Bueno, una pequeña alegría; aunque con mucho retraso, este próximo viernes se estrena en España la última película de Park Chan-Wook. ‘Soy un Cyborg’ es el título que tendrá el film en nuestro país, recortando el título internacional, en inglés, que era ‘I´m a Cyborg But That´s O.K.’.

Aquí os traigo el póster y el trailer español, para que os hagáis una idea de lo os podéis encontrar si os acercáis al cine a partir de mañana. Lo que me sorprende, y mucho, es que el trailer no está doblado, sino subtitulado… En fin, como sabéis, el director coreano es responsable de la famosa “trilogía de la venganza”, de cuyos tres títulos hay que destacar especialmente ‘Oldboy’, imprescindible película, tan impactante por su belleza como por su violencia. ‘Soy un Cyborg’ fue premiada en la pasada edición del festival de Sitges en el apartado de mejor guión. Tomando eso como un premio merecido, y viendo la estética de la película, podemos estar ante un título más que recomendable. Pronto lo descubriremos si es así o la prueba definitiva de que Chan-wook tocó techo y no sabe cómo continuar.

Vía | Tgusta.com

Takeshi Kitano está destrozado. No lo digo (sólo) yo, lo dice el propio actor/director en su nueva película, ‘Kantoku Banzai!’ o ‘Glory for the Filmmaker!’, título con el que se proyectó en la pasada edición del festival de cine internacional de Sitges. Nos lo reconoce, además, de dos formas, una indirecta, con este producto, al que no hay por dónde cogerlo, y con una línea de guión al final de la película, terminando con una especie de chequeo con el que el propio Kitano se analiza a sí mismo. Eso se supone que es esta cosa, un análisis de las propias posibilidades del cineasta para seguir produciendo. Y el resultado no puede ser más desastroso. O es eso justo lo que nos quiere decir Kitano, que está harto de hacer cine, o sencillamente, se le ha ido la cabeza.

En ‘Glory for the Filmmaker!’ (‘Kantoku · Banzai!’, 2007) asistimos a los intentos de Takeshi Kitano por ofrecer una nueva película a su público, tras rechazar volver al cine que le hizo popular (el de yakuzas). Sin saber qué rumbo tomar, decide embarcarse en todo tipo de géneros, desde un drama al estilo de Yasujiro Ozu a una de ninjas o una de terror; cualquier cosa vale. Finalmente, decide contar una historia de dos mujeres que no tienen dinero y que buscan dar un golpe casándose con alguien importante.

Tenía muchas esperanzas en el siguiente trabajo de Takeshi Kitano, tras la desastrosa y soporífera ‘Takeshis´’. De un director que me ha proporcionado tantas horas de buen cine, esperaba una recuperación. Pero Kitano ofrece lo mismo que en aquella supuesta mirada al interior de su propia condición como artista; bueno, lo mismo no, aún retuerce más el producto, llegando a niveles sorprendentes. Kitano se empezó a destruir en ‘Takeshis´’ y lo acaba (espero) en ‘Glory for the Filmmaker!’, donde creo que llega a lo más bajo. Pretender divertir con escenas donde salta y cae en un cono (la imagen de arriba), parodiando la famosa escena de ‘Matrix’ donde Neo se agacha cuando le disparan (¡otra vez!) o colocando un muñeco que representa a Zidane para que dé cabezazos a dos yakuzas… Quizá haya querido volver al humor más absurdo, a los orígenes, a su castillo (ya sabéis, ‘Humor Amarillo’), a ‘Getting Any’, pero la jugada le ha salido fatal. Rellenar media película con gags sin sentido y sin orden, no es una solución, es un auténtico aburrimiento.

Así, tenemos media película donde Kitano se ríe de sí mismo y de su obra, y asistimos a un repetitivo esquema donde el director/actor, cargando con un muñeco que le representa (de nuevo dividido en dos, como en ‘Takeshis´’), pretende hacer una película de cada género, para ver si alguna le sale bien y consigue el éxito. Ciertamente, la idea tiene su gracia y al principio, tras la tonta secuencia del chequeo al muñeco, uno no deja de sonreír e incluso de reír ante un buen número de situaciones, perfectas para representar el aburrimiento de un autor que cree que ya no tiene nada nuevo que ofrecer. En este sentido, lo mejor de la película, o lo más cómico, es cuando vemos la repetición de un film típico de Ozu. Realmente, uno comprende el fracaso que sería hacer algo así y la broma tiene mucha gracia. El resto, directamente, va en picado, casi desde ahí. La historia no tiene ningún sentido, vemos a dos mujeres que no quieren pagar por comer y de pronto estalla un combate de pressing catch. Todo lo demás es así, desde un tío que construye un robot a una clase artes marciales, pasando por una clase de sexualidad.

Parece que Takeshi Kitano está aburrido y lo paga con nosotros, aburriéndonos. Parece cansado de su nombre, de su figura, de lo que representa y de que se espere algo brillante, por lo que nos da una patada donde más duele y nos ofrece otro film que provoca más bostezos y más desconcierto. No puede ser que este hombre haya perdido el juicio; sin duda, debe querer aprovecharse de su situación y reírse de todo el mundo, destrozando su prestigio para, supongo, volver a empezar a cero. Desde luego, un cero es una buena calificación para su último trabajo, por lo que, por mi parte, que empiece a resurgir ya mismo.

Del reparto, mejor ni hablar, no tiene sentido. Al parecer, la mayoría de los actores vienen de la televisión japonesa, lo cual explica bastante bien el interés de Kitano en ofrecer un cúmulo de chistes sin ningún nexo de unión entre sí, con el mero propósito de intentar hacer reír durante unos 100 minutos. Sin embargo, ya digo, salvo la coña hacia el cine de Ozu y alguna piedra envenenada hacia el propio Kitano, nada de lo que se ve en pantalla tiene la más mínima gracia; al revés, da pena.

‘Glory for the Filmmaker!’ continúa pues con la bajada a los infiernos del peor cine por parte de Takeshi Kitano, un cineasta al que deseamos que recupere la cordura y vuelva a ofrecer obras de calidad, como ‘Dolls’, ‘El verano de Kikujiro’ o ‘Zatoichi’. Una mala película, a ratos insoportablemente estúpida.

Impresionante. Es lo que me ha parecido este trailer de ‘The Fall’, la penúltima película de Tarsem Singh o Tarsem, a secas. Penúltima porque tiene otra ya en camino, ‘The Unforgettable’. Recordemos que este director fue el responsable de ‘La Celda’, aquel extraño y fascinante thriller con Jennifer Lopez y el gran (no sólo en tamaño) Vincent D´Onofrio.

Protagonizada por Lee Pace, Catinca Untaru y Justine Waddell, ‘The Fall’ fue nombrada mejor película en la pasada edición del festival de cine internacional de Sitges, pero carece aún de fecha de estreno en España. El 9 de mayo se verá en algunos cines norteamericanos. A ver si se animan aquí y al menos la vemos pronto en DVD.

Aquí tenemos otro póster de ‘Diary of the Dead’ (‘El Diario de los Muertos’), la “nueva” película de George A. Romero. Extrañamente, va sobre zombies. En concreto, el argumento se centra en un pequeño grupo de una escuela de cine que se encuentra en los bosques de Pensilvania realizando una película de terror, cuando se dan cuenta que los muertos han comenzado a salir de sus tumbas. Según parece, la película no llegará a los cines españoles hasta el 27 de junio, a pesar de que se proyectó en Sitges el pasado mes de octubre.

Vía | Impawards

Hacía tiempo que no sabíamos nada de Tarsem Singh, director conocido por ese infravalorado thriller, visualmente tan fascinante, llamado ‘The Cell’. Aquí os traigo el póster de ‘The Fall’, película que carece de fecha de estreno en casi todas partes (se estrena en Rusia a finales de este mes) y cuya promoción es totalmente la opuesta a la de proyectos como ‘The Dark Knight’ o ‘Cloverfield’. Por no tener, no tiene ni web oficial, y el trailer que hay en circulación está doblado al ruso (pisando el audio original de un vídeo que, al parecer, nadie posee en su ordenador). En cualquier caso, confiemos que tras el espaldarazo que ‘The Fall’ recibió en Sitges, donde fue elegida mejor película del certamen, algún día tengamos la opción de verla en una sala de cine. O al menos en DVD.

Vía | Impawards

Ya habíamos podido ver un primer trailer de ‘Sukiyaki Western: Django’, lo nuevo del japonés Takashi Miike. Aquí os traigo un segundo avance en el que, como curiosidad, aparece Quentin Tarantino, fan de Miike, que interpreta un pequeño papel en el film encarnando a un pistolero llamado Ringo. ‘Sukiyaki Western Django’ se proyectó en la pasada edición del festival de Sitges, donde recibió premios en los apartados de fotografía y diseño de producción. La película, rodada en inglés, es un remake de ‘Django’, de Sergio Corbucci, pero también la versión de Miike de la Guerra Genpei de los clanes Minamoto y Taira ocurrida a principios del siglo XII. Y es que este cineasta se atreve con todo.

Los afortunados que fueron al festival de Sitges este año ya pudieron verla; el resto, tendremos que esperar, y puede que bastante. ‘El Diario de los Muertos’ (‘Diary of the Dead’) es la nueva película de George A. Romero, tras la estupenda ‘La Tierra de los Muertos’. No estoy seguro, pero creo que va zombies, un subgénero al que Romero, director de musicales filipinos, se acerca por primera vez en su carrera.

Bromas aparte, el director de enormes gafas de pasta pretende con este film, de factura independiente, dar por finalizada su visión del muerto viviente y volver a empezar de cero. Desde luego, es lo más rentable. ‘El Diario de los Muertos’ gira en torno a un pequeño equipo de una escuela de cine que se encuentra en los bosques de Pensilvania realizando sin financiacion una película de terror (como miles de estudiantes en todo el mundo); y es allí donde se dan cuenta que los muertos han comenzado a recobrar la vida. Por supuesto, la plaga se extiende y tal. A ver si la estrenan pronto.

Vía | Aullidos

Hace un tiempo que pudimos ver el trailer de la nueva película del japonés Katsuhiro Otomo, de título ‘Mushishi’. Ahora podemos contemplar el cartel, sencillito pero efectivo. Como dicen en el mismo, Otomo es famoso en el mundo entero por haber realizado la espectacular ‘Akira’.

Basada en el manga de Yuki Urushibara, ‘Mushishi’ narra el viaje de un misterioso curandero que va por diferentes regiones de Japón para ayudar a personas afectadas por los ataques de unas criaturas sobrenaturales llamadas Mushi, visibles sólo para algunas personas. La película podrá verse en primer lugar (en este país) en el Festival de Sitges, que empieza esta semana.

Vía | Uruloki

Ahora podemos contemplar ya el tráiler definitivo y el cartel, también final, que se puede observar tras el salto con el que se amplía la noticia.

Ángela Vidal, reportera, y su equipo están cubriendo el turno de noche en una pequeña estación de bomberos local. En la estación se recibe una llamada de auxilio de una mujer mayor. La anciana dice que está atrapada en su casa. Cuando llegan al edificio comienzan a oír gritos terribles. Así comenzará una noche de pesadilla y un documento televisivo de dramatismo único.

Jaume Balagueró es autor de ‘Los sin nombre’, ‘Darkness’, ‘Frágiles’, ‘Para entrar a vivir’. Rodará a continuación de esta colaboración, una adaptación de la novela de José Carlos Somoza ‘La Dama numero trece’.

Paco Plaza es el director de ‘El segundo nombre’, ‘Romasanta’, y ‘Cuento de Navidad’.

Fuente | Filmax

‘Sisters’ es una innecesaria nueva versión de la interesante película que dirigió Brian de Palma en 1973. A partir de un guión de Douglas Buck y John Freitas, el propio Buck dirige una historia sobre dos hermanas siamesas que, tras ser separadas, son mantenidas bajo la estrecha vigilancia de un psiquiatra; el problema viene cuando un hombre se enamora de una de ellas. Este film, de 2006, se proyectó el año pasado en el festival de Sitges, donde un servidor tuvo la mala fortuna de verla. Rodada de forma mediocre, aburrida, mal interpretada, es, en resumen, una película muy mala. Por las caras que vi al salir de la sala, creo que el resto de asistentes estarían de acuerdo. Lo que dirigió De Palma es una incomparable obra maestra a su lado.

Protagonizada por Stephen Rea y Chloë Sevigny, ‘Sisters’ se estrena próximamente en Estados Unidos, de ahí que aparezcan los posters que os pongo en este post. Lo cierto es que, vistos juntos, resulta una idea simpática. Es posible que algún día se estrene comercialmente en salas de toda España. Cuidado. Mucho cuidado.

Vía | ImpAwards

No sé si estáis al tanto, pero ‘Rec’ es un film de terror que han dirigido Paco Plaza y Jaume Balagueró, cuyo último trabajo juntos fue ‘OT: La película’. No me lo invento, lo podéis comprobar.

Mi compañera Beatriz ya nos informó anteriormente de esta película y nos trajo un par de teaser trailers, por si queréis saber más. A mí me da muy mala espina todo ese rollo a lo Bruja de Blair, pero la veré.

El estreno en España es el 23 de noviembre, aunque antes podrá verse en el festival de Sitges.

Al igual que pasó con el refrito de ‘The Eye’, en este caso también se ha decidido que una nueva versión de un film dirigido por dos personas debe ser llevada a cabo por otras dos personas. Los elegidos son John Erick Dowdle y Drew Dowdle. En su casa son muy famosos por hacer los crucigramas con bolígrafo rojo.

‘Moscow Zero’ plantea que bajo la apariencia de normalidad de cualquier gran ciudad existe un mundo que los de la superficie preferimos ignorar. El antropólogo ruso Sergei Spassky desciende al subsuelo por una complicada red de túneles para descubrir la verdad sobre los asesinatos atribuidos a los seres que habitan esos lugares. Spassky no vuelve de su extraño viaje y un equipo de rescate capitaneado por Owen, íntimo amigo del antropólogo, decide ir en su búsqueda. Pronto descubrirán una sociedad secreta, con normas y creencias propias, liderada por Andrey, y leyes cercanas al infierno. Porque el espectador pronto comprenderá que el infierno existe, y lo está viviendo.

La principal responsable (feliz) de este producto patatero es María Lidón, o Luna, como le gusta que la llamen, cuya filmografía se completa con ‘Náufragos’ y ‘Yo puta’ (cosas que no he visto, por recomendaciones fiables, y quizá por eso esperaba algo de su nueva “obra”). Creo que el resultado de su nefasta labor queda ya perfectamente claro en lo dicho anteriormente, por lo que no voy a insistir más. En el aspecto interpretativo, lo único que cabe decir es que resulta simpático ver a gente como Vincent Gallo o Val Kilmer en un telefilme de tres al cuarto como éste. Gallo sí tiene más presencia, al ser uno de los protagonistas principales, pero lo de Kilmer es de cachondeo; sale un par de veces, con esos kilitos de más que ha ido cogiendo con la edad (digamos eso y no seamos malpensados), y se limita a soltar unas líneas de guión con la misma intensidad que si estuviera pidiendo un café en un bar. Gallo no lo hace mejor y su personaje es tan ridículo como el de los demás, pero es que tampoco se le puede pedir más en esta película, está ahí y hace lo que puede, punto. Por la pantalla también se pasean, tan desorientados y aburridos como el espectador, el veterano Joaquim de Almeida, la guapísima veinteañera Oksana Akinshina y Sage Stallone, hijo de ya sabéis quién.

En definitiva, ‘Moscow Zero’ es una de las peores películas que tuve la mala suerte de ver el año pasado (en aquella lista que hice sobre el tema no pude incluirla porque no se había estrenado aún). Como he leído por ahí, no resulta recomendable ni para pasar el rato. Un completo desastre que quizá Luna reciba sonriente; al fin y al cabo, era la película que ella quería hacer. No se merece que diga nada más.

Uno de los platos fuertes, al menos para un servidor, de la pasada edición del Festival de Sitges fue la proyección de ‘Renaissance’ (click para ver el trailer), una muy atractiva propuesta en el género de la animación dirigida por el francés Christian Volckman (del que se proyectó un interesante cortometraje justo antes del film que nos ocupa). ‘Renaissance’ impacta desde el comienzo, con un estilo visual realmente llamativo, impresionante, pero se va perdiendo, poco a poco, a causa de una historia que juega demasiado con los tópicos de siempre del cine negro, llegando a resultar un tanto decepcionante. Por cierto, en la “versión” inglesa de la película cuentan con las voces de, entre otros, Daniel Craig, Catherine McCormack, Ian Holm, Romola Garai y Jonathan Pryce. Para España aún no hay fecha de estreno; eso sí, cosas como ‘Epic Movie’ se pueden ver en todas las salas.

‘Renaissance’ nos sitúa en París, en el año 2054. La historia principal gira en torno a la desaparición de una joven científica que trabaja para la poderosa corporación Avalon. A partir de ese hecho, se inicia una investigación policial que revelará trascendentales secretos, que algunos intentarán proteger a toda costa.

En pocas palabras, estamos ante un film de intachable y bellísima factura técnica, visualmente extraordinario, que pierde gran parte de su interés en lo que al desarrollo de la historia y los personajes se refiere; el guión abusa de los agotados recursos típicos del género detectivesco y la acción hollywoodiense. La película de Volckman se queda, por tanto, un poco a medio camino, pero, ojo, a medio camino de algo grande. Desde luego, es una propuesta que no podéis dejar pasar; especialmente, debería ser obligatoria para los aficionados al cine de animación y al cine experimental, en general.

Poco a poco, un genio de la animación (y del cine en general, porque la animación es sólo una forma diferente de contar una historia) como Hayao Miyazaki se ha ido haciendo un hueco y un nombre en nuestro país (tan poco dado a valorar el cine asiático, como demuestran las reacciones que está provocando la emocionante ‘The Host’) gracias a títulos tan fascinantes como ‘El Viaje de Chihiro’ o la reciente ‘El Castillo Ambulante’. Quien no goza (aún) de tanta fama en España es otro genio japonés de nombre Satoshi Kon, un auténtico ídolo para los aficionados al anime. Un realizador sumamente interesante cuya última obra es la maravillosa ‘Paprika’, presentada en la última edición del festival de Sitges por el propio Kon (que se mostró muy simpático ante un público entregado por completo que le aplaudió intensamente). Su película, todo un festival para los sentidos, vuelve a girar sobre la fantasía, la paranoia, la confusión y las realidades alternativas que se generan en la mente humana, ya sea de forma natural o de forma artificial, como en el caso de esta película.

La historia de ‘Paprika’ gira en torno a un método de terapia revolucionario llamado ‘PT’, desarrollado por el psiquiatra Atsuko Chiba. Se trata de un prototipo de máquina experimental gracias a la cual es posible introducirse en la mente de los pacientes para tratar sus ansiedades. Uno de los modelos ‘PT’ es robado y comienzan a utilizarlo para invadir las mentes de sus creadores, destruyendo sus personalidades mientras duermen. Esto dará pie a una investigación para dar con el misterioso criminal.

Kon juega mucho en sus films con el cambio de realidades e identidades. Es normal en sus películas, por ejemplo, que un personaje esté diciendo/haciendo algo y en un momento concreto, la imagen cambia y ahora contemplas a otro personaje o al mismo en otro lugar u otra época diciendo/haciendo exactamente lo mismo. Esto le permite una amplia variedad de posibilidades visuales que el realizador aprovecha con extrema soltura. En ‘Paprika’, la excusa argumental es la creación de una máquina que permite a alguien introducirse en la mente de otras personas, provocando cambios que pueden llegar a ser desastrosos. Kon nos sumerge en una serie de espectaculares fantasías que llegan a confundirse con la situación “real” de los personajes que llevan la investigación. Desde la escena inicial, donde vemos un vibrante y confuso sueño que contiene claves de lo que ocurrirá a continuación (otra seña de identidad en la obra del director), la película es un contínuo viaje donde las diferentes subtramas se van entrelazando y los diferentes personajes van descubriendo el sentido de lo que pasa a su alrededor e incluso dentro de sí mismos. El descubrimiento de una trama misteriosa que resulta ser mucho más compleja y peligrosa de lo que parecía en un primer momento es otro de los habituales recursos del director, muy efectiva para mantener al espectador pegado a la pantalla.

En definitiva, ‘Paprika’ es una explosiva montaña rusa de fascinantes imágenes animadas que atrapa al espectador desde el comienzo y no lo suelta hasta que aparecen los títulos de crédito. Una película que no os podéis perder; una nueva joya de Satoshi Kon, un realizador que merece más atención en nuestro país, empezando por un estreno de esta película en salas comerciales, tan saturadas de insípidos productos comerciales de usar y tirar.

Es imposible esperar algo mínimamente concreto de una película del prolífico Takashi Miike. Es capaz de cualquier cosa. Desde un violento drama como ‘Agitator’, pasando por una fantasía infantil como ‘The Great Yokai War’, hasta una insoportable salvajada como ‘Visitor Q’, por poner algunos ejemplos. Es un director tan explosivo, trasgesor y particular, que, válidamente, podríamos trazar una diferencia entre los aficionados al Cine que consistiría en: “han visto (al menos) una película de Miike” y “no han visto (aún) nada de Miike”. La obra de este cineasta suele ser cita habitual (y esperadísima) en el festival de Sitges. En la última edición presentó esta ‘Big Bang Love, Juvenile A’ que nos ocupa y que se estrenó en España el pasado 17 de noviembre; un absoluto bodrio para quien firma esta crítica que, sin embargo, provocó ensoñaciones celestiales en algunos asistentes de las tres sesiones que los responsables del festival decidieron adecuadas para el film (con razón, ya que el mero nombre de Miike provocó que se agotaran las entradas en todas las proyecciones). Sin embargo, cuando estos individuos lo único que repetían para defender la película era que la fotografía era alucinante… bueno, lo dejo ahí, está bastante claro.

La sinopsis de ‘Big Bang Love’ (‘46-okunen no koi’) es la siguiente: Jun es un joven introvertido que ha asesinado al cliente de un bar, Shiro ha conocido la violencia desde su más tierna infancia. Encerrados en la misma prisión y pese a sus aparentes diferencias, entre ambos se establecerá una estrecha relación que se verá interrumpida por un misterioso crimen.

En el reparto, destacan, por decir algo, porque aparecen más tiempo en pantalla, Ryhuei Matsuda y Masanobu Ando, los dos protagonistas de la película, los dos amantes cuya relación es la base central de la historia. Sus interpretaciones son planas e inexpresivas, como no podía ser de otra forma en una cinta donde parece que nadie, salvo quizá Miike en algún momento, sabe lo que está pasando.

En pocas palabras, ‘Big Bang Love, Juvenile A’ es una tomadura de pelo de uno de los realizadores más polémicos y anárquicos de los últimos años. Miike nos “regala” un experimento desastroso donde juega mucho con la imagen y no se preocupa lo más mínimo del contenido. Le da igual lo que cuenta, cómo lo cuenta y, por supuesto, si el espectador se está enterando de algo. ¡A la mierda el público! Es un señor inteligente, sabe que haga lo que haga, sea lo que sea, provocará la reacción entusiasta de los asistentes a los festivales donde, siempre, cuela sus obras, y de un buen grupo de fans en todo el mundo, a los que me ahorro calificar porque hay algunos que incluso tienen criterio y no escupen refinada palabrería barata al hablar/escribir. Por mi parte, a esperar lo nuevo de Miike, a ver si hay suerte.

Este viernes 16 de febrero se estrena en España ‘Bosque de Sombras’, el primer largometraje de Koldo Serra, con un reparto internacional muy llamativo encabezado por el gran Gary Oldman. La película pudo verse en un pase especial, sorpresa (tú vas sin saber la película que te van a proyectar, un peligro para quien pague los más de 7 euros que vale la entrada), durante el pasado festival de Sitges al que un servidor asistió gracias a Blogdecine; en ese pase tuvimos la suerte de escuchar al propio Serra explicando algo de la producción del film y de cómo consiguió a gente como Oldman (supongo que en el DVD se comentará esto y mucho más). Su película parte de un argumento interesante, pero el desarrollo va destapando lagunas del guión y aunque Serra consigue algunos momentos de gran fuerza visual, el resultado final no es satisfactorio, quedando un producto herido que no consigue levantarse. Dicho esto, soy el primero en recomendar ir a verla, no es una película común en este país y merece esa oportunidad que damos por sentado para las obras indutriales norteamericanas.

‘Bosque de Sombras’ nos sitúa en un genérico norte de España, a finales de los 70, en el verano más cálido de los últimos años. Norman y Lucy son un matrimonio inglés que no atraviesa su mejor momento. Unas vacaciones junto a unos amigos, Paul e Isabel pasa por ser la solución. Alejados de Londres, lo que se presenta como un idílico fin de semana de naturaleza y caza en el caserío recién comprado por Paul, no acabará como ellos hubieran deseado. El choque cultural con los lugareños encabezados por Paco y el encuentro fortuíto de una casa abandonada, desencadenará una espiral de violencia entre ellos.

Sin duda, lo que más llama la atención de ‘Bosque de Sombras’ (que me perdone Serra) es su reparto, compuesto por actores españoles de renombre y actores internacionales de mayor renombre aún. Como dije antes, destaca sobre el resto (por méritos propios) Gary Oldman, quien no necesita presentación por ser uno de los actores más importantes de nuestro tiempo. Oldman cumple con lo que se podía esperar de él y mucho más, porque a ver quién es el listo que no duda cuando le oye hablar en español sobre la formación en este campo del actor; Viggo Mortensen quedaría totalmente en ridículo si comparáramos su acento con el que logra Oldman en ‘Bosque de Sombras’ (pero bueno, me diréis, con razón, es que Oldman es un gigante al lado de Mortensen, de acuerdo). Aparte de este detalle (importante, porque hay que entender al actor y la preparación del papel es un factor clave, ¿o no?), Oldman está inmenso en todo momento, logrando que el espectador se ponga de su parte automáticamente y consiguendo momentos realmente para el recuerdo (no puedo decir uno en concreto, pero hay por ahí un poster en inglés que desvela la mejor escena del actor). Sin duda, lo mejor de la película. Pero ahí tengo que mencionar también a Lluis Homar, impecable, otro que llena la pantalla y cuando la comparte con Oldman es cuando la película alcanza su mayor nivel. A Homar le quedará una escena cercana al desenlace (de nuevo no puedo hablar) que a más de uno le recordará a muchos otros filmes por la lluvia pero no sería justo negar a Serra que logra un clímax sensacional (desgraciadamente, la resolución del mismo es bastante decepcionante). Por otra parte, tenemos a Paddy Considine, que al lado de los dos que he mencionado queda aún peor de lo que hace realmente; su labor podría resumirse diciendo que está muy soso y que no logra transmitir lo que se espera de su personaje, con mayor importancia de lo que parece en un principio. En cuanto a las dos chicas, ambas guapísimas, Aitana Sánchez-Gijón y Virginie Ledoyen, decir que parece que estén para lucir su (estupendo) tipo. Prueba de ello es una escena totalmente gratuita en la que las dos se dan un baño en medio del bosque y vemos cómo se desnudan; una escena insertada con calzador y sin ningún valor salvo el deleite para la vista de todo espectador masculino (gracias, Serra).

‘Bosque de Sombras’ es una película fallida, en un gran intento que no funciona, absurda por momentos, muerta desde el defectuoso guión (el guión que deja ver el film, claro, el escrito no lo he leído) pero animada y casi puesta resucitada gloriosamente gracias a los excelentes Gary Oldman y Lluis Homar, y a la contenida y sutil dirección de Koldo Serra, a quien desde luego se le desea lo mejor para su segundo largometraje, que esperemos no tarde en llegar. Contando con la suerte de un guión mejor construido y un reparto donde prime más la calidad que el nombre, Serra se superará. Aquí esperamos.

Seis años han pasado desde que Paul Verhoeven, al que el calificativo de polémico que le viene como anillo al dedo, se pusiera detrás de las cámaras por última vez. ‘El Libro Negro’, su nueva película, puede catalogarse como una grata sorpresa. Un notable film de espionaje, seco, realista, directo, y, sobre todo, con un ritmo endiablado que hace que no notes las casi dos horas y media de duración. El único gran problema (injusto, por otra parte) es que a estas alturas una película sobre el mundo nazi resulta de lo más cansina, de tanta producción que lo ha tenido como centro argumental o como excusa para desarrollar una historia. En cualquier caso, Verhoeven sabe que parte con este déficit, y por eso desarrolla una serie de personajes poco convencionales en una serie de situaciones de suspense casi constante. No le habría venido mal a Steven Spielberg hablar con el director holandés antes de desinflarse con su ‘Munich’.

‘El Libro Negro’ (‘Zwartboek’) está ambientada en torno a la Segunda Guerra Mundial y cuenta la historia de una cantante de ascendencia judía que tiene que sobrevivir en la Holanda ocupada por los nazis. Poniendo en peligro su vida, se unirá a la resistencia para tratar de encontrar a su familia. Llevando una doble vida, conocerá a un alto mando nazi, con el que mantendrá una delicada relación de amor y engaño.

He mencionado a Spielberg en el primer párrafo porque considero que ‘El Libro Negro’ guarda relación con ‘Munich’ y, en la odiosa comparación, el holandés le gana la partida al norteamericano. Ambas películas centran su argumento en una doble vida de los protagonistas, personas de carne y hueso, como cualquier otra, llevadas a cometer delitos/crímenes contra otras personas por el supuesto bien de su pueblo. El espionaje es fundamental en los dos films. Por otra parte, los asesinatos fríos, torpes, realistas, de ‘Munich’ son similares a los que vemos en ‘El Libro Negro’, sobre todo cuando actúa la resistencia. En la realización también podemos ver mucho parecido, ambas películas intentan ser “Cine de antes”, con una puesta en escena elegante, sin artificios estilísticos, ni exagerados juegos de cámara, sin ordenadores, mostrando acción palpable, que casi traspasa la pantalla, nada de secuencias imposibles. Lo importante, tanto en la obra de Spielberg como en la de Verhoeven, es que el espectador vea y viva una historia “real” que coloca a personas “reales” en situaciones al límite. Aspectos como el compromiso, la valentía o el patriotismo, son sólo ingredientes complementarios. Y, terminado con las similitudes, no menos importante, no hay que olvidar la carga personal que hay en ambos proyectos para sus realizadores. Sin embargo, donde Spielberg resbalaba, quizá por eso de la trascendencia de su nombre y del proyecto, Verhoeven se ha alzado con fuerza. Spielberg caía en los tópicos y en querer exprimir al máximo momentos emotivos, pretendiendo a veces no querer que se viera la factura de producto millonario; Verhoeven no huye de nada, se atreve con todo, y no le importa hundir en la mierda a su protagonista o dejar en buen lugar a un sanguinario nazi. Eso sí, el realizador holandés no tiene el genio del norteamericano, evidentemente, no me vayáis a malinterpretar.

Siendo el director de ‘Delicias Turcas’, ‘Instinto Básico’ o ‘Showgirls’, uno sabe que Verhoeven gusta de mostrar carne. Y sabiendo que ha dirigido ‘Robocop’, ‘Desafío Total’ (sus dos mejores obras, auténticos clásicos del género de la ciencia ficción) o ‘Starship Troopers’, sabemos que habrá violencia, escenas desagradables. En ‘El Libro Negro’ encontraremos tanto lo uno como lo otro, en raciones satisfactorias, pero sobre veremos lo que ya he comentado arriba, un realismo que Verhoeven ensucia hasta niveles que dañarán la sensibilidad de más de uno en determinadas escenas. Hay una frase en la película que resume gran parte de las intenciones del director al contar esta historia. No recuerdo quién la dice y no sé como la doblarán al castellano cuando la película llegue a los cines, pero creo que se entiende perfectamente: “Every survivor is guilty in some way”. No es una forma muy heroica de hablar de los vencedores, ¿eh? De hecho, si algo destaca del tratamiento de los “héroes” de esta historia, es que están desmitificados, nadie es bueno, sólo los hay “menos malos”.

En cuanto al reparto, en ‘Black Book’ destacan dos nombres, Carice Van Houten y Sebastian Koch. Van Houten es la guapa protagonista que ilumina el poster de la película y los dos fotogramas que he colgado en esta crítica. A su evidente encanto natural, que en el film es usado por su personaje para cumplir con sus objetivos y que Verhoeven no duda en mostrar para deleite del público masculino, hay que sumarle una excelente interpretación; es de esas veces que piensas que no ninguna atriz lo habría hecho mejor. Koch tiene un personaje muy interesante, al sufrir unos cambios importantes en una evolución muy bien llevada por el guión; es un alto mando del ejército nazi que sabes que es un (perdonad la expresión) completo cabronazo, pero conforme va avanzando la trama, vas acercándote a él y llegas a sentir compasión por su situación. Lo dicho, el guión aquí acierta de pleno. Por cierto, resulta muy curiosa la diferencia que hace Verhoeven (no sólo por ser el director, sino también como co-guionista) en cuanto a lo que son los hombres y las mujeres en esta película; ellos son arrogantes, violentos, y, normalmente, fáciles de engañar; ellas son pacíficas, simulan ser sumisas, pero consiguen lo que quieren cuando quieren. Con excepciones, claro, que confirman la regla. No comparo en esta ocasión.

En definitiva, ‘El Libro Negro’ es un intenso relato de supervivencia, un film absolutamente recomendable que nos devuelve a un Verhoeven en plena forma. Sí, de acuerdo, la película no es ninguna maravilla ni aporta nada realmente original, pero pocas veces vas a estar pegado a la butaca durante cerca de dos horas y media sin que te des cuenta. En Sitges recibió muchos aplausos (merecidísimos) y sorprendió que no estuviera presente en ese polémico palmarés; en España se estrena el próximo 2 de febrero. Esperemos que el próximo proyecto de Verhoeven, ‘The Winter Queen’, le permita continuar por esta senda.

En Blogdecine | Trailer y Posters de ‘El Libro Negro’ (‘Zwartboek’)

Por supuesto, tras una gran película, a un director se le exige el mismo nivel o incluso superior. Si, además, ese director tiene la aureola de ser un genio de lo audiovisual (justificación fundamental: vídeos musicales), la expectación es altísima. Pero vayamos más allá. Un proyecto a la medida del realizador (ahí tenéis el trailer para comprobarlo) y un protagonista de la talla (en términos no literales) de Gael García Bernal. Michel Gondry, responsable de la sensacional rareza ‘¡Olvídate de Mí!’ (terrible título español para ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’), no nos entrega la obra que cabía esperar, entre otras cosas, porque parece no quererlo. A cambio, nos ofrece una comedia romántica. Vaaale. Nos conformamos. Al menos, se pasa un rato entretenido.

‘La Ciencia del Sueño’ (‘La Science des Rêves’) cuenta la llegada de Stéphane a París, para trabajar en una empresa de publicidad. El joven trae consigo muchas ilusiones, proyectos y sueños, pero la realidad le baja de las nubes, al encontrarse con un empleo monótono y aburrido. Stéphane se refugiará en sus extraños sueños para soportar la situación. Más tarde conocerá a su vecina, Stéphanie, de la que se enamora. Los sueños irán afectando su vida diaria y llegarán a convertirse en un problema, no pudiendo diferenciar cuándo sueña y cuándo no, por lo que deberá tratar de controlarlos.

En cuanto al reparto, destacar inevitablemente a Gael García Bernal, cada día más consolidado como una de las figuras interpretativas internacionales. El actor está excelente como Stéphane, cae simpático desde el principio (aún más con momentos como el de las gafas en 3-D, una “cagada” que a más de uno nos ha pasado, al menos de forma similar, o el de la máquina del tiempo) y se mueve como pez en el agua con un personaje que prefiere la comodidad de su particular mundo irreal a la insatisfactoria realidad diaria. Por otra parte, resulta muy notable la labor de Charlotte Gainsbourg, que interpreta a Stéphanie, la media naranja de Stéphane (bueno, más o menos); se la ve muy natural y la evolución de su personaje así como algunos momentos “neuróticos” están muy logrados. Por último, mención especial para Alain Chabat, encarnando al personaje que más carcajadas logró arrancar, y sólo con gestos o frases cortas; lástima que salga tan poco y quede un tanto desaprovechado.

En definitiva, Gondry nos cuenta con ‘La Ciencia del Sueño’ una historia similar a ‘Olvídate de Mí’ pero se sitúa un peldaño por debajo, tanto a nivel de originalidad o de inventiva (entendamos esto relativamente, estando en la época que estamos) como de medios (y no me refiero sólo a lo conocido del reparto). Por tanto, nos quedamos con una comedia romántica, de argumento simplón pero efectivo, salpicada de “escenas made in Gondry”. A quien firma le resultó más que suficiente.

Recordemos que la última película de Aronofsky es la fascinante ‘The Fountain (La Fuente de la Vida)’, aún por estrenar en nuestro país, pero que un grupo de afortunados tuvimos la suerte de verla en la pasada edición del Festival de Sitges, donde no causó una buena impresión, continuando con la reacción que tuvo en Venecia, donde fue abucheada. Y es que hay películas que no están hechas para la mayoría. Por cierto, en Sitges, donde dio una breve rueda de prensa (que podeís leer pinchando aquí), Aronofsky se negó por completo a hablar de su siguiente proyecto (llegando a ser borde con una periodista). Visto ahora, se comprende. Cualquiera estaría cabreado.

Vía | DarkHorizons

Anticipándose al estreno en España (para diciembre), ‘Mentes en Blanco’ se proyectó en la pasada edición del Festival de Sitges, ganándose, para mi sorpresa, una positiva reacción general de los asistentes al pase de prensa. A la salida del inmenso Auditori, escuché a varios señores, algunos con esas “modernas” gafas de pasta negra, argumentar que, teniendo en cuenta el bajo nivel de la programación, la película era muy buena. No sabía yo que había que analizar una película comparándola con lo que se ha visto últimamente. Entonces, si recientemente ha pasado por tus retinas, por ejemplo, alguna de las obras maestras de John Ford, lo indicado es puntuar con un cero a todas las actuales que veas a continuación. En fin, la lógica de siempre. Que si las expectativas, que si la butaca, que si el carnicero me ha cobrado de más, etc. Lo cierto es que ‘Mentes en Blanco’, ya veréis las críticas cuando se acerque el estreno, podría haber sido un interesante episodio de alguna serie de televisión (ahora que están tan de moda). Como película, se queda cortísima, apagándose poco a poco para tratar de entusiasmar con un giro final de esos que tanto gustan a la gran masa. Ahí tenéis los ejemplos de la mediocre ‘Saw 3’ o la engañabobos de ‘El Ilusionista’.

‘Mentes en Blanco’ comienza con la cámara recorriendo un almacén aparentemente vacío hasta que un hombre allí tumbado se despierta. Sin acordarse de nada de lo ocurrido y ni tan siquiera de quién es, descubre a otros cuatro hombres a su alrededor, inconscientes y con heridas de diversa importancia (hay uno que está medio muerto). Pronto, todos van despertando pero tampoco recordarán ni su identidad ni lo que ha pasado para que estén todos ahí encerrados. A partir de una llamada de teléfono, descubrirán que los cinco que están allí pertenecen a dos bandos: secuestradores y secuestrados. ¿Quién es quién? Los recuerdos comenzarán a llegar poco a poco, mientras tratan de escapar, antes de que lleguen los que han llamado, armados y dispuestos a acabar con los rehenes.

Como he dicho antes, Brand se estrena como director con este thriller-puzzle y el resultado no le deja en mal lugar. Se le adivinan buenas maneras, manejando con soltura gran parte del metraje, sobre todo la primera mitad. Es difícil calibrar su trabajo con los actores, al contar con una serie de intérpretes tan competentes como los que ha tenido a su servicio. Todo un lujazo que no alcanzo a comprender. En todo caso, no los hace patinar, lo cual, visto lo que han hecho en otras ocasiones, es complicado pero no imposible. La labor de Brand, sin embargo, se ve encorsetada por un guión tramposo, totalmente preocupado por los trucos, por los giros sorprendentes, forzando la acción, sin prestar mucha atención a la consistencia de la misma ni al desarrollo lógico de unos personajes un tanto desaprovechados (apenas se los desarrolla). Un guión, de Matthew Waynee, que necesita de una increíble amnesia colectiva para comenzar a caminar. Y camina a base de flashbacks, pistas falsas y un buen número de situaciones que pueden provocar tanto mantenerte pegado a la pantalla como hacerte desconectar por completo. Básicamente, si no entras al juego en los primeros minutos, es mejor que te ahorres el resto. No mejorará, al contrario. A menos que seas de los que dan por buena una película si tienen un final inesperado. Entonces, tú también, quédate.

Lo que más destaca de la película, sin lugar a dudas, es su llamativo reparto, lleno de caras conocidas, actores con evidente talento que parecen pedir a gritos más oportunidades. El papel principal corre a cargo del casi siempre excelente Jim Caviezel, tan acertado como le permite su desdibujado personaje, que consigue mantener gracias a su carisma; el final le dejará tan descolocado como al espectador. Por otro lado, tenemos a un más que correcto Greg Kinnear, preocupado en cambiar su imagen de actor cómico, y al que sigo viendo un pelín exagerado. Joe Pantoliano (ya sabéis, el traidor de ‘Matrix’) tiene uno de los papeles más intrascendentes de la película y se lleva prácticamente todo el tiempo sin nada que hacer, atado a una silla. El mejor de todos, aunque cuente con menos protagonismo del que debería, es el cada vez más inspirado Barry Pepper, al que muchos recordaréis por protagonizar la horrorosa ‘Campo de Batalla: La Tierra’ pero también por la magnífica ‘La Última Noche’, donde mantenía el tipo sin problemas frente a Edward Norton y Philip Seymour Hoffman. En un papel muy sencundario, encontraremos al encasillado (porque hay pocos que encajen mejor que él en su papel) Peter Stormare, como el villano psicópata al que temen todos los demás. Y la única “chica” del film es la muy atractiva Bridget Moynahan (¿os acordáis de ‘Yo, Robot’?), cuyo trabajo se limita a lucir palmito mientras ayuda a los ineptos policías que tratan de resolver el caso y rescatar a los secuestrados. Ella, sin embargo, tendrá la clave del final sorpresa. Y hasta ahí puedo contar.

En definitiva, ‘Mentes en Blanco’ es un film insuficiente. Estamos ante una película que podía ofrecer mucho más pero se queda en lo superficial, una del montón, tal como suena, de usar y tirar; un thriller con un punto de partida muy interesante, que daba mucho juego, pero que no acaba de desarrollarse, todo un juego de artificio cuyo único propósito es llevar al público hasta un giro final inesperado, con la esperanza de que no se replantee todo lo anterior. ¿Te vale? Ve a verla, pasarás un rato entretenido. ¿No te vale? No vayas, no pierdas el tiempo. Hay mucho por ver, eso de que el Cine está en crisis es palabrería barata.