En la abrumadora mayoría de cosas que hay en la vida si algo es malo es malo, no hay peros, ni excusas que valgan. Sin embargo, en determinadas artes sí que podemos encontrar una excepción varias excepciones a esa regla. ¿Acaso hay alguien que no se haya reído alguna vez viendo versiones lamentables de canciones como la de In the ghetto de El príncipe gitano? Por no hablar de los momentos de diversión en karaokes donde llegamos a creer que cantamos mejor que el intérprete original cuando en realidad estamos cometiendo un crimen contra el buen gusto. Eso sí, nosotros lo disfrutamos con un entusiasmo similar al que tenemos cuando escuchamos nuestras canciones favoritas. ¿El motivo? En lo desconocido de ello reside gran parte de su encanto.

Hace unos días ya comenté que voy a dedicar un especial a películas objetivamente horribles pero con cierta magia que les hace trascender y ser unas auténticas obras maestras de la comedia, pero antes he preferido hablaros de un documental que pretende descifrar las razones del éxito de ‘Troll 2’, una de las varias películas que cuentan con el dudoso honor de ser considerada la peor de la historia. ‘Best worst movie’ supone el debut en la dirección de Michael Paul Stephenson, nombre que por sí solo no os dirá gran cosa, pero si os digo que es el niño protagonista de ‘Troll 2’ igual la cosa ya cambia. Sí, el chaval que, en un alarde de inteligencia, decía que Nilbog, nombre del pueblo al que van de vacaciones en ‘Troll 2’, es Goblin deletreado al revés en uno de los momentos más recordados de la película.

‘Best worst movie’, el culto hacia ‘Troll 2’

A muchos les costará entender que haya surgido un culto alrededor de ‘Troll 2’, la cual cuenta con un 0% de críticas positivas en rottentomatoes y aparece en el ránking de 100 peores películas en imdb, pero eso es algo que ‘Best worst movie’ nos aclara de forma indirecta. Y es que no nos dice directamente las claves para que una mala película sea adorada con el paso del tiempo, pero esa es una idea que un espectador algo avispado puede concluir en el caso que nos ocupa. Obviamente, ‘Troll 2’ es una película cuyos fans se han tomado como una comedia involuntaria y reaccionan con carcajadas ante todos los fallos que se van sucediendo en pantalla. ¿El motivo? Seguramente la incapacidad para creer que algo así pueda existir.

Los seguidores de ‘Troll 2’ viven la película como una experiencia a recordar por el resto de sus vidas y llegan a formar competiciones, fiestas temáticas y todo clase de actividades para celebrar la grandeza de la película y darla a conocer a más personas. Y eso es algo que no se consigue haciendo una falsa mala película como podría ser ‘Machete’, sino el resultado de una cantidad histórica de errores por parte de alguien que está haciendo una película en serio. Eso es lo que ha conseguido que la obra de Ed Wood aún perdure pese a su discutible calidad, porque la suma sucesiva de cosas negativas ya desde la propia idea de la película es algo que, en ocasiones, trasciende los límites de lo bueno y de lo malo y se convierte en algo disfrutable. Y es que ‘Troll 2’ es prácticamente una obra maestra dentro del tipo de película en el que se ha convertido con el paso de los años.

Los personajes de ‘Best worst movie’

En documentales del estilo a ‘Best worst movie’ también resulta vital que haya unos personajes que te enganchen a la historia. En el caso que nos ocupa los tenemos de dos tipos. El primero es George Hardy, que daba vida al padre de la familia en ‘Troll 2’ y que actualmente trabaja como dentista. Hardy funciona a modo de hilo conductor de todo el documental, ya que vemos las reacciones en el pueblo en el que vive ante el descubrimiento de su aparición en una película tan lamentable, pero la cosa no se queda ahí. Hardy va evolucionando a lo largo del documental y mostrándonos las etapas por las que puede pasar una película horrible que acaba siendo adorada por el público: De su ocultamiento pasamos a ver cómo empieza a disfrutarlo, luego empieza a sentirse alguien importante y su éxito acaba devorándole. Y es que tomarse en serio una película como ‘Troll 2’ es un arma de doble filo, ya que suele ser lo que permite que una película horrible se convierta en una joya, pero también lo que acabe quitándole la gracia al asunto.

No hay problemas en mostrar los aspectos negativos de esas convenciones a las que van actores a los que apenas se conoce por haber participado en una película de culto. Sin embargo, el carisma de Hardy ayuda a que su labor como narrador indirecto eleve el interés de la película. Y sí, he dicho carisma, porque Hardy no tiene la culpa de que el responsable de casting decidiera que alguien que no es un actor, y que sólo se había presentado para conseguir un papel como extra, consiguiera un rol tan importante.

Eso sí, los auténticos personajes de la función son aquelos que te dejan con la boca abierto y te ayudan a comprender parte de la magia que desprende ‘Troll 2’ al mismo tiempo que te cuesta creer que exista gente así. El primero en aparecer en ‘Best worst movie’ es Claudio Fragasso, director de ‘Troll 2’ y de otros muchos subproductos italianos. Fragasso cree que ‘Troll 2’ es poco menos que una obra maestra que trata temas trascendentales como comer, vivir y morir. Y lo dice completamente en serio, del mismo modo que su esposa, y coguionista de ‘Troll 2’, no tiene problemas en admitir que convirtió a los goblins en vegetarianos porque varios amigos suyos se habían vuelto vegetarianos recientemente, eso hizo que se cabreara y quiso así equiparar a los vegetarianos con los vampiros. Fragasso tampoco tiene problemas en despreciar a todos los actores llamándolos perros o en despreciar cualquier crítica hacia su obra. Todo un personaje que ya por sí solo justifica el visionado de ‘Best worst movie’.

La otra implicada en ‘Troll 2’ que deja atónitos a los espectadores es Margo Prey, la actriz que daba vida a la madre de la familia protagonista. Imagino que muchos estaréis familiarizados con el personaje de la loca de los gatos de ‘Los Simpson’, pues bien, esta señora te deja con toda la sensación de que vaya a transformarse en algo así dentro de unos años. Prey llega a hacer afirmaciones como que ‘Troll 2’ es como ‘Casablanca’, ya que son películas que realmente merecen la pena y no como la gran mayoría del cine actual.

‘Best worst movie’ no se olvida de hablar con el resto de implicados en la película, donde encontramos casos como alguien que está particularmene orgulloso de haber participado en una película mala famosa, alguien con un pasado reciente inquietante cuando consiguió un papel en ‘Troll 2’ (y un presente que hace dudar de su salud mental) o no pocas mencionas a carreras y sueños sesgados tras ver lo que finalmente fue ‘Troll 2’. Sin embargo, Hardy, Fragasso y Prey son las auténticas estrellas en este apartado. Y además Stephenson no abusa de ninguno de los tres, lo cual evita desequilibrios en el documental que hubiesen afectado al balance final, siendo ese equilibrio una de las mayores virtudes de ‘Best worst movie’, pues se consigue en todos los frentes.

En definitiva, ‘Best worst movie’ es un documental muy recomendable para todos los amantes del cine basura, pero también para todo aquel cinéfilo que simplemente quiera pasar un buen rato. Y es que no sólo nos ofrece varios detalles que explican el éxito de una muy mala película, sino que también nos deja ver a varios personajes míticos como el director de ‘Troll 2’ o la actriz que interpretaba a la madre en dicha película. Todo ello sin perder la sensación de buen rollo general que transmite todo el documental y que permite emparentarlo con otros documentales positivistas más o menos recientes como los estupendos ‘The King of Kong: A fistful of quarters’ y ‘Anvil – El sueño de una banda de rock’. Por ahora, ya puede presumir de haber ganado un premio en el Festival de Sitges de 2009, pero aún queda conseguir la difusión suficiente para que todos podáis disfrutar de esta pequeña joya que es ‘Best worst movie’.

‘Rosa’ abre un nuevo terreno, no había visto nada igual.

(Yahoo! Movies)

Vaya, pensaba que no quedaba nadie sin ver ‘Matrix’. El autor de cómics Jesús Orellana nos ha escrito para presentarnos ‘Rosa’, un cortometraje de animación que ha recibido muchos elogios por parte de medios como Twitch, El Periódico o Aullidos. Ha sido presentado en numerosos festivales, como los de Seattle, Sitges, Screamfest, Toronto After Dark o Anima Mundi, y al parecer (eso mantiene su autor) ha llamado la atención de importantes agencias y productoras de Hollywood, que desean adaptar la obra al largometraje.

No termino de creerme del todo la asombrosa historia que vende Orellana, pero yo os la cuento de todos modos porque es lo que hay. ‘Rosa’ (o ‘ROSA’ con todas las letras en mayúscula, como ‘EVA’) es un trabajo de presupuesto cero realizado completamente por él. Lo ha hecho todo. El guion, la animación, el sonido, el montaje, el catering… Todo. En un año. Supongo que es posible… Actualmente, Orellana prepara el tratamiento de la película, que se filmaría en acción real.

La sinopsis: ROSA es un cortometraje de animación situado en un mundo post-apocalíptico donde toda vida natural ha desaparecido. Entre la destrucción despierta Rosa, cyborg parte del proyecto Kernel, el ultimo intento de la raza humana para salvar el ecosistema terrestre. Rosa pronto descubrirá que no es el único ente que ha despertado y deberá luchar por su supervivencia.

¿Y el corto qué tal? A mí me ha aburrido. El montaje es un caos y la elección del punto de vista un disparate. Tampoco me interesa en absoluto ver una copia barata de las peleas y las poses de la trilogía ‘Matrix’. Dicho eso, la ambientación es estupenda y hay imágenes muy atractivas, la pieza sorprende visualmente. Y sobre todo, se intuye un trabajo descomunal detrás. Que alguien haya podido hacer esto, en un año y sin dinero (supongo que si te mantienen no importa tanto), es algo digno de aplauso. ¡Enhorabuena!

PD: Aunque las candidaturas todavía no han sido anunciadas, Orellana dice que su corto competirá en los Goya.

Página oficial | Rosa-movie

Nunca he sido un gran admirador de Kevin Smith. Disfruto lo justo con películas como ‘Clerks’ (id, 1994), ‘Mallrats’ (id, 1995) y ‘Persiguiendo a Amy’ (‘Chasing Amy’, 1997), buenas cintas que comparadas con lo que vino después hasta parecen obras maestras. Y es que a partir de ‘Dogma’ (id, 1999), film que no me parece tan malo como muchos predican, algo le pasó a Smith, que perdió el norte, y con la excepción de la secuela del film que le dio a conocer, nos regaló lindezas de la más diversa índole, entre ellas ‘Una chica de Jersey’ (‘Jersey Girl’, 2004) o ‘Vaya par de polis’ (‘Cop Out’, 2010), auténticos despropósitos que parecían sentenciar la muerte artística de Smith. Los problemas que ha tenido para llevar a cabo ‘Red State’ (id, 2011) indicaban lo mismo, incluso su cambio de registro no llamaba demasiado la atención.

Y en Sitges se produjo la sorpresa. Contra todo pronóstico —muchos al menos no lo esperábamos— el film de Smith se hizo con el premio gordo del festival. Dejando a un lado que desde cierta perspectiva es de una lógica aplastante que en una ciudad como Sitges premien una película como ésta, lo cierto es que ‘Red State’ muestra a un Smith totalmente renovado y muy cómodo en el thriller. Sin renunciar a su estilo, el hombre que fue Bob el silencioso no deja títere con cabeza en su entretenida crítica hacia el fundamentalismo religioso por un lado, y las fuerzas del orden por otro. Puede que Smith haya querido tocar demasiado palos y no llegue a profundizar en ninguno de ellos, pero el film posee la contundencia justa como para provocar y reflexionar sobre el sinsentido del mundo que nos ha tocado vivir, todo ello en mitad de una ensalada de tiros y palabras.

‘Red State’ posee dos partes bien diferenciadas, algo que se da por primera vez en el cine de Smith. Ambas parten de dos puntos distintos, argumentalmente hablando, y terminan confluyendo con total naturalidad. El film da comienzo como si de una comedia adolescente se tratase, tres jóvenes tienen la oportunidad de tener sexo con una mujer madura —más experiencia—, y cuando la cosa va a ponerse interesante, sexualmente hablando, se produce el primer golpe de sorpresa. La mujer en realidad pertenece a un grupo fundamentalista católico que odia todo lo diferente, sobre todo a los gays, y tienen una forma muy peculiar de practicar su religión y transmitir su fe. Smith no se corta lo más mínimo a la hora de retratar la ceguera de los fundamentalistas, convirtiéndolos en todo lo contrario a lo que se declaran, verdaderos y decentes seres humanos.

Dicha parte ocurre su mayor parte en el interior de una capilla, en la que según avanzan los diálogos, que como es costumbre en el cine de Smith, parecen ráfagas de metralletas una tras otra, vemos como las verdaderas intenciones de los religiosos van tomando forma. Son instantes de locura, en los que los tres pobres jóvenes no dan crédito a lo que les está sucediendo. De la comedia del inicio se pasa pues, al terror, a la locura. Es muy difícil no estar en contra del grupo liderado por el padre Abin Coooper, excelente Michael Parks, que compone un inquietante personaje que logra meter miedo con sólo ponerse a rezar. Los acontecimientos se precipitan y uno no encuentra la esperanza por ningún lado, y esta vez Jesucristo parece estar del lado de los malos. Kevin Smith ya recibió lo suyo cuando estrenó ‘Dogma’, miles de voces chillonas e ignorantes arremetieron contra él acusándole casi de blasfemo. En ese aspecto, ‘Red State’ parece una venganza en toda regla.

Cuando la situación es inaguantable, Smith introduce un nuevo elemento en la historia —toda la parte que compete a John Goodman, magnífico como agente federal— en la que se da la vuelta a la tortilla. Los fundamentalistas son cercados por los agentes, y comienza una batalla campal, en las que las intenciones de los defensores de la ley, el orden y la justicia son aún más terribles que la de los católicos. Smith tampoco se corta esta vez y pone sobre la mesa cartas más hirientes que las mostradas hasta ese momento. El problema, el pequeño problema es que no llega a jugarlas, porque creo sinceramente que ganaría la partida, o tal vez por falta de valor. No obstante, con lo expuesto le llega y le sobra para remover conciencias —si es que cierto sector se da por enterado— a varios niveles. Puede que Smith sea abyecto en sus formas, y la mezcolanza de géneros afecte un poco al film, pero no podemos negar la rabiosa intensidad con la que narra todo.

‘Red State’ no ha contado con una gran distribución, se ha exhibido eso sí, en numerosos festivales, y sería de extrañar que consiguiese una exhibición masiva. Smith demuestra tenerlos bien puestos y su film sin duda enfadará a mucha gente. Ellos se lo pierden. Es un Smith renovado, con ganas de hacerse oír, y bastante harto del mundo. Nos regala además otra buena interpretación de ese pedazo de actriz que es Melissa Leo, y para nuestra sorpresa unas excelentes secuencias de acción en su segundo tramo, aquel donde las ráfagas de palabras dan paso a balas de verdad, algunas de ellas con destino totalmente inesperado. Smith ha cambiado la comedia inofensiva, y hacer reír a la gente, por la sátira sin complejos e incomodar al respetable.

Álex, tengo que contarte un secreto…

(Lana)

El mismo fin de semana que llegó a nuestros cines ese lujoso armatoste que es ‘Las aventuras de Tintín y el secreto del Unicornio’, diseñado con mucho oficio para arrasar en taquilla, se estrenó ‘Eva’, una interesante producción española de apenas 4 millones de euros de presupuesto que, me temo, va a correr la misma suerte que otra ópera prima de temática inusual en la cinematografía española, ‘Los cronocrímenes’ (2007), con la diferencia de que ésta fue vendida todavía con mayor torpeza. De nuevo tenemos una producción española muy comentada antes del estreno, que finalmente es recibida con un contundente desinterés general; vista por cuatro gatos, dos de los cuales no la encuentran tan admirable como para recomendarla, solo le queda probar suerte en el mercado doméstico. Y otro palo más para “nuestro cine”, que no levanta cabeza. Merecía mejor suerte una propuesta tan arriesgada como ‘Eva’, aunque estemos ante uno de esos casos en los cabe aplaudir más la valentía y el esfuerzo que el resultado.

Presentada en los festivales de Venecia y Sitges, donde sus excelentes efectos visuales se llevaron un merecido galardón, ‘Eva’ es el primer largometraje del catalán Kike Maíllo, profesor de la ESCAC, la escuela de cine de Barcelona (8.000 euros cuesta un curso allí, amigo lector que sueñas con hacer cine algún día), uno de los organismos que han apoyado la realización de la película, y cuyos logotipos son presentados lenta e innecesariamente al espectador antes del comienzo del relato (una mala idea cuando la opinión mayoritaria es que el cine recibe demasiadas subvenciones). El guion lo firman Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca y Aintza Serra, la fotografía es de Arnau Valls Colomer y el reparto está encabezado por Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann, Anne Canovas, Lluís Homar y la primeriza Claudia Vega, que encarna a Eva. Me hace gracia que en la sinopsis oficial se refieran a ella como “la increíble hija de Lana y David” (Etura y Ammann), porque así es, el personaje resulta increíble, inverosímil, tanto por el forzado dibujo (buscando la sorpresa del final) como por la interpretación de la niña.

La película está ambientada en un futuro cercano en el que los seres humanos viven rodeados de criaturas mecánicas, unas más toscas que son creadas para realizar determinados trabajos y otras más sofisticadas, los androides, que tienen como función atender o acompañar a las personas. Álex (Brühl) es un famoso ingeniero cibernético que vuelve a casa tras diez años de ausencia para trabajar en un gran proyecto de la Facultad de Robótica, la creación del primer niño robot. Planteada ya la excusa argumental, ante todo llama la atención cómo se nos sumerge rápidamente en un entorno “retrofuturista” (una decisión obligada por la falta de presupuesto, lo que se resuelve de manera desigual: esos coches…) en el que los robots están totalmente integrados en la vida diaria. Quizá habría sido más acertado ir poco a poco, no mostrar tan pronto todos los avances tecnológicos, pero lo que importa es lo que está en la pantalla, y Maíllo consigue disimular las carencias con una puesta en escena muy eficaz que saca partido a los efectos digitales (la secretaria que intenta impedir la entrada a la clase), integrando las creaciones artificiales en un entorno creíble en lugar de lucirlas; la ficción se sostiene.

Pero esto no es una superproducción así que todo se centra en los actores. Álex es recibido por su hermano David (curioso, un alemán y un argentino) y enseguida se evidencian viejas rencillas entre ellos. Unas fotos y un par de conversaciones nos aclaran, y nos subrayan, tanto la agrietada relación entre ambos como sus opuestas personalidades; Álex es más reservado y frío, solitario y adicto al trabajo, mientras que David es más cercano y familiar, sentimental e inseguro. Éste vive con Lana, pero desde el principio resulta obvio que es una situación fruto de las circunstancias, que la mujer se quedó con un hermano porque el otro, a quien quería realmente, se largó de allí. Nos lo explican y todo. A la subtrama del aburrido triángulo amoroso (bochornosa la escena del baile) se une el hallazgo de Eva por parte de Álex. Él necesita un niño real que le sirva de ejemplo para crear el cóctel de emociones del robot que le han encargado, y queda cautivado por la vitalidad de la niña, que vaya casualidad, resulta ser hija de Lana y David. El pueblo es muy pequeño. Lana prohíbe a Eva que se relacione con Álex, pero la chica no tiene miedo a nada (ese rojo a lo Caperucita) y acabará descubriendo todos los secretos de los adultos…

‘Eva’ es una hora y media de buenas intenciones que no llegan a cristalizar. Se acierta con la localización (esos helados y duros parajes tan simbólicos), se resuelve con inteligencia y talento el asunto robótico (fantástico trabajo animando a “Gris”), la cámara suele estar donde debe (aunque peca mucho del plano y contraplano en las conversaciones, la charla durante la cena resulta molesta), los referentes son adecuados (‘Inteligencia Artificial’, ’2001: una odisea del espacio’... ‘Beautiful Girls’ para la peculiar relación entre Eva y Álex) y el trabajo lumínico y sonoro es impecable (la música de Evgueni y Sacha Galperine recuerda a las composiciones de Danny Elfman para Tim Burton). Por otro lado, la historia es demasiado endeble y previsible, se abusa de los diálogos explicativos, sobra completamente un protagonista (Ammann), y los actores parecen algo desorientados, resultan poco convincentes (Brühl y Vega alternan escenas inspiradas con otras fallidas, y Etura apenas aporta nada), siendo la notable excepción Homar, cuyo entrañable personaje (recuerda al que interpretó Robin Williams en ‘El hombre bicentenario’) tiene la función de ser el principal contrapunto cómico del relato. En definitiva, una película muy irregular en el que balance entre logros y torpezas posiblemente dependa de cada espectador. Yo no me aburrí, pero tampoco me ha dejado huella. Y al salir del cine solo quería hablar de lo maravillosa que es ‘Inteligencia artificial’...

Dejando a un lado la saga de los infectados, sobre la que aún quedan dos entregas más, el cine de Jaume Balagueró nunca me ha parecido bueno. Sólo su ópera prima, ‘Los sin nombre’ (1999), contenía el suficiente interés, y una de las mejores atmósferas que se han creado en el cine español dentro del género de terror. Tanto ‘Darkness’ (2002) como ‘Frágiles’ (2005) —de la película sobre esa mierda de programa llamado Operación Triunfo prefiero no hablar— son películas fallidas por culpa de guiones de lo más risible a pesar de algunos aciertos en su puesta en escena. Con ‘Mientras duermes’ se ha dicho que Balagueró ha hecho una especie de remake de un film muy reciente, el espanto de ‘La víctima perfecta’ (‘The Resident’, Antti Jokinen, 2011), que parte de idéntica premisa. El propio director ha reconocido desconocer dicho film, y ciertamente me parece una comparación cogida por los pelos.

En ambas películas existe una inquilina y existe un acosador. Punto. Evidentemente en ambas existen situaciones parecidas, en las que en un momento dado el acosador entra en el apartamento de la pobre víctima y haga de las suyas, pero tanto en intenciones como resultados ‘Mientras duermes’ se aparta considerablemente del film de Jokinen. La gracia está en haber cambiado el punto de vista. Esta vez no estamos del lado de una pobre mujer, a la que un enfermo trata de hacerle las cosas que todos quisiéramos pero no nos atrevemos ni a decir. Esta vez estamos del lado del enfermo, sufriendo a su lado. Un cambio de perspectiva que revela a un Balagueró maduro y a un Luis Tosar inolvidable, algo que empieza a ser muy habitual en él.

En un edificio como microcosmos de todos los personajes que en él habitan, César (Tosar) ejerce funciones de portero, controlando en todo momento las vidas de los inquilinos, pero teniendo en el punto de mira de sus obsesiones a Clara —una Marta Etura tan maravillosa y morbosa como siempre, en perfecta armonía con su pareja en la vida real—, vecina a la que César acosará de forma anónima y terrible. Según palabras del propio César, él nació con la incapacidad de ser feliz, y su única razón de existencia es hacer la vida imposible a personas presumiblemente felices. Aunque ‘Mientras duermes’ juegue en varios momentos al suspense, y en los que la sombra de Hitchcock se presiente más que verse, en realidad es el retrato de un sociópata, de alguien que ha nacido sin una cualidad puramente humana, y satisface su falta haciendo sufrir a los demás.

Y es precisamente en el retrato de César donde la película gana enteros. Dejando a un lado el ejercicio de estilo que puede suponer un relato de suspense que no a todos gusta o divierte, Balagueró fija su cámara en César haciendo formar parte al espectador de todas sus acciones y pensamientos, logrando incluso que en ciertos momentos estemos de su parte —la secuencia de César atrapado en el apartamento de Clara, mientras ella retoza con su pareja, es toda una maravilla por el simple hecho de que nosotros estamos con César, deseando que no lo pillen—, algo que va mucho más allá de sentir fascinación por un personaje malvado, cosa que ocurre en thrillers varios de idéntica índole. Y es ahí donde el recuerdo del maestro del suspense se hace notar más que nunca, pues Balagueró dibuja su historia alrededor de una de las máximas de Hitchcock: una película vale lo que vale el malo.

El director se muestra mucho más sobrio que en sus anteriores trabajos, una sobriedad que le acerca al clasicismo, convirtiendo su cámara, cuya presencia no notamos —salvo en algún plano secuencia—, en una especie de ventana al mundo interior de César, ya que todo lo vemos siempre desde su perspectiva. Es tan poderoso el trabajo de Luis Tosar, es tan rico en matices su odioso personaje, que uno deja de lado los posibles errores de la cinta, alguno de ellos de una gravedad considerable. Por ejemplo, la policía encargada del caso de acoso a Clara es poco menos que idiota, ya no sólo por lo de la dirección IP desde la que se envían los mails, sino por las cartas. Éstas han sido escritas a mano por el propio César —en alguna secuencia vemos cómo lo hace—, ergo, no las escribió el hijo de la limpiadora, algo que sería muy fácil de comprobar. Dejo a un lado también esa carta final autoincriminatoria, con la que Clara podría meter a César en la cárcel para el resto de sus días.

En cualquier caso, eso es lo que menos parece preocuparle a Balagueró en su película. Y a un servidor también. No estamos ante una gran película —eso de que fue la mejor exhibida en Sitges me hace una gracia infinita—, pero sí ante un sólido trabajo, perfecto de ritmo y con un personaje que nos turba por su terrible verismo. César podría ser nuestro vecino, nuestro propio portero, o cualquier otra persona que vemos todos los días. He ahí el verdadero terror de la cinta. Escenas como la de César humillando a la pobre mujer de los perros, en la que se ve la verdadera maldad del portero, atemorizan más de lo imaginable. Terror cotidiano que le llaman, el que no proviene de un psychokiller sobrenatural, o de un fantasma en pena, no. En este caso proviene de la persona que tenemos al lado todos los días. Desconfiad de los que os rodean, Balagueró no ha podido dejarlo más claro.

Cierra los ojos, cuenta hasta cinco, y verás que ha desaparecido.

Cuatro años han tenido que pasar para ver un nuevo largometraje del tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo, un cineasta que parece que se toma las cosas con mucha calma, después de darse a conocer con el cortometraje ‘Esposados’ en 1996 (nominado al Oscar) solo ha filmado tres películas, y ninguna redonda, un bagaje algo pobre para el que es considerado como uno de los mayores talentos de nuestro país. Su último trabajo es un relato que mezcla terror y drama familiar titulado ‘Intruders’, en nuestras carteleras desde este fin de semana después de ser presentado en los festivales de San Sebastián, Toronto y Sitges. En los tres hizo ruido (por los actores, sobre todo Clive Owen) pero en ninguno entusiasmó, y no es de extrañar.

Gracias al intenso entretenimiento que supuso la sorprendente ’28 semanas después’ (‘28 Weeks Later’, 2007), había muchas esperanzas puestas en el nuevo trabajo de Fresnadillo, convertido en uno de esos pocos cineastas españoles (junto a Alejandro Amenábar, Nacho Vigalondo o Rodrigo Cortés) que genera tanto interés como renombrados directores de la potente industria norteamericana (al menos entre los que sentimos pasión por el cine). Quizá por eso en las reacciones que está provocando ‘Intruders’ hay mucha decepción y, aun así, un intento por proteger al realizador tinerfeño, como si los méritos de la película fuesen suyos y los defectos irremediables o culpa de otros. Por mi parte, lo que he visto es una película fallida, una idea interesante que no se ha sabido desarrollar. ¿Con esto quiero decir que debemos olvidarnos de Fresnadillo? Ni mucho menos. Simplemente, su tercer película es un tropiezo. A ver si hay más suerte con la cuarta, más que nada porque odio aburrirme en una sala de cine.

Nicolás Casariego y Jaime Marques firman el guion de la película, que narra dos historias de forma paralela, una que sucede en Madrid y otra en Londres. Por un lado tenemos a Juan (Izán Corchero), un niño de 7 años que cada noche imagina que un terrorífico intruso, al que llama Carahueca, entra en su habitación para llevárselo; su madre, Luisa (Pilar López de Ayala), está desesperada y recurre al padre Antonio (Daniel Brühl) para intentar resolver el problema del pequeño Juan. Por otra parte, la adolescente Mia… Farrow (Ella Purnell) descubre un viejo cuento que también habla de Carahueca, un monstruo obsesionado con robar un rostro, y desde entonces empieza a verlo cada vez que se mete en la cama, escondido en su armario a la espera de que se apaguen las luces. Sus padres, John (Owen) y Sue (Carice van Houten), intentan calmarla y explicarle que solo está teniendo pesadillas. Pero una noche, después de presenciar un accidente laboral, John también empieza a ver a Carahueca…

El problema es que no hay más. Es un cúmulo de secuencias construidas en torno a la repetitiva aparición de Carahueca, construidas más o menos de la misma manera: no pasa nada que solo son pesadillas, todos a dormir, está cayendo agua del techo, ahí está el monstruo, el niño/a se asusta mucho, el monstruo se acerca más, empiezan los gritos, viene el madre o la padre, todo vuelve a la normalidad. Y así una y otra vez. Son dos historias muy simples y similares que se estiran demasiado, hasta que pierden interés. La película, que a veces parece un sucedáneo de la marca Shyamalan, no hace más que dar vueltas sobre las mismas situaciones, reincidir en los mismos elementos, repetir las mismas escenas (¿cuántas veces se repite el plano de la madre o el padre despertándose por los gritos?), tratando infructuosamente de mantener el suspense hasta que, al final, deciden revelarlo todo y completar el puzle.

En todas las historias que cobran sentido tras un giro final, hay que tener mucho cuidado evitando que el espectador se adelante a la resolución, ya sea ocultando información de manera coherente o desviando la atención de lo fundamental introduciendo elementos de distracción, mientras se van deslizando pistas sutiles, que además de aportar sentido al desenlace, haciéndolo tan asombroso como lógico, animan a repasar la película, a volver de nuevo con otra perspectiva. Lo que no se debe hacer es engañar burdamente al público con el único propósito de impactarle en los minutos finales, como pasa en ‘Intruders’, jugando de manera caprichosa con lo que son y lo que saben los personajes (en momentos determinados se vuelven contradictorios y olvidadizos) o recurriendo a trampas visuales que pierden sentido cuando se descubre la verdad (situarnos en un lugar donde se supone que hay alguien escondido, mirando, cuando realmente no hay nadie), porque la única respuesta a eso es el rechazo.

Para colmo, ya desvelado el nexo de unión de las dos tramas (se adivina rápidamente si uno se lo propone), y quedan completamente al descubierto los engaños y las incoherencias, nos calzan una explicación con la que se repite prácticamente una secuencia entera que no hacía falta volver a ver, y luego nos subrayan la explicación con diálogos, para rematar la faena con una escena-epílogo que es un absoluto disparate (punto de vista aleatorio, visualmente mediocre, emocionalmente absurda). Dicho esto, hay que ser justo y reconocer que Fresnadillo compone algunas escenas muy potentes (Carahueca colándose por la ventana), a veces arruinadas por los pobres efectos visuales, que el trabajo fotográfico y musical es impecable, y que los actores cumplen en general; destacan las interpretaciones de los chavales, mientras que Brühl patina con un personaje que no parece necesario (en especial después del magnífico cameo de Héctor Alterio). Las buenas ideas y los momentos inspirados no salvan el conjunto, pero lo hacen más llevadero, y quizá eso baste para el espectador menos exigente.

A principios de año mi compañera Beatriz informó sobre el rodaje de ‘Lobos de Arga’, hoy os traigo el primer cartel y el tráiler de la película, una comedia de terror y aventuras que ha escrito y dirigido Juan Martínez Moreno (‘Dos tipos duros’, ‘Un buen hombre’). El póster es simpático (los 80 están de moda) y muy llamativo, pero lo del retrovisor es un desastre, se ve que el que lo ha diseñado no ha conducido en su vida; en cuanto al tráiler, hay algunas escenas divertidas y parece que la trama puede dar mucho juego, solo espero que no se pongan serios y tiren más por el cachondeo y la mala uva. ¿Qué os parece a vosotros?

Gorka Otxoa, Carlos Areces, Secun de la Rosa, Luis Zahera, Mabel Rivera, Xosé Manuel Olveira, Dorotea Bárcenas y Manuel Manquiña, entre otros, protagonizan ‘Lobos de Arga’, uno de los títulos que compiten en la próxima edición del festival de Sitges. He visto que el estreno estaba previsto para finales de este mes, pero parece que la fecha se ha retrasado. La historia gira en torno a un escritor fracasado que regresa a casa pensando que van a nombrarle hijo adoptivo de la localidad; en realidad, los habitantes del pueblo pretenden sacrificar al muchacho en una oscura ceremonia, pues piensan que solo así se podrá acabar con la maldición del hombre lobo, que lleva cien años atemorizando a la región…

PD: Os dejo también un par de vídeos sobre el rodaje, con algunas frases que os van a encantar. Personalmente, me ha decepcionado mucho escuchar al director.

Vía | Lashorasperdidas

Hace una semana vimos el último cartel, hoy os traigo el nuevo tráiler de ‘Verbo’, la ópera prima de Eduardo Chapero-Jackson. Tenía mucho interés en este avance, y ciertamente sorprende ver algo así en una película española (que según dicen solo ha costado dos millones y medio de euros), pero no me ha terminado de convencer, no me creo a los actores y me temo que la propuesta acabe derrumbándose por sus elevadas pretensiones y obligadas referencias. Espero que no, ojalá que se trate de un delicioso relato fantástico con identidad propia, a ver qué dicen en los festivales de San Sebastián y Sitges, donde se proyectará la película antes de su llegada a las carteleras, el 4 de noviembre.

Escrita por el propio Chapero-Jackson, conocido por sus premiados cortometrajes (‘Contracuerpo’, ‘Alumbramiento’ y ‘The End), ‘Verbo’ está protagonizada por Alba García, Miguel Ángel Silvestre, Verónica Echegui, Macarena Gómez, Adam Jezierski, Nasser Saleh, Najwa Nimri y Víctor Clavijo, entre otros. La historia de la película gira en torno a Sara, una solitaria e imaginativa (ejem, loca) adolescente que cree que en el mundo tiene que existir algo más que lo que ven nuestros ojos. Guiada por su instinto, encuentra una serie de mensajes y pistas que la llevan a entrar en Matrix… ah, no, en una nueva y peligrosa dimensión, donde deberá iniciar un viaje para salvar su vida y cambiar la realidad. ¿Qué os parece, os interesa?

PD: García tenía 17 años cuando rodó la película, su primera vez como actriz.

Vía | Lashorasperdidas

La verdad, no había oído hablar de ‘The Raid’ hasta este fin de semana, cuando he leído los entusiastas correos que nos han enviado algunos lectores. No nos suelen llegar tantos avisos de que ha salido un tráiler, a menos que se trate de una superproducción de Hollywood, y esto es un thriller de acción hecho en Indonesia, tenía que verlo para entender a qué venía tanto revuelo. Y vale, es intenso y salvaje, hay ganas de ver la película (espero que no hayan mostrado las mejores escenas…), pero tampoco exageremos, parece que os encanta tener unas altísimas expectativas, siendo probable que luego quedéis terrible y amargamente decepcionados. Y conste que sigo hablando de cine. En fin, si aún no lo habéis visto, tenéis el tráiler ahí arriba, y no os preocupéis por el idioma, no hay ni un solo diálogo.

‘The Raid’ es la película de Gareth Evans y está protagonizada por Iko Uwais, Doni Alamsyah, Yayan Ruhian, Joe Taslim y Ray Sahetapy, entre otros (unos tipos muy conocidos en su barrio, no tenéis más que preguntar). En cuanto a la trama, es de lo más sencilla, como suele ser habitual en el cine de acción; se centra en un equipo de veinte policías de élite cuya misión es detener a un importante mafioso, pero para lograrlo deberán enfrentarse a innumerables y brutales criminales a lo largo de los treinta pisos del bloque de apartamentos donde se refugian. Y ya está, porque lo que importa es ver tiros, golpes, explosiones, cuchilladas, caídas y muertes, de la manera más espectacular posible. Tras ser presentada en el festival de Toronto, donde han dicho que es como ‘La jungla de cristal’ (‘Die Hard’) pero “cien veces más violenta y mil veces más sangrienta”, la película se podrá ver en Sitges, cuya nueva edición arranca este próximo mes de octubre. ¿Se estrenará en los cines españoles? Todo es posible…

PD: La música que suena en el vídeo es de Mike Shinoda, uno de los componentes del grupo Linkin Park. Se encarga de la banda sonora junto a Joe Trapanese.

Aquí os traigo el nuevo cartel que ha sacado Aurum de ‘Verbo’, la ópera prima de Eduardo Chapero-Jackson. Conocido por sus premiados cortometrajes, ‘Contracuerpo’, ‘Alumbramiento’ y ‘The End’ (estrenados en cine como una trilogía, bajo el título ‘A contraluz’), el realizador madrileño debuta en el cine con una historia fantástica que, al parecer, está inspirada en ‘El viaje de Chihiro’ y ‘Coraline’. Una propuesta inusual en nuestro país, veremos si convence a la crítica e interesa al público. Se estrena el próximo 4 de noviembre, tras su presentación en los festivales de San Sebastián y Sitges.

Alba García y Miguel Ángel Silvestre (famoso por su papel del Duque en la serie ‘Sin tetas no hay paraíso’) protagonizan el póster definitivo que llegará a nuestras carteleras, y que por cierto no me atrae nada, echo en falta más imaginación, precisamente lo que se supone que es la clave del relato. Najwa Nimri, Verónica Echegui, Macarena Gómez, Adam Jezierski, Nasser Saleh y Víctor Clavijo completan el reparto de ‘Verbo’, que apenas ha costado dos millones y medio de euros. En cuanto al argumento, se centra en Sara, una tímida adolescente que intuye que en el mundo tiene que existir algo más que lo que ven nuestros ojos; guiada por su instinto, comienza a encontrar en su gris existencia una serie de mensajes y pistas que la empujan a entrar en una nueva y peligrosa dimensión, en la que deberá iniciar un viaje para salvar su vida y cambiar la realidad.

PD: A continuación os dejo los tres cortos de Chapero-Jackson, para que os hagáis una idea de qué podéis esperar con su primer largo:

Vía | Sensacine