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Clint Eastwood: La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard

Alberto Abuín — Mon, 03 May 2010 17:48:04 +0000

1985 fue un año de lo más fructífero para Clint Eastwood. Filmaba y estrenaba ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’), la película que probablemente marcó el primer punto de inflexión en su carrera, pues a partir de entonces muchos críticos empezaron a tomárselo en serio —otros seguirían ciegos hasta el estreno de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992)—, siendo precisamente los europeos los primeros en caer de la burra. Por otro lado cineastas de la talla de Steven Spielberg o Jean-Luc Godard expresaron siempre su admiración hacia el cine de Eastwood. El Rey Midas intentó contar con él como actor en ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975), pero al final no pudo ser y su sueño de verle como actor en alguna de sus películas parece haber desaparecido con el paso de los años, lo mismo que le ocurrió a cineastas como Sam Peckinpah —lo quería para ‘Pat Garrett y Billy The Kid’ (1973) y ‘Convoy’ (1978)—, Richard Brooks, que lo quiso para ‘Muerde la bala’ (‘Bite the Bullet’, 1975) o Francis Ford Coppola, que lo quiso para ‘Apocalypse Now’ (id, 1979).

Sea como fuere lo cierto es que en estos momentos la relación de Spielberg con Eastwood es bastante buena, siendo el primero productor de algunas de las películas del segundo, tal es el caso de las dos producciones bélicas dedicadas a la batalla de Iwo Jima, ‘Los puentes de Madison’ (‘The Bridges of Madison County’, 1995) o la recién terminada ‘Hereafter’, un drama de terror con Matt Damon a la cabeza. El inicio de esta relación hay que buscarlo allá por el 85, cuando Spielberg llamó a Eastwood para que dirigiese uno de los episodios de la serie ‘Cuentos asombrosos’ (‘Amazing Stories’), la cual duró dos temporadas y que en nuestro país conoció incluso un estreno en salas de cine de un compendio de tres episodios. A principios de los 90 fue emitida por tve y pudimos comprobar cómo se desenvolvía Eastwood en terreno televisivo con una historia no actual y muy distinta al resto de los episodios.

‘Vanessa en el jardín’

Clint Eastwood tuvo un primer periodo de fama en el campo televisivo gracias a la serie ‘Látigo’ (‘Rawhide’), pero como director fue en la serie apadrinada y escrita por Spielberg la primera vez que manejaba material para la televisión. ‘Cuentos asombrosos’ fue la respuesta de Spielberg a su admirada ‘En los límites de la realidad’ (‘The Twilight Zone’) de la que también realizó su adaptación cinematográfica en 1983 acompañado de Joe Dante, George Miller y John Landis, directores unidos al género de la Sci-Fi. En ‘Amazing Stories’ —que vista hoy día no ha perdido nada de su frescura— Spielberg logró reunir a un buen número de realizadores de prestigio, tales como Martin Scorsese, Robert Zemeckis o Joe Dante, y escritores como el maravilloso Richard Matheson cuya contribución al género habla por sí sola.

Evidentemente, Eastwood fue uno de esos realizadores que aceptaron gustoso la propuesta de Spielberg, y lo hizo en el episodio titulado ‘Vanessa en el jardín’ (‘Vanessa in the Garden’) que protagonizaron Harvey Keitel, Sondra Locke y Beau Bridges. La historia nos lleva a la América de finales del siglo XIX; Byron Sullivan (Keitel) es un pintor que está a punto de conocer la fama gracias a la inestimable ayuda de su amigo y representante Teddy (Bridges). Antes de realizar una importante exposición, la mujer de Byron, Vanessa (Locke) muere en un accidente y aquél entra en una profunda depresión que le aleja de la pintura. Pero los deseos de volver a ver a su esposa con vida logran lo increíble, devolver la vida a Vanessa a través de los cuadros que pinta.

Dejando a un lado que la serie ya tiene unas determinadas pautas y elementos que se repiten en prácticamente todos los episodios, Eastwood logra imprimir su estilo en esta pequeña pieza con no pocos aciertos. Para empezar el personaje interpretado por Keitel no se aparta en demasía del universo de personajes del cine de Eastwood, un hombre solitario que parece estar por encima del bien y del mal. El tono fantástico de la trama sirve a Eastwood para juguetear una vez más con un género con el que equivocadamente no se le relaciona; el carácter onírico de muchas de las secuencias nos hacen pensar que tal vez todo esté en la cabeza del personaje central. Pero sobre todo ‘Vanessa en el jardín’ pone de relieve el hecho de que en los trabajos de Eastwood los personajes femeninos son vitales, a pesar que de que muchos cegatos han definido su cine como “de hombres”. Sondra Locke, por aquel entonces compañera sentimental del actor, da vida —y muerte— a una Vanessa con ecos de la Jennie de William Dieterle, otro cuento romántico sobre lo intemporal del amor.

Dentro de la filmografía de Eastwood ‘Vanessa en el jardín’ es cuanto menos una curiosidad, muy aceptable, entretenida y a ratos fascinante. Dentro de la serie ‘Cuentos asombrosos’ es uno de los cinco mejores episodios de toda la serie, lo cual no es poco.

‘Detective’

Creo que Jean-Luc Godard no necesita presentación para muchos de vosotros. Debutó en el cine con ‘Al final de la escapada’ (‘À bout de souffle, 1960) en la que participaron François Truffaut y Claude Chabrol, a los que un servidor prefiere infinitamente más que a Godard. Este tipo siempre se me ha atragantado con sus trabajos, los cuales el paso del tiempo ha revelado como poses artísticas, berrinches culturales con los que ir de listo. Anarquía pura y dura dentro de un cine que fue considerado vanguardista —cada vez que oigo esa palabra aplicada a cualquier cosa me entra la risa— debido a jugar con los elementos clásicos del cine. Por ejemplo, Godard siempre gustó de hacer un montaje en sus films con el que romper toda relación de espacio y tiempo. Historias caóticas en las que —dicen, yo no— los personajes respiraban pura emoción y fuerza.

Disiento. Y el ejemplo de hoy me sirve perfectamente para decir lo que quiero. ‘Detective’ (Détective, 1985) es un intento de homenajear al cine negro americano por parte de alguien que representó como nadie ese timo llamado Nouvelle Vague, en el que se pretendía romper con todo lo establecido, huyendo del cine convencional o de formas narrativas clásicas. ¿Y por qué esta película en un especial dedicado a Clint Eastwood? Muy sencillo, Godard tuvo la brillante idea de dedicar esta película a John Cassavetes, Edgar G. Ulmer y Clint Eastwood, pues consideraba que estos tres directores eran los máximos representantes del cineasta independiente. Totalmente de acuerdo, películas como ‘Detour’, ‘Faces’ o ‘Honkytonk Man’ confirman dicha aseveración, pero es una pena que ‘Detective’ no esté a la altura de lo homenajeado, el cine negro y la aportación de los mencionados directores al género.

‘Detective’ es uno de los trabajos más pretenciosos de su autor, lo cual a mí me toca especialmente las narices. Sí, en ella se pueden reconocer todos los elementos del cine negro. Un caso de difícil solución, perdedores en busca de su última oportunidad, mujer fatal, etc. Pero ni uno sólo de ellos me importa lo más mínimo, lo cual creo que es una diferencia importante con otras películas del mismo género —subrayemos que Godard siempre huía de etiquetas o de géneros— pues que el espectador sienta empatía con alguno de los personajes creo que es vital. Aquí no me interesan las andanzas de unos vividores que quieren timar a la mafia, o lo intrigante de unos personajes obsesionados con la misteriosa muerte de un hombre en un hotel. No encuentro la más mínima pasión en sus vidas, sólo me parecen tópicos con los que Godard juega a capricho intentado tal vez provocar.

Aburrida, soporífera y con unos actores más perdidos que los protagonistas de ‘Lost’ —sí, es un chiste muy facilón— entre los que podemos encontrar a Johnny Halliday o Jean-Pierre Léaud, uno de los actores fetiche de Truffaut con quien desde luego era mejor actor, no aporta absolutamente nada al género. Y afortunadamente no influye ni lo más mínimo en la trayectoria de Eastwood, un cineasta totalmente alejado —para fortuna de todos— de las inquietudes de Godard. Me gustaría saber qué opina el director de ‘Million Dollar Baby’ de ‘Detective’.

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‘El jinete pálido’

Clint Eastwood: 'Impacto súbito'

Alberto Abuín — Thu, 28 Jan 2010 19:47:08 +0000

Vamos, alégrame el día

La carrera de Clint Eastwood se vio un poco perjudicada por el fracaso económico de ‘El aventurero de medianoche’ (‘Honkytonk Man’, 1982), en la que el público no quiso ver a su estrella favorita componiendo un personaje de alta envergadura dramática, por lo que el actor lo tuvo fácil, volver a su personaje más famoso y tener contentos a la mayoría de sus fans, que curiosamente con el paso de los años se han vuelto menos simples. La ocasión surgió al presentar la Warner una encuesta en su promoción de ‘Nunca digas nunca jamás’, que consistía en responder a la sencilla pregunta de cuál sería el actor y personaje que más gustaría al público para regresar a la pantalla. La respuesta no se hizo esperar, Harry el sucio. Hacía siete años que Eastwood no empuñaba su Magnum y era un buen momento para volver a hacerlo.

El resultado sería el film más taquillero de la saga, permitiéndole seguir haciendo algo que ha caracterizado su carrera: hacer films comerciales —algunos de una calidad impresionante— para así poder realizar proyectos más personales. También es la única película de la serie que fue dirigida por el propio Eastwood, logrando una nueva dimensión sobre el personaje y filmando la que es la mejor de las secuelas con diferencia. Y aunque no puede renunciar, por evidentes motivos comerciales, a algunas concesiones, Eastwood filma un inteligente thriller que guarda parecidos formales con su ópera prima ‘Escalofrío en la noche’ (‘Play Misty For Me’, 1971).

‘Impacto súbito’ sigue narrando las andanzas del Inspector de policía Harry Callahan en la ciudad de San Francisco, aunque en esta ocasión la mayor parte de la acción transcurre en una pequeña localidad a las afueras, a la que Callahan ha sido destinado por sus superiores para investigar las ramificaciones de un caso que encierra varios asesinatos con una firma muy personal: un disparo en los genitales y otro en la cabeza de las víctimas. Estructuralmente la película es muy cercana al primer film de la saga, ‘Harry el sucio’ (‘Dirty Harry’, 1971) de Don Siegel, de quien Eastwood aprendió una buena parte de lo que sabe como director. Presentación con el primer crimen del asesino, examen del escenario por parte de Callahan, acercamiento y alejamiento del Inspector al asesino, varias muertes por el camino, y clímax final por medio de una persecución en escenario solitario.

Pero ‘Impacto súbito’ sigue otros derroteros a la hora de presentar la figura del asesino. Esta vez se trata de una mujer, Jennifer Spencer, que junto con su hermana fue violada hace años por un grupo de personas a las que ahora está asesinando, por culpa de un error que permitió que saliesen indemnes. Es el personaje de Spencer, interpretada por una perfecta Sondra Locke, y su tratamiento lo que la empareja en cierta medida con el de Jessica Walter en ‘Escalofrío en la noche’ colocándola en la finísima línea que separa el bien del mal, y que no siempre coincide con el de la justicia. A ambos personajes les une una obsesión, y Spencer es retratada magistralmente por Bruce Surtess como una especie de ángel de la muerte, sobre todo en el momento que recuerda lo sucedido, mostrado a través de un morboso y escalofriante flashback.

Sin embargo y a pesar de las muertes que realiza Spencer, no nos encontramos ante un ser tan demencial como el de Scorpio en ‘Harry el sucio’. Ella sólo mata por venganza y para terminar algo que la justicia no terminó, e incluso cuando descubre que uno de los participantes en la violación ha quedado en estado de shock de por vida debido a ello, decide no matarlo. Cuando Callahan descubre que ella es la asesina, comprende que meterla en la cárcel no mejoraría las cosas, sino más bien todo lo contrario, por ello no la delata. Se podría ver esto como una contradicción del mensaje de ‘Harry el fuerte’ (‘Magnum Force’, Ted Post, 1973) en el que se subrayaba que un hombre debe conocer sus limitaciones, y en la que un grupo de policías al margen de la ley se encargaban de hacer desaparecer a aquellos criminales que la justicia dejaba en libertad. Aquí hablamos de una víctima resentida, al fin y al cabo Callahan siempre había sostenido que el sistema nunca pensaba en los derechos de las víctimas, y en ‘Impacto súbito’ esto es llevado hasta sus últimas consecuencias.

Ejercicio de estilo

Eastwood deja bien claro su sello personal a la hora de afrontar a su personaje más famoso, haciéndolo por primera vez tras las cámaras. Una vez más se rodea de gente como Bruce Surtess, extraordinario director de fotografía que abrió un camino más tarde explorado por Jack N. Green y Tom Stern. Imágenes tenebrosas que hacen parecer a Eastwood una especie de Caravaggio cinematográfico. Sus personajes siempre están entre sombras, y aquí Callahan semeja ser por momentos un ser fantasmagórico mientras Eastwood juguetea con el fantastique una vez más. Sirvan como ejemplo, la resurrección del personaje apareciendo de la noche tras ser apaleado y tirado al mar, para acto seguido surgir como una especie de justiciero más allá de su condición de policía. Su repentina aparición en el parque de atracciones supone uno de los mejores momentos del film, excelentemente adornado por la partitura de Lalo Schifrin que hace aumentar la emoción.

‘Impacto súbito’ es la más extraña de todas las películas de Callahan, y esa extrañeza nace de las inquietudes de Eastwood como director quien se atreve a ir más a allá del thriller policíaco. No obstante, no hablamos de una película perfecta pues ésta decae en subtramas que encierran asesinos que quieren cargarse a Callahan, y a la hora de retratar al villano encarnado por Paul Drake se cae en exageraciones que rayan la caricatura, lo que resta puntos a una película más personal de lo que parece a simple vista. Incluso algunos de los secundarios están prácticamente de adorno, como Albert Popwell que había aparecido en las entregas anteriores en distintos papeles, aquí es un amigo de Callahan que tiene la atrevida idea de regalarle un perro a éste para que sea su nuevo compañero. Los veteranos Pat Hingle y Bradford Dillman cierran un reparto que salvo alguna salida de tono, queda perfecto. Como curiosidad, uno de los violadores ajusticiados está interpretado por Wendell Wellman con mucha convicción, mucha más que la que demostró cuando escribió el guión de ‘Firefox’.

‘Impacto súbito’ fue una de las películas más taquilleras de aquel año, manteniendo el estatus de estrella del actor que pronto se vería inmerso en una de las películas más fascinantes de su carrera, un título no dirigido por él pero que encaja de lleno en su visión como director.

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Red Stovall, el hombre de los garitos

Clint Eastwood: 'La gran pelea'

Alberto Abuín — Tue, 18 Aug 2009 13:36:18 +0000

‘La gran pelea’ (lamentable título para ‘Any Which Way You Can’) fue la respuesta de la Warner al fracaso de ‘Bronco Billy’, cuyas pocas posibilidades comerciales ya se conocían de antemano. Así pues, los ejecutivos presionaron a Clint Eastwood para que realizase la secuela del que hasta ese momento era su film más taquillero, ‘Duro de pelar’. Sabe Dios en qué estaba pensado Eastwood para acceder sin ningún problema a rodarla, probablemente en el dinero, y en el hecho de así poder realizar después proyectos más personales.

Para ello encargó la dirección a su colega y amigo Buddy Van Horn, jefe de especialistas de muchos films, y cuya filmografía como director consta de tres títulos, todos con Eastwood, y curiosamente de los peores del actor. Van Horn se limitó a realizar una secuela en toda regla, esto es, idéntico reparto (exceptuando a Beverly D´Angelo, que en un alarde de inteligencia no intervino), idéntica historia, idéntico humor, idénticas peleas, e idéntico orangután, aunque el simio encargado de dar vida a Clyde no era el mismo que en la anterior entrega, pues éste había engordado demasiado (sic). Una vez más, el peludo intérprete se convierte en lo mejor de una función aburrida y previsible.

El argumento de ‘La gran pelea’ es mínimo. Philo Beddoe (Eastwood) está retirado de las peleas ilegales, hasta que la mafia organiza una en la que se verá obligado a participar por la cantidad ingente de dinero que hay en juego, y porque supondría el perfecto broche de oro a todas sus peleas. Evidentemente, la policía no le pondrá las cosas fáciles, ni la mítica banda de motoristas palurdos que se la tienen jurada a Beddoe. Menos mal que está Clyde para solucionar las cosas, y amenizar en la medida de lo posible la vida al sufrido espectador.

Y es que ‘La gran pelea’ es una película que no hay por donde cogerla. Su humor chusco, sus reiteradas situaciones, muchas un calco de las presentadas en la primera película, no interesan ni lo más mínimo, y cuesta bastante ver metido a Eastwood en la piel de un pueblerino experto lanzador de puños y buenazo de corazón. Pero la pasta manda en este caso, el film se hizo para recaudar dinero, y sin llegar a los límites de ‘Duro de pelar’, recaudó lo suficiente para seguir salvaguardando la imagen de Eastwood como actor taquillero.

‘La gran pelea’ es una película próxima al cartoon, un dibujos animados pero sin gracia, aunque lo intenta sobradas veces. Al respecto, cabe citar a la banda de motoristas, parodia de los Ángeles del infierno, que se la pegan una y otra vez persiguiendo a Beddoe sin resultado alguno. Escenas como la del alquitrán pueden provocar cierta gracia, y también cierto rechazo. Las monadas del orangután se limitan a dejar un buen montón de heces en los asientos de los coches patrulla de la policía. Las peleas son eso, peleas, en la mayor parte bien planificadas, pero quizá demasiado largas, y siguiendo la tónica general del film, repetitivas.

El título español hace referencia a la larguísima secuencia final, en la que Beddoe se lía a puñetazos con Jack Wilson, interpretado por William Falconetti Smith, cuya relación está basada en el respeto mutuo, pero hay que demostrar quién de los dos es mejor luchador. Dicha pelea parece, o es, un homenaje a la que transcurre en ‘El hombre tranquilo’ (‘The Quiet Man’, John Ford, 1952), pero evidentemente las comparaciones son odiosas, y ésta no las resiste, ya sea porque no es tan divertida, o tan esperada por el espectador (da igual que por los personajes sí), o por el carisma de los actores, que aunque compenetrados no llegan a los niveles de John Wayne y Victor McLaglen. En cualquier cosa el homenaje es un bonito detalle, sin más.

Eastwood volvía a demostrar buen feeling con su compañera en la vida real, Sondra Locke, lo que dicen costó 20 años de amistad con Robert Daley, quien no veía con buenos ojos dicha relación, o al menos eso es lo que aseguran las malas lenguas. Sea como fuere, ‘La gran pelea’ supuso el fin de la relación de Eastwood con Daley, quien además no estaba de acuerdo en cómo se llevaban las cosas en la Malpaso. No obstante, éste es un dato que nada tiene que ver con la calidad de la película, que no es un bodrio, pero poco le falta. Pueden salvarse en ella, pequeños apuntes, como un intento de mirada nostálgica sobre sus personajes, y cómo no, un excelente gusto musical por parte de Eastwood, quien aquí se atreve a hacer un dúo con el mismísimo Ray Charles (ya hablaremos en su momento del documental que Eastwood dirigió sobre él) con una canción titulada ‘Beers to you’, ideal para cantar en los bares. En el film también aparece brevemente Fats Domino, lo que hará las delicias de unos cuantos, servidor incluido.

Os dejo aquí los títulos de crédito iniciales del film, en los que precisamente suena la canción citada, de lo mejor de una mala película que nada añadía a la carrera de Eastwood a no ser unos cuantos ceros más en su cuenta bancaria. Pronto seguiría desconcertando al personal con un film de espionaje que intenta darse la mano con la Sci-Fi.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

‘Bronco Billy’

Clint Eastwood: 'Bronco Billy'

Alberto Abuín — Thu, 06 Aug 2009 13:59:16 +0000

‘Bronco Billly’ es la primera película en la trayectoria de Clint Eastwood que puede considerarse como el primer intento por parte del director de dejar impresa en su obra parte de su filosofía, de sus creencias, de sí mismo. En sus anteriores incursiones tras las cámaras, los films realizados (siempre intentando aportar algo nuevo) se inscribían totalmente, o en su mayor parte, dentro de determinados géneros (thriller, western…). ‘Bronco Billy’ es prácticamente inclasificable; en ella hay comedia, hay drama, hay denuncia, hay tantas cosas y tantos tonos, que se hace realmente difícil enmarcar el film en un género concreto. Es un film amable, pero no fácil, y eso despistó a los espectadores de la época, que no hicieron caso de la película, siendo uno de los mayores fracasos de Eastwood.

‘Duro de pelar’ y ‘Fuga de Alcatraz’ habían sido éxitos de taquilla, sobre todo la primera que a día de hoy sigue manteniéndose como uno de sus mayores logros taquilleros, por lo que Eastwood se sintió con total libertad para realizar el que sería uno de sus más personales proyectos. Un film que a priori ya se sabía no tendría la misma respuesta por parte del público como en sus trabajos donde interpretaba a pistoleros o policías. Pero Eastwood ya tenía cierto poder a esas alturas y podía hacer lo que quisiese, y eso que ‘Bronco Billy’ no está producida por la Malpaso.

En aquellos tiempos Eastwood estaba en proceso de divorcio con Maggie Johnson con la que tuvo que repartir parte de sus ganancias, así que para producir la película recibió ayuda de su colega Robert Daley, quien lo hizo a través de una compañía llamada Second Street Films, que produciría únicamente esta película, más un documental político de hace dos años. Sea como fuere, la Warner auspició la mayor parte del proyecto, dejando que su estrella más taquillera en aquel momento tuviera mano libre para realizar la película a su completo gusto. Y en caso de no cumplir expectativas, siempre habría tiempo de resarcirse protagonizando una película que le reportaría las ganancias que una productora siempre anda buscando (al año siguiente haría ‘La gran pelea’, imposible secuela de ‘Duro de pelar’ y todos tan contentos).

‘Bronco Billy’ fue realizada en una época en la que Eastwood andaba muy interesado en cambiar de imagen, sobre todo en ablandarla, llegar a un público más amplio. De hecho, posee algunos puntos de contacto con sus dos films en los que se hace acompañar de un orangután, historias de ambiente rural, salpicadas con un poco de humor grueso y personajes con los que es más fácil identificarse. Bronco Billy es el dueño de un pequeño circo que representa un espectáculo del viejo oeste, atravesando el país ofreciendo actuaciones en varios pueblos, y actuando gratis en orfanatos y hospitales. Los problemas económicos están al orden del día, y el grupo, que es prácticamente una familia, sobrevive no sin dificultades.

El personaje de Eastwood parte de su propio mito. Su imagen es un completo icono dentro del western, y desde niño siempre quiso ser un cowboy, un hombre libre en un país al que ama, con unos ideales basados en las antiguas tradiciones, las cuales van camino de perderse en un mundo cada vez más moderno e insensible. Es por eso que cuando el personaje de Antoinette Lily (Sondra Locke) hace acto de presencia, se produce todo un choque de caracteres y estilos de vida. Lily es una joven heredera de ciudad, acostumbrada a grandes lujos, y que ve el circo de Billy como un hatajo de perdedores a los que tiene la necesidad de unirse por problemas con su marido (un excelente, como siempre, Geoffrey Lewis) la ha dejado abandonada en un motel sin absolutamente nada. Poco a poco irá comprendiendo la filosofía de vida de ese pequeño grupo de personas que parecen salidas de otro tiempo, y que hoy resultan totalmente anacrónicas.

El circo de Bronco Billy está compuesto por ex-presidiarios. Todos y cada uno de sus componentes ha estado en la cárcel por diversas y muy personales razones. La más divertida, por así llamarla, es la del propio Billy: siete años encarcelado por disparar contra su mujer cuando la encontró en la cama con otro hombre al que no le disparó porque era “su mejor amigo”. El circo es una segunda oportunidad para todos, un volver a empezar lejos de las grandes ciudades, donde todo parece (es) menos puro, menos auténtico. De esta forma, en el circo de Billy todos pueden ser lo que quieran ser, lo que siempre soñaron desde niños. Encantadores de serpientes, lanzadores de cuchillos, expertos con el lazo, etc. Un tributo a la vieja América, que con el paso de las décadas está cambiando (me pregunto cómo sería esta película si Eastwood la hubiese realizado hoy día y no en 1980).

Eastwood se rodeó del mismo equipo que en sus dos films con orangután, con la diferencia de que él manejaría la batuta de director, dado lo personal del proyecto (también destaca la presencia de Scatman Crothers, recién salido de ‘El resplandor’ de Kubrick, quien quedó maravillado y sorprendido por la forma de rodar de Eastwood, totalmente opuesta a la del director de ‘2001’). Lo cierto es que los trazos de humor que bañan el film no se diferencian en demasía de los films citados, e incluso la trama secundaria de la chica rica de ciudad que se siente irresistiblemente atraída por Billy (una vez más, excelente feeling entre Eastwood y Locke) se mueve por caminos más bien convencionales, aunque recuerda a las viejas comedias clásicas en las que se presentaban idénticas situaciones de diferencia de clases. Pero hay en ‘Bronco BIlly’ una mirada nostálgica y amarga sobre la vida, sobre el modo de vida americano. Dos secuencias subrayan esa melancolía, esa tristeza y añoranza por los viejos tiempos que ya no volverán. Una por alocada y atrevida, la del fallido asalto a un tren, tan asombrosa como lógica en la propia coherencia interna del relato. La otra porque sencillamente está filmada con mucho gusto y belleza, la de los niños sorprendidos por Bronco Billy cuando éstos admiran su coche; Billy aparece detrás de ellos y el contraplano indica la figura a contraluz de un cowboy auténtico, la mismísima leyenda en persona, y que lógicamente juega con la propia iconografía de Eastwood en el cine. Una de las mejores secuencias jamás filmadas por el director.

Muchos pensarán que ‘Bronco Billy’ es una americanada, como decimos aquí, siendo más bien un acto de amor hacia una época muerta, una especie de canto hacia el western, entre otras cosas, el cual estaba muerto en aquellos años (la ironía del asunto es que Eastwood lo resucitaría nada menos que dos veces). Y hay un apunte argumental realmente curioso y llamativo: en un momento dado, Billy necesita una nueva carpa para su circo y ésta será realizada a base de coser banderas de los Estados Unidos, trabajo que realizarán los pacientes ingresados en un manicomio. ¿Se puede ser tan sutil y directo al mismo tiempo en intenciones? La crítica la recibió con los brazos abiertos pero el público la ninguneó. No importaría, muy pronto, Clyde le llenaría de nuevo los bolsillos de dólares, aunque para ello tuviera que interpretar la que probablemente es la peor película de toda su filmografía. Curioso paso tras esta simpática y entrañable ‘Bronco Billy’.

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‘Fuga de Alcatraz’

Clint Eastwood: 'Duro de pelar'

Alberto Abuín — Mon, 29 Jun 2009 13:44:59 +0000

‘Duro de pelar’ es el delirante título que obtuvo en nuestro país ‘Every Which Way But Loose’, título tomado de la canción interpretada por Eddie Rabbitt, y que suena en el film en un par de ocasiones, mucho más acorde con lo que la historia narra, que hace tener una idea del film más simple de lo que ya es. Todos en Malpaso recomendaron a Clint Eastwood no hacer una película cuya calidad se mide por los pocos aciertos que tiene, aunque puede ser vista como una agradable comedia sin ningún tipo de pretensión más allá de lo que es.

Eastwood desoyó todo consejo al respecto, y demostró tener una visión comercial fuera de lo común. El guión de ‘Duro de pelar’ fue rechazado nada más y nada menos que 46 veces, y el actor elegido para el proyecto era Burt Reynolds, a quien Eastwood se le adelantó y se lo robó. El resultado fue la películas más taquillera en la carrera de Eastwood, para sorpresa de propios y extraños. También fue la primera película del actor que obtuvo una calificación para todos los públicos, ya que hasta entonces sus films casi siempre obtenían la calificación R, la cual se aplicaba a películas con contenido violento.

‘Duro de pelar’ narra la historia de Philo Beddoe, camionero que en sus ratos libres se dedica a participar en peleas callejeras ilegales. Acompañado por su amigo y compañero, Orville Boggs, su vida se reduce a trabajar, beber de bar en bar y de vez en cuando meterse en espectaculares peleas. Una premisa que no se desarrolla mucho más. Para que la película tenga una duración considerable, la trama contiene pequeñas subtramas en las que el protagonista se enamora, se mete en líos con una pandilla de motoristas (parodia de los míticos Ángeles del infierno) y tiene que esquivar a un policía con el que se ha peleado y se la tiene jurada.

Lo cierto es que ‘Duro de pelar’ es una película que se disfruta sin ningún tipo de sobresalto en su desarrollo. Un guión de lo más simple cuyo mayor acierto (y eso no quiere decir mucho) son los pequeños detalles que sobre todo visten a los secundarios, personajes algunos de ellos más interesantes que los principales. Moviéndose siempre en el terreno de la comedia (género por el que Eastwood decidió hacer el film), todo es retratado con un punto cómico. Los presumidos y bravucones motoristas no tienen nada de temibles, más bien son el hazmerreír allá por donde pasan. Ma, madre del compañero de Eastwood, que siempre protesta por las trastadas del orangután Clyde (que Philo ganó en una pelea y del que nunca se separa) vivirá una curiosa experiencia con la renovación del carnet de conducir. La relación entre Orville y Echo, mujer a la que se encuentran en su recorrido y decide unirse a ellos. Los policías que tratan inútilmente de dar caza a Philo. Todos ellos forman el universo que rodea a un personaje que no se aleja de la imagen típica de Eastwood, aunque esta vez suavizado para llegar a un máximo número de espectadores.

Aunque la película está adornada con pequeños detalles, como el excelente uso de una serie de canciones country, elegidas por el propio Eastwood demostrando tener un refinado gusto musical, y a pesar de su simpleza lograr un ritmo decente en la narración (tal vez la única razón por la que el film no se haga insoportable), lo cierto es que el resto está bañado con toques de un humor demasiado grueso. Situaciones como la de la dentadura postiza, los chistes alrededor del orangután, los enfrentamientos con los motoristas, etc. son de una simpleza que asusta. Y el único apunte salvable es que ningún personaje en la película cae mal al espectador, lo que se logra gracias a las interpretaciones de un reparto que, lejos de lucirse, al menos se creen lo que están haciendo. Eastwood explora su sentido del humor, además de lucir un excelente estado físico a sus 48 años, y presumiendo de ser un magnífico lanzador de puños (fue asesorado por un antiguo entrenador, Al Silvani, que se convirtió en asesor de Hollywood, entrenando a gente como Sylvester Stallone para ‘Rocky’), y demuestra tener una química perfecta con la extraña Sondra Locke, quien por aquel entonces comenzaba su relación con Eastwood, lo que incluso llevó al actor de ‘Harry el sucio’ a tener problemas con un socio que no veía bien la relación de Sondra con Eastwood, quien aún estaba casado con Maggie Johnson.

Geoffrey Lewis, que se convertiría en uno de los actores con los que más trabajaría Eastwood (ya había coincidido con él en ‘Un botín de 500.000 dólares’), da vida a Orville, amigo íntimo de Philo, que siempre le consigue peleas, viviendo un poco a su costa en lo que a tomar decisiones se refiere. El actor cumple a la perfección con un personaje demasiado plano, logrando un carisma interpretativo que en manos de otro ni habría. Y lo mismo puede decirse del resto de actores; desde los ya conocidos en el cine de Eastwood, como Bill McKinney o John Quade, hasta la mítica Ruth Gordon, cuya aparición es más un homenaje de Eastwood al cine clásico que otra cosa.

Un crítico de la época vio en ‘Duro de pelar’ una especie de remake para todos los públicos de la anterior película de Eastwood actor, ‘Ruta suicida’ (film que se salva por la excelente labor del actor tras las cámaras), y lo cierto es que la comparación no es tan descabellada, al menos en los puntos que estructuran el ¿guión?. Tenemos a un Eastwood igual de bobalicón e ingenuo, tenemos a una mujer de armas tomar, y hasta una pandilla de motoristas, todo evidentemente suavizado con un humor que hace gracia sólo en muy determinados momentos. Al menos se atrevieron a finalizar la película con un falso final feliz, subrayando el hecho de que a Eastwood le gustan los antihéroes. Es muy probable que el actor supiese que volverían a estos personajes dos años más tarde (‘Duro de pelar’ fue la película más taquillera de 1978, sólo por debajo de ‘Supermán’ de Richard Donner) con una continuación que cerraba la historia, y que es de lo más insoportable que ha realizado Eastwood como actor en toda su carrera.

Pero antes de eso hablaremos de una de las fugas carcelarias más minuciosas y emocionantes que ha dado el cine en toda su existencia, y que supuso el último reencuentro entre Eastwood y su amigo y mentor Don Siegel.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

‘Ruta suicida’

Clint Eastwood: 'Ruta suicida'

Alberto Abuín — Fri, 26 Jun 2009 09:56:56 +0000

‘Ruta suicida’ es el espectacular título que recibió en nuestro país ‘The Gauntlet’, cuya traducción sería algo así como “arrojar el guante” o “desafío”, o también un término militar denominado “guerra de bastones”, que tiene su origen en las prácticas de los indios americanos que hacía pasar a sus prisioneros por un pasillo de guerreros armados con hachas. Si el prisionero terminaba el pasillo con la cabeza alta se le consideraba alguien con valentía. Esto enlaza con la famosa secuencia final de la película, y cómo no, es un elemento de western, género al que Eastwood estará ligado eternamente.

‘Ruta suicida’ llegó a la Malpaso casi de rebote. En un principio la Warner había adquirido los derechos para que la protagonizasen Barbra Streisand y Clint Eastwood, a quien le apetecía rodarla (sería su sexta película como director), pero no veía con buenos ojos a su compañera de reparto. Al respecto, Eastwood bromeó alguna vez alegando que temía que en cualquier momento la actriz se pusiese a cantar en un film tan violento. Fue precisamente esa violencia la que hizo que Streisand se apartase del proyecto, siendo sustituida por Sondra Locke, quien consiguió una de sus mejores interpretaciones, además de poseer una extraordinaria química con Eastwood, por aquel entonces compañero sentimental de la actriz.

Clint Eastwood da vida a Ben Shockley, un policía de poca monta que recibe la misión de llevar a una prostituta (Gus Molly), testigo de un juicio, desde Las Vegas a Phoenix. Lo que en principio parece una misión más sin importancia alguna, se va convirtiendo en una auténtica pesadilla para Schockley y su acompañante, más importante de lo que le dijeron. Una historia simple en su línea central, quizá demasiado simple, pero rica en matices, pequeños detalles muy reveladores e interesantes, que en su momento supusieron en cierto modo una innovación en el thriller. El guión corresponde a Dennis Shryack y Michael Butler, que en 1985 ofrecerían dos nuevos libretos a Eastwood, aceptando éste uno de ellos (‘El jinete pálido’), y rechazando el otro que sería protagonizado por Chuck Norris (‘Código de silencio’).

‘Ruta suicida’ podría ser considerada, sólo en parte, como heredera directa de los films de Harry Callahan (hasta ese momento Eastwood le había dado vida tres veces). Sin embargo, Ben Shockley es un personaje totalmente opuesto a Callahan. Para empezar es un borracho empedernido, desaliñado, que ha perdido toda esperanza de formar una familia o resolver en su carrera policial un caso verdaderamente importante que le reporte fama y prestigio. Ahora sólo sueña con cumplir su tiempo de servicio y jubilarse como buenamente puede para perderse en el olvido. Shockley además es tonto, torpe e ingenuo, no se da cuenta de la evidente trampa que le han tendido (el espectador se lo huele desde el primer momento, y la prostituta no hace más que advertirle de ello, hasta hay apuestas sobre si lo conseguirán o no). Cuando se da cuenta de que todo el mundo a su alrededor está asquerosamente podrido (salvo honrosas excepciones) es cuando estalla, y decide hacer algo por poner en evidencia las mentiras de la burocracia, y la corrupción del estamento policial, algo que sí le empareja con Callahan.

Eastwood realiza una especie de road movie (ese tortuoso viaje de los dos personajes centrales atravesando peligros mil y conociéndose el uno al otro), no exenta de elementos de puro western. No en vano, parte de la acción transcurre en grandes espacios, algo desérticos, cambiando el caballo por una moto. También hablamos de un film muy violento, tanto en los diálogos como en la acción de la historia, siendo lo más recordable los tres espectaculares tiroteos por los que Eastwood fue fuertemente criticado, acusado de exponer violencia de forma gratuita. Sin embargo, nada más lejos de la realidad. El primer tiroteo, el de una pequeña casa en la que los protagonistas se refugian, y que termina literalmente derrumbada, está inspirada en un hecho real en el que sucedió exactamente lo mismo (el secuestro de Patty Hearst), y Walter Hill la reproduciría para su inspirada ‘Forajidos de leyenda’ (‘The Long Riders’, 1980). El segundo, el de un coche de policía sirve como punto de inflexión en el relato, policías con rostro desconocido (la noche ayuda en el anonimato), dado que a partir de ahí Shockley sale de su estrechez mental. El último ocurrido en Phoenix, prodigiosamente filmado es una exagerada alegoría sobre el estamento policial (“A los policías se les paga por disparar, no por pensar”, sentencia en dicho momento un personaje), culminando en la secuencia final con cuatro de los personajes rodeados por un montón de policías que no entienden qué narices está pasando, reflejo de lo perdido y tambaleante que está el cuerpo policial.

El personaje femenino tiene una fuerte presencia en la trama, más allá de ser una mera puta que puede poner en jaque a altos estamentos que antaño pidieron sus servicios. Con ella, Eastwood derrumba buena parte de los convencionalismos machistas que había en este tipo de cine. Sirva como ejemplo, la excelente secuencia en la que secuestran el coche de un policía con éste dentro, y Molly responde con ingenio a los comentarios machistas del oficial, comparando las profesiones de prostituta con la de policía. Molly es como Shockley (otro antihéore más en la carrera de Eastwood), una perdedora que no sabe cómo abandonar la vida que lleva. Su relación con su “protector” va enriqueciéndose con matices inteligentemente expuestos a lo largo de la trama. Tras la confesión íntima de Shockley (sensacional Eastwood como actor en ese momento), se da cuenta de que ambos son iguales, y a ella le enternece la torpeza e ingenuidad de él. La secuencia en la que ella llama por teléfono para apostar dinero a que Molly lo logrará es la forma de decirle a Shockley que se está enamorando de él.

‘Ruta suicida’ fue la película más cara hasta el momento de la Malpaso. Escenas como las de los tiroteos (sobre todo el final), o la explosión de un helicóptero que choca contra unos cables de alta tensión, encarecieron el rodaje, aunque dichas secuencias quedaron perfectas en pantalla. La persecución de Shockley y Molly a bordo de una moto por parte del mencionado helicóptero es una lección de planificación y de cómo enmarcar el paisaje, logrando la sensación de peligro en todo momento. Gracias a la puesta en escena de Eastwood (aún así con un fallo: la fotografía obra de Rexford Metz, sólo brillante en un par de momentos), y los matices que enriquecen una historia muy convencional, ‘Ruta suicida’ es un entretenimiento de primera, que cuenta además con excelentes interpretaciones de todo su reparto, desde Eastwood y Locke hasta un William Prince que compone un personaje extraño, que no puede ocultar su perversión, pasando por Pat Hingle, Michael Cavanaugh, Doug McGrath o Bill McKinney, habituales en el cine de Eastwood. Al año siguiente, probaría las mieles de un supertaquillazo inesperado con una comedia en la que un orangután prácticamente le robaría el protagonismo.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

‘Harry el ejecutor’

Clint Eastwood: 'El fuera de la ley'

Alberto Abuín — Thu, 18 Jun 2009 08:34:40 +0000

‘El fuera de la ley’ (‘The Outlaw Josey Wales’) es la quinta película como director de Clint Eastwood, cuyo guión fue escrito por Philip Kaufman, a quien el actor le encargó la tarea para dirigirla. Así fue durante la primera semana de rodaje, pero pronto empezaron las discrepancias entre Kaufman y Eastwood, sus visiones del proyecto no coincidían y el actor de ‘Harry el sucio’ ejerciendo su poder de productor no dudó en despedir a Kaufman, tomando las riendas del proyecto. Eastwood declaró al respecto que tal vez la visión de Kaufman fuera mejor, pero no era la suya, toda una declaración de principios por parte de alguien que tiene las ideas muy claras a la hora de dirigir una película.

Desde luego, visionando ‘El fuera de la ley’ uno llega a esa conclusión, pues Eastwood alcanza aquí una de sus cotas más altas en su trayectoria como director (también como actor), una obra monumental en la que están presentes todas las constantes de su cine, y el logro es aún mayor cuando en aquellos años (estamos en 1976) el western no se encontraba precisamente en su punto más álgido, sino todo lo contrario. Eastwood le devolvió su épica, añadiendo un fuerte carácter nihilista, con un tratamiento de la violencia terrible, casi inaguantable. Eastwood en estado puro.

‘El fuera de la ley’ narra la historia de Josey Wales, un granjero del sur que sufre en sus carnes las devastadoras consecuencias de la Guerra Civil, después de presenciar como un grupo denominado Los botas rojas asesinaban a su familia y a él le daban por muerto. Pronto no pensará más que en reclamar venganza, uniéndose a un pequeño grupo de rebeldes del sur, que en su desesperación por estar perdiendo la guerra, intentan no darse por vencidos, resistiéndose a creer lo evidente. En un intento de rendirse al enemigo, son traicionados y la mayor parte asesinados, siendo únicamente Wales y un joven con ganas de destacar, los únicos que se darán a la fuga, mientras se reúne un grupo para cazarlos. La cabeza de Josey Wales ahora tiene un precio.

‘El fuera de la ley’ es un relato uniforme en el que se pueden apreciar distintos bloques. El inicio, mientras desfilan tomándose su tiempo los títulos de crédito, no puede ser más descriptivo. Wales no puede impedir el asesinato de su familia, tras enterrarlos aquél practica con un revólver (escena que repetiría en la posterior y laureada ‘Sin perdón’), y tras un manejo de la elipsis absolutamente inaudito (no sabemos cuánto tiempo transcurre), Eastwood filma uno de los mejores planos de su carrera: ése en el que en lo alto de una pequeña colina, sentado ante las tumbas de su familia, detrás de él van surgiendo como fantasmas el pequeño grupo de renegados a los que se unirá. El rostro de Wales ya no es el de un padre de familia, su mirada no es de este mundo. Una estúpida guerra le ha quitado todo lo que tenía.

La película refleja perfectamente el estado de ánimo del pueblo americano tras haber perdido la Guerra de Vietnam. Eastwood es del sur, al igual que su personaje, pero su visión no es criticar al enemigo, sino reflejar la decepción general de un pueblo vencido, al menos tangencialmente. En cierto momento su personaje sentencia que todos los hombres pueden vivir en paz sin pelearse, una triste utopía que no hace más que apoyar esa decepción, y al mismo tiempo la demuestra reuniendo a lo largo de su viaje a distintas personas procedentes de diversos lugares, con los que se asentará en un lugar casi aislado, idílico y perfecto para todos ellos, que sólo buscan vivir en paz.

Los personajes que van apareciendo a lo largo del periplo de Wales determinan los distintos bloques mencionados, con el valor añadido de que Eastwood, en lo que es un prodigio de fluidez narrativa, los englosa perfectamente en un único bloque. A través de ellos se dibuja también la personalidad de Wales, y su personaje evoluciona psicológicamente. Sam Bottons, fallecido el pasado mes de diciembre, inolvidable protagonista de ‘La última película’ (‘The Last Picture Show’) con la que debutó en el cine, da vida al joven acompañante de Wales, representa al joven idealista y rebelde, la víctima joven que toda guerra se lleva injustamente. Su valor le lleva incluso en sus últimos suspiros de vida, a ayudar a Wales a salvarse de dos bandidos que les tienen atrapados. Chief Dan George (visto en otro western mítico, ‘Pequeño gran hombre’ de Arthur Penn) da vida a Lobo solitario, el carismático indio que se encuentra Wales y con el que establece una relación de amistad de lo más curiosa, llena de un feeling pocas veces visto en una película, proporcionando los momentos de humor del film, casi todos gracias a la impresionante interpretación del actor nativo americano, con quien Eastwood tuvo que estar muy atento y cuidadoso, pues se olvidaba continuamente de los diálogos. En los westerns protagonizados por Eastwod la figura del indio, o no aparecía, o era tratada con sumo respeto, tal y como sucede en ‘El fuera de la ley’, donde hace acto de presencia otro actor de origen nativo, Will Simpson, dando vida a un jefe indio con el que Wales hace un pacto de honor para poder convivir en el mismo territorio, un acuerdo por encima de toda ley, de todo gobierno, firmado con la sangre del hombre común, lo único que debería tener un auténtico valor.

Sondra Locke, futura compañera sentimental de Eastwood, aparece aquí por vez primera en una de las películas del director. Su personaje, de aspecto virginal y morboso, hace pensar a Wales en otra cosa que no sea la venganza, haciéndole recordar que una vez tenía una familia, y que las sensaciones de dicho recuerdo son agradables. John Vernon (el alcalde en ‘Harry el sucio’) da vida a Fletcher, compañero que Wales que se ve sin querer obligado a traicionarle y después perseguirle. De connotaciones de los films de Peckinpah, esta relación de amistad rota es otra de la pautas del relato, teniendo su desenlace en los momentos finales tras la consumación por parte de Wales de su venganza, cuando Fletcher simula no conocerle remidiéndose de su error. En personajes aún más secundarios, encontramos a John Quade y Bill McKinney, que seguirían trabajando con Eastwood en más de sus películas.

El personaje de Eastwood parece una prolongación de los que hizo para Sergio Leone, con cambios sustanciales. Esta vez su nombre es muy pronunciado y conocemos su pasado. Pero al mismo tiempo, Wales es, en tradición con los personajes de Eastwood, un antihéroe. Su sentido de la justicia le empareja con Harry Callahan, alguien que está por encima de toda ideología, obligado a utilizar la violencia con tal de hacer cumplir la ley. Su desacuerdo con toda la hipocresía que le rodea queda reflejado en su huraño comportamiento hacia todos los que le rodean (Wales ha perdido la esperanza en buena parte del ser humano); escupe continuamente su tabaco contra sus víctimas, a la chaqueta de un hombre que intenta timarle con un brebaje, incluso a un fiel perro que le acompaña a todos lados y responde a sus escupitajos con gruñidos.

En la progresión dramática de ‘El fuera de la ley’ no faltan los momentos violentos, que casi siempre resuelven la tensión que se acumula en ciertas partes de la película. Una violencia que avanza in crescendo, y filmada por Eastwood con mucha más sobriedad y sequedad de lo que Leone lo hizo en la trilogía del dólar. Los tiroteos del principio, el enfrentamiento a dos hombres en una sucia cantina, el duelo con cuatro jóvenes soldados del norte, o la escena en la que mata al líder de Las botas rojas como culminación de su venganza. Una escena llena de matices, como por ejemplo ir jalando sus revólveres contra su adversario mientras lo acorrala y le clava su propia espada. Wales ha terminado su trabajo y su extraño parpadeo es como si despertara de un trance.

‘El fuera de la ley’ es una de las mejores película de Clint Eastwood en su doble faceta. Su puesta en escena, deudora de Siegel y Leone, incluso del Anthony Mann que se preocupaba de enmarcar el paisaje en la historia, es de lo más concisa y directa. Bruce Surtess, que cristalizó las inquietudes del director en cuanto a iluminación (abriendo un camino más tarde explorado por sus sucesores), realiza un trabajo impecable. Jerry Fielding, que compuso varias de las bandas sonoras de las películas de Sam Peckinpah, inicia aquí su pequeña trayectoria en el cine de Eastwood con un trabajo que obtuvo una nominación al Oscar, la única que consiguió la película aquel año.

Muy machacada por la crítica en su momento (de público fue un éxito más bien modesto), hoy emerge como una de las obras maestras de su autor, llena de poesía, de un lirismo apenas perceptible pero que subyace en cada plano, en cada secuencia. Tras su rodaje, Eastwood se tomó un descanso de sus tareas de director, interpretando ese mismo año una nueva entrega de las andanzas de Harry Callahan, en un rodaje mucho más ligero. De ella hablaremos en el siguiente post del especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

‘Licencia para matar’