¿Quién es Johnny Marco?

Casi un año después de pasar por los cines de varios países europeos (puede comprarse por menos de 7 euros en Amazon), el pasado viernes se estrenó estrenó en España ‘Somewhere’, la cuarta película de Sofia Coppola, galardonada con el León de Oro del Festival de Venecia 2010. Debió ser una edición mediocre la del año pasado si éste era el mejor trabajo que competía en la sección oficial, o quizá el jurado (presidido por Quentin Tarantino) quiso ir de especial y de compasivo apoyando el cine más desvalido y endeble, que no destacara por sus propias virtudes, a fin de cuentas en la mayoría de las ocasiones participar o ganar en festivales no es más que publicidad, un empujón justo para llamar la atención (y una inyección de ruido y dinero para una ciudad). Teniendo en cuenta que se presentaron obras como la contundente ’13 asesinos’ o la cautivadora ‘Cisne negro’, y que Álex de la Iglesia fue premiado por el guion y la dirección de una película tan torpe como ‘Balada triste de trompeta’, me inclino más por la segunda teoría. Un disparate el palmarés de la Mostra 2010, en cualquier caso.

‘Somewhere’ gira en torno a Johnny Marco (Stephen Dorff), una estrella de Hollywood que lleva una vida de excesos en el famoso hotel Chateau Marmont de Los Angeles, con todo el dinero del mundo, las mujeres a sus pies y mucho tiempo libre para fiestas, sexo y borracheras. Y sin embargo, es un hombre solitario, aburrido, cansado, desorientado, apagado. Se diría que no le falta nada, que tiene acceso a todo, pero debajo de la superficie no hay nada, Johnny se siente vacío, un estado del que solo puede escapar cuando se entrega a distracciones que satisfacen sus impulsos a corto plazo. Pero se despierta al día siguiente y nada ha cambiado en su interior. Un día su ex, con la excusa de una crisis personal, le deja temporalmente al cuidado de la hija de ambos, la adolescente Cleo (Elle Fanning). La chica, prácticamente una desconocida para su padre, supondrá una inyección de luz, diversión y alegría en la gris existencia de Johnny, y éste comenzará a plantearse realmente qué está haciendo y a dónde quiere ir.

Puede que el punto de partida anime a mucha gente a ir a ver ‘Somewhere’, seguramente buscando algo parecido a lo que ofrece Tom Hanks con su ‘Larry Crowne’, pero conviene destacar que estamos ante una de esas historias en las que, como suele decirse, “no pasa nada”. Ya sabéis, personajes inexpresivos, miradas al infinito, tomas estáticas que duran más de lo habitual, escenas cotidianas, pocos y simples diálogos, comportamientos que no parecen tener ninguna lógica, situaciones repetidas, silencios… Es una película de esa clase. Coppola no está interesada en una narrativa convencional, en tener entretenido al espectador o contar una de esas típicas historias de redención barata, todo eso le da igual, lo que pretende es crear ambiente y plasmar, con lo mínimo, ese insustancial y monótono día a día del protagonista, atrapado en una existencia sin rumbo. De hecho, la película empieza con una metáfora muy simplona que viene a decirnos tal cosa, una escena en la que vemos a Johnny dar vueltas con su Ferrari, pasando varias veces por delante de la cámara, como si estuviera en un pequeño circuito cerrado.

Es mucho más interesante la relación que se establece entre la profesión y la vida que tiene Johnny, dando lugar a la potente imagen que encabeza esta crítica. No soy yo nadie para decirle a Sofia Coppola qué tendría que haber hecho con su película, pero si me hubiera consultado (todos pensamos que los demás necesitan nuestros consejos, ¿cierto?), le habría instado a seguir por ese camino, por explotar cómo se altera y se degrada la vida del protagonista al seguir el juego de la industria y los medios. Aunque ha declarado que no se trata de una película autobiográfica (parece obvio, su padre no tiene pinta de parecerse mucho al padre de Cleo), la directora tira de experiencias personales para crear esta burbuja en la que queda atrapado el protagonista, acomodado en un mítico “castillo” (símbolo de privilegio y estancamiento). ‘Somewhere’ funciona mostrando la abismal diferencia que hay entre la máscara pública y la verdadera esencia de este hombre, que no tiene nada de especial. Pero lo han elegido, es famoso, admirado y deseado. Una moda, una farsa. La sesión de fotos, la rueda de prensa, la ceremonia de premios, sus relaciones con las mujeres… una rueda de acontecimientos que han perdido valor y sentido para el protagonista.

La soledad, el vacío existencial del personaje se traza con crudeza y precisión, pero Coppola cae en el error de subrayarlo. Se podía haber plasmado lo mismo en mucho menos tiempo, sin recurrir a situaciones que inciden en las mismas ideas (¿eran necesarias todas las partidas en la Wii o la de ping-pong?) ni tanta parsimonia mostrando algo que no requiere más que un vistazo, sin que aporten nada todos esos segundos de más que dura el plano; la escena de Johnny y Cleo tomando el sol mientras la cámara se aleja está exagerada gratuitamente (si se quería reflejar la paz de ambos bastaba con ese momento en el que oyen juntos una canción). ‘Lost in Translation’ también hablaba de la soledad, el hastío y la desorientación, y también iba de un triste actor que comparte unos días con una chica joven (el interés no es el mismo, pero el efecto es similar), y también era “lenta”, la cámara se quedaba embobada con los actores sin que éstos hicieran nada especial, pero había frescura, sugerencia e ideas por explotar, los personajes tenían mucho que decir aunque no dijeran nada. Eran retazos de algo grande, y queríamos ver más. Aquí hay poco y uno se cansa de mirar.

No comparto en absoluto la fascinación que sienten algunos (unos de verdad, otros por aparentar) hacia los tiempos muertos en el cine, creo que un cineasta tiene la obligación de aportar algo con cada instante, que cada plano debe importar, porque lo más fácil es enfocar algo y dejarlo ahí, y que el espectador mire y entienda lo que le dé la gana, haya algo qué mirar o no; no veo qué mérito tiene hacer algo que puede hacer cualquiera. Eso sí, los actores salen beneficiados de la manera en la que trabaja Coppola, dejando escenas de mínimo contenido tanto tiempo, pues tienen el lujo de poder vivir relajada y naturalmente la ficción, de dejarse llevar, sin decir o hacer nada que no sientan que sale de dentro. Stephen Dorff se ve muy cómodo con el personaje de Johnny Marco, y lo hace suyo sin esfuerzo aparente. Elle Fanning confirma que es una de las actrices más valiosas y prometedoras del momento, está perfecta y tiene una escena maravillosa en la que cuesta no emocionarse; tiene algo especial esta chica, es capaz de coger una escena de lo más corriente y hacerla brillar. Por lo demás, cabe destacar la breve participación de Michelle Monaghan, Alden Ehrenreich (el joven protagonista de ‘Tetro’) y Benicio del Toro, que apenas tiene un cameo de unos segundos.

Recientemente, con la aparición y publicación del tráiler Red Band de ‘Conan el bárbaro 3D’ (‘Conan the Barbarian’, Marcus Nispel, 2011), que por cierto es cien veces mejor que el que se verá en cines, he escuchado y leído algunas voces que claman contra el empleo de una música, “a priori”, incongruente para acompañar sus imágenes. Concretamente por el tema rockero que escuchamos en ese tráiler, aunque si por mí fuera, pondría a Metallica, a Black Sabbath o incluso a Manowar. El caso es que esto me ha recordado a esa controversia, a mi juicio absolutamente disparatada, que consistió en despreciar la elección musical de Sofia Coppola para los temas de su ‘María Antonieta’ (‘Marie Antoinette’, 2006), por considerarlos fuera de lugar, caprichosos y propios de una directora que no se tomaba en serio su trabajo, o que simplemente se reía de la historia, a la hora de acercarse a uno de los mitos de la realeza europea del siglo XVIII.

¿Cómo se atrevía esta cineasta, recientemente sacralizada por la célebre ‘Lost in Translation’ (id, 2003), a no emplear música sinfónica, un score original, previsiblemente orquestal, para esta película? No todas las voces fueron en contra, afortunadamente, ni siquiera en el Festival de Cannes en el cual se dio a conocer al mundo, pero este tema daría para un interesante debate (quizás, en un futuro artículo) pues el purismo (y yo no soy purista) no conduce más que a la repetición de formas artesanales hasta convertirlas en fórmulas, y al aburrimiento y a la falta de estímulo creativo. Sin considerar a ‘María Antonieta’ gran cine, porque quizá ni siquiera lo pretende, sí me parece más que acertada su inclusión de temas de, entre otros, The Strokes, New Order, The Cure, Siouxsie and the Banshees… Y visto como está el patio de prejuicios puestos a secar, hasta me parece una muestra de gran valentía mezclarlos con música barroca.

Ya los títulos de crédito no engañan a nadie: vamos a asistir a una personal representación de una época, de un espíritu y de una sociedad (siempre en off…) muy concretas, pero por esos créditos, y esa música, uno pensaría que está a punto de comenzar una tragicomedia juvenil. Y eso es lo que ‘Maria Antonieta’ finalmente es. Para bien o para mal, o ambas cosas. Quizá merece la pena, más que proponer un viaje artificial a un pasado con el que, quizá, ya nada nos una, emplear ese pasado como reflejo del presente, y narrar de forma que puedan establecerse vínculos entre los hombres y mujeres de aquella época y los de la nuestra. Como una parábola, Marie Antoinette, proveniente de la mucho más liberal corte austro-húngara, ingresa en la encorsetada (nunca mejor dicho) y tradicionalista corte francesa, a su matrimonio con Luis XVI, y una vez allí lucha durante años por encontrar su verdadera identidad (el tema principal, seguramente, de la carrera de Sofía Coppola, quien también se encontrará, me temo, siempre buscando su verdadera identidad bajo la sombra gigantesca del genio de su padre) aunque eso suponga sufrir de todos los prejuicios e incomprensiones y finalmente ser ejecutada.

Vivir al límite

Por eso Coppola describe a su heroína como una muchacha de buen corazón, aunque frívola y entregada a todos los placeres que sólo la realeza puede ofrecer. No la juzga, sino que la sigue y la comprende, aunque quizá no comparta del todo sus puntos de vista (y tan absurdo es despreciar su elección musical como pretender establecer un paralelismo entre la reina consorte y la propia cineasta…algo que hicieron no pocos analistas), salpicando sus vivencias con trallazos del más puro humor negro (la noche de bodas, rodeados los recién casados por toda la corte; el protocolo a la hora de vestir a la reina, o de darle de comer, ante todo lo cual ella se muestra rebelde e inconformista), con zarpazos de vitalidad pura (las fiestas salvajes que se corre con sus amigos a la luz de la luna) y hasta con motivos románticos (su encuentro con el conde sueco Hans Axel de Fersen, sus jornadas en su casa de campo rodeada de la naturaleza más bucólica). Pero ante todo se impone una visión hedonista y libre de la vida. Se protestó por la ausencia de crítica explícita a la realeza y a la gestión de María Antonieta durante la Revolución Francesa, pero yo sí encuentro una crítica a tanto derroche y tanto lujo, si bien lo bastante sutil como para que muchos se quedaran en lo superficial.

Maria Antonieta habría sido guillotinada por extranjera y por todo lo que significaba la realeza, aunque hubiera sido una reina magnífica, cosa que no fue. Coppola se permite la inclusión de la famosa frase, muy probablemente apócrifa, de “¿tienen hambre? que coman pasteles”, como expresión de la capacidad del pueblo para malinterpretar y juzgar a sus odiados gobernantes, y no tiene el menor reparo en terminar su relato no a la muerte de su heroína, sino a su salida del Palacio de Versalles, su Arcadia particular. Por cierto que el equipo de producción dispuso de acceso sin precedentes al palacio, lo que unido a una gran reconstrucción de época, da lugar a una inmersión total en una forma de vida ya desaparecida que ahonda en lo decadente y en lo vacío como única expresión de vida, casi una burbuja al margen de la sociedad, siempre en off, que les detesta y que al poco les aniquilará, casi como dioses en el Olimpo, que serán expulsados de él. Y lo narra todo con energía adolescente, con extremo conocimiento de protocolos y sistemas internos de la corte, pero con una cámara fluida y dinámica, muy poco académica, que logra capturar instantes de gran belleza y otros de gran diversión.

Creo que Kirsten Dunst, que cada día es una muchacha más fotogénica, está magnífica como María Antonieta, pero el resto del reparto brilla a igual altura, casi sin excepciones. Aunque, sin duda, un protagonista más es el diseño de vestuario, soberbio, obra de Milena Canonero (que no en vano se ocuparía del mismo departamento en ‘Barry Lyndon’ (id, Stanley Kubrick, 1975), que ofrece un colorido, un buen gusto y un esfuerzo titánico de composición, justamente galardonado con un Oscar. La fotografía del habitual en Coppola Lance Acord, raya también a gran altura, obteniendo magníficos contrastes entre los gélidos interiores de Versalles y los fastuosos exteriores, de una luz y una vitalidad sorprendentes. Las canciones pop y la música barroca refuerzan esa vitalidad, y refuerzan la pasión de Coppola por narrar lo que nos narra, con la frescura conque lo narra.

Conclusión

Una más que interesante película, que recibió a su estreno algunos ataques bajo mi punto de vista totalmente inmerecidos, y que merece mucho la pena verla más de una vez. Dentro de poco hablaremos de una que incide, como esta, en lo decadente como forma de libetad, aunque mucho más incisiva y lúcida, y que aún recibió menos atención a la hora de su estreno. De momento quedémonos con la vitalidad de ‘María Antonieta’, y con el coraje de una directora que se niega a contar lo mismo de siempre con las técnicas y el estilo de antaño.

En Blogdecine

• ‘María Antonieta’, la historia más aburrida jamás contada (por Juan Luis Caviaro)

Todavía no hemos podido ver en España su último trabajo, ‘Somewhere’, con Stephen Dorff y Elle Fanning, pero me alegra saber que Sofia Coppola tiene ya un nuevo proyecto entre manos. No es que me entusiasme la filmografía de la realizadora, pero alguien que construyó ‘Lost in Translation’ merece todo mi respeto y mi interés. Lo que se sabe por el momento de la que será su quinta película es que se titula ‘Secret Door’ (‘Puerta secreta’) y que su reparto estará encabezado por Kirsten Dunst, siendo ésta la tercera ocasión en la que la actriz colabore con Coppola, tras protagonizar ‘Las vírgenes suicidas’ (‘The Virgin Suicides’) y ‘María Antonieta’ (‘Marie Antoinette’).

Según un comunicado de la American Zoetrope, compañía de Francis Ford Coppola, que se encargará de la producción de ‘Secret Door’, Sofia no ha terminado de trabajar en el guion (suena a un padre impidiendo que su hija salga de parranda), así que por ahora no hay fecha para el inicio del rodaje. Apenas se sabe nada de la trama, solo que estará ambientada en el París de los años 40 y que se centrará en una joven actriz llamada Luna. Personalmente, me basta con eso, no entiendo la necesidad que tiene la gente de saber los argumentos de las películas que van a ver (descubriendo detalles que habría sido mejor reservar para la pantalla) como si fuese lo más relevante. Con el nombre del director ya tienes información más que suficiente. Bueno, y la duración, que a veces es fundamental.

Actualización: ThePlaylist ha desvelado que el proyecto es falso. Mis disculpas a los lectores de Blogdecine. Parece que Empire tampoco es de fiar.

PD: Lo último de Dunst es ‘Melancholia’, de Lars Von Trier.

Vía | Empire

Como venimos contando desde su inauguración, la edición número 67 de la Mostra de Venecia estaba mostrando unos pocos favoritos pero sin que ningún título destacara de forma clara. Al final, ‘Somewhere’, el nuevo trabajo en la dirección de Sofía Coppola, que había gustado mucho y se postulaba como candidata, se ha llevado el León de Oro a la mejor película. Y con ello, el jurado presidido por Quentin Tarantino parece contentar a casi todos, puesto que no ejercita la habitual sorpresa para estupor de público y crítica, sino que apuesta por un título que se barajaba como uno de los que más posibilidades poseía.

Pero la noticia más destacada, quizás por el riesgo que conllevaba y que muchos no confiaban en que el jurado fuese capaz de mojarse es el León de Plata a la mejor dirección para Álex de la Iglesia por su original y desconcertante ‘Balada triste de trompeta’. Pero no se quedó ahí, sino que además el realizador español recogió otro premio, el Osella al mejor guión, convirtiendo su trabajo en uno de los más valorados y comienza con gran pie su trayectoria internacional.

El palmarés se ha reservado alguna sorpresa, que para eso es un festival de relumbrón y siempre se da cabida a ello, y es la Copa Volpi a la mejor actriz que ha recaído en Ariane Labed por ‘Attenberg’, así que Natalie Portman se quedó sin su merecido y vaticinado premio. El mejor actor, como se presagiaba, ha sido para Vincent Gallo por su excelente interpretación en ‘Essential Killing’, de Jerzy Skolimowski, título que además se lleva el Gran Premio del Jurado. Lo más destacado del palmarés se completa con el León de Oro especial es para el veterano Monte Hellman, la mejor contribución técnica es para la fotografía de ‘Silent Souls’ y el Premio Marcello Mastrionanni a la revelación es para Mila Kunis por ‘Black Swan’.

Así se cierra una nueva edición en Venecia en el que el cine español que llegaba con escasa participación ha triunfado de la mano de Álex de la Iglesia.

Sitio oficial | Biennale
Foto | Image.net
En Blogdecine | Venecia 2010

La jornada de ayer en la 67ª Mostra de Venecia tuvo al mal tiempo como protagonista ingrato, pero a pesar de la abundante lluvia, el cine siguió tomando el protagonismo. Como debe ser. Y así podemos señalar que el nuevo trabajo de Sofía Coppola, de título ‘Somewhere’, consiguió gustar y mucho y con ello parece retomar el talento que lleva por sus venas.

‘Somewhere’ es la historia de una estrella de Hollywood, protagonizada por Stephen Dorff, que nunca ha sido precisamente una estrella de relumbrón (ni un actor refinado), que vive en el famosos hotel Chateau Marmont de Los Ángeles. Su vida, hasta entonces repleta de placeres propios de la fama, cambia de forma radical cuando recibe la visita de su hija de once años (interpretada por una sorprendente Elle Fanning).

La crítica ha celebrado el regreso de la cineasta, incluso calificándola de su mejor película. Algo que nos congratula y mucho, puesto que ‘Lost in Translation’ demostró que ha heredado una buena dosis del talento paterno. Y parece que ya se coloca en las quinielas para el León de Oro con este largometraje intimista, con pocos diálogos, muchos silencios, excelente fotografía y con un argumento que maneja con acierto la soledad de los que lo tienen todo.

El otro título destacado de la jornada de ayer y que también entraba en competición fue ‘Happy Few’ de Antony Cordier. Una película que fue acogida tibiamente y eso que contiene algunas escenas que elevaron la temperatura del festival. Cuatro protagonistas que forman un retrato sexual y amoroso, de intercambios liberales, que sin embargo es filmado con un exceso de preciosismo estético y musical, a pesar de contener una reflexión sobre la madurez sentimental y sexual, la posesión y los celos. Al final parece que ha dado más que hablar por alguna escena tórrida que por el resultado global.

Por último, no podíamos obviar que el director John Woo fue homenajeado y recogió el León de Oro por su carrera. Y además, aprovechó para presentar su último trabajo, de título ‘Reign of assassins’, una película curiosa y entretenida. Por supuesto, él se mostró muy feliz. Y los amantes del cine de acción también.

Vía | La Biennale di Venezia
Fotos | image.net

En Blogdecine:

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• Venecia 2010 | 2 de septiembre | Abucheos para Schnabel y frialdad ante la adaptación de ‘Tokio Blues’

Uno de los grandes iconos del cine de autor moderno, Sofia Coppola, ya tiene lista su nueva película, la cuarta después ‘Las vírgenes suicidas’ (1999), ‘Lost in Translation’ (2003) y ‘Maria Antonieta’ (2006). Su último trabajo se titula ‘Somewhere’ y ya tiene un cartel, en el que destaca un lujoso hotel (el Chateau Mermont, en Los Angeles) y los nombres de los dos protagonistas, Stephen Dorff y Elle Fanning. Sin duda, será interesante ver a Dorff en un film de la Coppola, donde no creo que haya sitio para mucha acción. Benicio del Toro, Michelle Monaghan y Alden Ehrenreich (‘Tetro’), entre otros, también intervienen en el film.

El guión original de ‘Somewhere’ (‘En alguna parte’) lo ha escrito la propia Sofia Coppola y gira en torno a un problemático actor de Hollywood que desperdicia sus días en un hotel, hasta que recibe la visita sorpresa de su hija de once años y empieza a replantearse su vida. Puede salir cualquier cosa, personalmente espero que se parezca a la fascinante ‘Lost in Translation’, y no a los otros dos largometrajes que ha filmado la directora, que me parecen bastante vacíos y aburridos. Por el momento no hay fecha de estreno para nuestro país, pero en EE.UU. la podrán ver a partir del próximo 22 de diciembre.

Actualización: Ya ha salido también el tráiler. Echad un vistazo:

PD: De su padre no se dice nada después de ‘Tetro’. A ver si alguien le pasa el DVD de ‘Un profeta’ y se anima a hacer una obra maestra.

Vía | Impawards

Cuando uno cree que no le pueden sorprender más con las noticias sobre este maravilloso arte, llegan los de Summit y proclaman a los cuatro vientos sus intenciones con respecto a quién dirigirá la cuarta entrega de ‘Crepúsculo’ (‘Twilight’, Catherine Hardwicke, 2008) que lleva por título ‘The Twilight Saga: Breaking Dawn’. La cosa está entre tres realizadores de lo más peculiar: Sofia Coppola, Gus Van Sant y Bill Condon. Está claro que quieren terminar la saga por todo lo alto poniendo tras las cámaras a uno de esos directores que llevan escrito en la frente la palabra “autor”.

Si tuviera que decidirme por uno, evidentemente elegiría a Condon. Tiene experiencia dirigiendo films de terror —suya es la segunda entrega de ‘Candyman‘— y tras ‘Dioses y monstruos’ su carrera ha conservado cierto equilibrio. A los otros dos les tengo un miedo atroz. Van Sant ha demostrado más de una vez que sabe hacer excelentes películas —‘El indombale Will Hunting’ o ‘Drugstore Cowboy‘— pero cuando le da por cosas como ‘Gerry’ o ‘Last Days’, es para salir corriendo. Y la hija de Francis Ford Coppola es simple y llanamente la demostración palpable de que el talento no se hereda. Que nadie me salga con ‘Lost in Translation’ que me da la risa.

Como dicen en Las horas perdidas, hagan sus apuestas.

“Nunca volvamos aquí otra vez, porque nunca volverá a ser tan divertido”.

Charlotte

‘Lost in Translation’ es uno de esos raros títulos que dividen a los aficionados al cine; están los que lo odian y estamos los que lo adoramos. Y no es difícil averiguar el porqué. No es ésta una película asequible, de fácil consumo. Incluso, podría decirse que durante gran parte de su metraje no ocurre nada (al menos, nada concreto, visible). Sofia Coppola nos sumerge, a su manera, en el breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero; no saben quiénes son ni qué están haciendo, pero siguen adelante; la realizadora sitúa la cámara frente a estos personajes sin pedirles que hagan nada especial, para que los observemos y los comprendamos tal como son, en escenas íntimas, para que respiremos su mismo aire, sintamos su misma soledad y desorientación. Esto evidentemente es lo que molesta a sus detractores. Creen que falta más movimiento, más velocidad, una historia más definida, sin tanto espacio ni silencio. Pero precisamente ahí es donde reside su encanto.

Fui a ver ‘Lost in Translation’ cuando se estrenó, la volví a ver en DVD y más tarde en televisión; las tres veces me quedé con la misma sensación, y la disfruté del mismo modo, aunque las circunstancias del visionado no eran las mismas, ni yo tampoco. Hace una semana, pensando en una lista de las mejores películas que he visto en esta década, llegué a más o menos una veintena de títulos, y dudé sobre si incluir o no la película más popular de la hija de Francis Ford Coppola. Así que le quité el plástico a la edición metálica que compré unos meses atrás (a un precio ridículo) y volví a verla. De nuevo llegué a la misma conclusión; es una película de momentos, un conjunto débil que se mantiene en pie de forma increíble gracias a un puñado de grandes escenas aisladas.

Evidentemente, una de las imágenes de la película es la que os he puesto arriba, el trasero de Scarlett Johansson, que aquí interpreta a Charlotte, una chica norteamericana que pasa unos días en un Hotel, mientras su marido sale a trabajar. Con las deseadas nalgas de la joven estrella se inicia ‘Lost in Translation’ (2003); es el primer plano que vemos, y sobre él aparece el título, mientras la pantalla funde a negro. En off se oye una voz que nos da la bienvenida a Tokio. A continuación vemos las calles de la capital japonesa, iluminando la noche, a través de los cansados ojos de Bob Harris, un actor famoso que acaba de llegar desde Estados Unidos para rodar unos anuncios de televisión. Le da vida un genial Bill Murray.

Tras una serie de repetitivas postales, que no hacen más que recalcar lo sola que está Charlotte (Johansson nunca ha estado tan guapa, irresistible, como lo está aquí) y lo desubicado que está Bob, llegamos a la que es una de las escenas más recordadas de la película, el “momento Suntory”. La situación está bien escrita, pero sin Murray no sería ni la mitad de divertida, su reacción es fundamental. Más adelante tendremos una escena muy parecida, e igualmente desternillante, durante una sesión de fotos en la que el actor debe poner mil caras diferentes mientras se supone que bebe el whiskey que está anunciando. Esta parte podría resultar redundante, de no ser porque en ella asistimos de una forma más clara y rotunda al declive artístico del protagonista. Es cuando le vemos arrastrarse por dinero, respondiendo a las cada vez más absurdas peticiones del fotógrafo como si fuera un mono de circo.

Bob pasa por el aro porque simplemente se deja llevar, ha perdido la ilusión y necesita mantener su lujosa forma de vida. Pero Coppola nos presenta a una chica que es una atracción de feria por propia naturaleza, como si fuera un sueño hecho realidad. En otra de las mejores escenas de la película conocemos a Kelly, a quien encarna Anna Faris de forma tan perfecta que parece que realmente ella fuera así (cosa que no parece probable, lo mismo que el trato de Giovanni Ribisi con Johansson, a quien no besa nada más que para despedirse). La estupidez supina de la chica, que a mí no sé por qué me recuerda a Britney Spears, se pone aún más de manifiesto en un momento posterior, cuando están cenando en el restaurante del hotel y les explica que su padre es anoréxico, porque en Vietnam le envenenaban la comida. De nuevo, podría verse esta escena como algo repetitivo, innecesario, pero aparte de que la anécdota es memorable, sirve como preludio al primer encuentro entre Charlotte y Bob, que no la pierde de vista, desde la barra.

Aunque ya se han visto en el ascensor (ella dice que no se acuerda), por fin nuestros dos protagonistas se acercan y mantienen una primera conversación amistosa. Charlotte le pregunta qué hace en Tokio, y Bob responde sinceramente que ha viajado para ganar millones de dólares con un anuncio, en lugar de rodar alguna película; de pasada, nos da otra pincelada de su anodina vida privada, cuando confiesa haberse perdido el cumpleaños de su hijo. Durante la película, Bob mantiene contacto con su mujer a través del teléfono o del fax, gracias a lo cual entendemos que ella está más preocupada por el color de la moqueta (otro momento muy divertido) que de lo que siente su marido, que en todo caso intenta arreglar las cosas demasiado tarde (y de forma equivocada). Charlotte también habla por teléfono en una ocasión y el resultado es muy parecido, ya sea por la diferencia horaria o por cuestiones más personales, cuando cuelga se siente más sola aún, después de una intrascendente charla.

Charlotte y Bob ya se conocen, están aburridos, se caen bien y van a probar el sabor de la noche japonesa. En la larga secuencia que viene a continuación, y que consiste básicamente en ver cómo se divierten los dos protagonistas, se alternan momentos inspirados con otros más prescindibles, y estoy seguro que es la parte en la que muchos de sus detractores resoplan y niegan con la cabeza, deseando que se acabe la película cuanto antes. Es un tramo de equilibro delicado, que quizá dura demasiado, pero en todo caso es necesario, imprescindible, ya que por primera vez vemos a Charlotte y Bob felices, pasándoselo realmente bien. De aquí nos podríamos quedar con la famosa escena del karaoke, con una seductora Johansson y un (de nuevo) divertido Murray, pero personalmente me gusta más lo que sucede justo después, cuando Charlotte apoya la cabeza sobre el hombro de Bob, y se quedan en silencio, simplemente estando juntos.

Poco a poco, mirada a mirada, risa a risa, la joven Charlotte y el veterano Bob van intimando, se van conociendo y gustando, necesitando como el aire la compañía del otro. Hay una extraordinaria química entre los dos actores que se mantiene durante toda la película, haciendo posible que nos creamos su relación, que llega a la cima en la no menos famosa escena de la cama. Como explica Murray en uno de los extras del DVD, cuando los protagonistas de las películas llegan a la cama, suelen pasar dos cosas: sexo o discusión. Coppola no elige ninguno de los dos caminos y nos regala una conversación memorable entre los dos personajes, que desnudan su alma frente a la pantalla (la manera en la que Bob cuenta cómo es la paternidad parece tan verdadera que deja la piel de gallina). Al parecer, tardaron bastante en rodar el que es uno de los momentos más bellos de la película, coronado por esa leve caricia de Bob en el pie de Charlotte. La única vez que se quedan dormidos.

No podemos hablar de ‘Lost in Translation’ sin comentar el desenlace. La película acaba de forma coherente, sin concesiones, sin un happy end, del mismo modo que terminan otras preciosas e imposibles historias de amor narradas previamente en la pantalla (‘Breve encuentro’ de David Lean, ‘Los puentes de Madison’ de Clint Eastwood o ‘Deseando amar’ de Wong Kar-wai). Aquí es donde Coppola o los actores podrían haberla pifiado, muy fácilmente, pero todo queda narrado con la misma naturalidad y elegancia que ha caracterizado el resto de la película, y asistimos a unos de los finales más tristes, dolorosos y hermosos de los últimos años. De toda la poderosa secuencia final me quedo con dos momentos muy concretos: el primero, que me impacta de forma increíble, es la mirada que se le queda a Bob cuando se despide de Charlotte, cuando se da cuenta de que no hay marcha atrás, que la pierde para siempre; la segunda gran imagen es la de los ojos llorosos de la chica, abrazada a Bob, solos en medio de una ciudad atestada, escuchando una última frase que nosotros no podemos oír. Y adiós.

Nunca odies a tus enemigos…afecta a tu propio juicio.

-Michael

Después de los eventos analizados, con Michael descubriendo que no todo va a ser tan fácil como parecía en el Vaticano, regresamos a Nueva York con el reencuentro entre Mary y Vincent, que tienen una breve y bonita secuencia cerca de la antigua tienda de Genco (donde Vito se convirtió en lo que fue) y en la que vemos, brevemente, a una magnífica actriz y gran persona ya fallecida, nada menos que Catherine Scorsese, madre del famoso cineasta, amigo íntimo del director de esta película, que también interpretó pequeños papeles en alguna película de su hijo.

Esta breve secuencia sirve para dos cosas: observar que Sofía no es tan mala actriz, pues nos empezamos a creer la relación de amistad y amor que surgen entre ambos primos; y constatar que Coppola tiene mano para la juventud, para hacer creíble a una nueva generación de mafiosos, pues nos muestra el pequeño ambiente del aspirante a gran mafioso Vincent, con sus colaboradores. Con apenas dos pinceladas está claro lo que podría haber hecho este cineasta con la tercera película de haber gozado del poder necesario.

Pero vamos a lo que verdaderamente importa, y no es otra cosa que la reunión mafiosa inmediatamente posterior, con la que Michael pretende desvincularse de sus viejos socios, liquidar deudas (económicas) e ingresar definitivamente en la nómina de grandes empresarios…legales. No me parece casual, a otros espectadores quizá sí, que lleguen a esa reunión en helicóptero, ya desde el cielo, y “desciendan” (metafóricamente) para hablar con esa panda de gangsters más propia de la primera película que de la segunda y no digamos de esta tercera.

Regreso virtual a los viejos tiempos

Todo este bloque, en el que Zasa (o Altobello) intentan aniquilar a toda la cúpula de mafiosos de Estados Unidos, más la venganza posterior de Vincent. Parecen un cursillo intensivo para Vincent Mancini, hijo ilegítimo del gran y temible Sonny Corleone, de aprender todo lo que no pudo dada su marginalidad del seno de la familia. Y luego hay quien dice que esta película no está sentida y pensada hasta en su último pasaje.

Es magnífica la presentación de la reunión, con varios planos cortos consecutivos, en lugar de uno largo general, inicial, y luego fragmentado. Son planos estáticos, sin el clásico movimiento de travelling que nos describa la secuencia. La pulcritud, y la sobriedad son absolutas. Respetando el eje de miradas, ya sabemos que el centro de la escena es Michael, el más poderoso, y a partir del cual se va a establecer la situación y la fuga de cada plano. Además, hay breves insertos para Vincent, a fin de cuentas es el alumno privilegiado.

Es notable observar la calidad de los figurantes con frase norteamericanos, así como que lo splanos generales están pensados más para cine que para televisión, con objetivos nobles (40-50 mm.) para planos que abarcan a 16 personajes. Así mismo, el poder de Michael está muy bien mostrado, con su primer plano majestuoso explicando a todos cómo están las cosas, y el corte al siguiente, que es un contracampo del anterior. Y en la confrontación final contra Joey Zasa (un estupendo Joe Mantegna, como ya dijimos) por fin hallamos un elegante travelling de seguimiento.

Zasa es un gángster que inspira cierto patetismo, por eso nada hace preveer que sea capaz del tremendo ataque que sufren todos, pocos minutos después de su airada salida de la sala. Tal como dice Coppola, algo extraño tiene que ocurrir siempre antes de un asesinato, y aquí es la fruta y la vajilla temblando, como en un terremoto, aunque en verdad es un helicóptero (de nuevo un helicóptero, como si el ataque viniera de la misma gente a la que quiere unirse Michael, y así es…) al que nunca vemos, sólo su foco de luz y los fogonazos de los disparos.

La secuencia está magníficamente filmada y montada, aunque a Coppola estas cosas ya no le interesara contarlas, con detalles geniales como el tipo agarrado a su abrigo de la suerte que, pese a todo, cae acribillado. Vincent se gana el master en valentía y arrojo, por así decirlo, ofreciéndose de escudo humano sin pestañear, siendo capaz de arriesgarse a ser disparado con tal de salvar a su maestro, a su tío. Para terminar, una magnífica colección de planos estáticos, que nos muestran a los cadáveres, docenas de ellos, resultado de tan terrible acto, como si Coppola quisiera rendir un último homenaje a la víctimas absurdas del poder y la ambición humanas.

Michael es una sombra

De forma maravillosa (con un plano fantasmagórico de la entrada del hotel acompañado de un trueno) pasamos a una secuencia que abre la segunda parte de la película, aquella en la que Michael cae enfermo, y ya nunca más vuelve a ser ese gran jefe que la familia necesita, en favor de Vincent Mancini. ¡Cuánta naturalidad! Vemos a Al Neri, Vincent, Connie, comiendo… y nos sentimos como en casa. Qué bien se le dan estas cosas a Coppola. Y qué bien está García estallando, deseando ir a por Zasa.

Michael le aconseja de nuevo al oído, le dice que no debe mostrar sus sentimientos, y luego apunta más alto, él tiene otros sospechosos en mente. Tal como dice: “cuando pensaba que estaba fuera, me vuelven a meter”. Y le sobreviene el colapso, debido a su diabetes, que Coppola resuelve primero con un plano largo, como si no se atreviera a acercarse al dolor de Michael, y luego en sucesivos planos medios, cortados a hachazos, como si Michael se viera desde fuera de su cueropo (¿no sucede eso cuando uno está casi inconsciente?) y estuviera a punto de morir.

Y así tiene lugar un nuevo paralelismo con la primera película, pues sí allí era Vito el que estaba hospitalizado y Michael quien le salvaba y luego se vengaba de sus enemigos, aquí es el propio Michael es hospìtalizado y Vincent quien le protege y se venga a la vez, acabando con Zasa en otra magnífica secuencia de asesinato, que recuerda poderosamente al asesinato de Don Fanucci, por localización y estilo. Con grandísimo talento, Coppola engarza la secuencia de la visita de Kay a Michael, y la posterior llegada de sus hijos (inspirada en la propia experiencia del director…) con el asesinato de Zasa.

Pero aquí no hay lugar para los montajes en paralelo. En su lugar hay demasiado dolor. Dolor por la fragilidad extrema de Michael, por la relación por fin consumada entre Mary y Vincent (conmovedora escena culinaria, con ambos jóvenes iniciando una relación trágica), por el destino que una vez más se cierne sobre esta familia. Mary visita a Vincent cuando este prepara el golpe contra Zasa, y es un golpe astuto. En él separan a Zasa de su guardaespaldas, para asesinar a este último y perseguir al gangster a caballo, pues Vincent se ha disfrazado de policía montado. Muy inteligente, además, el modo en que Coppola arma el montaje, con los breves planos del caballo acercándose, como una fuerza protectora, cuando en verdad es una fuerza assesina.

Y del mismo modo que Vito condenaba la acción contra el turco y el capitán de policía en la primera parte, aquí Michael se pone furioso por la decisión de Vincent, Al y Connie. Ya no quiere más violencia como en los viejos tiempos, sino un nuevo futuro para él y su familia. Ahora bien, cuando por fin estalla, vemos que Michael no puede sostener esa ira. Está acabado, ya no tiene fuerzas.

Ahora bien, aún le queda la astucia, y es una astucia afilada. Le asegura a Vincent, cuando este le lleva a la cama, que tiene los atributos de su padre, como el éxito con las mujeres. Y ante la sonrisa de éste, le pregunta de inmediato qué esta haciendo con su hija, cogiéndole desprevenido y haciéndole sentir aún más culpable. Por seguridad, le prohíbe esa unión tan peligrosa (precisamente la unión que tuvieron los bisabuelos Coppola, primos como ellos), y decide, junto a Don Altobello (aquél que según él es el culpable del ataque en helicóptero, y que suele tener a Vincent, como en un augurio, al fondo de su plano) viajar a Sicilia.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

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Señor Corleone, los bastardos mienten. Shakespeare escribió poemas sobre eso.

-Joey Zasa

Después de centrarnos primeramente en los aspectos más personales que atañen a Michael en la larga secuencia de la fiesta en conmemoración a sus honores papales, pasemos un poco a temas más de negocios, que tienen que ver con los importantes personajes de Joey Zasa (Mantegna) y Don Altobello (Wallach). El segundo es una especie de ayudante para Michael en lo que concierne a la vida que quiere abandonar, la que le une con la élite mafiosa de Nueva York. El primero es el jefe en funciones de su propio sobrino, el bastardo Vincent Mancini, hijo ilegítimo de Sonny Corleone, de quien ha heredado el mal genio y el encanto natural.

La magnífica secuencia que ambos, junto a Michael, protagonizan, nos recuerda a las mejores de esta saga. Michael se sitúa en medio, como el juez supremo, Zasa a la diestra y Vincent a la siniestra, respaldado por Connie Corleone. Al parecer Zasa no le tiene ningún respeto a Michael, y Vincent se ha enfrentado a él por esa y otras razones. Intentando averiguar la verdad, como un viejo zorro, Michael le observa y le amedrenta (estupendo y sutil plano contrapicado con una luz blanca también muy sutil), y aunque dice lo contrario, sabemos que miente. A pesar de todos los esfuerzos por establecer la paz y por ignorar a Vincent, este acaba mordiendo la oreja de Zasa en el hipócrita abrazo que ambos se dan.

Antiguos colaboradores

Para la realización de esta película, Coppola se rodeó de varios de sus más importantes colaboradores, algunos de los cuales fueron piedras angulares en la consecución de aquellas obras maestras. Es decir, Coppola supo cubrirse bien las espaldas, no solo recurriendo a gran parte del casting (principales, secundarios e incluso figurantes) de las dos partes anteriores, también muchos miembros de su familia (su padre aparece dirigiendo la orquesta de la fiesta, su madre aparece cantando detrás de Altobello, su hija…), sino que echó mano de sus más íntimos amigos artistas.

Son sobre todo dos: Gordon Willis y Dean Tavoularis, que hoy día ya son leyendas de sus respectivos oficios, y que muchas veces eclipsan con su talento el trabajo de los directores a quienes asisten. El operador Willis se planteó una prolongación de su soberbio tratamiento previo de la luz, que aquí reincide en los tonos dorados y en la subexposición, aunque con menor radicalidad que en ‘El Padrino, parte II’. A pesar de rodar en Super35, se tomó la decisión de filmar con un formato ancho de 1.85:1 para aprovechar mejor las copias infladas a 70mm. El objetivo era crear una unidad luminica y estilística y lo lograron.

Por su parte el diseñador de producción Dean Tavoularis (cuya última colaboración con Coppola, después de doce películas juntos, fue ‘Jack’) regresa por un lado a los orígenes neoyorquinos de la saga, renovándolos, y al mismo tiempo revisita con éxito y belleza las localizaciones sicilianas, trabajando muy duro junto con Willis para darle a la trilogía ese aspecto de fluidez visual de la que tanto dependía. En esta primera gran secuencia se observa que a pesar de los 14 años transcurridos, ambos saben muy bien qué es un ‘Ambiente Corleone’ para FFC, y esto se observa en su capacidad de ofrecer cambios para seguir ofreciendo idéntica densidad trágica.

Dos aliados de un valor incuestionable.

El problema con Sofía

Realmente, la actriz ideal para el importantísimo papel de Mary Corleone en esta película, era la excelente intérprete Winona Ryder, que hubiera clavado el papel con un poco de suerte. Y ella era la elegida, y la contratada, para hacerlo, pero en el último momento se echó atrás (no se conocen las razones para que lo hiciera) dejando a Coppola completamente tirado y desesperado por sustituirla durante un mes. Finalmente optó por una decisión arriesgada, personal e íntima, cuyos resortes emocionales se ramifican mucho más de lo que un observador perezoso pueda observar en esta película.

Esta fue la punta de lanza para los numerosos detractores que atacaron sin piedad (y aún siguen atacando) la película, a parte de otros muchos. Pero la prensa estadonidense fue especialmente sangrante con la debutante Sofía Coppola, que según ellos no se merecía interpretar este papel, y que lo ganó por ser la hija del dire. La polémica no fue pequeña, y es cierto que Sofía no parece capaz de enamorar a todo un galán como Andy García, porque a pesar de tener una belleza mediterránea muy carnal y muy natural, carece de ese lado sexual y turbulento tan necesario a esta unión prohibida.

Sin embargo pienso que Sofía está tremendamente natural como Mary. Es una actriz nata y aunque en algunas secuencias se percibe su inseguridad y su fragilidad, sabe utilizar ambas en su provecho y en provecho de la historia que están intentando contar. Sofía Coppola se lanzó al papel en carne viva, y a sus defectos se le puede oponer una osadía y un coraje admirables. Sentimos compasión por su personaje, y aunque le fallen las tablas bajo sus pies, es fácil ponerse de su parte. FFC se la jugó poniéndola ahí, y dice que no se arrepiente. Hay más de una razón para decir eso, como veremos.

Al final de la fiesta, toca la foto familiar, y nuevamente es Michael el que pide (como hiciera con Kay tantos años atrás, en la boda de su hermana Connie) que uno más se agregue a la instantánea. Es el asombrado Vincent, que se queda de piedra pero acepta. Tras el flash, suena el tema de los Corleone, y Michael se dispone a bailar con su hija. A ambos parecen unirles nuevos lazos ahora, después de tanto tiempo sin verse, ya que la fundación Vito Andolini está a nombre de ella, lo que traerá algunos conflictos.

Bailan aunque ninguno de los dos actores sabe bailar, y se les une, en una bonita improvisación, la nieta del director, Gia, con lo que acaban bailando a tres bandas. Enzo, el pastelero, con quien Michael compartió aquella noche terrible en el hospital, trae la tarta. Una lámpara de araña se interpone a la vista, en el plano final, dejando ver sólo en una esquina, a padre e hija. ¿Un signo de las futuras complicaciones que de manera tan trágica van a cernirse sobre ambos? Funde a negro.

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