violento, el principio es aburrido. A mí me encanta el terror, pero tengo que pensar en el otro público. Cuando leí el guión, el principio me recordaba a las películas de Sidney Lumet, ya sabes, hay algo que va mal en la sociedad y esta mujer intenta arreglarlo. Intenté darle ese enfoque.

• Entiendo lo que dice, pero yo no soy un fan del cine de terror, y aun así la primera mitad no me gusta. Creo que es culpa de Renée Zellweger, que es muy floja. Quizá habría sido mejor otra actriz, que no marcara tanto el personaje en esa dirección, como ha dicho, al estilo Bridget Jones.

Hay a quien le gusta y a quien no, lo importante es que al final te haya gustado la película cuando acaba, en ese momento todo lo del principio está ya muy lejos [risas]. Creo que el personaje está bien. Es una persona bondadosa, que quiere ayudar a los demás, que cree que no hay maldad. He conocido a esta gente. Son ingenuos. Tienen sus propias ideas sobre la educación y la política. A esta gente le gusta el personaje de Renée.

• No sé si ha visto ‘Orphan’ [‘La huérfana’, de Jaume Collet-Serra], que también se proyecta en el Festival, tiene un argumento muy similar.

No lo ha visto aún, pero se hizo después de que yo acabara ‘Expediente 39’. Y la niña fue a mi casting. La protagonista estuvo entre las candidatas para interpretar a Lillith. Fue una de las diez finalistas. Pero nos quedamos con la mejor [risas].

• Jodelle Ferland está espléndida, hay una secuencia en la que el personaje de Bradley Cooper le está haciendo preguntas, en una sala aparte, y la niña empieza a dar miedo, simplemente respondiendo, hablando, sin hacer gran cosa. No hemos visto aún de lo que es capaz de hacer, pero da miedo.

Es mi secuencia favorita. Son cuatro páginas de guión, en la que sólo hay dos personajes hablando. Cuando las leí me recorrió una creciente sensación de terror. Mi principal reto como director de esta película fue encontrar a la niña adecuada, que con diez años fuera capaz de interpretar esa secuencia de la forma correcta. Y afortunadamente dimos con ella. Vimos a otras, pero Jodelle fue la que mejor hizo la prueba.

• Se ha referido a la precuela y la secuela de ‘Pandorum’, ¿es lo próximo que va a hacer?

No. Si la película hubiese sido un éxito en su estreno en los Estados Unidos, podría haber sido mi próximo proyecto. Pero el primer fin de semana fue muy flojo [menos de 5 millones de recaudación], así que ahora tengo que esperar unos ocho meses, hasta que llegue a más países, y también ver las cifras del DVD... y quizá, sólo quizá, pueda hacer esas dos partes más. Así que ahora mismo estoy buscando financiación para otros proyectos. En Hollywood, cuando por fin tienes una parte del dinero, luego tienes que esperar a tener la otra mitad. Son proyectos muy diferentes. Uno transcurre en Berlín, es sobre un personaje que está implicado en el rodaje de la película ‘M, el vampiro de Dusseldorf’, de Fritz Lang. Y el otro es del estilo de la trilogía de Jason Bourne, pero sin ficción, basada en un caso real, no puedo decir más. Pero a lo mejor mañana me envían un buen guión y hago otra cosa.

• ¿Tiene a alguna estrella para estos proyectos?

No. Me reuní con un gran actor para el segundo de ellos, pero por el momento no hay nada firmado. Es un problema, porque cada vez hay menos estrellas, y así es más difícil levantar una película en Hollywood. Para ‘Pandorum’ fue fundamental tener a Dennis Quaid. Pero ahora, si alguien quisiera hacer algo de la entidad de ‘Pandorum’, Quaid no sería suficiente. Cada vez es más complicado.