No creo que haya nadie que lea este blog que no conozca la existencia de ‘Parque Jurásico’, la estupenda película de Steven Spielberg que, tomando como base una novela del ya fallecido Michael Crichton, fabulaba sobre la posibilidad de recrear a los dinosaurios en la actualidad para crear un parque temático que fuese un auténtico imán para los turistas. En ese caso ya sabemos que todo acabó yéndose al traste y dio lugar a dos secuelas, siendo únicamente aceptable la primera y bastante floja la última hasta la fecha. Sin embargo, allá por 1993 la fiebre por ‘Parque Jurásico’ fue tremenda, y el interés de los más jóvenes por los dinosaurios creció de forma exponencial. De hecho, estoy convencido de que uno de los personajes de la teleserie ‘Friends’ es paleontólogo fue por aprovecharse del tirón de la película de Spielberg. A modo personal, yo reconozco que adquirí (o me regalaron) varios dinosaurios en miniatura por aquel entonces y aún conservo la mayoría, y es que ‘Parque Jurásico’ hizo que los dinosaurios molasen.

En los años 90 también era habitual que se estrenasen un montón de películas de parodias. Bien podían contar con la presencia de Leslie Nielsen y hacer la gracia a costa de cosas como las películas de James Bond en la simpática ‘Espía como puedas’ o las últimas entregas de la trilogía ‘Agárralo como puedas’ (yo aún me parto de la risa con toda la parte de la gala de los Oscar en ‘Agárralo como puedas 33 y 1/3’). Pero aparte de la moda de traducir todo en España con la coletilla ‘como puedas’ (que luego cedió el testigo a ‘de pelotas’) también se rodaron películas que se centraban en parodiar específicamente un gran éxito de la época y añadiendo un montón de gags sin ton ni son a partir de otros éxitos más o menos contemporáneos. Me viene a la cabeza ‘Plump Fiction’ y su ‘de los productores que vieron ‘Pulp Fiction’‘ en el VHS que uno podía encontrar en su videoclub más cercano. No obstante, eso no es algo exclusivo del cine americano, ya que en Italia se hicieron dos películas de estas características en 1994: ‘El silencio de los borregos’, la cual aún no he tenido la oportunidad de ver, y ‘Pollo Jurásico’, que es la joya de la basura con la que voy a dar comienzo a este especial.

El responsable de la existencia de ‘Pollo Jurásico’ es Jerry Calà, un cómico italiano de cierto éxito años atrás, pero que se estrelló de lo lindo con esta película, y es que ‘Pollo Jurásico’ ni siquiera llegó a estrenarse en cines en Italia, donde se optó por estrenarla directamente en televisión. De hecho, esta parodia de ‘Parque Jurásico’ no consiguió llegar a algún cine hasta 1996, cuando se estrenó en unos pocos países, siendo lo más curioso que España fue uno de ellos. Yo incluso recuerdo haber visto el tráiler de la película en cines y quedar traumatizado de por vida y con la imperiosa necesidad de verla. Fueron casi 15 años los que pasaron hasta que pude hacerme con la película, así que mi hype había alcanzado límites escandalosos. Habrá algún lector vasco que recuerde que se emitieron imágenes de la película hace varios años en el espacio ‘La noche de…’. Pues bien, fui yo el que se inventó una apuesta con mis amigos para poder ver imágenes de la película, hasta ahí llegaban mis ganas por ver una película que parecía demasiado horrorosa como para no verla.

La ausencia de calidad en ‘Pollo Jurásico’

Lo primero con lo que se encuentra uno al ver esta película son los créditos iniciales que podéis ver más arriba. Son cutres, sí, pero la canción es pegadiza (llegué a usarla como tono para el móvil) y los dibujos que parecen hechos por niños pequeños tienen su parte de encanto. Y aquí se acaban las partes positivas de verdad de la película. No es broma, no, simplemente el resto es horrible, pero igual conviene explicar el motivo de su inclusión en este especial.

‘Pollo Jurásico’ toma como excusa el hecho de que antes de los dinosaurios había pollos gigantes sobre el planeta y que dichos pollos eran muy muy promiscuos, con lo cuál era normal que acabasen cogiendo ladillas, y son esas ladillas las que un científico loco llamado Señor Huevos (sí, esperad ese timo de humor en todo momento) está utilizando para recrear esa especie. Junto a esa premisa se mezclan tramas como la de un antiguo criador de pollos que ahora se dedica a participar en peleas ilegales de gallos, otra relacionada con la impotencia sexual e incluso apuntes tan poco políticamente correctos como considerar una deshonra el hecho de que uno de los pollos gigantes sea homosexual. Y es que el argumento de la película no es más que batiburrillo absurdo para introducir cuantos más gags mejor, pero eso es algo bastante habitual en el cine de parodias moderno (qué lejos queda ya esa genialidad que es ‘Un cadáver a los postres’), y si la película es graciosa es algo que a uno poco le importará, pero ¿qué pasa cuando todos los chistes de una película tienen menos gracia que recibir una patada en la entrepierna? Pues ‘Pollo Jurásico’ es lo que sucede.

Uno de los puntos de los que más abusa la película es del sexo, algo ya evidente desde la premisa básica. Hay bromas a partir de infidelidades, impotencia sexual, violaciones, zoofilia, perversiones sexuales que en realidad no existen, un desprecio absoluto hacia la homosexualidad y un chiste a la altura del de ‘Van dos y se cae el del medio’ durante la escena sexual “normal“ de la función. También se ataca abiertamente a la gente poco agraciada físicamente y la cantidad de comentarios ofensivos alcanza niveles históricos para una película que aparentemente pretendía ser un entretenimiento para toda la familia. Precisamente ése fue uno de los aspectos que más me fascinó de ‘Pollo Jurásico’, porque otra de las cosas habituales en el humor de ciertas personas es la capacidad para disfrutar con chistes que son evidentes y lamentables, pero que le pillan a uno por sorpresa y puede llegar a acabar partiéndose de la risa. Eso fue lo que me sucedió a mí con esta película.

Ya he apuntado que ‘Pollo Jurásico’ incluye referencias a una enorme cantidad de películas además de ‘Parque Jurásico’, y no es mi intención ir comentándolas una a una (eso mejor lo descubrís vosotros), pero sí hay una de la que no puedo evitar comentar algo: La familia sel Señor Huevos es una copia de la de ‘La familia Addams’, o al menos lo es porque su esposa Necrofilia, interpretada por Rossy De Palma en lo que es la gran aportación española a la película, es igual que Morticia, con sus hijos sucede lo mismo y también hay una Mano por ahí con suficiente peso en la película.

Podría ir paso a paso comentándoos todos los aspectos bochornosos de la película, pero creo que a estas alturas ya habréis llegado a la conclusión de que todo falla, pero no quiero dejar de hacer mención a los fascinantes pollos gigantes. Es cierto que ‘Pollo Jurásico’ contó con un presupuesto ridículo en comparación con el de ‘Parque Jurásico’, pero es que visualmente resultan extremadamente risibles. Se les nota al kilómetro la falta de agilidad en sus movimientos y no transmiten la menor sensación de ser capaces de poder hacerte ningún mal (la salvedad quizá sería el momento de la imagen de más abajo). Sin embargo, este punto era la guinda para convertir a ‘Pollo Jurásico’ en una película que nunca muestra el más mínimo potencial, falla estrepitosamente en su intento de hacer gracia por sí misma y carece de cualidad alguna por la que conseguir la más mínima redención, pero precisamente eso permite al espectador disfrutarla como el enorme bodrio que es en realidad, y es que ¿realmente hay otra forma con la que enfrentarse a una película como ésta? Si ni siquiera en su país aceptaron estrenarla en cines.

En definitiva, ‘Pollo Jurásico’ es una parodia de ‘Parque Jurásico’ que fracasa estrepitosamente en su intento de replicar el estilo de cintas la factoría ZAZ como ‘Aterriza como puedas’. De hecho, ni uno sólo de sus gags funciona de forma objetiva, pero es ésta regularidad la que permite tomarse a cachondeo la película y disfrutar la sucesión de bromas de mal de gusto que encontramos en un guión que parece escrito por un mono borracho. Las referencias a otras películas son constantes y uno acaba fascinado ante la idea de qué chiste será capaz de superar el último que parecía tan horroroso que costaba creer que podría ir peor. Objetivamente, ‘Pollo Jurásico’ debería luchar por ser una de las peores películas de la historia, ya que, con la excepción del pegadizo tema musical, no hay nada que no resulte ofensivo o estúpido, pero es toda una experiencia. Yo disfruté de lo lindo viéndola, pero no puedo aseguraros que vosotros no vayáis a odiarla.

Circula desde hace un par de días esta foto de Daniel Day-Lewis preparándose para su inminente participación en ‘Lincoln’, la superproducción de Steven Spielberg, que tras muchos años anunciándola por fin dará comienzo su rodaje con vistas a su estreno en diciembre del 2012. Según parece, el actor ganador de dos Oscars —y atención, que este papel podría reportarle un tercero porque la nominación está más que cantada— se pasa el día caracterizado del famoso presidente de los Estados Unidos, practicando acento y todo. El Actor´s Studio al lado de este tipo es un juego de niños. Todo sea por ver otra gran interpretación de uno de los mejores actores vivos a las órdenes de uno de los mejores directores vivos y muertos.

Recordemos que ‘Lincoln’ es un biopic, pero que no narrará la vida entera del presidente, con un reparto espectacular en el que además de Day-Lewis encontramos a Tommy Lee Jones, Joseph Gordon-Levitt, James Spader, Sally Field, Jackie Earle Haley, Jared Harris, David Strathairn, Hal Holbrook y Tim Blake Nelson. En el apartado técnico están unos tal John Williams y Janusz Kaminski en la banda sonora y la fotografía respectivamente. Personalmente no soy muy amigo de los biopics, salvo que tengan un tratamiento adecuado. Quiero decir que el típico biopic al uso, correcto en todo, no suele interesarme, aunque con Spielberg detrás de las cámaras cualquier cosa es, a priori, interesante.

Vía | Las horas perdidas

Steven Spielberg parece haber entrado en una etapa hiperactiva en su carrera después de un tiempo algo alejado del cine tras el estreno de ‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’. La película cuyo rodaje anda ultimando actualmente es ‘Lincoln’, un biopic sobre el decimosexto presidente de los USA y mente detrás de la abolición de la esclavitud en el territorio norteamericano. Hasta ahora ya se sabían cosas como que Daniel Day Lewis iba a interpretar a Lincoln y que Sally Field dará vida a su esposa. También se ha hecho público que ‘Lincoln’ se centrará en los cuatro últimos meses de vida del protagonista y que Spielberg ha decidido que el estreno de la película no sea hasta después de las próximas elecciones en USA para así evitar que la película sea tachada de tener intereses electoralistas.

La última noticia es que Spielberg ya ha elegido al actor que dará vida a Ulysses S. Grant, uno de los mejores generales a las órdenes de Lincoln y que también llegaría a ser presidente de USA un tiempo después del asesinato de Lincoln. El seleccionado es Jared Harris, el cual también interpretará a Moriarty en ‘Sherlock Holmes: Juego de sombras’. Se une así a un impresionante reparto en el que encontramos nombres como los de Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, John Hawkes, Hal Holbrook, James Spader, Tim Blake Nelson, Bruce McGill, Joseph Cross, David Strathairn, Walton Goggins, Lee Pace, Jackie Earle Haley y David Oyelowo. Resulta bastante difícil pensar en la mera posibilidad de que ‘Lincoln’ no acabe siendo una de las mejores películas del 2012, pero mejor no lanzar aún las campanas al vuelo, ya que el rodaje ni siquiera ha comenzado aún.

PD: Eso sí, la cinta de Spielberg que veremos bastante antes es War Horse (Caballo de batalla), la cual se estrena en España el próximo 13 de enero.

Vía | Variety

Tintín es un personaje con una gran cantidad de fieles admiradores que idolatran sus aventuras y seguramente estarían deseosos de ver lo que podía ofrecernos ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’, pero yo no soy uno de ellos. Ya desde pequeño mi interés por el personaje rozaba lo inexistente y, dejando a un lado mi total predilección por Mortadelo y Filemón, nunca conseguí entender a los que preferían los cómics de Hergé a lo que Uderzo y Goscinny lograron con Asterix. Los años pasaron y mi desinterés por el personaje se tornó en algo que rozaba el odio cuando durante una asignatura de mi licenciatura tuvimos que analizar concienzudamente el álbum ‘Tintín en el Tibet‘. Tampoco ayudó descubrir los cómics de Gil Pupila, los cuales me interesaron infinitas veces más que los de Hergé. Con todo esto quiero dejar claro que yo no era el espectador idóneo para poder disfrutar de lo que Spielberg pudiera ofrecernos, pero decidí darle una oportunidad tras leer varias críticas halagadoras.

A estos problemas hay que añadir que la película utiliza una tecnología que yo considero poco mejor que un timo: La motion capture. Si hay algo cuya utilidad nunca terminé de entender es ¿Para qué rodar una película con actores y luego convertirlo todo en una cinta de animación? La búsqueda del hiperrealismo no es algo que me convezca convenza, porque pudiendo tener lo real no veo la gracia a querer aparentarlo. No obstante, eso es algo que ha conseguido desmontar ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ al obviar la mera búsqueda del verismo y combinarlo con acertados elementos cartoonescos a la hora de definir el look visual y las acciones de los personajes. Y eso es algo que sí que creo que haber utilizado la imagen real hubiese sido difícil de lograr sin caer en un absurdo que podría haber dañado seriamente la credibilidad de lo que estábamos viendo.

Otra tarea delicada con la que ha tenido que lidiar Spielberg es con la utilización del 3D, sacacuartos en muchas ocasiones, adición innecesaria en otras y muy pocas veces algo que haga el más mínimo bien a una película. Y podemos hablar de una nueva victoria en este campo, ya que uno realmente ve la utilidad del 3D en una gran número de escenas. Además, el frenesí visual de las múltiples escenas de acción da pie a una secuencia memorable (la persecución en motocicleta), en la cual uno puede llegar a creer estar ante un videojuego de última generación, es decir, una sensación total de inmersión. La pega es que eso no sucede en el resto de los excesivos momentos de acción de la función, ya que llega un punto en el que desconecté casi completamente de lo que se me estaba contando. ¿Qué más me da que pasen muchas cosas si no han logrado captar mi interés lo suficiente como para seguir pendiente? Sería de necios equipararlo a desastres como el de ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’, donde sencillamente nada funcionaba, pero también exculparlo amparándome en mi desinterés inicial por los personajes.

‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’: Llegan los problemas

Es en el guión donde aparecen los problemas más graves de la película, porque sencillamente es una historia que no daba de sí lo suficiente para rodar una cinta, por otro lado, corta para lo habitual en Spielberg. ¿Realmente se ve el talento de tres guionistas talentosos como es el caso? Lo cierto es que no, porque una vez pasada la muy efectiva presentación de personajes todo queda reducido a una especie de eterna persecución cuya base (un tesoro escondido) no es suficientemente fuerte. Se ha hablado de que ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ recuerda a la saga de Indiana Jones, pero parecerse a algo no te convierte en algo al mismo nivel. Que se lo pregunten si no a ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’. Por último, el acto final está alargado hasta el delirio y cuando parece que ya va acabar sigue y sigue, siendo quizá ésta la gran aportación de Peter Jackson al proyecto.

También me empezó resultando un tanto decepcionante la música compuesta por John Williams, ya que el tema que aparece en los logrados créditos iniciales no tiene el suficiente gancho, y además no pude evitar las comparaciones con el utilizado en ‘Atrápame si puedes’, la, para mí, mejor película de Spielberg en lo que va de siglo. Afortunadamente, esa sensación inicial pronto se disipa y el score de Williams capta perfectamente el cruce de géneros de la película. Me gustaría hacer otro apunte sobre los créditos iniciales y es que, por mucho que los disfrutase, posiblemente sean peores que los que realizó un fan del personaje por amor al arte para ser posteriormente contratado por Spielberg y que lucen de maravilla.

Sobre el trabajo de los actores siempre surgen las dudas para juzgar su trabajo al estar sus rasgos físicos convenientemente enmascarados por la animación. Quizá por ello se contrató a Andy Serkis para dar vida a Haddock, ya que el pobre hombre parece encontrar sólo trabajo con personajes que hay que alterar digitalmente a posteriori de alguna forma. En mi opinión, el trabajo vocal de todos ellos es muy bueno y, según el caso, podemos disfrutar más o menos de sus reacciones físicas. Sí que falla el hecho de una clara tendencia a la unidimensionalidad de los mismos, algo especialmente obvio en el caso del villano. No obstante, eso no tiene que ser algo malo si se sabe utilizar, porque pasa algo parecido con Hernández y Fernández y sus breves apariciones son de lo más simpático que uno puede encontrar en la película, en especial con el careo en el domicilio de otro personaje. ¿Y Jamie Bell como Tintin? Pues bastante bien, primero de todo porque se ha conseguido que no odie al protagonista cuando era mi gran temor, pero sigo echando en falta algo más de desarrollo. Quizá lo suyo hubiese sido empezar por una historieta algo más introductoria tal y como está haciendo Marvel con sus adaptaciones superheroicas.

Un punto conflictivo, y con el que no me siento del todo cómodo hablando (hace años que no leo ninguno de los cómics), es la fidelidad en la adaptación. He leído y oído múltiples comentarios alabando este aspecto, pero me voy a atrever a llevar la contraria. Obviamente, los personajes se parecen tanto en diseño como en actitud a sus originales, pero considero que ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ no es más que un gran borrador para enseñar todo lo que puede hacerse con el personaje sin marcar un camino a seguir y dosificándolo todo en función del momento. Aquí se presentan a los personajes rápidamente y ya hay que pasar a la acción para ver si así logra captar el interés del público americano, quizá el más difícil de atraer en un proyecto como éste. ¿Y qué pasa cuando acabas supeditando un proyecto presuntamente especial al frenesí visual? Que la identidad propia de la propuesta nunca llega a aparecer de forma dominante. Yo, con todas las reservas que he ido comentando, disfruté más de la película que de cualquiera de los cómics y realmente que fuesen los personajes de Tintín me acabó resultando algo accesorio. Aquí no importa la profundidad de los mismos ni el contar con una historia elaborada, y es que más previsible no podía ser pese a unir tres historias en una, sino lucir, y muy bien, la tecnología empleada para ofrecer algo que acaba siendo una versión descafeinada de Indiana Jones. Y quizá por eso me gustó más de lo que esperaba.

En definitiva, ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ es una muestra de todo lo que pueden ofrecernos en las otras dos entregas de la prometida trilogía, pero sin llegar a acotar lo suficiente el guión como para que todo funcione correctamente. El exceso de escenas de acción no sólo puede ser sinónimo de un ritmo que nunca decae, sino también de una historia que no da de sí lo suficiente para rodar un largometraje. Por el camino, tenemos varios elementos que permiten pasar un buen rato, pero los problemas de guión, una saturación de acción que llega a hacerte desconectar de la película a ratos y un desenlace demasiado alargado convierten a ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’ en un lujoso pasatiempo, pero no la obra total del cine de aventuras que algunos quieren ver en ella.

‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’

Título original: The adventures of Tintin: The secret of the Unicorn. Dirección: Steven Spielberg. País: USA. Año: 2011. Duración: 109 min. Género: Animación, aventuras. Interpretación: Jamie Bell (Tintín), Andy Serkis (capitán Haddock), Daniel Craig (Sakharine), Simon Pegg (Hernández), Nick Frost (Fernández), Toby Jones (Silk), Mackenzie Crook (Tom), Daniel Mays (Allan), Gad Elmaleh (Ben Salaad), Joe Starr (Barnaby). Guion: Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish; basado en los cómics de Hergé. Producción: Peter Jackson, Kathleen Kennedy y Steven Spielberg. Música: John Williams. Montaje: Michael Kahn. Dirección artística: Andrew Jones y Jeff Wisniewski. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

Sinopsis: El curioso e insaciable joven periodista Tintín y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un gran secreto. Arrastrado por un misterio centenario, Tintín se encuentra en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que Tintín ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo.

¿Qué podemos esperar?: Spielberg siempre es garantía de calidad. Espero que su primera incursión en la animación con un proyecto tan querido nos deje un gran sabor de boca.

‘Criadas y señoras (The Help)’

Dirección: Tate Taylor. País: USA. Año: 2011. Duración: 138 min. Género: Drama. Interpretación: Emma Stone (Eugenia ‘Skeeter’ Phelan), Viola Davis (Aibileen), Bryce Dallas Howard (Hilly Holbrook), Octavia Spencer (Minny Jackson), Jessica Chastain (Celia), Ahna O’Reilly (Elizabeth), Mike Vogel (Johnny), Allison Janney (Charlotte), Sissy Spacek (Missus Walters), Mary Steenburgen (Elain Stein). Guion: Tate Taylor; basado en la novela homónima de Kathryn Stockett. Producción: Michael Barnathan, Chris Columbus y Brunson Green. Música: Thomas Newman. Fotografía: Stephen Goldblatt. Montaje: Hughes Winborne. Diseño de producción: Mark Ricker. Vestuario: Sharen Davis. Distribuidora: Buena Vista International Spain.

Sinopsis: Skeeter, una chica de la buena sociedad sureña regresa de la universidad dispuesta a convertirse en escritora. Pero decide entrevistar a las mujeres negras que se han pasado la vida trabajando al servicio de las grandes familias sureñas.

¿Qué podemos esperar?: Dicen que es uno de los sleepers del año. Personalmente me encanta ver a Emma Stone y Bryce Dallas Howard en pantalla así que no me voy a poder resistir.

‘Dime con cuántos’

Título original: What’s your number? Dirección: Mark Mylod. País: USA. Año: 2011. Duración: 108 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Anna Faris (Ally Darling), Chris Evans (Colin), Zachary Quinto (Rick), Chris Pratt (Donald), Ivana Milicevic (Jacinda), Mike Vogel (Dave), Eliza Coupe (Sheila), Dave Annable (Jake), Andy Samberg (Gerry). Guion: Gabrielle Allan y Jennifer Crittenden; basado en la novela “20 times a lady”, de Karyn Bosnak. Producción: Beau Flynn y Tripp Vinson. Música: Aaron Zigman. Fotografía: J. Michael Muro. Montaje: Julie Monroe. Diseño de producción: Jon Billington. Vestuario: Amy Westcott. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: Ally Darling (Anna Faris) decide emprender la búsqueda del mejor “ex” de su vida utilizando todos los medios necesarios tras leer un artículo en una revista que advierte que las personas que han tenido 20 o más relaciones amorosas han perdido la oportunidad de encontrar el amor verdadero.

¿Qué podemos esperar?: Si mi instinto no me falla, otra de esas basuras que mienten vilmente sobre el amor.

‘El niño de la bicicleta’

Título original: Le gamin au vélo. Dirección y guion: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne. Países: Bélgica, Francia e Italia. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Drama. Interpretación: Cécile De France (Samantha), Thomas Doret (Cyril), Jérémie Renier (Guy), Fabrizio Rongione (librero), Egon Di Mateo (Wes), Oliver Gourmet (dueño del bar). Producción: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne y Denis Freyd. Fotografía: Alain Marcoen. Montaje: Marie-Hélène Dozo. Vestuario: Maïra Ramedhan Lévy. Distribuidora: Wanda Visión.

Sinopsis: Cyril tiene casi 12 años y un único plan: encontrar al padre que le dejó temporalmente en un hogar infantil de acogida. Conoce por casualidad a Samantha, que tiene una peluquería. Samantha accede a que se quede con ella los fines de semana. Cyril no quiere reconocer el amor que Samantha siente por él, un amor que el niño necesita desesperadamente para calmar su rabia.

¿Qué podemos esperar?: No soy muy amigo de las películas de los hermanos Dardenne, pero ésta tiene algo que me obliga a ir a verla: Cécile De France, excelente actriz e impresionante mujer. Mi compañero Juanlu la vio en Cannes y no le pareció nada del otro mundo.

‘Eva’

Dirección: Kike Maíllo. Países: España y Francia. Año: 2011. Duración: 94 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Interpretación: Daniel Brühl (Álex), Claudia Vega (Eva), Marta Etura (Lana), Alberto Ammann (David), Lluís Homar. Guion: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca y Aintza Serra. Producción ejecutiva: Sergi Casamitjana, Aintza Serra y Lita Roig. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Montaje: Elena Ruiz. Diseño de producción: Laia Colet. Vestuario: María Gil. Distribuidora: Paramount Pictures Spain.

Sinopsis: Año 2041. Un futuro cercano en el que los seres humanos viven acompañados de criaturas mecánicas. Álex, un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene con un encargo muy específico de la Facultad de Robótica: la creación de un niño robot.

¿Qué podemos esperar?: En su reciente paso por el festival de Sitges obtuvo una buena acogida, incluso ganó el premio a los mejores efectos visuales. Ya es hora de que nuestro país, aunque en este caso hablamos de una coproducción entre España y uno de nuestros vecinos, apueste con convicción por el cine de género. Las expectativas no son malas, desde luego.

‘Scruff en Halloween’

Dirección: Antoni D’Ocon. País: España. Año: 2010. Duración: 70 min. Género: Animación, aventuras, familiar. Guion: Antoni D’Ocon y Antoni Babia; inspirada en el personaje de la novela de Josep Vallverdú. Producción ejecutiva: Antoni D’Ocon. Música: Theo Jaskolkowski. Fotografía: Jordi Fernández. Montaje: Xavier Zapata y Xavier Vázquez. Diseño de producción: Jaume Rovira. Distribuidora: Versus Films.

Sinopsis: Se acerca el 1 de Noviembre, la Noche de Difuntos. En la masía ha llegado el momento de encerrar a los animales en los corrales y de labrar para el próximo año. Pero la fiesta de las castañas, los boniatos y los disfraces terroríficos se verá perturbada por la aparición del fantasma de un antepasado bandolero de Luis. Su retorno coincide con una serie de robos en las casas de campo de toda la zona. Luis decidirá probar la inocencia de su ancestro y Scruff le ayudará.

¿Qué podemos esperar?: Nada.

‘Semilla de maldad (Tender Son)’

Título original: Szelíd teremtés – A Frankenstein-terv. Dirección: Kornél Mundruczó. Países: Hungría, Alemania y Austria. Año: 2010. Duración: 105 min. Género: Drama. Interpretación: Rudolf Freczka (Rudi), Lili Monori (madre), Kornél Mundruczó (director), Kitty Csíkos (Magda), Diána Kiss, Kata Wéber. Guion: Kornél Mundruczó; basado en la novela de Mary Shelley. Producción: Philippe Bober, Gábor Kovács, Gabriele Kranzelbinder, Susanne Marian y Viktória Rajna. Música: Philipp Edward Kümpel y Andreas Moisa. Fotografía: Mátyás Erdély. Montaje: Dávid Jancsó. Diseño de producción: Márton Ágh. Vestuario: János Breckl. Distribuidora: Aquelarre Cine.

Sinopsis: Hace mucho tiempo un hombre tuvo a un niño del que no volvió a saber nada. Rudi vuelve a casa después de pasar varios años encerrado en un internado. Al reencontrarse con su madre, el chico espera conseguir la aceptación y el cariño perdidos, y, más importante aún, quiere saber quién es su padre.

¿Qué podemos esperar?: La extravagancia de la semana podría encerrar tanto buen cine —los alemanes últimamente están brindándonos alegrías varias— como todo lo contrario. Para averiguarlo hay que verla, porque esto de jugar con lo que nos puede deparar un film es en realidad una chorrada. Por cierto, que alguien me explique eso de titularla igual que cierto clásico de Richard Brooks para luego diferenciarse de ello con un subtítulo entre paréntesis y en inglés. That´s life.

‘Tímidos anónimos’

Título original: Les ámotifs anonymes. Dirección: Jean-Pierre Améris. País: Francia y Bélgica. Año: 2010. Duración: 80 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Benoît Poelvoorde (Jean-René), Isabelle Carré (Angélique), Lorella Cravotta (Magda), Lise Lamétrie (Suzanne), Swann Arlaud (Antoine), Pierre Niney (Ludo), Jacques Boudet (Rémi). Guion: Jean-Pierre Améris y Philippe Blasband. Producción: Nathalie Gastaldo y Philippe Godeau. Música: Pierre Adenot. Fotografía: Gérard Simon. Montaje: Philippe Bourgueil. Dirección artística: Sylvie Olivé. Vestuario: Nathalie du Roscoat. Distribuidora: Emon.

Sinopsis: Jean-René es jefe de una fábrica de chocolate, y Angélique chocolatera de talento. Los dos son unas personas muy sensibles y les une su pasión común por el chocolate. Se enamoran pero no se atreven a confesárselo. Su timidez enfermiza tiende a alejarles. Pero se sobrepondrán a su falta de confianza en sí mismos, con el riesgo de desvelar sus sentimientos.

¿Qué podemos esperar?: Que nos vuelvan a mentir sobre el amor, pero esta vez con ese tono francés amable y fresco, más sincero.

Y eso es todo mis queridos acólitos, sed felices viendo el cine que vosotros mismos elijáis. Yo me retiro a mis aposentos a reflexionar sobre la película que me ocupa estos días. Si cierto crítico dijo una vez en estas páginas que ‘Titanic’ (id, James Cameron, 1997) era la perfecta detectora de snobs, pienso que cierto título de Luchino Visconti es el perfecto detector de cobardes o miedosos/as. En breve.

Vía | LaButaca.net

La saga de ‘Transformers’ es un claro ejemplo de lo que un director como Michael Bay es capaz de hacer con una cantidad insultante de dinero. Cada vez que veo una de sus películas pienso en lo bien que se utilizarían 300 millones de dólares en otras cosas mucho mejores que el cine, y si nos quedamos dentro del séptimo arte, lo cierto es que tanto dinero da para hacer muchas buenas películas, creo yo. No obstante, Bay —de quien aquí un servidor, salva dos de sus películas, digamos que son placeres culpables— tiene su legión interminable de fans, si no es evidente que sus películas no recaudarían tanto. Cine de consumo rápido acorde con los tiempos que vivimos en los que el montaje caótico, la aparatosidad y el nerviosismo fílmico están a la orden del día. Por supuesto, que no falten una buena ración de efectos visuales y una gran cantidad de destrozos, cuanto más mejor.

Con Bay el dicho “menos es más” se invierte de forma radical. El ejemplo lo tenemos en esta saga en la que en cada nueva entrega se intenta el más difícil todavía a todos los niveles. Y siendo coherente, al menos eso no se lo podemos negar, el director de ‘Armageddon’ (id, 1998) convierte sus productos en juguetes con los que disfrutar en cierta medida. El problema es que el disfrute en un film de Bay se reduce a lo dicho anteriormente, la exigencia es mínima, y lo ofrecido no cubre ninguna expectativa. No obstante, y después de la lamentable segunda entrega, que prácticamente era un insulto a la inteligencia del espectador, esta tercera muestra del hacer de Bay en la saga es mejor de lo esperado. No digo buena, digo mejor, y estoy de acuerdo con mi compañero Pablo Muñoz en alguna de las observaciones vertidas en su crítica.

El tiempo ha pasado en la vida de Sam —un Shia LaBeouf visiblemente cansado de su personaje—, y ahora pasa la mayor parte del día buscando trabajo para poder satisfacer a su novia, la espectacular Carly —Rosie Huntington-Whiteley sustituyendo a Megan Fox, a la que yo particularmente echo de menos, por increíble que parezca—, que posee un trabajo de cierta relevancia, y en el que su jefe —el televisivo Patrick Dempsey en un papel demasiado grande para él, a no ser que no te lo tomes en serio desde el principio— no le quita los ojos de encima. Así pues, el pobre Sam, mientras se mide sus atributos —él salvó al mundo dos veces— con su competidor, los Deception y los Autobots entrarán de nuevo en guerra. El mundo estará de nuevo en peligro, y el famoso viaje a la luna de 1969 revelará curiosas verdades. El resto nos lo imaginamos, y sin duda con poco margen de error.

Que el argumento sea de una simpleza que asusta es algo que no debería cogernos por sorpresa a nadie. Es como si fuéramos a ver una película de Terrence Malick esperando explicaciones —incluso esperando cine—, y saliésemos cabreados por lo contrario. De todos modos, que el cine de acción, enormemente infravalorado tanto por la crítica como por el público, no ha de rebajarse tanto. Ahí tenemos muestras perfectas de John McTiernan, Richard Donner o Walter Hill para entender de lo que hablo. Con todo, en un film de Bay el guión hay que dejarlo a un lado, y entrar dentro de lo posible en su arrolladora maquinaria destroza cosas, si es que el aluvión de imágenes grandilocuentes nos deja. Lo que verdaderamente importa en una cinta del señor Bahía es su presunta espectacularidad. Si en las dos entregas anteriores ésta era confundida con aparatosidad, y la palabra emoción —indispensable en una buena cinta de acción— brillaba por su ausencia, en la tercera entrega ocurre más o menos lo mismo, con una pequeña diferencia: el montaje. Y cómo no, la aceptación del propio Bay de sus limitaciones.

Si con anterioridad no nos enterábamos absolutamente de nada a la hora de disfrutar de la pelea entre dos robots gigantes, en ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’ al menos sí nos enteramos. Bay parece haber aprendido la lección —o eso, o por fin ha entendido lo que más se le suele criticar— y el corte de plano tarda más en llegar. Ya no tenemos dos millones de plano por segundo, ahora ha bajado a un millón. Con esa contención en el montaje, las escenas de acción ganan, y aunque el vacío es enorme, al menos el mareo ha desaparecido. Sólo ese pequeño cambio me ha hecho disfrutar más de esta entrega de lo que esperaba, pero no se confundan, ni siquiera hablo de un placer culpable como para mí lo son ‘Armageddon’ o ‘La roca’ (‘The Rock’, 1996), simplemente no me ha parecido el bodriaco que me esperaba. Set pieces como la del edificio de Chicago son dignas de citarse, y en la que Bay no esconde sus intenciones, destrozo mayúsculo, intentado superar las entregas anteriores.

Personajes secundarios presumiblemente chistosos sin llegar a serlo jamás. Una rubia tonta que se queda quieta como una estatua mientras una ciudad explota literalmente detrás de ella. Un pardillo que por supuesto tiene el corazón de la chica. Unos soldados que tratarán de proteger a la tierra por honor. Unos robotejos graciosos cuyo germen están en R2D2 y C3PO. Y los granes y únicos protagonistas de la historia: los imponentes robots, que en esta película son revelados como los artífices de acontecimientos importantes en la historia del ser humano. Ese ejercicio de cambiar el curso de la historia, tan de moda últimamente en el cine de evasión, tiene cierta chispa, pero se acaba en el planteamiento. Las posibilidades de una idea de Steven Spielberg, productor del evento, se pierden en la pirotecnia que Bay ofrece una vez más. Y no será la última.

Damas y caballeros, empieza la carrera de las posibles aspirantes a los próximos Oscars, y una de las que más números tiene, ya que huele a ello por los cuatro costados, es la última película de Steven Spielberg, que no sé si lo he dicho alguna vez pero lo repito porque me apetece, es considerado por un servidor como uno de los mejores directores de la historia, así de sencillo. Tras las aventuras de Tintín nos llegará en diciembre ‘War Horse’, de la que aquí os traemos su “quieroganarquinceoscars” cartel, deslumbrante como él solo. Bromas aparte, la historia de amistad a lo largo de mucho tiempo entre un joven y un caballo promete emociones fuertes, y espero que sea otra muestra más del genio de un director que siempre ha tenido cosas que contar a lo largo de cinco décadas.

El debutante en pantalla grande Jeremy Irvine encabeza un reparto en el que también podremos ver a Emily Watson, Tom Hiddleston y David Thewlis. ‘War Horse’ adapta la famosa novela homónima del escritor inglés Michael Morpurgo. Llama la atención el hecho de que Spielberg cuenta en el guión con dos británicos, Lee Hall —‘Billy Elliot’ (id, Stephen Daldry, 2000)—, y Richard Curtis, escritor de films como ‘Cuatro bodas y un funeral’ (‘Four Weddings and a Funeral, Mike Newell, 1994) o ‘Notting Hill’ (id, Roger Michell, 1999), y director de ‘Love Actually’ (id, 2003). En la música, un tal Williams, en el montaje, un tal Kahn y en la fotografía, un tal Kaminski. No puedo imaginarme mejor equipo para despedir el 2011. Ojalá sea con una gran película.

Vía | Comingsoon

-Las cosas malas suceden, pero podemos seguir viviendo

A falta de un buen DeLorean a mano, creo que una de las mejores máquinas del tiempo que existen es el Cine. El séptimo arte nos ha llevado a infinidad de rincones del planeta en infinidad de momentos históricos, a vivir mil y una historias. En un momento uno puede viajar al lejano Oeste, perderse en la maravillosa gama de grises del mejor cine negro, o acompañar a pilotos interestelares en lejanas galaxias. Se le puede dar una vuelta de tuerca, y ahora, con tanto ejercicio de revisionismo, podemos viajar ya no a épocas concretas de la historia, sino a épocas cinematográficas. El homenaje cinéfilo como forma de narración es, sin duda, arriesgado, pero J.J. Abrams ha salido airoso de un proyecto de lo más atractivo: trasladar la magia de Amblin —productora de Spielberg que nos regaló inolvidables producciones en los 80—a nuestros días, tan empapados de lenguaje televisivo, algo que el creador de ‘Lost’ conoce muy bien.

Resulta curioso que una de aquellas películas sea precisamente la estupenda ‘Regreso al futuro’ (‘Back to the Future’, Robert Zemeckis, 1985). Abrams se ha convertido en el Doctor Emmet Brown, y nos ha llevado hacia a aquellos años en los que películas como ‘E.T.’ (id, Steven Spielberg, 1982) o ‘Los Goonies’ (‘The Goonies’, Richard Donner, 1985) alimentaban nuestros sueños infantiles. Pero al igual que os comentaba hace poco al respecto de que una película como ‘El origen del planeta de los simios’ (‘Rise of the Planet of the Apes’, Rupert Wyatt, 2011) no era lo suficientemente valorada debido a su condición de blockbuster, con ‘Super 8’ (id, J.J. Abrams 2011) pasa algo parecido. Su aspecto de refrito parece impedir su justa valoración. Creo que la película va mucho más allá, y desvela a Abrams como uno de los más eficientes narradores de la actualidad, alguien que nos ha devuelto la capacidad de soñar viendo una película, algo que a día de hoy parece haberse perdido.

La acción nos traslada al verano de 1979, en el que un grupo de chicos que están filmando una película casera, son testigos de un espectacular accidente de tren, tras el cual empiezan a suceder cosas muy extrañas en el pueblo. Los chavales, aficionados al cine de terror, deciden investigar por su cuenta lo sucedido. Una premisa que nos lleva de viaje por el mismo centro de la aventura, aquella que aún siendo niños y justo antes de convertirnos en adultos, hemos soñado todos alguna vez, tal vez influenciados por aquel Spielberg ochentero. Un viaje también por la inocencia, la amistad, el amor, el perdón, y sobre todas las cosas la aceptación final de la pérdida como inquebrantable paso hacia la madurez. Todo por el filtro de un inspirado J.J. Abrams, que demuestra como nadie que una vez también fue niño, soñó, y aún lo sigue haciendo. El mayor logro ha sido hacernos cómplices de sus recuerdos. Imagino a Spielberg leyendo por primera vez el libreto de Abrams, y recordando que una vez, hace ya mucho tiempo, hacía ese tipo de cine. Los imagino a ambos, como un binomio perfecto, hurgando en la memoria de toda una generación, o varias.

Hay una frase en esa obra maestra de Sam Peckinpah titulada ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969) que reza que todos queremos volver a ser niños, incluso los peores de nosotros, esos si cabe todavía más. ‘Super 8’ nos da la posibilidad de volver a aquellos años, no de una forma física evidentemente, pero sí de una forma emocional que pocos realizadores actuales son capaces de afrontar. La mirada de un niño, con su inocencia y curiosidad, es una mirada que no debe perder cualquier artista, y J.J. Abrams se revela como tal, ya no sólo por devolvernos una magia que muchos creíamos perdida, sino por saber adaptarse a estos nuevos tiempos, cada vez más cambiantes, más frágiles, e incluso peligrosos. Su gran acierto ha sido recordarnos que no debemos olvidar de dónde venimos, qué fuimos, y al mismo tiempo invitarnos a deshacernos de toda nuestra carga para poder seguir hacia delante. Como la buena ciencia ficción, una aventura sin igual para hablar sobre los valores humanos.

A Abrams le bastan tres planos para introducir al espectador en el drama personal del protagonista. El primero, con el que da comienzo la película, nos informa de un accidente laboral en una fábrica, música de Michael Giacchino mediante —su partitura recuerda más a lo que compuso para la serie ‘Lost’ que a las partituras de John Williams—, cambio de plano a un niño, Joe Lamb —sorprendente Joel Courtney—, vestido para un funeral mientras se aferra a un colgante sentado en un columpio del jardín de su casa; la cámara, de una sobriedad pasmosa, enfoca a una pareja de amigos de la familia, que hablando nos informan de la relación entre Joe y su padre. El drama familiar está servido, y a partir de ahí da comienzo la aventura, mientras poco a poco pero sin demora, los demás personajes centrales, una especie de Goonies, se van perfilando. El primer punto de inflexión se produce en el megaespectacular accidente de tren, el único instante en el que creo que a Abrams se le va la mano. Aún así, esa escena es toda una lección para personajes como Michael Bay o Roland Emmerich, no sólo por cómo está filmada, sino por su utilización en la acción del film.

Militares en escena —retratados poco menos que como estúpidos—, desapariciones misteriosas, algo parecido a unos cubos de rubik —ingenioso detalle de guión, que llama la atención enseguida ¿pues quién se resiste a querer saber más con un objeto tan reconocido?—, una presencia amenazadora, y poco más son los elementos que necesita Abrams para crear el suficiente suspense. Y va más allá cuando nos ofrece dos set pieces tan increíbles como la de la gasolinera o la del ataque al autobús, auténticos prodigios de ritmo y planificación, deudoras del Spielberg de ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975). A ello hay que sumar el sentido homenaje que se realiza en su segunda mitad a las monsters movies de los años 50, de las que sigue prácticamente el mismo esquema. Aventura y drama personal se mezclan a partir del instante de la confesión de Alice —excelente Elle Fanning, mejor actriz que su hermana—, una de las vitales secuencias del film, en la que Abrams usa el flashback a modo de proyección cinematográfica. Llama la atención la forma en la que el director conduce las dos investigaciones, por un lado la de Joe y sus amigos, y por otro la de su padre (efectivo Kyle Chandler, cuyo rol recuerda al Jack de ‘Lost’, incluso se llama igual), ayudante del sheriff, como evidente metáfora de la relaciones entre padres e hijos; distintos caminos, un fin común.

‘Super 8’ es uno de esos grandes espectáculos bien entendidos, y en los que al igual que en el citado trabajo de Rubert Wyatt, los efectos visuales están al servicio de la historia, sin ahogarla en ningún momento. Personajes carismáticos la mayoría de ellos, un poco de humor —no demasiado, pues Abrams no está filmando ‘Paul’ (id, Greg Mottola, 2011), otra carta de amor a Spielberg con similares intenciones—, acción y mucha emoción. Los ingredientes básicos de toda producción Amblin en aquellos maravillosos años, y de cualquier buena película que se precie de serlo. El excelente mcguffin —el alien— sirve a Abrams para volver sobre su tema predilecto: dejar las cosas ir, enfrentarse a los grandes problemas de la vida y elegir uno de los dos únicos caminos posibles, morir o vivir. Pero para seguir viviendo hay que aceptar la tragedia y liberarse, comprender que ciertas cosas ya no volverán y que su recuerdo no tiene por qué amargarnos la existencia.

Una nave espacial surca los cielos de regreso a su hogar. Para despegar necesitó algunos de los recuerdos de mucha gente, incluido un colgante, preciado nexo de unión entre un hijo y su madre muerta. Cada vez que mire los cielos, Joe Lamb tendrá esa indescriptible sensación de haber ayudado a hacer lo correcto, de dejar ir a un visitante a disgusto con la estupidez humana —muy bien reflejada en la ensalada de tiros y explosiones finales en el pueblo—, de liberarle, porque ese día él también se liberó, dejando ir a su madre. Giacchino vuelve a hurgar en nuestras glándulas lacrimales y yo me dispongo a verla por cuarta vez.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Super 8’, mirar los cielos

• ‘Super 8’, prefabricado producto nostálgico

Era de esperar que ‘Transformers 3: El lado oscuro de la luna’ (‘Transformers: Dark of the Moon’, Michael Bay, 2011) arrasase en taquilla, tal y como lo hicieron las dos prescindibles entregas anteriores. El enorme juguetito veraniego, en el que Megan Fox ya no tiene su lugar, apadrinado por don Steven Spielberg, ha sido con diferencia, la película más vista este pasado fin de semana en los USA, e imagino que en todos los países en los que se ha estrenado. El argumento es muy probable que no interese a nadie, lo que importan son los destrozos, explosiones, persecuciones y giros de cámara de 360 grados, todo made in Michael Bay, a quien ya se le tacha como el anticristo del cine. La crítica yanqui no ha sido muy benevolente, aunque el público votante en la IMDb ha sido un poco más permisivo.

Tom Hanks repite como director en ‘Larry Crowne’, la historia de un hombre maduro que, tras perder su trabajo, decide matricularse de nuevo en la universidad. Muy oportuno Hanks en estos tiempos tan difíciles, y además se hace acompañar de la carismática Julia Roberts. La crítica no la ha recibido nada bien, y el público votante no parece muy satisfecho.

‘Monte Carlo’ (id, Thomas Bezucha, 2011) es un producto al servicio exclusivo de una de las estrellas de Disney Channel, Selena Gomez, quien comanda una excursión de tres adolescentes que van de viaje a Paris y por error terminan en Monte Carlo. En nuestras pantallas podrá verse a partir del 20 de septiembre, el de este año, desgraciadamente.

Vía | IMDb

Me ha parecido justo terminar este especial a Stanley Kubrick con una obra que fue durante muchos años uno de los proyectos más queridos por el autor de ‘Senderos de gloria’ (‘Paths of Glory’, 1957). El realizador siempre estuvo fascinado por el mundo de los ordenadores, hasta el punto de que en su casa tenía los últimos modelos fabricados, que eran reemplazados cuando otro nuevo salía al mercado. El relato corto ‘Los superjuguetes duran todo el verano’ (‘Supertoys Last All Summer Long’, 1969) de Brian Aldiss había impresionado fuertemente a Kubrick y éste empezó a trabajar en la adaptación a finales de los años ochenta ayudado por el propio escritor, que se retiró del proyecto cuando Kubrick le dijo que debía introducir la historia de ‘Pinocho’ en la trama, una de las razones por las que ‘A.I.’ suele ser tan atacada por cierto sector del público, alegando una sensiblería que no existe por ningún lado, sino todo lo contrario.

Durante buena parte de los 90, Kubrick se dedicó intensivamente a la escritura de un guión, que a cada año que pasaba se iba complicando más y más debido al ansia de perfeccionamiento del realizador. Para empezar, Kubrick quería que la película estuviese interpretada por un robot de verdad, y mandó llamar al artista Chris Cunnigham, entre cuyas proezas se encuentra la de convertir a la cantante Björk en un robot, al que le pidió la hazaña de crear un robot que interactuase con los demás actores, labor prácticamente imposible aún a día de hoy. La inevitable necesidad de utilizar a un actor real preocupaba a Kubrick debido a lo largos que solían ser sus rodajes, y el tiempo hiciese mella en el joven actor. Joseph Mazzello fue una de las posibilidades que se barajaron en los 90, probablemente aconsejado por Steven Spielberg, quien mantuvo largas conversaciones con Kubrick durante años hablando sobre ‘A.I.’.

Fue precisamente el visionado de ‘Jurassic Park’ (1993) el que abrió los ojos a Kubrick, que le hizo llegar a la conlusión de que Spielberg era el director adecuado para la odisea del niño robot llamado David. Su experiencia con niños y sobre todo en el campo de los efectos visuales, convencieron al director de ‘Lolita’ (id, 1962) de que él debía permanecer como productor y guionista, mientras que el apodado Rey Midas se haría cargo de la dirección, dejando su impronta en el relato. La Warner había dado el visto bueno para que ‘A.I.’ fuese la siguiente película de Kubrick después de que éste realizase cierto título con Tom Cruise y Nicole Kidman, que se convertiría en la obra póstuma del realizador. La repentina muerte de Kubrick hizo que Spielberg, a petición de la familia del fallecido, dejase de lado todos sus proyectos y se dedicase por completo a ‘A.I.’, cuyo estreno sería en pleno 2001, un año más que significativo en la vida de Kubrick.

‘A.I.’ supone el regreso de Spielberg a la escritura de guiones tras casi 20 años desde el que había sido su último libreto, ‘Poltergeist’ (id, Tobe Hooper, 1982), y en él trató de seguir en la medida de lo posible la estructura del propio Kubrick, aunque algunos pasajes, probablemente debido a lo complicado que sería filmarlos, fueron sustituidos por otros. Sin ir más lejos, en su periplo David se encuentra con una sociedad oculta de robots que aspiran a convertirse en seres humanos de verdad, y son los que le indican que debe viajar a la ciudad de los muertos, una Nueva York inundada por las aguas. Independientemente de que ver eso en pantalla podría haber sido una gozada —como la muerte de Gigoló Joe a manos de un robot gigantesco en una sangrienta batalla en un bosque—, no hay duda de que Spielberg sintetizó la historia conservando la esencia de la misma, y hay que decir en su favor que hizo algo inesperado en su carrera: se volvió increíblemente cruel con el espectador, sin caer en una sola concesión, ni la más mínima. El resultado: la obra más adulta de su director y que abrió un nueva etapa de madurez en su filmografía.

Aunque ‘A.I.’ posea varios instantes en los que es un completo espectáculo para los ojos —la llegada a Rouge City, en la que se utilizaron por vez primera técnicas de digitalización más tarde empleadas en la famosa trilogía de Peter Jackson, la feria de la carne, o la impresionante parte final en un mar helado—, la película rehuye en todo momento los tics del actual cine comercial, rechaza por completo la etiqueta de blocksbuster y se convierte en un film mucho más íntimo, y adulto de lo que parece a simple vista. La precisa puesta en escena de Spielberg, llena de detalles ingeniosos que muestran a un David fragmentado, a través de cristales, de objetos, de espejos, de puertas, de repisas, etc. nos revela un autor que alcanza la cima de la expresividad haciendo algo que el espectador suele rechazar: que le hagan pensar, y mucho menos si viene de la mano de un director mundialmente conocido, probablemente el más conocido de toda la historia del cine.

‘A.I.’ se divide en tres parte bien diferenciadas. La primera nos presenta la tristeza de unos padres al tener que aguantar como su único hijo no despierta de un coma profundo, por lo que comprarán un niño robot para que sustituya en cierto modo al hijo perdido. Este tramo, que concluye con el abandono de David en el bosque —una de las escenas más terroríficas del cine actual— es el más cercano a Kubrick en cuanto a puesta en escena se refiere. Evidentemente no es casual, y creo que es más un homenaje por parte de Spielberg al mítico realizador que otra cosa. El segundo, que alcanza unos niveles de crueldad casi insoportables, es el que define el periplo de David —impresionante Haley Joel Osment—, acompañado de Gigoló Joe —un sorprendente Jude Law— hasta alcanzar su destino: el fondo del mar frente a una estatua que representa los sueños de David. Y el último —el más criticado injustamente— es una vuelta de tuerca hacia el centro mismo de la soledad, y en el que Spielberg realiza un doble salto mortal sin red, exponiendo temas que debido a su incomodidad, nadie quiere oír. Tras el amor de una madre y la búsqueda incansable de los sueños imposibles se esconde la despiadada y desalmada verdad: no hay esperanza de supervivencia para nadie en esta vida, sólo queda la soledad y la muerte es la única compañera que tendremos. En el guión de Kubrick, la madre de David, Mónica (Frances O´Connor) sobrevivía más de un día y se quedaba bailando con aquél entre risas. Creo que el ideado por Spielberg es mucho mejor.

Demasiado he leído sobre la inutilidad del tercer tramo, y no puedo estar más en desacuerdo con las opiniones que lo tildan de innecesario. Toda la película gira en torno a esos veinte minutos finales tan atacados, y Spielberg desde el inicio nos va introduciendo pistas sobre el mismo. La primera aparición de David frente a sus padres no puede ser más significativa, el plano está desenfocado y la figura del niño adelanta en qué se convertirán los de sus clase dentro de 2.000 años —algunos se empeñan en ver extraterrestres en esta parte, sólo porque la inteligencia artificial del futuro recuerda un poco a los aliens de ‘Encuentros en la tercer fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, 1977), algo que siempre me ha hecho mucha gracia—. Por otro lado el proceso de deshumanización que sigue el film está perfectamente definido, comienza con una cálida familia marcada por la desgracia, y termina con la ausencia total de humanos, en un mundo helado poblado por máquinas que buscan desesperadamente el significado de la humanidad, y en el que a pesar de todos los avances científicos, la resurrección de un humano a través de su ADN —Teddy, un osito de lo más carismático es uno de los detalles de guión más inteligentes del film, pues gracias a él David tendrá lo que desea— sólo permite que aquél viva durante un día pereciendo durante la siguiente noche. En otras palabras, la felicidad no dura.

Pero aún hay más, esa limitada felicidad queda remarcada por un hecho terrible: Mónica ha vuelto a la vida sin ser consciente de donde está y quién es realmente. Se le ha dado la vuelta a la situación, ella es una autómata que responde a las necesidades de David dándole todo su amor, como éste en un principio estaba programado para quererla eternamente. Pero la eternidad es algo que no se conocerá. Spielberg lo sabe muy bien y lo deja patente en su obra más personal. Casi toda la crítica se rindió ante la evidencia, pero el público dio la espalda al director más mediático. Tal vez tengamos que sumergirnos en nuestra propia soledad y soñar, como lo hizo David rompiendo todas las barreras existentes, para que un día, tal vez dentro de 2.000 años, cuando seamos sólo un recuerdo muy borroso en las mentes de quienes habiten este planeta, ‘A.I.’ sea apreciada con el mismo calor que una madre arropa a su hijo, intentando con ello salvarle de la única gran verdad: no hay esperanza. Kubrick estaría orgulloso.

Otra crítica en Blogdecine:

• Steven Spielberg: ‘Inteligencia artificial’, relato personal pero irregular

Especial Stanley Kubrick en Blogdecine:

• Una pretenciosa ópera prima
• ‘El beso del asesino’
• ‘Atraco perfecto’
• ‘Senderos de gloria’
• ‘Espartaco’
• ‘Lolita’

• ‘¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú’

• ‘2001: Una odisea del espacio’

• ‘La naranja mecánica’

• ‘Barry Lyndon’

• ‘El resplandor’

• ‘La chaqueta metálica’

• ‘Eyes Wide Shut’