Blogdecine

'El padrino, parte III', un destino doloroso

Adrián Massanet — Wed, 29 Jul 2009 14:43:52 +0000

Nunca odies a tus enemigos…afecta a tu propio juicio.

-Michael

Después de los eventos analizados, con Michael descubriendo que no todo va a ser tan fácil como parecía en el Vaticano, regresamos a Nueva York con el reencuentro entre Mary y Vincent, que tienen una breve y bonita secuencia cerca de la antigua tienda de Genco (donde Vito se convirtió en lo que fue) y en la que vemos, brevemente, a una magnífica actriz y gran persona ya fallecida, nada menos que Catherine Scorsese, madre del famoso cineasta, amigo íntimo del director de esta película, que también interpretó pequeños papeles en alguna película de su hijo.

Esta breve secuencia sirve para dos cosas: observar que Sofía no es tan mala actriz, pues nos empezamos a creer la relación de amistad y amor que surgen entre ambos primos; y constatar que Coppola tiene mano para la juventud, para hacer creíble a una nueva generación de mafiosos, pues nos muestra el pequeño ambiente del aspirante a gran mafioso Vincent, con sus colaboradores. Con apenas dos pinceladas está claro lo que podría haber hecho este cineasta con la tercera película de haber gozado del poder necesario.

Pero vamos a lo que verdaderamente importa, y no es otra cosa que la reunión mafiosa inmediatamente posterior, con la que Michael pretende desvincularse de sus viejos socios, liquidar deudas (económicas) e ingresar definitivamente en la nómina de grandes empresarios…legales. No me parece casual, a otros espectadores quizá sí, que lleguen a esa reunión en helicóptero, ya desde el cielo, y “desciendan” (metafóricamente) para hablar con esa panda de gangsters más propia de la primera película que de la segunda y no digamos de esta tercera.

Regreso virtual a los viejos tiempos

Todo este bloque, en el que Zasa (o Altobello) intentan aniquilar a toda la cúpula de mafiosos de Estados Unidos, más la venganza posterior de Vincent. Parecen un cursillo intensivo para Vincent Mancini, hijo ilegítimo del gran y temible Sonny Corleone, de aprender todo lo que no pudo dada su marginalidad del seno de la familia. Y luego hay quien dice que esta película no está sentida y pensada hasta en su último pasaje.

Es magnífica la presentación de la reunión, con varios planos cortos consecutivos, en lugar de uno largo general, inicial, y luego fragmentado. Son planos estáticos, sin el clásico movimiento de travelling que nos describa la secuencia. La pulcritud, y la sobriedad son absolutas. Respetando el eje de miradas, ya sabemos que el centro de la escena es Michael, el más poderoso, y a partir del cual se va a establecer la situación y la fuga de cada plano. Además, hay breves insertos para Vincent, a fin de cuentas es el alumno privilegiado.

Es notable observar la calidad de los figurantes con frase norteamericanos, así como que lo splanos generales están pensados más para cine que para televisión, con objetivos nobles (40-50 mm.) para planos que abarcan a 16 personajes. Así mismo, el poder de Michael está muy bien mostrado, con su primer plano majestuoso explicando a todos cómo están las cosas, y el corte al siguiente, que es un contracampo del anterior. Y en la confrontación final contra Joey Zasa (un estupendo Joe Mantegna, como ya dijimos) por fin hallamos un elegante travelling de seguimiento.

Zasa es un gángster que inspira cierto patetismo, por eso nada hace preveer que sea capaz del tremendo ataque que sufren todos, pocos minutos después de su airada salida de la sala. Tal como dice Coppola, algo extraño tiene que ocurrir siempre antes de un asesinato, y aquí es la fruta y la vajilla temblando, como en un terremoto, aunque en verdad es un helicóptero (de nuevo un helicóptero, como si el ataque viniera de la misma gente a la que quiere unirse Michael, y así es…) al que nunca vemos, sólo su foco de luz y los fogonazos de los disparos.

La secuencia está magníficamente filmada y montada, aunque a Coppola estas cosas ya no le interesara contarlas, con detalles geniales como el tipo agarrado a su abrigo de la suerte que, pese a todo, cae acribillado. Vincent se gana el master en valentía y arrojo, por así decirlo, ofreciéndose de escudo humano sin pestañear, siendo capaz de arriesgarse a ser disparado con tal de salvar a su maestro, a su tío. Para terminar, una magnífica colección de planos estáticos, que nos muestran a los cadáveres, docenas de ellos, resultado de tan terrible acto, como si Coppola quisiera rendir un último homenaje a la víctimas absurdas del poder y la ambición humanas.

Michael es una sombra

De forma maravillosa (con un plano fantasmagórico de la entrada del hotel acompañado de un trueno) pasamos a una secuencia que abre la segunda parte de la película, aquella en la que Michael cae enfermo, y ya nunca más vuelve a ser ese gran jefe que la familia necesita, en favor de Vincent Mancini. ¡Cuánta naturalidad! Vemos a Al Neri, Vincent, Connie, comiendo… y nos sentimos como en casa. Qué bien se le dan estas cosas a Coppola. Y qué bien está García estallando, deseando ir a por Zasa.

Michael le aconseja de nuevo al oído, le dice que no debe mostrar sus sentimientos, y luego apunta más alto, él tiene otros sospechosos en mente. Tal como dice: “cuando pensaba que estaba fuera, me vuelven a meter”. Y le sobreviene el colapso, debido a su diabetes, que Coppola resuelve primero con un plano largo, como si no se atreviera a acercarse al dolor de Michael, y luego en sucesivos planos medios, cortados a hachazos, como si Michael se viera desde fuera de su cueropo (¿no sucede eso cuando uno está casi inconsciente?) y estuviera a punto de morir.

Y así tiene lugar un nuevo paralelismo con la primera película, pues sí allí era Vito el que estaba hospitalizado y Michael quien le salvaba y luego se vengaba de sus enemigos, aquí es el propio Michael es hospìtalizado y Vincent quien le protege y se venga a la vez, acabando con Zasa en otra magnífica secuencia de asesinato, que recuerda poderosamente al asesinato de Don Fanucci, por localización y estilo. Con grandísimo talento, Coppola engarza la secuencia de la visita de Kay a Michael, y la posterior llegada de sus hijos (inspirada en la propia experiencia del director…) con el asesinato de Zasa.

Pero aquí no hay lugar para los montajes en paralelo. En su lugar hay demasiado dolor. Dolor por la fragilidad extrema de Michael, por la relación por fin consumada entre Mary y Vincent (conmovedora escena culinaria, con ambos jóvenes iniciando una relación trágica), por el destino que una vez más se cierne sobre esta familia. Mary visita a Vincent cuando este prepara el golpe contra Zasa, y es un golpe astuto. En él separan a Zasa de su guardaespaldas, para asesinar a este último y perseguir al gangster a caballo, pues Vincent se ha disfrazado de policía montado. Muy inteligente, además, el modo en que Coppola arma el montaje, con los breves planos del caballo acercándose, como una fuerza protectora, cuando en verdad es una fuerza assesina.

Y del mismo modo que Vito condenaba la acción contra el turco y el capitán de policía en la primera parte, aquí Michael se pone furioso por la decisión de Vincent, Al y Connie. Ya no quiere más violencia como en los viejos tiempos, sino un nuevo futuro para él y su familia. Ahora bien, cuando por fin estalla, vemos que Michael no puede sostener esa ira. Está acabado, ya no tiene fuerzas.

Ahora bien, aún le queda la astucia, y es una astucia afilada. Le asegura a Vincent, cuando este le lleva a la cama, que tiene los atributos de su padre, como el éxito con las mujeres. Y ante la sonrisa de éste, le pregunta de inmediato qué esta haciendo con su hija, cogiéndole desprevenido y haciéndole sentir aún más culpable. Por seguridad, le prohíbe esa unión tan peligrosa (precisamente la unión que tuvieron los bisabuelos Coppola, primos como ellos), y decide, junto a Don Altobello (aquél que según él es el culpable del ataque en helicóptero, y que suele tener a Vincent, como en un augurio, al fondo de su plano) viajar a Sicilia.

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‘El padrino, parte III’, Mary Coppola

‘El padrino, parte III’, sangre nueva

'El padrino, parte III', Mary Coppola

Adrián Massanet — Thu, 23 Jul 2009 14:44:25 +0000

Señor Corleone, los bastardos mienten. Shakespeare escribió poemas sobre eso.

-Joey Zasa

Después de centrarnos primeramente en los aspectos más personales que atañen a Michael en la larga secuencia de la fiesta en conmemoración a sus honores papales, pasemos un poco a temas más de negocios, que tienen que ver con los importantes personajes de Joey Zasa (Mantegna) y Don Altobello (Wallach). El segundo es una especie de ayudante para Michael en lo que concierne a la vida que quiere abandonar, la que le une con la élite mafiosa de Nueva York. El primero es el jefe en funciones de su propio sobrino, el bastardo Vincent Mancini, hijo ilegítimo de Sonny Corleone, de quien ha heredado el mal genio y el encanto natural.

La magnífica secuencia que ambos, junto a Michael, protagonizan, nos recuerda a las mejores de esta saga. Michael se sitúa en medio, como el juez supremo, Zasa a la diestra y Vincent a la siniestra, respaldado por Connie Corleone. Al parecer Zasa no le tiene ningún respeto a Michael, y Vincent se ha enfrentado a él por esa y otras razones. Intentando averiguar la verdad, como un viejo zorro, Michael le observa y le amedrenta (estupendo y sutil plano contrapicado con una luz blanca también muy sutil), y aunque dice lo contrario, sabemos que miente. A pesar de todos los esfuerzos por establecer la paz y por ignorar a Vincent, este acaba mordiendo la oreja de Zasa en el hipócrita abrazo que ambos se dan.

Antiguos colaboradores

Para la realización de esta película, Coppola se rodeó de varios de sus más importantes colaboradores, algunos de los cuales fueron piedras angulares en la consecución de aquellas obras maestras. Es decir, Coppola supo cubrirse bien las espaldas, no solo recurriendo a gran parte del casting (principales, secundarios e incluso figurantes) de las dos partes anteriores, también muchos miembros de su familia (su padre aparece dirigiendo la orquesta de la fiesta, su madre aparece cantando detrás de Altobello, su hija…), sino que echó mano de sus más íntimos amigos artistas.

Son sobre todo dos: Gordon Willis y Dean Tavoularis, que hoy día ya son leyendas de sus respectivos oficios, y que muchas veces eclipsan con su talento el trabajo de los directores a quienes asisten. El operador Willis se planteó una prolongación de su soberbio tratamiento previo de la luz, que aquí reincide en los tonos dorados y en la subexposición, aunque con menor radicalidad que en ‘El Padrino, parte II’. A pesar de rodar en Super35, se tomó la decisión de filmar con un formato ancho de 1.85:1 para aprovechar mejor las copias infladas a 70mm. El objetivo era crear una unidad luminica y estilística y lo lograron.

Por su parte el diseñador de producción Dean Tavoularis (cuya última colaboración con Coppola, después de doce películas juntos, fue ‘Jack’) regresa por un lado a los orígenes neoyorquinos de la saga, renovándolos, y al mismo tiempo revisita con éxito y belleza las localizaciones sicilianas, trabajando muy duro junto con Willis para darle a la trilogía ese aspecto de fluidez visual de la que tanto dependía. En esta primera gran secuencia se observa que a pesar de los 14 años transcurridos, ambos saben muy bien qué es un ‘Ambiente Corleone’ para FFC, y esto se observa en su capacidad de ofrecer cambios para seguir ofreciendo idéntica densidad trágica.

Dos aliados de un valor incuestionable.

El problema con Sofía

Realmente, la actriz ideal para el importantísimo papel de Mary Corleone en esta película, era la excelente intérprete Winona Ryder, que hubiera clavado el papel con un poco de suerte. Y ella era la elegida, y la contratada, para hacerlo, pero en el último momento se echó atrás (no se conocen las razones para que lo hiciera) dejando a Coppola completamente tirado y desesperado por sustituirla durante un mes. Finalmente optó por una decisión arriesgada, personal e íntima, cuyos resortes emocionales se ramifican mucho más de lo que un observador perezoso pueda observar en esta película.

Esta fue la punta de lanza para los numerosos detractores que atacaron sin piedad (y aún siguen atacando) la película, a parte de otros muchos. Pero la prensa estadonidense fue especialmente sangrante con la debutante Sofía Coppola, que según ellos no se merecía interpretar este papel, y que lo ganó por ser la hija del dire. La polémica no fue pequeña, y es cierto que Sofía no parece capaz de enamorar a todo un galán como Andy García, porque a pesar de tener una belleza mediterránea muy carnal y muy natural, carece de ese lado sexual y turbulento tan necesario a esta unión prohibida.

Sin embargo pienso que Sofía está tremendamente natural como Mary. Es una actriz nata y aunque en algunas secuencias se percibe su inseguridad y su fragilidad, sabe utilizar ambas en su provecho y en provecho de la historia que están intentando contar. Sofía Coppola se lanzó al papel en carne viva, y a sus defectos se le puede oponer una osadía y un coraje admirables. Sentimos compasión por su personaje, y aunque le fallen las tablas bajo sus pies, es fácil ponerse de su parte. FFC se la jugó poniéndola ahí, y dice que no se arrepiente. Hay más de una razón para decir eso, como veremos.

Al final de la fiesta, toca la foto familiar, y nuevamente es Michael el que pide (como hiciera con Kay tantos años atrás, en la boda de su hermana Connie) que uno más se agregue a la instantánea. Es el asombrado Vincent, que se queda de piedra pero acepta. Tras el flash, suena el tema de los Corleone, y Michael se dispone a bailar con su hija. A ambos parecen unirles nuevos lazos ahora, después de tanto tiempo sin verse, ya que la fundación Vito Andolini está a nombre de ella, lo que traerá algunos conflictos.

Bailan aunque ninguno de los dos actores sabe bailar, y se les une, en una bonita improvisación, la nieta del director, Gia, con lo que acaban bailando a tres bandas. Enzo, el pastelero, con quien Michael compartió aquella noche terrible en el hospital, trae la tarta. Una lámpara de araña se interpone a la vista, en el plano final, dejando ver sólo en una esquina, a padre e hija. ¿Un signo de las futuras complicaciones que de manera tan trágica van a cernirse sobre ambos? Funde a negro.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

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‘El padrino, parte III’, Francis Ford Corleone

'El padrino, parte III', Francis Ford Corleone

Adrián Massanet — Wed, 22 Jul 2009 16:07:23 +0000

Tony sabe que mataste a Fredo
(Tony Knows that you killed Fredo)

-Kay

Sin más preámbulos adentrémonos en el análisis de la tercera parte de ‘El Padrino’, descrita por algunos, como el famoso crítico de cine Carlos Pumares (uno de los individuos que dan mal nombre a esta profesión), como “un verdadero insulto”, y objeto en ‘Los Simpsons’ de un divertido chiste (yo sí sé reirme cuando alguien ataca algo que admiro, mientras otros sienten que han meado en su alfombra): Bart encontrando una cinta clandestina en la tienda de cómics con el título de ‘El Padrino III, versión buena’.

Hay mucho de que hablar en este primer capítulo sobre la película número dieciséis de Francis Ford Coppola, que regresa al relato de la familia Corleone, la que le hizo rico y famoso, y la que posibilitó una locura extraordinaria titulada ‘Apocalypse Now’. Catorce años después, rechazando un guión de la Paramount que nada tenía que ver con su personalidad, redactando uno propio de nuevo junto a Mario Puzo, comenzando casi el rodaje sin tiempo para pulirlo. FFC se encontraba en una crisis personal y creativa, y era el momento de superarla o de morir en el intento.

Paramount presenta…

Con la imagen de la legendaria productora de Hollywood Paramount Pictures, que asociamos tanto a esta legendaria trilogía como a las aventuras de Indiana Jones, y el no menos legendario sonido de trompeta lúgubre (sobre pantalla en negro) creado por Nino Rota, muerto once años antes de esta tercera parte (y cuya música fue arreglada y fundida para esta tercera parte por el padre del director, Carmine, de forma admirable), comenzamos. Y no comenzamos con otra cosa que con un cielo nublado y triste, y con una suave panorámica a algunos lugares familiares para nosotros.

Es la finca Corleone en Lake Tahoe. Precisamente donde todo acabó catorce años antes. Donde vimos cómo se asesinaba a Fredo, y cómo Michael se hundía en sus recuerdos, en el pasado donde parecía que al destino se le podía desafiar. En realidad, son imágenes de segunda unidad tomadas en verdad catorce años antes, y rescatadas para esta apertura fantasmal. Ni siquiera Michael vive ya allí, sino que reside en Nueva York, como veremos. Pero hay algo decididamente genial en abrir así la película. ¿Acaso la mente de Michael no viaja allí a menudo? Como el campamento de Kurtz, como el castillo de Dracula, la finca abandonada es un estado mental, y más aún, un estado anímico.

Corte brusco a un plano de la ciudad de Nueva York en 1979, que es el año donde todo va a transcurrir. Abandonamos por tanto, el relato de época para hacerlo casi contemporáneo. Michael, que ronda los sesenta años, va a recibir honores papales en una ceremonia religiosa en agradecimientos a sus obras de caridad. Y bajo estas imágenes oimos la voz en off del propio Michael, pidiendo a sus hijos que asistan. Según él: “la única riqueza de este mundo son los hijos”, y aquí oímos también a Coppola diciéndolo. Según sus palabras, hace un tiempo que no ve a sus hijos, y la fiesta que va a organizar es una excusa como cualquier otra para reunirse con ellos y con Kay.

En los sensacionales comentarios del director de los que goza el Dvd de esta película, oímos a Coppola emocionarse hablando de cómo Michael ha perdido a su familia, mientras recuerda su despiadada decisión de asesinar a Fredo (un recuerdo muy bien engarzado, pues asistimos a una misa, y es un Ave María lo último que pronuncia Fredo…¡qué escalofriantes los graznidos de las gaviotas, como alaridos femeninos de un alma en pena!). Es notable observar a este hombre llegar al filo de las lágrimas, recordando sin duda a su hijo Gio, que es la razón fundamental, como veremos, de que se hiciera esta película. Esto es la historia de Michael Corleone, y Michael Corleone es el alter-ego de F. F. Coppola.

Ante todo la tradición…o no

En estos primeros minutos ya observamos por donde va a ir el relato. Mucho más íntimo y confesional que las dos anteriores. Michael es un hombre muy distinto, y no tenía sentido volver a ver otro Padrino con este héroe oscuro venciendo a todos y saliendo victorioso e indemne. Al Pacino (en otra inconmensurable interpretación, tan difícil como las dos anteriores) aparece con el pelo cortado como una persona muy mayor, pareciendo al menos con diez años más de los que tenía por entonces (50). Si a esto añadimos que ya se había practicado, varios años antes, su famosa operación facial, parece realmente otro hombre, ni la sombra del apuesto y formidable hombre de las dos anteriores películas.

Además, el magnífico inserto de la segunda película, en el que vemos el inolvidable plano de Fredo antes de morir, es como un puñal en su corazón, como una carga de la que no puede librarse y le acompaña durante toda la película. Pero no todo son cambios, como veremos, pues de nuevo comenzamos con una fiesta en la que se hará una presentación de los personajes y un primera acercamiento a la verdadera trama futura, después de la boda de la primera parte y de la comunión de la segunda. En esta ocasión es una fiesta en honor de Michael en la que conoceremos a tres importantísimos personajes: Vincent Mancini, Don Altobello y Joey Zasa, interpretados por tres actores en estado de gracia.

De los otros dos hablaremos a continuación, pero hay que empezar a comentar la eléctrica aparición (sólo así se puede calificar) de Vincent (interpretado por Andy García, con gran fuerza de convicción). Aparece en primer plano amplio abriéndose paso y casi tiene que colarse en la fiesta, peleándose con un guardia. En un entorno en que la “Atmósfera Corleone”, por así llamarla, parece un triste eco del pasado (cantan sin gran éxito canciones italianas, el mismo Johnny Fontane tiene una aparición ¡y Michael huye a la cocina a escuchar a Tony Bennett, bromea), Vincent aporta una inyección de vitalidad indescriptible al seno de la familia, y desde su primera escena. Sufrirá algunos bajones de tensión a lo largo del metraje, propiciados por un guión que el propio Coppola admitió que hubiera necesitado más tiempo para pulir, pero sobre eso ya profundizaremos en su momento.

Por su parte Joey Zasa (un gran Joe Mategna, como casi siempre) también tiene una aparición imponente, interrumpiendo de forma grosera la canción entonada por Connie Corleone (una envejecida Talia Shire). Hará las veces de un gangster al antiguo estilo, mientras que Don Altobello (un formidable Eli Wallach de 75 años) es de ese estilo pero evolucionado y capaz de transformarse con los tiempos, como ya veremos.

Viejos conocidos

En el capítulo de viejos conocidos, la más importante, como no podía ser de otra manera, es la que más sufrió cuando Michael era un implacable commendatore, que en su primera secuencia con diálogo (ya la vimos en la misa) aparece reflejada sobre su propia foto con su ya ex-marido. Keaton, desde luego, es una actriz esencial en esta saga. Mientras sigue mirando la foto, Michael la saluda, y la reacción de ella no hubiera sido menos intensa si la hubiera saludado Lucifer. Cualquiera diría que quiere ofrecerle un trozo de pastel.

La razón de la presencia de Kay es apoyar al hijo de ambos, que quiere abandonar su carrera de derecho en favor de convertirse en cantante de ópera. Hay algo universal en ese padre que quiere que su hijo acabe una carrera mientras que este, un idealista, quiere otra cosa para su futuro. Es un signo de la escasa fuerza familiar (casi una maldición) de Michael, ser incapaz de convencer a su hijo de no arruinar hipotéticamente su vida. Y es un signo de su cambio interior, de su pérdida de intensidad, el plano que Michael comparte con la pecera ¿no parece un plano irónico, pues veríamos al antiguo Michael romper esa pecera de un puñetazo ante la negativa, y el desprecio, de su hijo?

A fin de cuentas ¿no le dijo No a su padre Michel cuando no quería saber nada de sus negocios y se alistó en el ejército? A continuación tiene lugar un magnífico diálogo entre Michael y Kay. Algo así como un ajuste de cuentas después de tanto tiempo. Michael, una vez más, se enfrenta a la tragedia de su vida cuando le asegura a Kay que hizo lo que pudo para protegerlos (a su familia) de los horrores del mundo, a lo que Kay responde que él se convirtió en su horror.

Ya desde estos primeros minutos observamos que la película va a profundizar entre las dos variaciones: lo personal y lo profesional, por llamarlo de alguna manera. Porque no todo van a ser, como podremos ver en el siguiente episodio, temas personales.

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'Somewhere', Sofía Coppola dirige a Stephen Dorff

Alberto Abuín — Wed, 06 May 2009 16:56:28 +0000

Sofía Coppola ya está preparando una nueva película. La directora, que ha conseguido que hablen de ella por haber dirigido sólo tres películas, por su aparición en ‘El padrino, parte III’ (por la que recibió verdaderos palos críticos que le llevaron a cuestionarse su futuro como actriz), más que por ser hija de Francis Ford Coppola, se pondrá en breve a filmar en el hotel Chateau Mermont de Los Angeles una historia que versa sobre un famoso actor que lleva una vida desenfrenada en el mencionado hotel, hasta que recibe la visita de su hija de 11 años, por lo que tendrá que empezar a poner orden en su vida.

‘Somewhere’ es el título de la película, que está protagonizada en sus principales papeles por Stephen Dorff y Elle Fanning. Evidentemente, Dorff dará vida al problemático actor, y Fanning a su hija. Por supuesto, la señorita Coppola ha escrito también el guión de la película, que por su premisa me suena más a típica comedia tonta norteamericana que al típico trabajo realizado por alguien que ha sido capaz de hacer ‘Las vírgenes suicidas’, ‘Lost in Translation’ y ‘María Antonieta’. Ésta última aún no he tenido oportunidad de verla, porque con las otras dos me cansó bastante.

Vía | Variety

Estrenos en DVD de la semana | 30 de abril

Beatriz Maldivia — Sun, 29 Apr 2007 21:21:56 +0000

‘Saw 3’

Sobre ella se pueden ver varios trailers, pósters y diversas críticas en este enlace. No puedo opinar personalmente, pues no la he visto, ya que la primera me pareció curiosa y la segunda me dio la sensación de que bajaba mucho. Pero quizá ahora que aparece en alquiler en DVD sí me anime, ya es un producto muy de reproductor casero.

Con su nueva aprendiz Amanda (Shawnee Smith), Jigsaw (Tobin Bell), el marionetista responsable de los crueles e intrincados juegos que han aterrorizado a toda una comunidad y han desconcertado a la policía, vuelve a eludir su captura. Mientras que los detectives de la ciudad se vuelven locos intentando encontrarle, la doctora Lynn Denlon (Bahar Soomekh) y Jeff (Angus Macfadyen) no son conscientes de que están a punto de convertirse en los últimos títeres de su despiadado tablero de ajedrez.

‘María Antonieta’

Esta semana, se podrá comenzar a alquilar el film de Sofía Coppola, protagonizado por Kirsten Dunst. Chico Viejo la describió como la historia más aburrida jamás contada. Yo ya di mi opinión sobre la directora, aunque no sobre la película porque no la he visto, cuando anuncié que en el Festival de Cannes había tenido una paupérrima acogida. Aunque la estética de la película sí logró el aplauso de buena parte de los asistentes, la han considerado insuficiente para sostener las dos horas de proyección del filme, calificado de “frívolo”. El guión y la poca profundidad histórica del argumento han sido las dos faltas más repetidas.

María Antonieta (Kirsten Dunst) es un simple peón en un matrimonio concertado para solidificar la armonía entre dos naciones. Su esposo adolescente, Luis (Jason Schwartzman), es el delfín, el heredero al trono de Francia. Pero María Antonieta no está preparada para ser el tipo de regente que espera el pueblo francés. Bajo todo su lujo, ella es una joven protegida, asustada y confundida, rodeada de pérfidos detractores, falsos aduladores, titiriteros y chismosos. Atrapada por las convenciones de su condición en la vida, María Antonieta debe encontrar la forma de encajar en el mundo complejo y traicionero de Versalles.

‘Grease’ (1978)

No olvidemos que el domingo será el día de la madre. El pack ‘Grease’ – Edición Rockera (Chaqueta Rosa) (2 discos) quizá sea un buen regalo para las madres rockers y nostálgicas.

¿Quién no conoce ‘Grease’? Es un film de 1978, dirigido por Randal Kleiser y protagonizado por John Travolta y Olivia Newton-John.

‘Tobruk’ (1967)

Arthur Hiller dirige a Rock Hudson y George Peppard a través de la travesía por Egipto de los Afrika Korps que comandaba Erwin Rommel. Una unidad británica especial, que está compuesta de judíos alemanes que luchan en ese ejército a su pesar secuestra a un oficial canadiense.

‘Navidades en Julio’ (1940)

Esta comedia romántica de Preston Sturges se rodó en 1940 y está protagonizada por Dick Powell, Ellen Drew, Raymond Walburn, Alexander Carr, William Demarest, Ernest Truex, Franklin Pangborn, Harry Hayden, Rod Cameron.

Jimmy McDonald, empleado de la Compañía Cafetera Baxter, se niega a casarse con su novia, Betty Casey, hasta que no haya prosperado. Para ver cumplido su sueño, Jimmy, al que le encanta participar en concursos, envía un lema al concurso de la Compañía Cafetera Maxford. Tres de sus amigos deciden gastarle una broma y le mandan un telegrama diciéndole que ha ganado los 25.000 dólares del primer premio. Jimmy, Betty y toda la oficina empiezan a celebrarlo. El señor Baxter piensa que las ideas de Jimmy deben ser buenas y le asciende al departamento de publicidad. Pero aparece el señor Maxford y denuncia a Jimmy…

Aparecerá a la venta dentro de la colección Comedia de Oro.

‘Lo mejor y lo peor de la ciencia ficción de los años 50’

L’Atelier 13 está ediando una serie de películas encuadradas en esta denominación. La edición es muy limitada en digipack Deluxe, con extras y libretos ilustrados y documentados. Esta semana le toca el turno a:

‘The Last Woman on Earth’ (1960)

Roger Corman hizo una serie de cálculos: “tengo algo de calderilla en los bolsillos, me ofrecen una impresionante deducción de impuestos si ruedo en Puerto Rico…”. Añádasele a esos razonamientos tan artísticos lo barato que es ambientar postapocalípticamente una película (léase: los dos únicos decorados son una casa y un desierto, aparte del cutre primer acto), pagar sólo a tres actores (los supervivientes de un holocausto que no vemos porque se produce mientras los protagonistas están buceando) y pagar aún menos a un guionista primerizo para que le dé “profundidad psicológica” a la película y el resultado es “La última mujer sobre la tierra”. Desde luego, no es la mejor producción de Corman, pero habrá algunos para quienes su encanto trash será más que suficiente.

Aquí podéis verla entera o descargarla en calidad DVD . Cuánto tiempo seréis capaces de aguantar, eso ya es cuestión de cada uno. Eso sí, mi admiración hacia Corman por poner en pie cualquier cosa por el mínimo dinero y sacándole siempre un rendimento económico permanece intacta.

Su potada maravillosamente kitch reproducimos en la cabecera de esta entrada.

‘Tobor the Great’ (1954)

Dirigida por Lee Sholem, cuenta cómo el Dr. Harrison y el Profesor Nordstrom diseñan al robot Tobor para viajar en el espacio. En la conferencia de prensa en la que presentan su invento se ha colado un espía. Temen que la información sobre el robot llegue a las manos equivocadas.

‘The Man from Planet X’ (1951)

De Edgar G. Ulmer. El profesor Elliot monta un observatorio en las montañas de Escocia para conocer la trayectoria de un planeta que podría cochar con la tierra.

‘Teenagers from Outer Space’ (1959)

Tom Graeff dirige esta película en la que los marcianos invaden la tierra para criar en ella a una especie de langostas gigantes. El protagonista se da cuenta de que en la tierra hay vida inteligente y trata de avisar, pero tendrá que sacrificar su propia vida en el intento.

El título: adolescentes del espacio exterior, y su portada también son dignos de película de culto.

Fuente: Zona DVD , IMDB y otros.

Estrenos de la semana | 3 y 5 de enero

Beatriz Maldivia — Wed, 03 Jan 2007 11:56:51 +0000

Aunque los días 4 y 5 no sean fiesta, de nuevo nos encontramos ante una de ésas semanas en las que varios estrenos se adelantan al miércoles. Por lo tanto, me adelanto yo también para que nada os pille inadvertidos.

El estreno principal sería ‘Banderas de nuestros padres’, de Clint Eastwood, que llega hoy.

Intérpretes: Ryan Phillippe (John ‘Doc’ Bradley), Jesse Bradford (Rene Gagnon), Adam Beach (Ira Hayes).

Guión: William Broyles Jr. y Paul Haggis; basado en el libro de James Bradley y Ron Powers

Sinopsis: La que podemos ver sobre estas líneas es la imagen más indeleble de la Guerra del Pacífico. Reproducida en cientos de publicaciones y erigida en forma de escultura, representa el heroísmo de los soldados estadounidenses. Para aprovechar la ola de sentimiento que la foto inspira, los “izadores de la bandera” son sacados del combate y enviados a casa para continuar sirviendo a su país, no en el campo de batalla, sino entre multitud de fervorosas masas reunidas para estar cerca de “verdaderos héroes” y extender unos talones extremadamente necesarios para financiar el esfuerzo bélico. Pero en su interior sienten que, al igual que sus amigos y hermanos caídos en combate, una parte de sus almas nunca abandonará las negras arenas de Iwo Jima.

Sobre la película: Me pareció bastante peor que a mi compañero Red, que es un gran seguidor de este director, como su propio seudónimo indica. Aquí podéis leer mi crítica y aquí la suya. Os damos una de cal y otra de arena.

‘Lemming’

El 5 de enero, pero con muchísimo retraso, nos llega ‘Lemming’, que se presentó en Cannes en el 2005 . El director es Dominik Moll, autor de una de mis películas favoritas: ‘Harry, un amigo que os quiere’. Con este dato y también por alguno de los actores, no me la perderé.

Interpretación: Laurent Lucas, Charlotte Gainsbourg, Charlotte Rampling, André Dussollier

Sinopsis: Alain Getty (Laurent Lucas), un joven y brillante ingeniero, y su mujer Bénédicte (Charlotte Gainsbourg) se mudan a una nueva ciudad por un traslado en el trabajo de Alain. Una noche invitan al nuevo jefe de Alain (André Dussollier) y a su mujer (Charlotte Rampling) a cenar. La diferencia entre las dos parejas no puede ser mayor: por una parte la joven y modélica pareja; y por otro, dos personas corroídas por el odio y el resentimiento. Esta desastrosa cena y el descubrimiento de una misteriosa muerte en su desagüe marcan el descenso al caos de su vida perfecta.

‘María Antonieta’

Dirección: Sofia Coppola.

Intérpretes: Kirsten Dunst (María Antonieta), Jason Schwartzman (Luis XVI), Rip Torn (Luis XV), Judy Davis (condesa de Noailles), Asia Argento (madame Du Barry), Marianne Faithfull.

Sinopsis: María Antonieta (Kirsten Dunst) es un simple peón en un matrimonio concertado para solidificar la armonía entre dos naciones. Su esposo adolescente, Luis (Jason Schwartzman), el Delfín, es el heredero al trono de Francia. Pero María Antonieta no está preparada para ser el tipo de regente que espera el pueblo francés. Bajo todo su lujo, ella es una joven protegida, asustada y confundida, rodeada de pérfidos detractores, falsos aduladores, titiriteros y chismosos. Atrapada por las convenciones de su condición en la vida, María Antonieta debe encontrar la forma de encajar en el mundo complejo y traicionero de Versalles.

A priori: En Cannes no tuvo buena acogida y yo ya levanté polémica cuando, aprovechando que daba esa noticia, dije que Sofía Coppola no me parecía buena directora, así que no añado nada más. Los que sí queráis verla, tendréis que esperar al día 5. Mientras tanto, aquí tenéis un trailer.

‘Hollywoodland’

Dirección: Allen Coulter.

Reparto: Adrien Brody, Ben Affleck, Diane Lane, Bob Hoskins.

Sinopsis: La película, inspirada en un caso real y tristemente célebre de Hollywood, nos sitúa en 1950, cuando un detective privado (Adrien Brody), mientras investiga la desaparición de la estrella de la serie televisiva “Superman”, George Reeves (Ben Affleck), descubre inesperadas conexiones con su propia vida que van haciendo al caso cada vez más personal. La tórrida relación que Reeves tuvo con la mujer (Diane Lane) de un ejecutivo de un estudio (Bob Hoskins) puede ser la clave para descubrir la verdad.

A priori: Si no contamos a Ben Affleck, el reparto promete, aunque es a él a quien le han dado la Copa Volpi por esta película. Podéis leer aquí una crítica de Red Stovall.

También se estrena hoy, 3 de enero. En Blogdecine podéis ver el trailer y el póster.

‘Un vecino con pocas luces’ (‘Deck the Halls’, 2006)

Dirección: John Whitesell.

Interpretación: Danny DeVito y Matthew Broderick.

Sinopsis: Para Steve Finch (Matthew Broderick), ninguna época del año se puede comparar al regocijo de la temporada navideña. Y durante muchos años, ha mantenido una serie de tradiciones que su familia –su mujer Kelly (Kristin Davis), su hija Madison (Alia Shawkat) y su hijo Carter (Dylan Blue)– apenas pueden soportar. A pesar de las continuas protestas de su familia, el organizado Steve tiene un calendario del mes de diciembre repleto de actividades; desde hacer la foto de los Finch para la felicitación navideña al ritual plantado del árbol, pasando por la noche de villancicos por el barrio. Pero la felicidad navideña de Steve se ve de repente empañada cuando Buddy Hall (Danny DeVito), un escurridizo vendedor de coches, se traslada a vivir justo a su lado.

Tiene pinta de: la típica patochada navideña que llega ya para Reyes. Allá vosotros.

Mala acogida de ‘María Antonieta’, de Sofía Coppola, en Cannes

Beatriz Maldivia — Wed, 24 May 2006 12:34:06 +0000

Como ya nos comentó Teresa, hace más de un año Sofía Coppola fraguaba la adaptación de la novela de Antonia Fraser, ‘Marie Antoinette – The Journey’, que sigue el recorrido de la princesa austríaca que se convirtió en reina de Francia, símbolo de la decadencia del siglo XVIII y cuya cabeza fue cortada durante la Revolución Francesa. Ahora, la película, considerada como el máximo rival ‘Volver’, de Almodóvar a la Palma de Oro ha sido presentada en el Festival de Cine de Cannes 2006, donde ha sido acogida por la prensa entre abucheos y escasos aplausos. Reacción incluso más ruidosa que la que siguió a ‘El Código Da Vinci’, vapuleada por la crítica. Aunque la estética de la película sí ha logrado el aplauso de buena parte de los asistentes, la han considerado insuficiente para sostener las dos horas de proyección del filme, calificado de “frívolo”. El guión y la poca profundidad histórica del argumento han sido las dos faltas más repetidas.

No me resulta extraño tratándose de una directora tan cultureta, cool y estetizante como la hija de Francis Ford Coppola, director que también estaba presente en la sala cuando Sofía recibía los abucheos. Sus anteriores filmes, ‘Las vírgenes suicidas’ y ‘Lost in translation’, son insufribles colecciones de postalitas, sin ninguna alma ni ninguna historia que transmitir. Si a todo ello se suma el protagonismo de la actriz de ojos guiñados y belleza discutible, Kirsten Dunst, sorprende poco que el resultado sea vacío.

Coppola decidió limitar el drama, más bien ligero, a la temporada frívola que María Antonieta pasó en Versalles, y evitar mostrar mucho de la revolución. Esto es lo que ha dejado tan descontentos a los franceses, que sienten que la historia está mal contada. La directora respondió que no le parecía que fuera su papel hacer declaraciones políticas. “Creo que hay elementos del argumento sobre cómo la gente de la Corte de Versalles desconocía el mundo exterior que son relevantes hoy en día, pero no voy a llegar tan lejos como para hablar de ese tema”.

Al parecer, el verdadero valor de la película está en la banda sonora, que incluye a grupos como The Strokes, The Cure, Phoenix, New Order y Siouxie And The Banshees. La cantante Marianne Faithfull interpreta a la madre de María Antonieta.